Ein eckiger Tanz auf dem internationalen Parkett: Der Neubau der Deutschen Botschaft in Wien versucht, die Balance zwischen Hochsicherheit und Offenheit zu halten. Das gelingt ihm nur teilweise.

Das Wiener Botschaftsviertel ist ein Ort der nervösen Nachbarschaften. Hier, wo Parzellengrenzen Nationengrenzen darstellen, dominieren Zäune, Mauern, Kameras, Wachposten und Absperrungen den Zwischenraum. Mittendrin, mit einem prachtvollen Park gesegnet, die deutsche Botschaft, in angespannter Lage zwischen den Vertretungen Chinas und Russlands, dessen diplomatisches Verhältnis zu Deutschland momentan auf einem Tiefpunkt angelangt ist.

Mitten in diesem Spannungsfeld: eine Anomalie. Der hohe Metallzaun um das deutsche Territorium macht einen schwungvollen Ausreißer, weitet den Gehweg in Form einer tropfenförmigen Beule in den Garten hinein. Die freche Einladung zur Grenzüberschreitung, konzipiert vom Künstler Stefan Sous, ist die offizielle Kunst am Bau für den Neubau der Deutschen Botschaft. 2016 hatten die Leipziger Architekten Ansgar und Benedikt Schulz den Wettbewerb gewonnen, im April zogen die Mitarbeiter ein, Ende Oktober folgt die offizielle Eröffnung. Es ist das dritte Botschaftsgebäude an diesem Ort.

Die erste Vertretung errichtete das deutsche Kaiserreich 1877 im Renaissancestil, nach der Zerstörung folgte 1962–64 ein Neubau nach dem Entwurf von Rolf Gutbrod. Ein hervorragendes Beispiel der moderaten Moderne, das mit betonter Horizontalen und in schattigem Grau und Grün hinter den Bäumen zurücktrat. Es war die Zeit, als die junge Bonner Republik sich mit neuen Botschaftsgebäuden wie jenem von Hans Scharoun in Brasília als weltoffen und bescheiden präsentierte, ein Gegenmittel zum noch frischen Albert-Speer-Trauma der Monumentalität.

85.000 Reisepässe

Ab den 1990er-Jahren wurde es für die Beschäftigten jedoch enger, da die ständige Vertretung Deutschlands bei der OSZE an derselben Adresse Platz finden musste. Die Residenz des Botschafters wurde nach Hietzing ausgegliedert. 2014 wurde das sanierungsbedürftige Gebäude ganz geräumt, eine Studie kam zum Entschluss: Abriss und Neubau.

Man habe sich damals die Entscheidung für den Abriss wahrlich nicht leicht gemacht, sagt Thomas Hirschle vom Bundesamt für Bauwesen und Raumordnung (BBR), das als Bauherr fungiert. Neben dem zu hohen Sanierungsaufwand gaben die funktionalen Bedürfnisse den Ausschlag. 380.000 deutsche Staatsbürger leben in Österreich, davon 85.000 in Wien. Sie alle brauchen irgendwann einen neuen Pass. Die Wiener Botschaft ist nach jener in der Schweiz die zweitgrößte Pass-Anlaufstelle der Welt für Auslandsdeutsche. Veranstaltungen, Kulturarbeit und Empfänge brauchen repräsentativen Rahmen, vor allem wollte man Kanzlei, Residenz und Wohnbereich wieder an einer Adresse vereinen.

Der Entwurf von Schulz und Schulz, der die viergeschoßige Kanzlei mit den Büros und der Pass- und Visastelle über den zweigeschoßigen Trakt der Empfangsräume schichtet und mit dem fünfgeschoßigen Bauteil für die Residenz an der Ecke zur Reisnerstraße einrahmt, ist eine sinnvolle Umsetzung dieser Wünsche. Dabei blieb der Garten weitgehend unangetastet. „Der Garten war wirklich ein Geschenk“, sagt Benedikt Schulz. „Wir mussten ihn nur noch ein bisschen grüner machen.“

Zudem dient der Park als Filter zum öffentlichen Raum und übernimmt die zunehmend wichtige Rolle des Sicherheitsabstands. „Die internationalen Beziehungen sind schwieriger geworden“, sagt Botschafter Vito Cecere. „Vieles von dem, was heute passiert, entspricht nicht unseren Vorstellungen eines guten Miteinanders.“ Dass er damit vermutlich nicht nur den russischen Nachbarn meint, darf man zwischen den diplomatischen Zeilen lesen. „Umso wichtiger ist es, eine Dialogplattform bereitzustellen.“

Diese einladende Geste der Offenheit sei hier naheliegenderweise eine eher symbolische, betont Benedikt Schulz. „Die Sicherheit soll man gar nicht wahrnehmen.“ Die Sicherheitsanforderungen für Terrorabwehr und Geheimschutz innerhalb des Gebäudes sind hoch, die Personenströme müssen streng voneinander getrennt sein. Der Geheimschutz, sagt Ansgar Schulz, galt auch für die Architekten. „Wir durften bei der Planung auch nicht alles über das Gebäude wissen.“

Um den Widerspruch zwischen Offenheit und Terrorabwehr unter einen Hut zu bekommen, ist die Idee, die Baumasse mit einer horizontalen Fuge zweizuteilen und Luft hereinzulassen, nicht die schlechteste, auch wenn die Fassade aus Kärntner Marmor (eine Hommage an Gastgeberland und Nachhaltigkeit), die auch die Untersicht der auskragenden Bauteile bedeckt, dem Neubau eine gewisse lähmende Schwere verleiht. So ganz lässt sich der defensive Charakter nicht aus der Welt bekommen – eine Terrasse ist hier immer auch ein potenzielles Schussfeld.

Feststiege und Fluchtwege

Dafür empfängt die hohe Eingangshalle die Besucher mit ausgebreiteten Armen, das Atrium erlaubt den Blick in die unzugänglichen Obergeschoße und lässt zumindest die Existenz von inneren Botschaftsvorgängen erahnen. Den weniger sicherheitsrelevanten Weg in den ersten Stock eröffnet eine breite und recht steile Feststiege, die an einer leeren weißen Wand endet. Gäste mit Lackschuh und Robe müssen hier eine scharfe 180-Grad-Drehung hinlegen, wenn sie in der Beletage dem empfangenden Botschafter die Hand schütteln wollen. Die Atmosphäre erinnert eher an einen funktionalen Fluchtweg in einem Flughafenterminal als an den Wiener Kongress.

Die Repräsentationsräume, die sich zu Terrasse und Garten orientieren und an die Botschafterresidenz anschließen, zeugen von einer teils gelungenen Annäherung an Eleganz. Empfang, Bibliothek, Speisesaal. Am Boden leichte Variationen des Natursteins in Grau und Weiß, auch ein Schachbrettmuster taucht auf. Dezente Vorhänge, diskrete Holztäfelung. So ganz ließ sich die Aura bundesdeutscher Bürokratie aber nicht abschütteln. Immerhin: Entfremdete Auslandsdeutsche dürfen hier mit Assoziationen von Länderfinanzausgleichen, Sonderausschüssen und Anträge-bitte-per-Fax ihr Heimatgefühl auftanken.

Mit einer Ausnahme: Die weiße Wendeltreppe von der Terrasse in den Garten, inspiriert von den Besuchen der Architekten in Brasília, erlaubt sich eine martiniglashafte Leichtigkeit, die der übrige Bau nicht leisten darf, und erinnert an sorglosere Zeiten auf internationalem Parkett. Vielleicht kehren sie eines Tages zurück.

Der Standard, Sa., 2025.10.04

Die Windkraft Simonsfeld AG zählt zu den größten Windstromproduzenten Österreichs – und hat kürzlich ihren neuen Erweiterungsbau von juri troy architects bezogen. Der Holz-Lehm-Hybridbau überzeugt durch Atmosphäre, Innenraumklima und liebevoll komponierte Details.

Es hilft nichts. Kaum hat man das Foyer betreten, schaut man zunächst einmal weder auf den eleganten Empfangstresen noch auf die schicken Lounge Chairs vor dem Fenster und schon gar nicht auf die wohlproportionierte Holzkonstruktion, die den gesamten Raum in einer stoischen Ruhe säumt – sondern muss unweigerlich zur Stampflehmwand hinlaufen, Hand ausstrecken, riechen, streicheln, herumrubbeln. »Und beinahe«, erzählt Architekt Juri Troy, »hätten wir die Lehmwand nicht realisieren können, denn es hat sich wochenlang kein einziges Lehmbauunternehmen gefunden, das bereit gewesen wäre, den Erdhaushub vor Ort zu verarbeiten. Das wäre echt ein Malheur gewesen! Umso besser, dass es dann doch noch geklappt hat.«

Zurück zum Anfang. Die Windkraft Simonsfeld AG zählt mit 94 Windkraftanlagen, die sie plant, realisiert und auch selbst betreibt, zu den größten Windstromproduzenten Österreichs. Was 1996 als kleines Garagen- und Bauernhof-Unternehmen begonnen hatte – damals wurden die Betreiber noch von vielen als grüne Spinner belächelt, wie man in der Firmenchronik nachlesen kann – ist heute einer der größten und wichtigsten Arbeitgeber in der Region, eine halbe Autostunde nördlich von Wien. Mit 150 Mitarbeitenden in der Verwaltung und einer jährlichen Ausbeute von über 740 Gigawattstunden an grünem Strom – genug, um damit 185 000 Haushalte zu versorgen – entwickelte sich das einstige Start-up auf diese Weise zu einem ausgewachsenen Unternehmen in diesem Bereich.

Vor den Bestand gesetzt

Der erste Wachstumsschub kam 2014, als das Büro vom Bauernhof im kleinen, beschaulichen Simonsfeld ins etwas größere Ernstbrunn übersiedelte und den österreichischen Architekten Georg Reinberg, seines Zeichens Öko- und Solarpionier, mit der Planung für die neue Firmenzentrale beauftragte. Reinberg setzte damals eine hölzerne Lagerhalle aufs Grundstück, daran angrenzend eine Hightech-Büromaschine für rund 50 Mitarbeitende, mit gläserner Südfassade und konstruktiv inszenierter PV-Anlage auf den Vordächern – eine Art technoides Passivhaus-Wahrzeichen in Stahl und Glas. Dazu passend die offizielle, dafür eigens eingetragene Büroadresse: Energiewendeplatz 1.

Mit dem grünen Trend und dem kontinuierlichen Ausbau an Windkraftanlagen im ganzen Land wuchs der Betrieb stetig an, einige Angestellte mussten sogar schon in eine angemietete Dependance übersiedeln, eine weitere Ausbaustufe am eigenen Grundstück – in direkter Nachbarschaft zum Reinberg-Bau – war daher unausweichlich. In Kooperation mit dem Wiener Consulting-Unternehmen M.O.O.CON, das sich vor allem als Partner für die sogenannte Phase Null versteht, wurde ein einjähriger Findungsprozess initiiert, der 2022 in ein Auswahlverfahren mit anschließendem geladenen, zweistufigen Architekturwettbewerb mündete. Unter den vier teilnehmenden Büros sps architekten, MAGK Architekten, Dietrich Untertrifaller und juri troy architects konnte sich Letzteres als Sieger durchsetzen.

»Eigentlich wurde in der M.O.O.CON-Ausschreibung ganz klar kommuniziert, dass die Aussicht freigehalten und der Zubau neben oder hinter dem bestehenden Gebäude positioniert werden müsse«, erinnert sich Architekt Juri Troy. »Aber das hätte bedeutet, dass man den Neubau versteckt und dass man sich weitere, optionale Ausbaustufen auf diesem Grundstück ein für alle Mal verbaut hätte. Dem haben wir uns widersetzt.« Im Gegensatz zu den drei Konkurrenzentwürfen wagte es Troy, den Neubau direkt vor den Reinberg-Bau zu setzen und der Windkraft Simonsfeld AG auf diese Weise ein völlig neues Gesicht zu geben. Statt Technik, Photovoltaik und abweisender Stahl-Glas-Konstruktion wird man am Grundstück nun von Holz, Loggien und farbigen Outdoor-Möbeln in Empfang genommen.

Doch nicht nur das. Mit dem Anbau in u-förmiger Konstellation ist es gelungen, dem Bestandsbau die Sackgasse zu nehmen und das gesamte Büro mitsamt Lobby, Kantine, Teeküchen, Konferenzsaal und sogar teilbarer Veranstaltungshalle zu einem Ring mit zirkulärer, redundanter Erschließung zusammenzufassen. Auf diese Weise steigen die physischen Begegnungen und Kommunikationssituationen im Unternehmen. Und: »Im Bestandsbau hatten bloß 13 Prozent aller Büros Aussicht auf das große, grüne Feld mit den identitätsstiftenden Windrädern am Horizont«, rechnet Juri Troy vor. »Nun sind es 68 Prozent. Das war eines der ausschlaggebenden Argumente für unseren Sieg.«

Bauteilaktivierter Stampflehm

Und hinein ins Haus. Der Zugang befindet sich in einer gedeckten Nische an der Schnittstelle zwischen Alt und Neu, beiderseits Respekt erweisend, beide Bauphasen wertfrei nebeneinanderstellend. Nach einem kleinen Foyer mit ökologischen Kokosmatten als Fußabstreifer, was sonst, befindet man sich im eingangs erwähnten, stimmungsvollen Luxusfoyer. Holzstützen, Holzmöbel, Holzdecken, Sitzlandschaften in warmen Rot- und Rosatönen sowie Terrazzoböden mit Steinen aus einem nahe gelegenen Steinbruch bilden den Vordergrund vor der erdigen, archaischen Stampflehmwand, die die beiden Sanitär- und Erschließungskerne des Neubaus umfasst und bis hinauf ins Obergeschoss reicht.

»Die Stampflehmwand ist ein nicht nur visuelles, sondern auch haustechnisches und bauphysikalisches Schlüsselelement dieses Entwurfs«, erzählt der Architekt. Sie dient als Wärmespeicher, Feuchtigkeitsregulator und vor allem als bauteilaktivierte Masse, denn im Inneren der 20 cm tiefen Stampflehmschicht, die in groben, wellenartigen Schichten den manuellen Produktionsprozess veranschaulicht, befinden sich wasserführende Leitungen, die wiederum an eine Sole-Wärmepumpe und an elf neue Tiefenbohrungen unter dem Haus angeschlossen sind. »Nichts anderes als eine klassische Bauteilaktivierung«, so Troy, »allerdings nicht mit Stahlbeton, sondern aus einem natürlichen Rohstoff zusammengestampft.«

Von Anfang an hatte der Entwurf vorgesehen, für die Lehmschale das Aushubmaterial vor Ort zu verwenden. Allerdings fand sich zwischen Ostösterreich und Vorarlberg lange Zeit kein einziger Spezialist, der bereit gewesen wäre, den lokalen Aushub weiterzuverarbeiten. Manche hätten sogar vorgeschlagen, den Lehm aus Vorarlberg zu beziehen und quer durch die Alpen zu transportieren. In Hinsicht auf graue Energie und Emissionen hätte das den Gedanken der Kreislaufwirtschaft ad absurdum geführt. Das Ursprungskonzept konnte doch noch realisiert werden, und zwar wohlgemerkt mit tatkräftiger Unterstützung lokaler Mitarbeitender. Dies trug dazu bei, dass das Projekt nach dem österreichischen Gütesiegel klimaaktiv zertifiziert wurde und den Maximalwert von 1 000 klimaaktiv-Punkten erreichen konnte – ein neuer Rekordhalter.

Stimmige Einheit

Rund um die beiden Stampflehmkerne wie auch in deren Inneren befindet sich eine Holzkonstruktion mit 24 x 24 cm großen Stützen und Balken sowie mit Wand- und Deckenelementen aus massiven CLT-Platten. Mit einem konstanten Achsmaß von 2,70 m kommt zwischen den vielen ausgeklügelten baulichen Details wie Sitznischen samt drehbaren Tischchen, Stehboards samt Leselampen und geschickt platzierten Zu- und Abluftschlitzen in den Balkenzwischenräumen nicht nur Ruhe und Ordnung ins Gebäude, sondern, mehr noch, ein weiterer Gedanke von Zirkularität: »Eines Tages«, meint Troy, »wird man das Gebäude abtragen und die Bauteile wiederverwenden können. Aus diesem Grund haben wir die Konstruktion so weit wie möglich standardisiert und modularisiert.«

Auch wenn die Architektur aufgrund der seriellen Modularität wie viele Holzbauten heutzutage auf den ersten Blick wie eine segmentierte Bentōbox aussieht, ist das Projekt gegenüber ähnlichen Bauten in puncto Materialität einen großen Schritt voraus. Jury Troy hat den Erweiterungsbau nicht – wie so oft – ideologisch in einem Holz durchdekliniert, sondern die jeweils bestgeeigneten Holzarten wie beim Bau einer Violine oder eines Konzertflügels nach Bedarf miteinander komponiert: Fichte als Konstruktionsholz, Eiche für die bewitterten Terrassenflächen, Lärche für die Fenster, Weißtanne für Fassade, Türen, Möbel und Akustikdecken und schließlich Esche für Parkett, Handläufe und Griffstangen. Das Resultat ist ein sensibel zusammengestelltes Potpourri mit fließenden materiellen und chromatischen Übergängen – von einem Meister der Nachhaltigkeit, der sein Fach bis ins allerkleinste Detail hinein versteht.

Spätestens wenn man am Fenster zum Hof steht oder in den intimen, windgeschützten Garten hinaustritt, wird man dessen gewahr, was für eine schöne, stimmige Einheit hier geschaffen wurde – mit dem Bau von 2014, dem Neubau von 2025 und einem gleichwertigen Nebeneinander unterschiedlicher Ideologien nachhaltigen Bauens. Wie ernst es der Bauherr mit seinem klimasensiblen, ressourcenschonenden Commitment meint, zeigt sich nicht zuletzt im Blutspende-Bus, der regelmäßig bestellt wird, sowie in den täglich frisch gekochten, ausschließlich vegetarischen Menüs in der Kantine. So, und zwar nur so, könnte die Klimawende eines Tages doch noch gelingen.

db, Mi., 2025.10.01

Seit dem Hochhausprojekt am Wiener Heumarkt wurde wohl kein Barockmaler so oft zitiert wie Bernardo Bellotto. Die Wiener Künstler Steinbrener/Dempf & Huber ziehen gegen ihren längst toten Kollegen in einen polemischen Kampf und fordern in ihrer Ausstellung: „Tötet Canaletto!“

Der erste Aufschrei

„Ich denke an ein Retro-Hotel auf höchstem Niveau“, verriet der Wiener Investor Michael Tojner 2012 in einem Interview, als ihn DER STANDARD zu den Umbauplänen des Wiener Eislaufvereins befragte. Knapp zwei Jahre später war der internationale Wettbewerb entschieden: Mit seinem Entwurf für die Sanierung des Hotel Intercontinental sowie für ein ebenso modernistisch anmutendes Wohnhochhaus mit 22 Stockwerken und 73 Meter Gebäudehöhe konnte sich der brasilianische Architekt Isay Weinfeld gegen zwei Dutzend Konkurrenten aus aller Welt durchsetzen – darunter auch Hochkaräter wie etwa Snøhetta, Coop Himmelb(l)au und Neutelings Riedijk Architects. Aufgrund der Schreie und Beschimpfungen im Saal musste die Pressekonferenz damals abgebrochen werden.

Stadt als Meterware

In den Folgejahren entwickelte sich der „Tojner-Turm“ am Rande der Innenstadt zu einem Wiener Politikum, und schon bald mischten sich zwei externe Kräfte in die Diskussion mit ein – einerseits die Unesco, die damit droht, Wien im Falle einer Realisierung den Welterbe-Status abzuerkennen, andererseits der venezianische Vedutenmaler Bernardo Bellotto, besser bekannt als Canaletto, der während seines zweijährigen Wien-Aufenthalts im Auftrag von Maria Theresia ein paar Stadtansichten malte – darunter auch Wien, vom Belvedere aus gesehen, entstanden 1761. Und so musste das geplante Turmprojekt am Heumarkt immer wieder gestaucht und zusammengestutzt werden. Nach heutigem Stand – und noch weit entfernt von einem realisierungsfähigen Konsens – misst er 49,95 Höhenmeter.

Barocke Messlatte

„Wien hat sich seit dem Barock dramatisch weiterentwickelt, und Canaletto ist seit 245 Jahren tot“, sagt Christoph Steinbrener, der mit seinen beiden Partnern Rainer Dempf und Martin Huber das Wiener Künstlerkollektiv Steinbrener/Dempf & Huber leitet. „Wie kann es also sein, dass ein solches Auftragswerk, das in seinen Größen und Proportionen erwiesenermaßen verzerrt und beschönigt wurde, heute immer noch als qualitative Referenz herangezogen wird? Will man Stadtplanung im 21. Jahrhundert ernsthaft an den subjektiven Kennwerten einer absolutistischen Monarchie abarbeiten?“ Der Canaletto-Blick, so Steinbrener, sei damals schon ein Fake gewesen, daher habe er auch überhaupt keine Skrupel, in der Tradition des falschen Abbilds weiterzuarbeiten.

Narrativ der Rechten

„Genau so arbeitet die rechte Politik“, sagt er. „Sie lässt die Kommunikation eskalieren und erreicht damit große Erfolge. Also dachten wir uns: Wir werden die plakative, leicht verständliche und wohl auch erfolgreiche Herangehensweise nicht allein den Rechten überlassen. Das können wir auch!“ Und so eröffneten Steinbrener/Dempf & Huber dieser Tage eine Ausstellung unter dem provokanten Titel Tötet Canaletto!. Die Schau in der Wiener Galerie rauminhalt harald bichler zeigt unter anderem verfremdete Canaletto-Blicke, die zu ganz neuen Arrangements collagiert werden – mit Knochen, Baseballschlägern, kiloschweren Vorschlaghämmern, aggressiv durchschneidenden Stadtautobahnen und himmelhohen Isay-Weinfeld-Hochhäusern, die wie im Hollywood-Film Inception zu einer surrealen Traumwelt zusammenwachsen.

59 Stockwerke

Und plötzlich gibt es in einem Viertelkilometer Höhe ein zweites, gespiegeltes Wien, das mit der echten oder angeblich echten Stadt da unten über Pflanzendarstellungen aus alten Lehrbüchern sowie über insgesamt 14 Tojner-Türme, jeder einzelne davon 59 Stockwerke hoch, verbunden ist. „Wir finden den Turm eigentlich ein bissl fad und vor allem auch sehr kurz nach all den Verkleinerungen“, sagt Künstler Martin Dempf, der in seinem Zweitberuf selbst als Architekt tätig ist. „Also haben wir ihn nach eigenem Ermessen wieder ein bisschen höher gemacht, denn der absolutistisch angelegte Schlossgarten Belvedere, aus dem die Öffentlichkeit einst aktiv ausgeschlossen wurde, kann in Zeiten der Wohnungsnot und der stadtplanerischen Stagnation ruhig einen zeitgenössischen Impuls vertragen.“

Wie tot ist das Tote?

Die am Dienstag eröffnete Ausstellung in der Schleifmühlgasse zeigt neben Collagen, Dioramen und Installationen, die allesamt mit dem vielzitierten Canaletto-Blick arbeiten, auch eine Handvoll schräg inszenierter Tierpräparate – ob das nun halbe Rehe sind oder kopflose Raben mit einem kopfsubstituierenden Objektiv von P. Angénieux, Paris. „In der Tierpräparation ist man stets darum bemüht, das tote Tier so darzustellen, dass es möglichst lebendig und möglichst wenig tot erscheint“, sagt Dempf. „Es ist eine Verzerrung zwischen Original und Kopie. So ähnlich ist das auch beim Canaletto.“ Mit dem ständigen Referenzieren auf einen barocken Zustand, der ohnehin nicht die Realität abgebildet habe, töte man jeden Gedanken einer künftigen Entwicklung.

Urbane Konfliktliebe

„Wir lieben die Stadt“, sagen Steinbrener/Dempf & Huber, die sich schon seit 20 Jahren mit dem Thema Stadt und öffentlicher Raum beschäftigen, im Interview mit dem ΔTANDARD. „In der Dichte der vielen, vielen Konflikte, die es hier Tag für Tag auszutragen gilt, ist die Großstadt das wahrscheinlich komplexeste und faszinierendste soziale Biotop, in dem wir Menschen koexistieren. Umso wichtiger ist es, für die Zukunft Kriterien zu finden und Qualitätsstandards zu definieren, die keinen toten Barockmenschen instrumentalisieren, sondern die aus heutiger Sicht heraus, mit dem heutigen Wissen im Talon eine gesunde Stadtentwicklung und Stadtverdichtung ermöglichen. Als Künstler nehmen wir uns die Freiheit, diesen Missstand zu kommentieren. Canaletto gehört endlich begraben.“

[ Die Ausstellung „Tötet Canaletto!“ ist noch bis 4. Oktober 2025 zu sehen. Galerie rauminhalt_harald bichler. ]

Der Standard, Sa., 2025.09.06

In Berlin hat FAR Frohn & Rojas kürzlich ein Wohnhaus fertiggestellt – mit serieller Bauweise, unverputztem Sichtbeton und ziemlich rougher Ausstattung. Der Bau könnte ein Exempel für billiges Bauen und Wohnen sein.

Nackte Betonwände in den Zimmern, unverspachtelte Betonunterzüge an der Decke, spartanisch gestaltete Betonlaubengänge mit einer flankierenden Bauteildämmung aus Hornbach-Heraklith, als hätte die Baufirma das Gerüst abgebaut, bevor sie die Außenseite des Hauses überhaupt noch streichen und verputzen konnte. „Nein, das ist Absicht“, sagt Marc Frohn, „und nicht nur, weil wir als Architekten darin eine gewisse Ästhetik erkennen, sondern vor allem auch, weil wir mit diesem Wohnhaus ein Exempel für intelligenten seriellen Wohnbau statuieren wollten.“

Kaulsdorf im tiefsten Osten von Berlin ist so etwas wie das Harter Plateau in Linz oder die Rennbahnsiedlung in Wien. Kaulsdorf Nord 1 im Speziellen, eine wenig charmante Namensgebung der damaligen DDR-Stadtplanung, zählt mit seinen Hochhäusern aus den 1970er- und 1980er-Jahren zu den größten Plattenbausiedlungen Europas – mit viel Grün zwischen den Häusern, aber auch mit Hartz IV, Netto-Diskontern und verrosteten Teppichklopfstangen im Innenhof.

„Im Sinne der städtischen Nachverdichtung eignen sich diese luftig bebauten Quartiere bestens für Neubauten und Lückenschließungen“, so Frohn. „Und nachdem wir hier von jahrzehntelanger Expertise in serieller Vorfertigung umgeben sind, mit Waschbetonfassaden und Plattenbauten aus der Serie WBS70, wollten wir uns auf genau diesem Grundstück mit der Zukunft des seriellen Bauens beschäftigen – und uns die Frage stellen, wie wir Vorfabrikation im besten Einvernehmen mit architektonischer Kreativität technisch effizient und wirtschaftlich attraktiv weiterdenken können.“

Es ist nicht das erste Mal, dass sich Marc Frohn – der gemeinsam mit Mario Rojas und Wendy Gilmartin das trinationale Architekturbüro FAR Frohn & Rojas leitet, mit Niederlassungen in Berlin, Los Angeles und Santiago de Chile – mit seriellem Wohnbau beschäftigt. Bereits 2019 entwickelte er das vielfach preisgekrönte Wohnregal im Berliner Bezirk Moabit, damals noch mit bloß zehn Wohnungen und einem Büro im Erdgeschoß, in das er selbst eingezogen ist.

Spiegelgleiche Wohnriegel

„Doch nun wollten wir noch einen Schritt weiter gehen und die Idee des Seriellen mit all seinen räumlichen und materiellen Reizen auf einen größeren Maßstab ausweiten.“ Das Resultat ist eine Wohnhausanlage mit zwei spiegelgleichen Wohnriegeln mit insgesamt 124 Wohnungen. Der Bausatz umfasst an die 8300 Fertigteile – darunter nicht nur Säulen, Platten und Unterzüge, sondern auch 124 vorfabrizierte und in einem Stück auf die Baustelle gelieferte Badezimmerboxen.

„Wir stellen das serielle Bauen bewusst und ungeschminkt zur Schau“, sagt Frohn, „ohne Farbe und ohne Verkleidung – und gerne mit all den fleckigen Marmorierungen in der Betonoberfläche.“ Sowohl drinnen in den Wohnungen als auch draußen auf den netzbespannten Laubengängen mit ihren hyperbelförmigen Balkonausweitungen sind die Unterzüge als konstruktive Maßnahme deutlich ablesbar. Bei einer Raumhöhe von 2,85 Metern, die im Neubau mittlerweile als Rarität erachtet werden kann, erscheint dies nicht wirklich störend. Mehr noch ergeben sich in den Schnittpunkten von Säule, Konsole und Querträger spannende Details. Schalter, Steckdosen und Verkabelungen sind auf Putz geführt. Why not?

Doch die Einsparungen liegen nicht nur in der radikalen Reduktion der Materialien, sondern auch in der cleveren Anordnung und Funktionsüberlagerung der Flächen: Der halböffentliche Laubengang dient zugleich als Balkon, auf Vorzimmer wurde komplett verzichtet, die unorthodox geschnittenen Räume mit ihren deckenhohen, teils doppelflügeligen Türen lassen unterschiedliche Nutzungen zu. Hinzu kommt der vom Berliner Landschaftsarchitekturbüro Topotek 1 gestaltete Innenhof – mit knallrotem Sportbelag und ebenso rot lackierten Sitzmöbeln und Spielgeräten.

„Ja, dieses Wohnhaus ist wohl Geschmackssache“, sagt ein junger Herr im Erdgeschoß, der erste, bereits eingezogene Mieter, nachdem die Vermarktung des Projekts im Mai startete und das Haus vor wenigen Wochen erst fertiggestellt wurde. „Ich habe mit meiner Familie davor in einem klassischen Gründerzeithaus gewohnt, und das hier ist jetzt so ziemlich das Gegenteil davon. Aber die Architektur ist in ihrer Fremdheit irgendwie ansprechend. Ich bin schon gespannt, wie sich dieser Wohnriegel mit der Zeit mit Leben füllen wird.“

Mit rund 15 bis 20 Prozent Ersparnis in den Baukosten ergeben sich hier gute Möglichkeiten, die mittlerweile exorbitant hohen Wohnkosten in deutschen Städten ein wenig zu senken. Beim ersten Projekt in Moabit ist dies gelungen, rechnet der Architekt vor, und auch das nun geplante Folgeprojekt in Köln, ein Wohnhaus mit günstigen Wohnungen für Bedienstete der Kölner Stadtwerke, ist bereits in Entwicklung, doch ausgerechnet beim Wohnregal in Kaulsdorf ist die Rechnung leider nicht aufgegangen.

Der Auftraggeber und Investor Euroboden, der lange Zeit innovative High-End-Bauten mit namhaften Architekten wie etwa David Adjaye, David Chipperfield und Arno Brandlhuber realisiert hat, ist seit Ende 2023 insolvent. Eine attraktive Bewertung und Verwertung des Objekts scheint in dieser Situation für einen potenziellen Abverkauf allerhöchste Priorität zu haben – und das schlägt sich auch in der Miete nieder. Auf diversen Immobilienplattformen tauchen die letzten noch verfügbaren Mietwohnungen für 20 Euro und mehr pro Quadratmeter auf. Das ist selbst für Berliner Verhältnisse jenseits von Gut und Böse.

Wirtschaftlich reizvoll

„Mit den beiden Fertigteilhäusern in Moabit und Köln haben wir bewiesen, dass eine serielle Fertigung architektonisch attraktiv und wirtschaftlich reizvoll sein kann und dass wir die Wohnkosten auf diese Weise spürbar reduzieren können“, sagt Marc Frohn, „aber auch, wie viel Freiheit und Gestaltungsmöglichkeiten wir in einem seriellen System haben – und das genau hier, in Kaulsdorf, umgeben von Plattenbauten, quasi von unseren architektonischen Großeltern. Wir können von der Platte lernen.“

In einer Zeit, in der die Wohnkosten ungebremst nach oben klettern, auch in Österreich, mit all den Normen, Vorschriften und baurechtlichen Anforderungen, stellt sich die Frage, ob der Verzicht auf teure Baustoffe, hochwertige Ausstattungen und komplexe technische Schnittstellen nicht eine Möglichkeit wäre, das Wohnen endlich ein Äutzerl billiger zu machen. Sicher keine Lösung für die breite Masse, aber für einige.

Der Standard, Sa., 2025.08.16

Die Budapester Burg ist eine Großbaustelle. Viktor Orbáns Fidesz rekonstruiert hier die Kaiserzeit und schiebt andere historische Schichten zur Seite. Eine kritische Bergbesteigung mit dem Künstler Andreas Fogarasi.

Eine breite Baulücke klafft am Nordrand des Várhegy, des schmalen Bergrückens parallel zur Donau, auf dem die Budapester Burg thront. Rechts von der Lücke: Das wuchtige Gebäude des ungarischen Staatsarchivs, ein historistischer Bau aus dem Jahr 1923. Links davon: ein schmales Stiegenhaus aus Beton und Glas, dem das dazugehörige Haus fehlt. Es gehörte zum Archiv-Erweiterungsbau aus den 1970er-Jahren, der inzwischen abgerissen wurde.

Gefüllt werden soll die Baulücke mit einer Art neuem Altbau. Der im Zweiten Weltkrieg schwer beschädigte und später abgerissene Turm soll wieder errichtet werden, ergänzt um einen Gebäudeflügel, der 1923 geplant, aber nie ausgeführt wurde. Eigentlich sollte mit den Bauarbeiten schon 2022 begonnen werden, passiert ist bisher nichts. Der unerwünschte Bau aus sozialistischer Zeit wurde vorsichtshalber schon beseitigt.

Die Moderne tilgen

Es ist nicht der einzige neue Altbau auf dem Várhegy im Rahmen der großen Rekonstruktions-Initiative namens Nationales Hauszmann-Projekt. Benannt ist es nach Hofbaumeister Alajos Hauszmann, der zwischen 1890 und 1905 die Burg in großem Stil ausbaute, um auf imperialer Augenhöhe mit Wien zu sein – eine Ära, die jetzt wiedererstehen soll, wenn es nach Viktor Orbáns Fidesz-Partei geht, die das Programm maßgeblich vorantreibt. Davon erzählen die vielen Bauzäune, bedruckt mit Fotos, Zeichnungen und Porträts früherer Könige in stattlich-bärtiger Männlichkeit.

Nicht alle sind begeistert von diesem Großvorhaben. „Eine wesentliche Motivation des Hauszmann-Projekts und der aktuellen Regierung ist es, die Moderne aus dem Stadtbild zu tilgen“, sagt Andreas Fogarasi, vor dem Bauzaun des Nationalarchivs stehend. „Ihre Verwerfungen und Wunden und die Errungenschaften des 20. Jahrhunderts sollen unsichtbar gemacht werden.“ Der in Wien lebende Künstler mit ungarischen Wurzeln kennt die Bausubstanzen von Budapest, denn sie sind Kern seiner Arbeit. Er kombiniert Elemente von abrissbedrohten Bauten zu Materialpaketen, komprimierter Architektur-Archäologie. Seine besondere Liebe gilt der Architektur der Nachkriegszeit. Den Abbruch des Archivgebäudes bedauert er sehr.

Dass den Befürwortern des Hauszmann-Projekts die Bauten der 1950er- bis 1980er-Jahre ein Graus sind, wird keineswegs verhohlen. Denn die Kommunisten, sagen sie, hätten die Zeugen der imperialen Zeit, die der Krieg übrigließ, aus „ideologischen Gründen“ zerstört. Die simple Gleichung: Kommunismus gleich Moderne gleich Internationalität, ohne Rücksicht auf das typisch Ungarische, was immer es sein mag. Spaziert man mit Andreas Fogarasi durch den Várhegy, wird klar, dass das nicht ganz stimmt. Denn die Kommunisten machten hier keineswegs Tabula rasa. Im Altstadt-Gefüge entdeckt man zahlreiche Wohnbauten jener Zeit, die eine unaufgeregte Moderne mit historischen Elementen kombinieren und tadellos gealtert sind.

„Moderne Neuinterpretation“

Auch die Burg selbst wurde nach 1945 nicht als Symbol des unerwünschten Imperialismus gesprengt, sondern wieder aufgebaut – hier unterschied sich Ungarn von der DDR, die das Berliner Stadtschloss per Sprengladung beseitigte. „In Budapest wurde in einem jahrzehntelangen Prozess eine moderne Neuinterpretation geschaffen“, sagt Andreas Fogarasi. „Verschiedene Fassaden nahmen Bezug auf verschiedene Zeitalter, es wurden alternative Formen für die wiederaufgebaute Kuppel diskutiert. Aber heute treffen sich Berlin und Budapest im Rekonstruktionswahn der Gegenwart.“

Nähert man sich dem Burgkomplex, der die südliche Hälfte des Várhegy einnimmt, zeigt das Hauszmann-Projekt sein ganzes Gewicht. Hier werden derzeit das Gebäude des Oberkommandos der ungarischen Streitkräfte und das Erzherzog-Joseph-Palais von Grund auf neu errichtet. Allein diese beiden Bauten dürften mehr Beton aufbieten als die gesamte sozialistische Moderne auf dem Burgberg. Verkleidet in Styropor, darauf ein dünner Firnis aus historischem Dekor.

Das Spiel aus alt und neu wird nicht weniger verwirrend, je weiter man spaziert. Ein Flügel der Burg aus der Rekonstruktion der Nachkriegszeit ist bis auf die Fassade demoliert, daneben baut man an einer alternativen Rekonstruktion. Zwar ist die acht Jahrhunderte umfassende Baugeschichte der Budapester Burg eine des permanenten Umbaus, doch während die Wieder-Aufbauer des Sozialismus noch sorgfältige Archäologie betrieben hatten, ist für das Hauszmann-Projekt nur ein einziges historisches Kapitel interessant – jenes, das mit Ungarns größter territorialer Ausdehnung assoziiert wird. Auch hier ist also reichlich Ideologie im Spiel. Die Architekturtheoretikerin Maitri Dore weist in ihrer Forschungsarbeit Nation-building through architecture in post-socialist Budapest auf diesen selektiven Umgang mit der Geschichte hin: Alles vor dem ungarischen Schlüsseljahr 1867 wird beiseitegeschoben, alles nach 1945 sowieso.

Für sie ist der Fokus auf den Várhegy auch ein Zeichen, dass sich Fidesz nicht mit der Stadt auseinandersetzen und lieber über ihr thronen will. Während hier in Buda dreistellige Millionenbeträge ausgeschüttet werden, bröselt die Bausubstanz in Pest an vielen Stellen vor sich hin. Das ärgert auch Andreas Fogarasi: „Es macht mich unglaublich wütend, dass ein Staat, der die Bildung, die Gesundheitsversorgung, die unabhängige Presse und Kultur finanziell aushungert, sich mit einem enormen Aufwand dieses Denkmal errichtet und dafür historisch und architektonisch wertvolle Substanz zerstört.“

Feingliedrige Glaselemente

Endpunkt des Spaziergangs: die Kuppel des Palastes, wiedererrichtet 1961. Das Tageslicht flutet durch einen Vorhang feingliedriger Glaselemente in die Räume der Nationalgalerie. Auch hier hat das Hauszmann-Projekt große Pläne. Die Galerie wird in einen Neubau in Pest abgesiedelt, entworfen vom japanischen Büro SANAA. Die Kuppel soll durch eine Kopie der neobarocken Hauszmann-Kuppel ersetzt werden. Andreas Fogarasi, der Materialsammler, schaut zu den Glaselementen und seufzt: „Im schlimmsten Fall bekomme ich ein Dutzend davon. Im besseren Fall gar nichts – und die Kuppel bleibt bestehen.“

Der Standard, Sa., 2025.08.09

Der dekonstruktivistische Architekt hat die internationale Baukultur der letzten Jahrzehnte mitgeprägt und hinterlässt ein wichtiges Stück Architekturgeschichte

„Es gibt keine Wände mehr. Unsere Räume sind pulsierende Ballons. Unser Herzschlag wird zum Raum, unser Gesicht ist Hausfassade.“ Mit Provokationen wie diesen zählten Helmut Swiczinsky und sein Kompagnon Wolf D. Prix in den 1960er-Jahren zu den Jüngsten und Wildesten der Wiener Architekturszene. Mit ihren weißen Anzügen, aufblasbaren Herzräumen und riesigen pneumatischen Wohneinheiten haben die beiden Architekturstudenten in der Aula und in den Zeichensälen der Technischen Hochschule, der heutigen TU Wien, Geschichte geschrieben.

Geboren wird Helmut Swiczinsky 1944 im polnischen Poznań. Er wächst in Wien auf und studiert Architektur in Wien und an der Architectural Association in London. Auf einer Flugreise von Spanien nach Wien beschließt er, gemeinsam mit Wolf D. Prix eine Architekturgruppe zu bilden. „Ich habe damals gerade Hamlet gesehen“, wird sich Prix später erinnern und aus ebendiesem Stück zitieren: „Seht Ihr die Wolke dort, beinah in Gestalt eines Kamels? Mich dünkt, sie sieht aus wie ein Wiesel. Oder wie ein Walfisch?“ Mit dem Blick aus dem Flugzeug wird schließlich der Name des Büros geboren: Coop Himmelblau. „Himmelblau ist keine Farbe“, schreiben die beiden bald in manifestartigen Worten nieder, „sondern die Idee, Architektur mit Fantasie leicht und veränderbar wie Wolken zu machen.“

Zu den ersten Projekten zählen Villa Rosa, The Cloud, Herzraum Astroballon, Herzstadt Weißer Anzug, Gesichtsraum Soul Flipper, Haus mit fliegendem Dach und Flammenflügel im Innenhof der TU Graz („Architektur muß brennen“). Die Prototypen aus Gummi, Latex, Kunststoff, Metallgittern und aufblasbaren Membranen ernennen Luft und Feuer zum Baustoff und erklären der Schwerkraft die Absage. Die Wolken, Fernsehhelme und kugelförmigen Konstruktionen gelten als neue Medien, Körperverlängerungen und dematerialisierte Wohnorganismen.

Berühmt über Nacht
„Unsere Architektur hat keinen physischen Grundriß, sondern einen psychischen“, lautet einer der Texte zu den frühen Projekten, die im architekturtheoretischen Kontext dem Dekonstruktivismus zugeordnet werden und schon bald im Museum of Modern Art (MoMA) in New York zu sehen sind. Oder, noch präziser, in Anspielung an den westdeutschen Aktivisten Rudi Dutschke: „Nicht wir haben uns zu verändern, um in Architektur zu leben, sondern die Architektur hat so auf unsere Bewegung, unser Gefühl, unsere Stimmung, unsere Emotion reagieren, daß wir in ihr leben wollen.“

1983 entsteht das erste dauerhaft realisierte Hochbauprojekt, der Dachausbau Falkestraße in der Wiener Innenstadt. Das mittlerweile denkmalgeschützte Projekt für eine Wiener Rechtsanwaltskanzlei macht die beiden über Nacht international berühmt. Es folgen das Fundermax-Werk in St. Veit an der Glan (1989), der UFA-Kinopalast in Dresden (1998), das Wohnprojekt Gasometer Wien (2001), das Akron Art Museum in Ohio (2007), die BMW-Welt in München (2007), das Musée des Confluences in Lyon (2009) und die Europäische Zentralbank (EZB) in Frankfurt am Main (2011).

Bruch der Buddys
In den Jahren der EZB-Planung zieht sich Helmut Swiczinsky, der stille und philosophische Innenminister von Coop Himmelb(l)au, das im Zuge der zunehmenden Bautätigkeit das „l“ in Klammern setzt, allmählich aus dem operativen Geschäft zurück. Mit dem Aufkommen der großen Projekte für Baku, Istanbul, Seoul, Dalian und die Halbinsel Krim kommt es zum Bruch der einstigen Buddys, die einst so stark zusammengeschweißt waren wie die Beatles oder die Rolling Stones, deren Song Gimme Shelter viele lange Jahre in der Warteschleife erklingt, wenn man bei Coop Himmelb(l)au anruft.

Helmut Swiczinsky löst die Büropartnerschaft auf und bricht den Kontakt zu Wolf Prix ab. In den letzten zehn Jahren lebt er ohne aktive Erwerbstätigkeit im Kreise seiner Familie und widmet sich der Malerei und der Philosophie. Am Dienstag ist er nach kurzer, schwerer Krankheit gestorben. „Er war einmal mein größter Freund“, sagt Prix auf Anfrage des STANDARD. „Wenn Menschen aus dem Leben gehen, werden die Geschichten, die man mit ihnen erlebt hat, Vergangenheit. Das macht mich sprachlos.“

Der Standard, Mi., 2025.07.30

Heute Nachmittag wird das neue Reichshofstadion in Lustenau eröffnet. Das „Fußball-Wohnzimmer“ ist ein spannendes Match zwischen Holzbau, Anrainer-Interessen und cleverer Verkehrsplanung.

Heute, Samstag, 16 Uhr, werden die Grün-weiß-Gestreiften aus Lustenau gegen die Augsburger im knallroten Auswärtstrikot antreten und das neue Reichshofstadion mit einem Freundschaftsspiel eröffnen. „Der FC Augsburg spielt in der deutschen Bundesliga, das ist ein Klassenunterschied, das kann man nicht leugnen, die sind schon echt gut“, sagt Bernd Bösch, Vorstandssprecher des SC Austria Lustenau, zweite Bundesliga in Österreich. „Aber wir haben dennoch ganz gute Chancen auf den Sieg. Abgesehen davon: Darum geht es nicht! Wir freuen uns einfach riesig auf das Match. Und wir freuen uns, dass wir nun endlich ein Stadion haben, das dem Namen auch wirklich gerecht wird.“

Schon seit den 1950er-Jahren wird auf dem Areal des ehemaligen Reichshofs – die Bezeichnung geht auf das 9. Jahrhundert zurück, als der Reichshof Lustenoua zwischen mehreren Geschlechtern und Grafschaften hin und her geschenkt wurde – Fußball gespielt. Der Sportplatz wurde immer wieder erweitert, mit einer Rasenheizung ausgestattet und mit mal fixen, mal temporären Tribünen eingefasst, doch die Summe der provisorischen Maßnahmen sollte bald ein Ende haben. 2018 wurde ein offener Wettbewerb mit vorgeschaltetem Bewerbungsverfahren ausgeschrieben.

Vier Pflöcke in den Boden rammen

„Ich glaube, wir haben vor allem aus zwei Gründen gewonnen“, sagt Matthias Kastl, Projektleiter im siegreichen Architekturbüro Bernardo Bader, das den Wettbewerb in Zusammenarbeit mit dem Südtiroler Architekten Walter Angonese und dem Dornbirner Ingenieursbüro GBD Group für sich entscheiden konnte. „Erstens wollten wir eine warme, hölzerne Gemütlichkeit schaffen, eine Art Wohnzimmer für den Fußball bauen, und zweitens haben wir es geschafft, dass das eigentlich kleine, niedrige Stadion dank den vier Eckpylonen, die nun 40 Meter hoch in den Himmel reichen, als hätte jemand vier Pflöcke in den Erdboden gerammt, nun eine gewisse Größe und Sichtbarkeit bekommt.“
Ein Sockel für 90 Minuten Emotionen

Der Haupteingang befindet sich in der Schützengartenstraße 21, keine 200 Meter vom Rhein und somit von der Schweizer Staatsgrenze entfernt. Im Norden des Stadions gibt es ein Klubhaus in Holzbauweise sowie das sogenannte Austria-Dorf, eine Art Ganzjahres-Christkindlmarkt für die Wuchtel, mit Bier und Bosna, mit Fanartikeln und Fußball-Devotionalien – zusammengezimmert in Holzbauweise, niederschwellig in der Anmutung, durchaus ansprechend in seiner architektonischen Gestaltung. Von hier aus gelangt man zur VIP-Lounge sowie – durch breite Publikumstore, durch massiv betonierte „Münder“, wie der Architekt dies ausdrückt – zu den einzelnen Tribünen.

„Der erste Eindruck ist ein sehr archaischer, mit schwerem Sichtbeton, verzinkten Stahltoren und geböschten Wandscheiben, die wir so richtig plakativ in Szene setzen“, sagt Kastl. „Auf diese Weise wollten wir das Fundament zelebrieren und seine tragende Rolle veranschaulichen, schließlich sprechen wir hier von einem Publikum, das aus tausenden Menschen besteht, mit starken Emotionen, mit Schreien, Stampfen und Applaudieren, zweimal 45 Minuten lang und oft auch viel, viel länger.“

Doch kaum hat man die betonierten Münder passiert und die acht Betontreppen überwunden, eröffnet sich plötzlich ein fast 120 mal 80 Meter großes Wohnzimmer mit grünem Teppichboden und ohne Plafond, mit hölzernen Tribünen, hölzernen Stützen, hölzernen Seitenwänden und ebenso hölzernen Tribünendächern, die zehn Meter weit ins Nichts hinausragen und den insgesamt 5000 Zuschauerinnen und Zuschauern ein Dach über dem Kopf bieten. Die bestehende Westtribüne blieb erhalten und wurde dem neuen Konzept miteinverleibt. Spätestens hier versteht man, was die neunköpfige Wettbewerbsjury unter Vorsitz von Hemma Fasch meinte, als sie im Juryprotokoll die außergewöhnliche Atmosphäre des Projekts hervorhob.

Die tragenden Bauteile wie die 60 mal 26 Zentimeter dicken Stützen und das bis zu 85 Zentimeter hohe, jedoch geschickt kaschierte, superschlank erscheinende Tribünendach bestehen aus industriell vorgefertigten BSH-Leimbindern. Ergänzt wird der Holzbau von Bodenbrettern und abgehängten Lamellen aus Vorarlberger Fichte, direkt aus der Region. Bei der fast fünf Meter hohen Glasfassade im Hintergrund handelt es sich um satinierte Scheiben mit einer speziellen Sonnenschutz-Bedampfung, damit die Lichtemissionen, wenn das Spielfeld von oben mit tausenden Lux ausgeleuchtet wird, zu einem Teil absorbiert und die Bewohner in den angrenzenden Wohnhäusern nicht gestört werden.

Das neue, 15 Millionen Euro teure Reichshofstadion, das der Lustenauer Bürgermeister Patrick Wiedl in politischen Worten als „sportliches Highlight“ und „emotionalen Meilenstein“ bezeichnet, kann aber mehr als nur schön sein. Mit seiner gemütlichen Wohnzimmerhaftigkeit und einem vergleichsweise gut durchmischten Publikum – der Anteil der weiblichen Gäste im Reichshofstadion betrug schon bisher 30 bis 40 Prozent, während er in der Bundesliga bei nur 20 Prozent liegt – rückt es den Fußball weg von Gewalt und Rowdytum zwischen den Fanblöcken hin zu einer familiären Freizeit-Chose mit Kind und Kegel.

Die ganze Stadt als Parkplatz

Vor allem aber ist das Stadion Zeugnis einer selten cleveren Zusammenarbeit zwischen sämtlichen Disziplinen, zwischen Holzbauern und Betonierern, zwischen Architekten und Bauingenieuren, zwischen Stadtplanung, Privatwirtschaft und Verkehrsbetrieben. Der Anteil der Pkw-Stellplätze im Stadionbereich ist auf ein absolutes Minimum reduziert, auf 66 Stück, um genau zu sein, davon 20 Prozent barrierefrei. Der Löwenanteil der Pkw-Anreisenden wird auf den bestehenden Firmenparkplätzen und in den unzähligen Gewerbebetrieben abgefangen.

„Lustenau hat einen hohen Anteil an Firmen und Gewerbeparks“, sagt Architekt Matthias Kastl. „Die dazugehörigen Parkplätze stehen an den Abenden und Wochenenden komplett leer. Also haben wir ein Modell entwickelt, wo die Leute ihr Auto auf den bereits bestehenden Parkplätzen abstellen und dann mittels Shuttle zum Stadion gebracht werden.“ Hinzu kommt, dass direkt neben dem Stadion für die Aktivmobilen rund 700 Fahrrad-Stellplätze errichtet wurden. Besser kann ein Freundschaftsspiel zwischen Sport, Politik und Umweltverträglichkeit nicht angepfiffen werden. Die Besten haben schon gewonnen.

Der Standard, Sa., 2025.07.19

Seit zehn Jahren betreibt der „rebellische Optimist“ Eugene Quinn seine Vienna Ugly Tours. Zeit für ein Spaziergangsgespräch darüber, wie wir Städte lesen, was immer hässlich sein wird und worüber sich heiter streiten lässt.

Die Route rückwärts gehen? Das habe er in zehn Jahren noch nie gemacht, sagt Eugene Quinn. Jene Pointen, die sich in der gewohnten Dramaturgie auf vorher Gesagtes beziehen, müsse er jetzt leider weglassen. Aber heute geht es um einen Rückblick, also passt die Retourkutsche. Der in Wien lebende Engländer mit irischen Wurzeln trägt schwarzes T-Shirt und MA-48-orange Hose. Wie immer, wenn er seine Vienna Ugly Tour leitet, die 2015 erstmals stattfand und deren Name sich von selbst erklärt: in der Stadt der Unesco-zertifizierten Schönheit das Hässliche suchen und finden.

Tour-Endpunkt und heutiger Startpunkt: das Bundesamtsgebäude an der Radetzkystraße, auch bekannt als „Tintenburg“. Ein Monument der Postmoderne mit fragwürdiger Ästhetik. „Die blaugrün gemusterten Platten sind angeblich eine Hommage an Gustav Klimt, aber für mich sehen sie aus, als hätte jemand aus dem Fenster gespieben“, sagt Quinn, dem man keinen Mangel an plakativen Meinungen nachsagen kann. Drinnen wird es auch nicht besser. „Der Eingang ist zu eng, das Haus ist zu hermetisch, es gibt keinen Dialog mit der Außenwelt, und in den Gängen verliert man sofort die Orientierung. Kein Ort zum Wohlfühlen!“

Das derart gescholtene Ministerium war von Anfang an Teil der Vienna Ugly Tour. Die Beamtinnen und Beamten, sagt Quinn, nähmen es gelassen. „Sie haben sich sogar gefreut, dass überhaupt Besucher vorbeikamen.“ Der von Peter Czernin entworfene und 1986 fertiggestellte achteckige Sozialpartnerschafts-Prunkbau gehört zweifellos nicht zu den Top Ten der Wiener Architekturschönheiten. Als er letztes Jahr unter Denkmalschutz gestellt wurde, reagierten viele irritiert. Doch mit der zeitlichen Distanz wandelt sich unser Blick auf das Gebaute, wird sanfter und gnädiger. Was hat sich in zehn Jahren Vienna Ugly geändert? Haben Quinn und seine Tourengeher manche hässlichen Entlein inzwischen lieb gewonnen?

Verschwitzte Unterleibsesoterik

Manche Stationen, sagt Quinn, seien tatsächlich entfallen, etwa der Nordturm des Stephansdoms („sieht aus wie ein abgebrochener Zahn“) oder die Skulpturen vor dem Michaelertrakt der Hofburg („unangenehm aggressiv“), weil die Teilnehmerinnen seiner Tour protestierten. Andere nahmen sich selbst aus dem Spiel, wie die bizarre Fassadenmalerei am „Haus der Zeit“ am Karmelitermarkt, deren Motive aus dem Bereich verschwitzter Unterleibsesoterik nach dem Verkauf des Hauses mit neutralem Beige übertüncht wurden. Wieder andere waren wenig erfreut über die Aufmerksamkeit und drohten mit Klagen. Um ein Hotel an der Ringstraße muss Quinn heute einen Bogen machen.

Wir verlassen das Ministerium also in die entgegengesetzte Richtung. In einer Stadt, die zunehmend vom Overtourism kolonialisiert wird, mag es erstaunen, dass die Mehrzahl der Teilnehmer bei der Vienna Ugly Tour Einheimische sind. Doch genau darum geht es. Das Aus-dem-Haus-Gehen und Hinschauen ist für den leidenschaftlichen Fußgänger Quinn mindestens so wichtig wie das betrachtete Objekt. Damit steht er in der Tradition des Schweizer Spaziergangswissenschafters Lucius Burckhardt und der Pariser Situationisten der 1960er-Jahre, und er ist nicht allein. Eine Renaissance von themenspezifischen Städtetouren jenseits von langweiligem Baedekerwissen-Herunterbeten ist weltweit zu beobachten. Bei der Vienna Walking Week Ende Juli, die von Quinn und seinem Team von Whoosh organisiert wird, gibt es Touren zu Kunst am Bau im Wiener Gemeindebau und zu Wiens Rolle als Welthauptstadt der Spionage. Dort zieht die Route eine logische Linie von der russischen Botschaft zur FPÖ-Zentrale.

Trotz der hohen Einheimischenquote ist Vienna Ugly keine Suderantenrunde für zeternde Wutbürger an der „Gründerzeit gut, Moderne böse“-Frontlinie, sondern eine heitere Angelegenheit. Schließlich bezeichnet sich Quinn als „rebellischer Optimist“. Er will andere Blickwinkel auf das Gewohnte eröffnen und nebenbei ernste Themen verhandeln. Sein Motto: „fun meets politics“.

Schon bei der nächsten Station, dem News-Tower am Schwedenplatz, sind erste Meinungsverschiedenheiten zu vermelden. Für den Rezensenten ist die locker komponierte Collage aus geraden und schiefen Bauteilen einer der besten Bauten von Hans Hollein, da der Architekt hier ausnahmsweise seine Liebe zu barocker Überladenheit zähmte. Nein, sagt Quinn. Für ihn ist der Turm ein Fixpunkt auf der Tabelle der Tristesse. „Es ist störend und viel zu grau. Niemand mag Grau – außer die Wiener Architekten! Wenigstens ist das riesige Display auf dem Dach kaputt, und wir müssen keine Werbung für die Autorevue mehr sehen.“ Wir sind uns einig, dass wir uns nicht einig sein müssen.

Schönheit und Langeweile

Ganz anders beim Collegium Hungaricum in der Hollandstraße. Das ist zwar nicht grau, sondern rot und weiß, aber seine willkürlich verteilten Diagonalen und Stabwerke versuchen hilflos, avantgardistisch zu wirken. Nicht gerade eine Werbung für ungarische Kultur. „Es wirkt alles andere als einladend“, sagt Quinn. „Wenn man daran vorbeigeht, fühlt man sich sehr unsicher – es sieht aus, als ob es gleich auseinanderfällt.“

An dieser Stelle der Tour, sagt er, folge in der Regel ein Exkurs darüber, dass Schönheit auch langweilig sein kann und weniger in Erinnerung bleibt als das Seltsame und Schiefe. Auch Architektinnen und Designer sprechen erfahrungsgemäß lieber über Harmonie und Proportion als über den nicht zu greifenden Begriff Schönheit. Jene, die von der Existenz einer „objektiven Schönheit“ überzeugt sind, bringen meist die Symmetrie ins Spiel. Doch Symmetrie ist so etwas wie das Glutamat der Ästhetik: ein Geschmacksverstärker, aber kein Rezept. Auch der Berliner Dom, zweifellos eines der hässlichsten Bauwerke der Menschheitsgeschichte, ist symmetrisch.

Das Wohnhaus in der Großen Schiffgasse 9 ist es auch, aber deswegen ist es nicht auf der Ugly-Liste. Seine kunterbunte Fassadengrafik erinnert Quinn an eine unbeholfene Kinderzeichnungsversion von Joan Miró und die Modetorheiten der 1980er-Jahre. Schiefe Haarschnitte, Schulterpolster. „Damals sahen auch schöne Menschen hässlich aus!“ Aber ist diese etwas unbeholfene Heiterkeit wirklich hässlich? Die Frage bleibt offen, wir müssen zum Endpunkt der Tour, Pardon, zurück zum Anfang: dem Flakturm im Augarten. „Den finden die meisten sowohl hässlich als auch schön, er lässt sich nicht kategorisieren“, sagt Quinn, verabschiedet sich und begrüßt die Schweizer Touristinnen, die seine Tour gebucht haben. Und sofort geht es dieselbe Strecke retour, in die richtige Richtung.

[ Die Vienna Walking Week 2025 findet von 19. bis 25. Juli statt. ]

Der Standard, Mo., 2025.07.14

Vor wenigen Tagen wurde das Photography Seoul Museum of Art eröffnet. Die skulpturale Black Box des Wiener Architekten Mladen Jadrić steht am äußersten Stadtrand. Man fragt sich, warum.

Ein Schuhmacher am Straßenrand, Bauarbeiter auf einer filigranen Stahlkonstruktion balancierend, ein Fischhändler, der in den frühen, noch eiskalten Morgenstunden seine Ware vom Truck ablädt. Wer diese ikonografischen Fotos von Lee Hyungrok, Alltagsszenen in einem noch jungen Land kurz nach dem Koreakrieg, als Originalabzug zu Gesicht bekommen möchte, muss am Hauptbahnhof in die Subway Nummer 4 einsteigen und 15 Stationen lang Richtung Nordosten fahren. In der Schlafstadt Dobong-gu, fernab vom Zentrum, nur drei Kilometer von der Stadtgrenze entfernt, ist Hyungroks Œuvre derzeit in der Ausstellung Breath of the Streets. Beginnings of Korean Art Photography zu sehen.

„Fotografie spielt in Südkorea eine wichtige Rolle“, sagt Jung Hee Han, Direktorin im neuen, erst kürzlich eröffneten Photography Seoul Museum of Art, auch besser bekannt als Photo SeMA, „sowohl im persönlichen, künstlerischen Ausdruck als auch in der Dokumentation des Alltags. Zudem ist es eines der demokratischsten Medien, das jedem die Teilnahme ermöglicht. In den Stammhäusern des SeMA gab es bislang nur wenig Platz dafür. Nun haben wir die Möglichkeit und die räumlichen Gegebenheiten, eine fundierte fotografische Sammlung aufzubauen – von der Geschichte bis zur Gegenwart.“

Verdrehter Würfel

Neu ist nicht nur die Sammlung, sondern auch das dafür errichtete Haus. 2017 wurde für den Neubau der SeMA-Dependance ein internationaler Wettbewerb ausgeschrieben. Aus insgesamt 73 Einreichungen ging der Wiener Architekt Mladen Jadrić in Kooperation mit dem südkoreanischen Büro 1990uao als Sieger hervor – und zwar mit einem verdrehten Würfel, mit einer Stadtskulptur aus horizontalen Lamellen, die den Eindruck erweckt, als hätte ein Riese einen Stapel Diapositiva, eingeklemmt in schwarze Plastikrahmen, 112 Stück an der Zahl, neben die Straße gestellt und im Moment des Loslassens zwischen Daumen und Zeigefinger leicht verdreht.

„Fotos, Prints, Polaroids, Positive oder auch Negative sind etwas Flaches, Flächiges, Zweidimensionales“, sagt Jadrić. „Das Sammeln und Archivieren, das ja zu von Natur aus zu den zentralen Tätigkeiten eines Museums gehört, ist immer auch mit einer höhenmäßigen Addition, mit Schlichten und Stapeln verbunden.“ Hinter der poetischen Metapher verbirgt sich eine Lamellenfassade aus recyceltem Faserbeton, eine standardisierte Stangenware, sechs Zentimeter in der Stärke, die nicht zuletzt die Aufgabe hat, sich selbst zu verschatten und den Hitzeeintrag ins Gebäude auf ein Minimum zu reduzieren.

Geplant war außerdem, die Verdrehung der unteren Höhenschichtlinien dazu zu nutzen, dem Platz eine Tribüne mit teils verschatteten Sitzstufen zu geben. „Die Grundstücksausnutzung ist enorm“, so Jadrić. „Mit der Schaffung einer Stufenlandschaft wollten wir den ohnehin geringen öffentlichen Raum auf diese Weise maximieren.“ Obwohl die geplante Platzerweiterung ein ausschlaggebender Faktor für den Wettbewerbssieg war, musste aus Sicherheitsgründen am Ende eine Absperrung vorgesehen werden. Nicht nur die österreichischen, auch die südkoreanischen Behörden, so scheint es, sind Meister der Angst, Haftung und Bürokratie.

Entmaterialisierung

Kaum hat man den Eingangsbereich – der mit seinen Lüftungslamellen und matten Milchglasscheiben leider etwas Rückseitiges, Hinterhofartiges hat, ein ziemliches Autsch im ganzen Projekt – hinter sich gelassen, betritt man eine monochromatisch dunkelgrau ausgemalte Höhle. Kein Fenster weit und breit, lediglich über die Schiebetür gelangt ein einziger, schmaler Tageslichtstrahl in den Innenraum. Der Architekt selbst spricht von Entmaterialisierung, von einer Camera obscura, die im LED-Scheinwerferkegel die darin ausgestellten Fotos umso besser zur Geltung bringt. „Alles, bloß keine weitere generische, hunderttausendste White Box!“

Die unteren drei Etagen dienen für Ausstellungen und Veranstaltungen, im dritten Obergeschoß sind Büros, Workshop-Räume und eine kleine Bibliothek samt eingeschnittenem Atrium angesiedelt. Beheizt und gekühlt wird das Photo SeMA mit 40 geothermischen Tiefbohrungen und einer Wärmepumpe, die mit der auf dem Dach installierten PV-Anlage betrieben wird. So kann das Haus bis zu 85 Prozent seines Gesamtenergiebedarfs abdecken – in einem Land, in dem die Energiedebatte noch in den Kinderschuhen steckt, eine beachtliche Geste. Die Baukosten belaufen sich auf 30,8 Milliarden Won, rund 21,2 Millionen Euro.

Wichtiger Impuls

„Es ist spannend, dass das Photo SeMA der bereits vierte südkoreanische Kulturbau aus österreichischer Hand ist“, sagt der in Seoul stationierte österreichische Botschafter Wolfgang Angerholzer am Tag der Eröffnung – und verweist auf das Busan Cinema Center von Coop Himmelb(l)au (2012), den One Ocean Pavilion von Soma Architecture in Yeosu (2012) und das Hyundai Motor Studio von DMAA Delugan Meissl Associated Architects in Hoyang (2017). „Und auch dieses Haus ist mehr als nur ein Gebäude. Es ist ein Katalysator für Stadt- und Quartierentwicklung, der den Bezirk Dobong-gu nachhaltig stärken wird.“

In Zeiten von 15-Minuten-Stadt, Dezentralisierung und Bevölkerungsexplosion ist die Positionierung eines öffentlichen Museums am Stadtrand ein wichtiger Impuls. Paris, Berlin, London, Rotterdam oder New York haben diese Aufgabe bereits begriffen und sind dabei, ihre Städte mit politischen, wirtschaftlichen und soziokulturellen Magneten zu dezentralisieren. Ein Schritt in die richtige Richtung. Der Schuhmacher von Lee Hyungrok könnte auch eine Einladung an die österreichische Stadtpolitik sein.

Compliance-Hinweis: Die Reise nach Seoul erfolgte auf Einladung des Photo SeMA.

Der Standard, Sa., 2025.06.07

Am Freitag wurde die 19. Architektur-Biennale in Venedig eröffnet. Konstruktive Beiträge halten sich in Grenzen. Die meisten suchen Zuflucht im Gestern oder im dystopischen Übermorgen, dass es leider nur so wehtut.

Sie erinnern an Wolken, an Spinnennetze, an Omamas Esstischüberwurf. 140 maschinell und zum Teil sogar händisch, mit mütterlicher Hilfe gestrickte Stoffteile, 400 Quadratmeter in Summe, hängen in Bäuchen und Parabeln von der Decke, man muss unweigerlich hingreifen, hineinkneifen, das luftig Leichte mit sanften Griffen durchkneten – bis man plötzlich ein leises Summern und Rattern vernimmt. An den beiden Längsseiten des Pavillons sind 140 Holzspindeln montiert, diese wiederum sind an die auf dem Dach installierte PV-Anlage angeschlossen. Wenn die Sonne scheint, drehen sich die Spindeln und wickeln die weißen, beigen, cremefarbenen Fäden Millimeter für Millimeter auf.

„Am Ende der Biennale“, sagt Architektin Jelena Mitrović, die das Projekt gemeinsam mit Stevan Martinović und Slobodan Jović kuratiert hat, „wird sich die Installation komplett in Luft aufgelöst haben. Dann wird das alles hier Geschichte sein.“ Ob sie das traurig macht, perdu die ganze Schaffenskraft? „Nein, ganz im Gegenteil. Wir bauen und kreieren eh schon viel zu viel, die Welt ist voll davon, unser ökologischer Fußabdruck eine einzige Katastrophe. Jetzt geht es darum, Räume und Gedankenräume wieder zu dekonstruieren und zu demontieren. Wo etwas verschwindet, gibt es Platz für neue Perspektiven. Das müssen wir wohl erst noch lernen.“

Unraveling: New Spaces, so der Titel des serbischen Pavillons am Ende der Giardini, ist wahrscheinlich einer der schönsten, einer der stärksten Beiträge auf der diesjährigen 19. Architektur-Biennale, die gestern, Freitag, offiziell eröffnet wurde. Und er bringt – mit nichts als Stoff – auf den Punkt, wie sehr sich die Disziplin Architektur heuer negiert, verneint, in ihrem gesamten Wesen zutiefst infrage stellt. Und wie schwer sie sich mit dem Generalmotto des diesjährigen Generalkurators Carlo Ratti tut. Denn „Intelligens. Natural. Artificial. Collective“ ist ein ziemlich großes Ding, das in Bausch und Bogen so ziemlich alles einschließt und so ziemlich nichts auslässt.

„Es geht um die Zukunft“, sagt Ratti, der die Biennale wissenschaftlicher haben wollte denn je, im Gespräch mit dem ΔTANDARD, „und darum, wie wir mithilfe von natürlicher, künstlicher und kollektiver Intelligenz zu einer guten, nachhaltigen Lösung beitragen können. Architektur ist eben nicht nur das Erschaffen von Umwelten, sondern auch das Gegenteil davon, das Innehalten, Nachdenken und Umlernen bisheriger Traditionen.“ Ob das wirklich gelingen kann? „Wenn, dann hier auf dieser Biennale, die ich als eine Art vielzelligen Superorganismus begreife. Gemeinsam können wir viel in Bewegung setzen.“

Steinzeitliche Ästhetik

Na ja. Dafür sind die einzelnen Beiträge – ob das nun die Länderpavillons in den Giardini oder die Forschungsprojekte im Arsenale sind – zu polarisierend unterwegs. Die einen marschieren schnurstracks in die Vergangenheit zurück und präsentieren in steinzeitlicher Ästhetik neu interpretierte Archen aus Holz, Lehm und Schilf. Darunter etwa auch Peru, die Ukraine, Marokko, Australien, Saudi-Arabien oder – besonders perfide – Großbritannien, das sich unter dem Titel GBR: Geology of Britannic Repair seine ehemalige Kolonie Kenia wieder einverleibt und den Pavillon in einen Vorhang aus tausenden Kuhdung-Kugeln hüllt. Die Idee der kolonialen Reparatur geht nicht wirklich auf.

Die anderen wiederum flüchten sich ins Übermorgen und setzen alles auf Robotik, künstliche Intelligenz, Nuklearreaktoren „Designed by Pininfarina“ (sic) und die offenbar unaufhaltsame 3D-Bedruckung der Welt, ob das nun mit Lehm, Bioplastik oder Cyanobakterien ist. Bei all dieser naturwissenschaftlichen Komplexität, mit der man in Carlo Rattis vollgestopfter Ausstellung im Arsenale konfrontiert wird, ist es umso erstaunlicher, was man szenografisch und typografisch alles falsch machen kann. Die Texte sind so lang, so dicht, so klein, so kontrastlos und so tief über dem Boden hängend, dass es sich empfiehlt, Lesebrille, Taschenlampe und Knieschoner mitzubringen.

Urbane Überhitzung

Stark thematisiert wird heuer auch die Klimakrise in Verbindung mit urbaner Überhitzung. Bahrain stellt unter dem Titel Heatwave eine Installation vor, die im Stadtraum und auf Baustellen mithilfe von geothermischen Bohrungen und abgehängten Gitterrosten einen gekühlten, wenn auch etwas dystopischen Schattenraum schafft. Deutschland greift mit seinem Stresstest wie immer in die Pathoskiste und inszeniert – durchaus schweißtreibend überzeugend – eine überhitzte Urban-Heat-Hölle sowie ein mit Bäumen gekühltes Stadtparadies. Und das Büro Transsolar simuliert im Arsenale mit Wasserbecken und der Abluft von dutzenden Klimaanlagen die venezianische Sommertemperatur – 42 Grad Celsius – anno 2100. Blöd nur, dass aufgrund der enormen Luftfeuchtigkeit schon am ersten Tag der Biennale der Putz von den denkmalgeschützten Säulen abgeblättert und ins Wasser geplumpst ist.

Noch beängstigender sind die Beiträge von Polen und Lettland. Polen baut unter dem Titel Lares and Penates. On Building a Sense of Security in Architecture ein zynisches Emergency-Labor mit häuslichen Schutzmaßnahmen wie etwa Rauchmeldern, Herrgottswinkeln und als Marienstatue getarnten Feuerlöschern auf – vor dem Hintergrund, dass ab 1. Jänner 2026 alle Neubauten in Polen aufgrund der globalpolitischen Situation mit Luftschutzräumen ausgestattet werden müssen.

Neue Aufgaben meistern

Und Lettland analysiert in Landscape of Defence seine 450 Kilometer lange Nato-Außengrenze zu Russland und Belarus. Oder, wie Kuratorin Liene Jākobsone dies ausdrückt: „Die Welt ist nun mal leider, wie sie ist, aber auch politische und militärische Grenzen können gebaut und gestaltet werden, anstatt sie nur mit Stacheldraht, Panzerkreuzen und Wachtürmen zu verstellen und tausenden Menschen, die hier wohnen, das Leben kaputtzumachen.“

In einer Welt, die auf der Kippe steht, muss Architektur lernen, neue Aufgaben zu meistern. Vielleicht nicht nur mit 3D-Druckern, designten Atomreaktoren und ach so intelligenten Robotern, wie Carlo Ratti meint, sondern auch mit Demut, Hoffnung und Empathie.

Bis 23. November 2025

Der Standard, Sa., 2025.05.10

Am Freitag wird die Architektur-Biennale in Venedig eröffnet. Österreich nutzt den Event, um die Wohnpolitik von Wien und Rom miteinander zu vergleichen.

Eine Rakete aus Holz und Metall, mit offenen Waschmaschinen-Bullaugen als Fenstern, als Spitze ein rotierender Kaminaufsatz, ein sogenannter Fumaiolo. Das 2012 gebaute Fernverkehrsmittel in der Via Prenestina 913 am östlichen Stadtrand von Rom ist ein zynisches Symbol, eine irrwitzige Einladung an all jene, die sich aufgrund der zunehmenden Wohnungsnot und der dramatisch davongaloppierenden Grundstückskosten auf der Erde keine Wohnung mehr leisten können. Es gibt Lösungen anderswo.

Die Kunstinstallation in der 1978 stillgelegten Wurstfabrik Fiorucci ist kein Zufall. 2003 wurde das Gelände verkauft, mit der Absicht, hier einen lukrativen Neubau zu realisieren. Nachdem die Planungen des Investors Webuild Group jedoch jahrelang auf eine Baugenehmigung warten mussten, wurde die ehemalige Fabrik 2009 von Menschen in prekären Lebenssituationen besetzt – darunter Roma, Sinti sowie Migranten aus dem Sudan, dem Maghreb und Lateinamerika.

Das Bottom-up-Wohnprojekt „Metropoliz“, das heute rund 200 Bewohnern und Aktivistinnen ein Dach über dem Kopf bietet, ist eines von vielen Best-Practice-Beispielen, die man im Österreich-Pavillon in den Gardini studieren kann.

Enorme Wohnungsnot

„Die Wohnsituation in Rom ist mit jener in Wien kaum vergleichbar“, sagt Michael Obrist, der den Pavillon gemeinsam mit Sabine Pollak und Lorenzo Romito kuratiert hat. „Hier eine enorme Wohnungsnot, die die Stadt kaum im Griff hat und die dazu geführt hat, dass sich nun Interessengruppen formieren, um leerstehende Häuser zu besetzen und in Eigenregie Wohnrechte zu erkämpfen, dort eine Stadt, die mit 220.000 verwalteten Mietwohnungen der größte Wohnungsgeber Europas ist und die weltweit als leistbares Idealmodell zitiert wird. Und doch haben wir es gewagt, Wien und Rom miteinander zu vergleichen.“

Agency for a Better Living nennt sich der diesjährige Beitrag auf der Architektur-Biennale in Venedig, die am Freitag ihre Pforten öffnet. Zur offiziellen Eröffnung des Österreich-Pavillons werden neben dem Kuratorenteam auch der Wiener Bürgermeister Michael Ludwig sowie Wohn-, Kunst- und Kulturminister Andreas Babler anreisen. Und beide dürften sich darüber freuen, dass im direkten Vergleich Wien mit seiner strukturellen Top-down-Planung und seinen günstigen Gemeinde- und geförderten Bauträgerwohnungen die Nase vorn hat.

„Das stimmt so nicht unbedingt“, meint Sabine Pollak. „Denn obwohl die Wiener Wohnpolitik vieles richtig macht, gibt es auch hier viele Probleme, die bis heute nicht gelöst sind. Die Anforderungen an das Bauen sind enorm, die Prozesse dauern ewig lange, viele Innovationen werden verhindert. Gute Architektur ist ein Kampf geworden. In diesen Punkten kann Wien durchaus von Rom lernen. Ganz abgesehen davon, dass Wien auch etwas mehr römische Zivilcourage vertragen könnte.“

Filme und Ausstellungen

Der österreichische Pavillon mit seinen zwei Filmen und zwei getrennten Ausstellungswelten zählt ohne jeden Zweifel zu den substanzvollsten Länderpavillons in der Lagunenstadt. Und zu den wenigen Beiträgen, die sich ernsthaft mit Stadt, Architektur und Lebensräumen beschäftigen.

Und doch handelt es sich – ein österreichisches Dauerphänomen, mit Ausnahme des aktivistischen Beitrags 2023 von Hermann Czech und dem mittlerweile aufgelösten Architekturkollektiv AKT – um eine klassisch formatierte Ausstellung mit Fotos, Grafiken und Erläuterungstexten, für die man auf dieser venezianischen Tour de Force mit Steinchen in den Sportschuhen viel Zeit und Energie mitbringen muss. Etwas weniger Pluralismus und etwas mehr sinnliche Unmittelbarkeit hätten einem so nahen, intimen Thema wie Wohnen sicher gutgetan.

Viele andere Länder haben sich vom sperrigen und viel zu umfassenden Generalmotto des diesjährigen Biennale-Kurators Carlo Ratti – „Intelligens. Natural. Artificial. Collective“ – allzu sehr in die Versuchung und Verwirrung führen lassen. Die einen setzen auf die Karte „Back to the roots“ und verrennen sich in vorzeitlich anmutenden Holz- und Lehmskulpturen, die aussehen, als wären hier eben noch die Ewoks am Werk gewesen, die anderen sehen in neuen Technologien wie 3D-Druck, Robotik und Künstlicher Intelligenz die Lösung aller klimatischen und globalpolitischen Probleme. Mit Architektur hat das alles hier nicht viel zu tun. Die unfassbare Polarität dieser Biennale ist wie ein Abbild der Welt, in der wir gerade leben.

Klima und Städte

Deutschland, Belgien, Kosovo, Bahrain und die Vereinigten Arabischen Emirate beschäftigen sich mit den steigenden Temperaturen in unseren Städten und legen mal konstruktive, mal eher beängstigende Lösungen zum urbanen Überleben und zur nationalen Nahrungsmittelsicherheit vor.

Polen und Lettland präsentieren sich als Emergency-Labore und stellen sich die Frage, welche Auswirkungen drohende Kriege auf die gebaute Umwelt haben.

Und die USA analysieren in ihrem Beitrag Porch. An Architecture of Generosity in einem Spagat aus Zynismus und politischer Unterwerfung die gute, alte Veranda als bautypologisches Element und zelebrieren ihr Willkommenskultur. So als gäbe es die Trump’sche Gegenwart gar nicht.

Der Standard, Do., 2025.05.08

In Togo, Ghana, Benin, Nigeria und im Senegal sind viele Baudenkmäler der Moderne dem Verfall preisgegeben. Eine Gruppe von Architektinnen hat sich nun zum Ziel gesetzt, die Bauten zu dokumentieren und den Verlust zu stoppen.

Die Farbe abgeblättert, die Fenster rausgerissen, die Zimmereinrichtung ausgehöhlt und längst verscherbelt. Wo sich einst, in den Siebzigern und Achtzigern und damit in der Hochblüte des Phosphathandels, unter der fast im Zenit stehenden Tropensonne Promis, Politiker und Flugbegleiterinnen von Sabena, Air France und Air Afrique am Pool tummelten, mit guter Laune und Schirmchen-Cocktails in der Hand, klafft heute ein ausgetrocknetes Betonloch im Boden.

Aus einem der halbovalen Fenster in der Fassade, umgeben von bunten Mosaiken mit Wölkchen und Pfeilen, ein Summen und Surren: Plötzlich schießt eine Drohne aus dem menschenleeren Haus. Der Pilot, hoch konzentriert, steht vor dem Hotel, das Steuerungsmodul fest im Griff, die Schweißperlen auf der Stirn, bitte nicht stören, nicht jetzt, hinter ihm die Auftraggeberin, eine junge Architektin und Dokumentaristin aus New York, die sich mit ihrem Büro Limbo Accra einer ganz besonderen Form von Architekturarbeit verschrieben hat.

„Das Hôtel de la Paix in der togolesischen Hauptstadt Lomé“, sagt Dominique Petit-Frère, „ist eines der tollsten Baudenkmäler der westafrikanischen Moderne. Schau dir nur mal diese Kontur, diese Details, diesen Fantasiereichtum an!“ Seitdem der Hotelbetrieb 2005 eingestellt wurde, verfällt das Gebäude zusehends. Bis heute gibt es keine umfassende Dokumentation, die das Haus korrekt, repräsentativ und aussagekräftig einfängt. „Und wer weiß, ob das Friedenshotel nicht eines Tages abgerissen wird. Also habe ich mich entschieden, zu dokumentieren, was noch da ist.“

Symbol für Unabhängigkeit

Errichtet wurde das Hôtel de la Paix in den Jahren 1972 bis 1974 nach Plänen des französischen Architekten Daniel Chenut, einem Wegbegleiter Le Corbusiers. Neben Projekten in seiner Heimat Bourgogne widmete er sich vor allem der tropischen Architektur Westafrikas, und hier vor allem dem Aufbau der neuen unabhängigen Republiken Niger, Benin, Togo und Burkina Faso. Das von ihm geplante Hôtel de la Paix mit 216 Zimmern, 16 Bungalows, Restaurant, Nachtclub, Festsaal, Sonnendeck und unverwechselbarer expressionistischer Mosaikfassade gilt bis heute als Chenuts Schlüsselbauwerk – und ist nicht zuletzt ein Symbol für die aufstrebende politische Unabhängigkeit Togos nach 1960.

„Doch ich mache das nicht aus Nostalgiegründen“, sagt Petit-Frère, „sondern eher, weil ich eine Art Hoffnung verspüre, dass ich als Vertreterin einer jungen Generation mit neuen Technologien einen sachlichen Blick auf die gebaute Materie werfen und auf diese Weise einen Beitrag zur Pflege und Dokumentation leisten kann.“ Die Daten des Drohnenflugs werden, sobald sie bereinigt und in verwertbaren 3D-Modellen aufbereitet sind, online als Open-Access-Daten zur Verfügung gestellt.

Limbo-Land

Und Petit-Frère ist bei weitem nicht die einzige Architektin, Stadtplanerin, Historikerin, Forscherin, Kuratorin, die sich am 3500 Kilometer langen Küstenstreifen zwischen dem Senegal und Nigeria, in diesem zwölf Staaten umfassenden Limbo-Land fehlender Gelder und fehlender politischer Entscheidungen, der Care-Arbeit verschrieben hat. Ein ganzes Dutzend an Initiatorinnen, allesamt Frauen wohlgemerkt, ist hier bereits zugange und nimmt den baulichen Bestand mit Drohnen, Kameras und Laserscannern, mittels Kunst, Fotografie, Interventionen, Rauminstallationen und interdisziplinären Konferenzen unter die Lupe.

Mit dabei Fabiola Büchele und Jeanne Autran-Edorh, die eine Kuratorin aus Vorarlberg, die andere Architektin mit französisch-togolesischen Wurzeln. Früher waren die beiden im Büro des Pritzker-Preisträgers Diébédo Francis Kéré tätig. Mit ihrem 2023 gegründeten Studio Neida mit Sitz in Berlin und Lomé bemühen sie sich nun darum, die westafrikanische Architektur per se und die zunehmende Care- und Dokumentationsarbeit der hier involvierten Frauen zu dokumentieren – ob das nun Sonia Lawson, Nana Biamah-Ofosu, Olufemi Hinson Yovo, Nzinga Biegueng Mboup oder die New Yorker Kuratorin Mallory Cohen ist, die gerade an einer umfassenden Ausstellung über Westafrika arbeitet, die 2026 im MoMA zu sehen sein wird.

„Als ich zwölf Jahre alt war, sind meine Eltern berufsbedingt nach Uganda gezogen“, erzählt Büchele, die später auch in Äthiopien und Tunesien gelebt hat. „Die Ignoranz und strukturelle Diskriminierung Afrikas aus europäischer Perspektive heraus habe ich also schon als Kind beobachtet, und der Umgang mit den wirklich vielfältigen Kulturen am afrikanischen Kontinent hat sich im Wesentlichen bis heute nicht verändert. Der Postkolonialismus ist nach wie vor vorherrschend.“

Umso wichtiger sei es, so Büchele, die Kulturarbeit dieser Länder sichtbar zu machen, die stereotypen Narrative abzulegen und dabei zu helfen, dass die gebauten Schätze aus den 1970er- und 1980er-Jahren unter den Zahnrädern der kapitalistischen Immobilienwirtschaft und der chinesischen Baukonzerne nicht irgendwann abgerissen werden. Im Rahmen der dreitägigen Konferenz Rencontres Architecturales Africaines de Lomé, die kürzlich im Palais de Lomé stattfand, wurden die einzelnen SOS-Maßnahmen, die in der Regel aus eigenen Mitteln, selten nur mit Förderungen und Kunststipendien finanziert werden, erstmals der Öffentlichkeit vorgestellt.

Zerstörung eindämmen

Olufemi Hinson Yovo beispielsweise, Architektin und Unidozentin mit Büros in Cotonou, Abidjan und Paris, dokumentiert auf ihrem Instagram-Account @Cotonou.Architecture verschwindende (und bereits verschwundene) Baudenkmäler und engagiert sich dafür, die Zerstörung einzudämmen. Ihre Arbeit bezeichnet sie als Archiving the Loss. Und die britisch-ghanaische Architekturwissenschafterin Nana Biamah-Ofosu beschäftigt sich in ihrem Londoner Büro YAA Projects mit der Unabhängigkeit der ehemaligen europäischen Kolonien in den Jahren zwischen 1957 und 1961. Ihre Arbeit war bereits im Victoria & Albert Museum in London zu sehen, ganz neu ist ihr Dokumentarfilm Tropical Modernism. Architecture and Power in West Africa.

Das Vergessen findet nun endlich Erinnerung: Auf der kommenden Architektur-Biennale in Venedig, die in Kürze eröffnet wird, präsentiert Togo erstmals einen eigenen Länderpavillon, kuratiert von Sonia Lawson, Fabiola Büchele und Jeanne Autran-Edorh. Denn: „Das bauliche Erbe – mal genial, mal exzentrisch – ist ein Leitfaden für künftige, kontext- und klimaverträgliche Ansätze. Das Kaputtmachen muss gestoppt werden.“

Compliance-Hinweis: Der Autor hat die Architekturkonferenz in Lomé im Rahmen einer Pressereise besucht.

Der Standard, Sa., 2025.04.26

Der Chicagoer Künstler Chris Ware gilt als einer der einflussreichsten Comic-Zeichner der Gegenwart. Das CCCB in Barcelona widmet ihm nun eine riesige Ausstellung. Ein Gespräch über Charlie Brown, Mies van der Rohe und Häuser mit Sprechblasen.

Er hat die Cover des Magazins The New Yorker gestaltet. Seine Figuren wie etwa Rusty Brown, Jimmy Corrigan, Quimby the Mouse oder die Building Stories, in denen Gebäude zum Leben erwachen und ihre Erinnerungen in Sprech- und Denkblasen anschaulich gemacht werden, wurden bereits vielfach ausgezeichnet. Vor wenigen Tagen hat seine europäische Wanderausstellung – nach Paris, Basel, Leipzig, Haarlem und Pordenone – die sechste und letzte Station erreicht: Mit Chris Ware. Dibuixar és pensar („Zeichnen ist Denken“), kuratiert von Jordi Costa, macht das Centre de Cultura Contemporània de Barcelona (CCCB) nun erstmals seinen historischen Keller zugänglich – und offenbart darin riesige Comic-Collagen und kleine, skulpturale Schätze.

STANDARD: Ihren Eintritt in die Welt der Comics, haben Sie einmal im Interview gesagt, verdanken Sie Charlie Brown. Warum ausgerechnet ihm?

Ware: Charlie Brown ist die allererste Figur in der Geschichte des Comics, die so etwas wie Empathie mitbringt – mit Traurigkeit und Nachdenklichkeit, stets am Grübeln über den Sinn des Lebens. In einer Folge, ich war damals noch ein Kind, erzählt Charlie Brown, dass er noch nie eine Valentinskarte bekommen hat. Also habe ich mich hingesetzt, eine Valentinskarte geschrieben und sie an den Verlag geschickt.

STANDARD: Sind Sie auch ein Charlie Brown? Für Ihre Fans sind Sie eher Superman!

Ware: Das schmeichelt mir sehr, danke! Aber ich war Außenseiter in der Schule, und das bin ich bis heute. Ich kann mich mit Charlie Brown sehr gut identifizieren.

STANDARD: In der Ausstellung im CCCB sieht man, dass die Architektur schon in Ihren frühen Arbeiten einen großen Stellenwert einnimmt. Raum und Hintergrund werden mit der gleichen Liebe behandelt wie die Figuren selbst.

Ware: Ein Leben ohne Raum ist undenkbar. Sobald wir als Baby damit anfangen, unsere Welt zu erfassen, besteht sie aus einer x-, y- und z-Achse. Bis zum Tod sind wir permanent von Architektur umgeben. Ich kann gar nicht anders, als den Raum mitzuzeichnen.

STANDARD: Mit wenigen Strichen schaffen Sie es, die Essenz eines Chrysler Building oder eines Wrigley Building einzufangen. Woher nehmen Sie Ihre Expertise?

Ware: Als Kind wollte ich immer Architekt werden. Und nun lebe ich seit fast schon 40 Jahren in Oak Park, Chicago, und bin umgeben von Genies wie Louis Sullivan, Frank Lloyd Wright, Bertrand Goldberg oder Ludwig Mies van der Rohe.

STANDARD: Sogar Ihre Figuren haben etwas Konstruiertes und erinnern an Bauhaus und Postmoderne!

Ware: Ein einzelnes Comic-Bild, muss man wissen, ist keine Zeichnung, die nach den Prinzipien eines singulären Kunstwerks funktioniert, sondern eher eine Art Hieroglyphe. Figur, Körpersprache und Gesichtsausdruck sind so etwas wie konstruierte Architektur – damit man sie wie eine Schrift erfassen und schnell zum nächsten Bild weiterlesen kann.

STANDARD: Mit den „Buildings Stories“ erwachen Ihre Gebäude nun selbst zum Leben und fangen an, mit Sprech- und Denkblasen mit uns zu kommunizieren.

Ware: Mein Freund Tim Samuelson, seines Zeichens Kulturhistoriker, sagt immer: „Die Seele eines Hauses fängt am Türknauf an.“ Hier findet der erste physische Kontakt statt, hier macht sich die Geschichte von hunderten und abertausenden Händen manifest. Gute Architekten verstehen es, diesen Erstkontakt mit Liebe zu gestalten. Seitdem glaube ich, dass diese Häuser viel zu erzählen haben.

STANDARD: Was erzählen sie uns?

Ware: Sie erzählen, wer sie gebaut und wer in ihnen schon mal gewohnt hat, wer darin geliebt, geweint, geschrien, gestritten und gefeiert hat und wie die Frau im dritten Stock als alleinstehende Mutter ihr schwieriges Leben managt, wie sie kämpft und flucht und dennoch nicht verzweifelt.

STANDARD: Es fällt auf, dass in Ihren Comics nur ältere Häuser nachdenklich und redselig sind. Die Moderne und die Gegenwart schweigen. Warum?

Ware: Die schönste und reichste Zeit, was Architektur betrifft, war für mich zwischen 1895 und 1915. In dieser Zeit sind Bauwerke von einer unfassbaren Schönheit entstanden. Und ja, diesen Häusern gebe ich am liebsten eine Stimme.

STANDARD: 2004 haben Sie gemeinsam mit Tim Samuelson einen Film gemacht. In „Lost Buildings“ geht es um die Zerstörung von historischen Bauten, die Platz machen für ein Hochhaus von Mies van der Rohe.

Ware: Das ist ein autobiografischer Comic-Film, in dem der Abbruch von ein paar wirklich schönen Bauwerken dokumentiert wird – ob das nun das Old Federal Building, die Chicago Stock Exchange oder das Kaufhaus Rothschild & Brothers ist. Und Tim, Jahrgang 1951, der damals an die zehn Jahre alt gewesen sein muss, offenbart im Film seine Gefühle und Beobachtungen.

STANDARD: In einer Szene sieht man, wie der kleine Tim in den Gelben Seiten das Büro von Mies van der Rohe ausfindig macht und den Meister höchstpersönlich aufsucht.

Ware: Eine wahre Begebenheit! Tim ist damals direkt in Mies van der Rohes Büro hineinspaziert und hat ihm gesagt, er wolle nicht, dass das Old Federal Building abgerissen werde, weil das so ein schönes Haus sei.

STANDARD: Was hat Mies van der Rohe darauf geantwortet?

Ware: „Lieber Junge, das ist der Lauf der Dinge. Und ich hoffe, dass du eines Tages auf das neue Gebäude schauen wirst und darin die gleiche Art von Schönheit entdecken wirst, der du heute nachtrauerst.“

STANDARD: Und? Hat Tim die Schönheit wiedergefunden?

Ware: Nein, ich fürchte nicht wirklich.

STANDARD: Und Sie, der Zeichner?

Ware: Ach, was soll ich Ihnen sagen! Ich tue mir schwer mit der Architektur ab Mitte des 20. Jahrhunderts. Vom kulturellen Untergang zeitgenössischen Bauens traue ich mich gar nicht erst zu sprechen. Natürlich gibt es tolle Architekten wie Rem Koolhaas, Renzo Piano oder von mir aus auch Santiago Calatrava, die es verstehen, Schönheit zu erschaffen. Aber die 99 Prozent des Gebauten, die seelenlos in der Gegend herumstehen, die machen mich nur traurig und aggressiv.

STANDARD: Findet man diese 99-Prozent-Gebäude in Ihren Comics?

Ware: Nein.

STANDARD: Wenn dem so wäre, was würden sich die Neubauten denken?

Ware: Das weiß ich nicht. Ich weiß nicht einmal, ob sie angesichts ihrer mangelnden Empathie überhaupt irgendwas denken.

STANDARD: Angenommen, Charlie Brown wäre Architekt: Wie würde ein Haus aus seiner Feder aussehen?

Ware: Was für ein schöner Gedanke! Es wäre ein Haus, das aus einer Handskizze heraus geboren ist. Es wäre ein Haus, das Wärme ausstrahlt, ohne nostalgisch zu sein. Und es wäre eine Architektur, die dem Menschen endlich wieder Würde und Freude schenkt – anstatt sie ihm immer nur zu rauben.

Compliance-Hinweis: Die Reise nach Barcelona erfolgte auf Einladung des CCCB Centre de Cultura Contemporània de Barcelona. Die Ausstellung „Chris Ware. Dibuixar és pensar“ ist noch bis 9. November 2025 zu sehen. cccb.org

Der Standard, Sa., 2025.04.12

In Togo, Ghana und Benin hat sich eine Gruppe von Architektinnen, Stadtplanerinnen und Forscherinnen formiert. Ihr Ziel ist die Konservierung und Dokumentation des baulichen Erbes Westafrikas, bevor dieses zwischen den Zahnrädern des Postkolonialismus endgültig verloren geht.

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Auf dem letzten Landzipfel des Hafens von Rotterdam wurde vor wenigen Tagen das Portlantis eröffnet. Das neue Besucherzentrum und Museum gewährt neugierige Einblicke in die Welt der Frachtenschiffe.

Die Kinder stehen mit plattgedrückten Nasen an der Fensterscheibe. Im Prinses-Amalia-Hafen – keine zehn Gehminuten entfernt, wenn nicht die internationale Zollgrenze dazwischenläge – wird gerade die 400 Meter lange Hamburg Express, das Flaggschiff der Reederei Hapag-Lloyd, beladen. Rund 9000 Container werden per Kran bis zu zwölf Stock hoch aufs Deck gestapelt. Die Aussicht ist gigantisch, und wer von den bunten, über dem Wasser schwebenden Stahlkisten von HMM, Maersk und Yang Ming nicht genug kriegt, der kann sich mit dem großen Monitor, verbunden über eine Livekamera auf der Dachterrasse, noch näher heranzoomen.

„Wenn man ein Museum im größten Hafen Europas baut“, sagt Winy Maas, Partner im Rotterdamer Architekturbüro MVRDV, „dann darf man nicht außer Acht lassen, dass das größte und wichtigste Exponat der gesamten Ausstellung der Hafen selbst ist. Also wollten wir in jedem Geschoß das Geschehen über ein breites Panoramafenster in den Raum hereinholen.“ Je nach Etage blickt man mal auf die Hafenbecken, mal auf die Sanddünen, mal aufs weite Meer hinaus, wo die Hamburg Express in wenigen Stunden, sobald sie abgelegt hat, hinter dem Horizont verschwunden sein wird.

Das Besucherzentrum Portlantis, das letzte Woche feierlich eröffnet wurde, ist die jüngste und vielleicht sogar ungewöhnlichste Sehenswürdigkeit Rotterdams. Die im Zweiten Weltkrieg fast flächendeckend zerstörte Großstadt hat sich nach den Bombardierungen der deutschen Luftwaffe zum Ziel gesetzt, nicht dem Alten nachzuweinen wie viele andere Städte mit ähnlichem Schicksal, sondern nach dem Neuen zu streben und sich von da an kontinuierlich neu zu erfinden – mit neuen Museen, neuen Hochhäusern und neuen Experimenten wie etwa Markthallen, Recyclingarchitektur oder schwimmenden Bauernhöfen.

Das wichtigste Bau- und Infrastrukturprojekt jedoch ist die Erweiterung des Hafens, der mit einem jährlichen Umschlag von 13,5 Millionen Tonnen längst an die Grenzen seiner Belastbarkeit gestoßen ist. Unter dem Titel Maasvlakte 2 wurden in den letzten 15 Jahren 2000 Hektar Land angeschüttet und auf diese Weise neue Anlegestellen, Logistikhallen und Öl- und Gasspeicher geschaffen. Um Besuchern einen Blick hinter die Kulissen des Hafenalltags zu bieten, hat sich die Hafenbehörde dazu entschieden, auf dem neu geschaffenen Landzipfel, 45 Kilometer von der Rotterdamer Innenstadt entfernt, ein Museum und Infozentrum zu errichten.

„Mit dem neuen Portlantis ermöglichen wir, den Rotterdamer Hafen aus allernächster Nähe kennenzulernen“, sagt Boudewijn Siemons, CEO der Port of Rotterdam Authority. „Wir schauen uns den Hafen aus unterschiedlichen Perspektiven an und werfen in der Ausstellung einen Blick auf Geschichte, Gegenwart und Zukunft. Letzteres ist essenziell, denn der globale Schiffsverkehr verursacht enorme Emissionen – und die müssen wir dringend reduzieren.“ Nicht zuletzt verstehe sich das Besucherzentrum mit seinen lustigen, interaktiven, überaus informativen Stationen, so Siemons, als Recruitingmaschine für die Hafenarbeiter von morgen.

Architektonische Wow-Effekte

Noch plastischer formuliert es der Architekt selbst. Er bezeichnet das 29 Meter hohe Portlantis mit seinen fünf geschoßweise verdrehten Kisten als „Blickfang, als Leuchtturm der Logistik, aber auch als eine Art Wachturm, der dazu aufrufen soll, das eigene Konsumverhalten zu hinterfragen und sich die Frage zu stellen, wie der individuelle Lebenskomfort den internationalen Warenverkehr beeinflusst. Wenn man in einer Handelsmetropole wie Rotterdam lebt, an so einem wichtigen Tor zur Welt“, so Maas, „dann darf man die Augen nicht verschließen.“

Dass selbige ganz groß bleiben, voll mit Staunen und architektonischen Wow-Effekten, dafür hat MVRDV – ganz in der Tradition des Büros – natürlich entsprechend vorgesorgt. Im Kontrast zu den matten, patinierten, oftmals angerosteten Schiffscontainern rundherum handelt es sich beim Portlantis um einen Stahlbau mit glattem, poliertem, hochglänzendem Aluminium. Ein knallrotes, weithin sichtbares Erschließungsband mit Treppen und Podesten, die sich bis auf die öffentlich begehbare Dachterrasse hochziehen, verleiht dem Gebäude eine surreale Erscheinung. Je nach Himmel, Wetter und Sonnenstand scheint man in manchen Momenten vor einem Rendering zu stehen.

Im Inneren des Hauses dann die große Überraschung: Bei rund 40 Prozent der Primär- und Sekundärkonstruktion handelt es sich um Recycling, genauer gesagt um wiederverwendete Stahlbauteile, die innerhalb des Rotterdamer Hafens bislang anderweitig im Einsatz waren – als Kran, als Lagerhalle, als temporäres Nebengebäude. Um diese inneren Werte zu zelebrieren, wurde die gesamte Stahlkonstruktion aus Rundstützen und Flanschträgern sichtbar belassen und in unterschiedlichen Grautönen gestrichen.

Umso besser kommt die Szenografie und Ausstellungsarchitektur von Kossmann Dejong zur Geltung. Die Labore, Infoscreens und interaktiven Rauminstallationen sind in fröhlichen, lebensbunten Farben gestaltet und animieren zur Benützung, bei der auch Mütter, Väter, Lehrerinnen, Architekten und Journalistinnen zum Kind werden. Highlight sind die 13 knallgelben Skulpturen, metaphorische Objekte für Hafen und Schifffahrt, die sich im fünfstöckigen Atrium an durchsichtigen Nylonschnüren auf und ab bewegen.

Das Portlantis (Investitionskosten 30 Millionen Euro) ist ein schönes, nachahmenswertes Beispiel dafür, dass sich städtischer Tourismus nicht immer nur auf Kirchen, Konzerte und alte Meister beschränken muss. Mit einem Blick hinter die Kulissen urbaner Infrastruktur können auch ganz andere Neugierden befriedigt werden. Erwartet werden 150.000 Besucher pro Jahr.

Compliance-Hinweis: Die Besichtigung des Portlantis erfolgte im Rahmen einer Pressereise. Der Autor war Gast von Rotterdam Partners.

Der Standard, Sa., 2025.03.29

Suburbia ist überall. Ihre Anfänge, zeigt eine Ausstellung im Architekturzentrum Wien, hatten durchaus rühmliche Ziele, doch irgendwann hat sich das Wohnmodell pervertiert. Gibt es ein Entkommen?

340Millionen Menschen, 400 Millionen Schusswaffen: Die Gesamtzahl von Glocks, Schmeissers und Kalaschnikows in nichtmilitärischer Verwendung ist nirgendwo so hoch wie in den USA. Oder, anders gesagt: Die Hälfte aller weltweit registrierten Handfeuerwaffen in Privatbesitz wohnt genau hier, irgendwo zwischen A wie Alabama und W wie Wyoming. So wie zum Beispiel das stolze Arsenal der 33-jährigen Avery Skipalis in Tampa, Florida, die der italienische Fotograf Gabriele Galimberti 2021 mit seiner Kamera festgehalten hat.

„Ich wollte ein Porträt der amerikanischen Waffenkultur zeichnen und die weitverbreitete Liebe zu Schusswaffen darstellen“, sagt Galimberti im Interview. „Und es war durchaus leicht, Leute zu finden. Oft bin ich sogar auf welche gestoßen, die 60 Gewehre oder mehr besitzen.“ Für den toskanischen Fotografen ist das Phänomen kein Zufall, sondern eine Frage der Tradition, mehr noch eine logische Konsequenz des 1791 ratifizierten Zweiten Verfassungszusatzes, der den Bewohnern der damals neu eroberten Gebiete das Recht einräumte, Waffen zu tragen und sich damit bei Bedarf zu verteidigen.

Das Foto, Gänsehaut pur, ist eines von fünf Porträts aus der 2021 veröffentlichten Serie Ameriguns, die derzeit im Architekturzentrum Wien (Az W) zu sehen sind. Die Ausstellung Suburbia. Leben im amerikanischen Traum zeichnet die Geschichte eines suburbanen Lebensideals, das vor knapp 200 Jahren seinen Beginn nahm, und analysiert Widersprüche dieses Modells sowie auch dessen soziale, ökologische und lebenskulturelle Folgen. Entstanden ist die Wanderausstellung in Zusammenarbeit mit dem Centre de Cultura Contemporània de Barcelona (CCCB), hier in Wien wird sie nun um österreichische Aspekte und innovative Lösungsansätze ergänzt.

„Schon als Kind habe ich gesehen, dass in Kinofilmen und Sitcoms vor allem Suburbs und Einfamilienhäuser vorkommen“, sagt Philipp Engel, Kurator am CCCB, „und seit damals wundere ich mich, warum die Amerikaner so leben, wie sie leben, in diesen Donut-Städten ohne Infrastruktur und ohne öffentliche Verkehrsanbindung.“ Und tatsächlich, ob Alf, Golden Girls, Bezaubernde Jeannie, Der Prinz von Bel-Air, King of Queens, Two and a Half Men, Desperate Housewives, Happiness von Todd Solondz, American Beauty von Sam Mendes oder das abgeschnittene Ohr in David Lynchs Blue Velvet: „Hollywood“, so Engel, „hat auf unser heutiges Verständnis von Stadt einen enormen Einfluss genommen. Suburbia findet sich überall.“

Das war nicht immer so. Die ersten Ansätze einer damals noch subtilen, subkutanen Suburbanisierung hatten durchaus rühmliche Ziele und intakte Rahmenbedingungen. Mitte des 19. Jahrhunderts – in einem Zeitalter also von Bränden, Epidemien, Kriminalität, politischen Unruhen und einer zunehmenden Industrialisierung mit Ruß, Lärm und Gestank – entwickelten Großindustrielle wie etwa Llewellyn Solomon Haskell die ersten Gated Communities und parkähnlichen Stadtrandsiedlungen, um den Menschen ein Wohnen außerhalb der zehrenden Großstadt zu ermöglichen.

Straßenbahn in Los Angeles

Die frühen Suburbs in Illinois und New Jersey wurden von Eisenbahngesellschaften angefahren, viele Haltestellen, kurze Gehdistanzen, und auch der Großraum Los Angeles war damals bestens erschlossen. In den ersten Jahrzehnten des 20. Jahrhunderts hatte L.A. mit 1700 Kilometern und mehr als 900 Streetcar-Garnituren das größte Straßenbahnnetz der Welt. In den Nachkriegsjahren jedoch wurde die Straßenbahn – wie in 45 anderen US-Städten auch – systematisch zerstört. General Motors kaufte die Schienenunternehmen sukzessive auf und legte die Netze still – bloß um den öffentlichen Verkehr mit Fahrzeugen und Verbrennungsmotoren aus eigener Produktion zu ersetzen.

Mit dem Aufstieg des Automobils, dem boomenden Markt mit exotisch benamsten Fertigteilhäusern, die in unterschiedlichsten Architekturstilen geliefert und montiert wurden, und der Heimkehr der Kriegsveteranen, die als Helden und Patrioten gefeiert wurden, während den Frauen die Mobilität genommen wurde, um sie mit allerhand praktischen Haushaltsgeräten in eine Dienerinnenrolle hineinzuquetschen, war der Siegeszug von Suburbia nicht mehr aufzuhalten. Die irreparablen Folgen der Ghettoisierung und jahrzehntelang praktizierten sozialen Derangierung und Pervertierung sind heute sichtbar – nicht nur in Galimbertis erdrückenden Waffenporträts.

„Ich würde das Phänomen aber nicht als irreparabel bezeichnen“, sagt Judit Carrera, Direktorin des CCCB. „Es gibt Ansätze und Bewegungen wie etwa New Urbanism, die sich um eine Verdichtung, Verbesserung und Wiederbelebung des Speckgürtels bemühen.“ Auch Angelika Fitz, Direktorin des Az W, sieht darin eine wichtige Reparaturaufgabe: „Viele Architekturbüros haben das Einfamilienhaus als Bauaufgabe lange Zeit vernachlässigt und abgelehnt. Aber nun wird der Umgang mit bestehenden Einfamilienhäusern zu einer wichtigen Aufgabe in der Transformation. Wir brauchen dringend neue Umbau- und Nutzungsmodelle, sonst werden wir irgendwann nur noch von toten Häusern umgeben sein.“

Allein in Österreich stehen 1,5 Millionen Einfamilienhäuser herum, und der Bau eines solchen ist – jeder Logik zum Trotz – immer noch der größte Wohntraum in diesem Land. Die Kritik daran ist nicht nur eine moralisch-ökologisch-versiegelungstechnische mit erhobenem Zeigefinger. Es reicht schon ein Blick in die Statistik, die in der Ausstellung mit satirischem Unterton inszeniert wird: Die durchschnittliche Haltbarkeit einer Ehe beträgt demnach 10,4 Jahre, die durchschnittliche Laufzeit von Wohnkrediten fast das Doppelte.

Der wertvolle Aha-Moment ist, dass die von Lene Benz, Katharina Ritter und Agnes Wyskitensky kuratierte Ausstellung nicht nur analysiert und sich nicht nur mit ökonomisch motivierten Fehlentwicklungen wie etwa der Blauen Lagune in der SCS, Frank Stronachs Wohnpark Fontana in Oberwaltersdorf oder Alfred Riedls kleinem Dubai in Grafenwörth beschäftigt, sondern dass sie aufzeigt, wie man aus dem suburbanen Albtraum auch wieder aufwachen kann. Ob Kindergarten, Coworking-Haus oder neue, innovative, solidarische Gemeinschaftswohnkonzepte wie etwa das Sauriassl-Syndikat in Oberbayern: Liebe Architekturzunft, hier liegt Arbeitskapital für die nächsten Jahrzehnte.

[ Die Ausstellung „Suburbia. Leben im amerikanischen Traum“ im Az W wird von einem umfassenden Rahmenprogramm mit Vorträgen, Exkursionen und Kinderworkshops begleitet. Zu sehen bis 4. August 2025: azw.at ]

Der Standard, Sa., 2025.03.15

Warten auf einen Auftrag? Das war gestern! Jurek Brüggen und Aimée Michelfelder suchen sich ihre Projekte selbst und greifen dann zum Telefon: Hallo, Bürgermeister? Kommendes Wochenende halten die beiden einen Vortrag beim Architekturfestival Turn On in Wien.

Früher einmal, als die Bäckerei Seidenschnur noch in Betrieb war, lagen in der Vitrine Brezen, Brötchen und Berliner. Heute sind darin Holz- und Kartonmodelle jener Projekte ausgestellt, an denen Jurek Brüggen und Aimée Michelfelder gerade arbeiten. Und so wie dereinst ihre Vorgängerinnen in der Berliner Gotzkowskystraße 33, Bezirk Moabit, verstehen Jurek und Aimée, 31 Jahre alt, ihren Job in allererster Linie als Handwerk, als eine Sache, die man so richtig anpacken und durchkneten muss. „Es gibt mehr als genug zu tun da draußen“, sagen die beiden. „Aber die Projekte fliegen einem nicht zu. Es ist daher unsere Aufgabe als Planer, als Umweltgestalterinnen, die Welt zu beobachten und mitunter selbst die Initiative zu ergreifen.“

So wie damals vor ein paar Jahren, als in den späten Abendstunden der ICE plötzlich Halt machte und die Passagiere gezwungen waren, in Stendal, Sachsen-Anhalt, 100 Kilometer westlich von Berlin, auszusteigen und sich die Nacht um die Ohren zu schlagen. Am nächsten Morgen dann ein Spaziergang durch die Altstadt mit ihren hübschen Backstein- und Fachwerkhäuschen, aber auch durch die Neustadt mit ihren unzähligen DDR-Plattenbauten, Typ WBS 70. Einige davon waren längst schon abgerissen, an ihrer Stelle nun Einfamilienhäuser und grüne Blumenwiesen, andere hingegen standen zu Dutzenden noch leer, ungenutzte Geisterburgen mit toten Fenstern, so weit das Auge reicht. Und so kam den beiden eine Idee, die sie im Rahmen des Architekturfestivals Turn On im ORF-Radiokulturhaus kommendes Wochenende vorstellen werden.

Blick bis zum Horizont

„Während in Berlin massive Wohnungsnot herrscht, stehen hier, mit der Bahn gerade mal 34 Minuten von der Stadtgrenze und 49 Minuten vom Berliner Hauptbahnhof entfernt, hunderte, ja vielleicht sogar tausende Wohnungen leer“, sagen Jurek und Aimée, die erst kürzlich eine neue Büroplattform gegründet haben, Association for Ecological Architecture, kurz AFEA. „Also haben wir den Bürgermeister, den Stadtentwicklungsausschuss und die größten und wichtigsten Wohnbaugenossenschaften der Stadt kontaktiert und ihnen vorgeschlagen, die WBS-70-Platte umzubauen – in ein sogenanntes Einfamilienhaus-Haus.“

Das Konzept dahinter: Die Deckenplatten und aussteifenden Wandscheiben der standardisierten Wohnmaschine werden von oben nach unten so weit abgetragen, dass eine abwechslungsreiche Silhouette mit privaten Gärten und Dachterrassen entsteht. Die Betonfassade wird mit vorgefertigten Holzelementen gedämmt. Und was einst auf 2,50 Meter Raumhöhe beschränkt war, soll mit internen Treppen nun zu zwei- und dreigeschoßigen Wohneinheiten verbunden werden. „Am Ende soll man das Gefühl haben, in einem Einfamilienhaus im vierten, fünften, sechsten Stock zu wohnen, mit Blick bis zum Horizont – und noch dazu mit gutem ökologischem Gewissen.“

Der Wohnbauträger hat bereits sein Okay gegeben, im Sommer soll der kontrollierte Teilabbruch starten. „Wir wollen das Projekt im Rahmen eines geförderten Forschungsprojekts als Pilot umsetzen und die Wohnungen für unter zehn Euro pro Quadratmeter vermieten“, sagt Lars Schirmer, kaufmännischer Vorstand der WBGA Wohnungsbau-Genossenschaft Altmark, auf Anfrage des ΔTANDARD. „Es ist eine skalierbare, CO2 -intelligente und sozialpolitisch interessante Lösung, die in vielen Städten im Berliner Umraum Anwendung finden könnte. Wenn alles klappt, denke ich, könnte das Projekt Nachahmer finden und in die Breite ausgerollt werden.“

Für Jurek Brüggen und Aimée Michelfelder ist es nicht das erste Mal, dass sie mit E-Mail, Anrufen und konsequenter Kaltakquise bei den Stadtobersten einen Auftrag an Land ziehen konnten. Auch in Werben an der Elbe, mit 400 Einwohnern offiziell die kleinste Hansestadt Deutschlands, waren es unzählige Anrufe beim Stadtrat und beim Bürgermeister, die schließlich dazu geführt haben, dass die ehemalige Komturei, ein denkmalgeschütztes Ensemble mitten in der Stadt, nun saniert und revitalisiert wird. Geplant ist ein ökologisches, postfossiles Modellprojekt mit Ferienwohnungen, betreutem Seniorenwohnhaus und Arbeitslofts für die Kreativwirtschaft. Ein Teil ist bereits in Bau, mit ökologischen Baustoffen und kreislauffähigen Produkten, und soll noch vor Jahresende fertiggestellt werden.

„Mittlerweile, fürchten wir, ist kein Bürgermeister mehr vor uns sicher“, sagen die beiden, die auch schon in Basel, Uzwil, Lichtenberg, Mühlberg an der Elbe und Werder an der Havel die Telefone läuten ließen. „Denn egal wohin es uns verschlägt, fällt uns sofort ein Projekt auf, mit dem wir in der Gemeinde vorstellig werden wollen. Wir wollen nicht warten, bis man an uns herantritt. Wir sind Teil einer Generation, die in der Krise nun selbst auf den Plan treten muss.“

Krisenmedizin: 20 Stunden Architektur

Die Chance in der Krise: Unter diesem brisanten Generalmotto steht die nunmehr 23. Ausgabe des Architekturfestivals Turn On, das unter der Schirmherrschaft von Margit Ulama Architektinnen, Bauherren, Bauträger, Fachplanerinnen und Politiker zusammentrommelt, um im Zeitalter prekären Jammerns über Potenziale und Best-Practice-Projekte aus ganz Europa zu sinnieren. Auf dem Programm stehen diesmal Holzbau, Kraftwerke, Bio-Gewerbebauten, nachhaltige Stadtentwicklung und smartes Weiterbauen im Bestand. Mit Vorträgen von AFEA, FAR frohn & rojas, Barkow Leibinger, B.K.P.Š. (Bratislava), Franz & Sue, Pichler & Traupmann, Innauer Matt, Henke Schreieck, Shibukawa Eder, Schenker Salvi Weber, Staab Architekten, Sam Jajob (Die Angewandte), der ehemaligen Berliner Staatssekretärin und Senatsbaudirektorin Regula Lüscher und vielen mehr.

Von Donnerstag, 13. März, 15.30 Uhr bis Samstag, 15. März, 22 Uhr. ORF-Radiokulturhaus, Argentinierstraße 30a, 1040 Wien.

Eintritt frei.

Der Standard, Sa., 2025.03.08

Der chinesische Architekt Liu Jiakun erhält den Pritzker-Preis 2025.

Liu Jiakuns Mutter war Internistin, so wie die ganze Familie überwiegend aus Ärzten bestand. Den Großteil seiner Kindheit verbrachte er daher in den Gängen des Second People’s Hospital in Chengdu, wo er sich im Umfeld des christlichen Medizininstituts, wie er selbst sagt, eine soziale und lebenskulturelle Toleranz aneignete. Diese kommt ihm nun zugute, denn der Architekt von Museen, Wohnbauten, Kulturzentren, Bürokomplexen, Parkanlagen und öffentlichen urbanen Stadträumen wird nun, wie am Dienstag bekanntgegeben wurde, mit dem diesjährigen Pritzker-Preis ausgezeichnet.

Liu Jiakun wurde 1956 in Chengdu in der zentralchinesischen Provinz Sichuan geboren. Er erwies sich als künstlerisch begabt, erkundete seine Welt durch Zeichnen und Literatur und träumte davon, eines Tages Maler oder Dichter zu werden. Mit 17 Jahren nahm er am staatlichen Zhiqing-Programm für gebildete Jugendliche teil, fünf Jahre später wurde er zum Architekturstudium an der Chongqing University zugelassen. „Mein größtes Talent damals war wahrscheinlich, vor nichts Angst zu haben, und dazu noch natürlich meine Mal- und Schreibfähigkeiten“, blickt der heute 68-Jährige zurück. „Wie in einem Traum wurde mir plötzlich klar, dass mein eigenes Leben wichtig war.“

Nach dem Studium arbeitete er zunächst für die Chengdu Architectural Design Academy und zog dann nach Tibet und Xinjiang, Westchina, wo er sich zehn Jahre lang dem Malen, Schreiben und Meditieren widmete. 1999 gründete er sein eigenes Architekturbüro in Chengdu mit heute rund 20 Mitarbeitern. Er spezialisiert sich darauf, traditionelle chinesische Architektur weiterzudenken, Geschichte mit Innovation zu verschränken, vor allem aber öffentliche Räume in dicht bebauten Ballungsräumen zu schaffen. Sein „West Village“ in Chengdu (2015) ist eine fünfstöckige Platzstruktur, die sich mit Stiegen, Rampen und gedeckten Freiräumen über einen ganzen Block erstreckt.

„Ich strebe immer danach, wie Wasser zu sein, ohne eine feste Form zu haben, und die lokale Umgebung zu durchdringen“, sagt er. „Mit der Zeit verfestigt sich das Wasser, verwandelt sich in Architektur – und vielleicht sogar in die höchste Form menschlicher spiritueller Schöpfung.“ Liu Jiakun ist der erst zweite Chinese, der den seit 1979 vergebenen, mit 100.000 US-Dollar dotierten „Nobelpreis der Architektur“ entgegennehmen wird.

Der Standard, Mi., 2025.03.05

Hinter der roten Fassade im Norden Münchens verbirgt sich ein temporäres Obdach für obdachlose Menschen. Vorgestern, Donnerstag, wurde das Projekt von Hild und K beim BDA-Preis Bayern gewürdigt.

Iana ist 39 Jahre alt, stammt aus Gorj, Rumänien, und lebt seit einigen Jahren in München. Nach ihrer Scheidung wurden ihr die Papiere gestohlen, kurz danach hat sie ihren Job und schließlich auch die Wohnung verloren. Seitdem ist sie obdachlos. Sie ist eine von 13.000 Wohnungs- und Obdachlosen in München und einer der insgesamt 340 offiziell registrierten Härtefälle, die aufgrund ihrer Staatsbürgerschaft und ihres rechtlichen Status in keinem sozialen Hilfssystem integriert sind. Wenn es kalt ist, fährt sie am Abend mit der U2 bis zum Frankfurter Ring und steigt dann, wie viele andere auch, in den Bus 178 um. Von dort sind es dann noch fünf Stopps, bis sie, wie sie sagt, für eine Nacht zu Hause ist.

„Früher haben wir Obdachlosen nicht weit von hier in einer ehemaligen Kaserne übernachtet“, erzählt Iana. „Was soll ich sagen? Es war eine Kaserne. Nun ist mein Leben, um ehrlich zu sein, auch nicht wirklich schöner, auch nicht wirklich leichter, ich bin immer noch obdachlos, und ich weiß noch immer nicht, wie es jobmäßig weitergehen soll. Aber für einen kurzen Moment, wenn ich am Abend hierherkomme, habe ich das Gefühl, ein bisschen Schönheit und Freundlichkeit zu erleben. Ich mag das rote Holz, die lustige Fassade, man fühlt sich irgendwie ein bisschen besser willkommen.“

Der sogenannte Übernachtungsschutz in der Lotte-Branz-Straße im Norden Münchens, ein Ersatzneubau für besagte Kaserne, die im Zuge der Stadterweiterung abgerissen wurde, um Platz zu machen für neuen Wohnbau, umfasst ein medizinisches Zentrum sowie 730 Betten für obdachlose Menschen – für Männer, Frauen und Familien, die auf der Flucht sind vor Wind und Wetter, aber auch für akute Notfälle in familiären Gewaltsituationen, bei Wohnungsbränden sowie für all jene, die kurzfristig in keinem anderen sozialen Auffangsystem ein Obdach finden konnten. Vorgestern, Donnerstag, wurde das Haus vom Bund Deutscher Architektinnen und Architekten beim BDA Preis Bayern 2025 mit einer Anerkennung gewürdigt.
Eine Heimat auf Zeit

„Und das freut uns sehr“, sagt Architekt Matthias Haber, Partner im zuständigen Architekturbüro Hild und K, „denn die Unterbringung einer so großen Zahl an Menschen in einer so schwierigen Lebenssituation und noch dazu in einer so unwirtlichen Gegend wie hier, mitten im Gewerbegebiet, umgeben von Lagerhallen und Logistikern, ist keine leichte Aufgabe. Dieses Projekt ist nicht nur eine Hilfe in äußersten Notlagen, sondern auch eine Heimat auf Zeit. Und nichts würde ich lieber, als das Haus für seine Nutzerinnen und Nutzer eines Tages in Wohnungen umzubauen.“

Auffälligstes Mittel ist die terracottafarbene Holzfassade mit ihren schlanken, vertikal verlegten Latten aus Weißtanne sowie die verspielte, rokokohafte Bordüre aus insgesamt 720 Opferbrettern, die sich ganz oben wie Omamas Häkeldeckchen um das Haus legt. Ab und zu schummelt sich ein rundes Bullauge dazwischen. Kenner der Architekturgeschichte werden darin leicht ein Zitat auf das 1927 errichtete Ledigenheim im Münchner Westend erkennen, das Architekt Theodor Fischer als Antwort auf die damals schon dramatische Wohnungsnot geplant hat. Während Fischers Ledigenheim bis heute ein Auffangbecken für all jene ist, die für eine reguläre Miete in München nicht genug verdienen, landen hier, im roten Haus in der Lotte-Branz-Straße, all die anderen, die durch alle sozialen und kommunalen Netze gefallen sind.

Bei aller Liebe zu diesem wunderschönen Haus, zu der kleinmaßstäblichen Sympathie, zu den freundlichen Farben im Inneren, zum Leitsystem von Herburg Weiland mit seinen gelben, fast schon knuffigen Waffen- und Drogenverbotslogos macht sich hier auch ein Loch für die größte Kritik an diesem Projekt auf: In keiner anderen deutschen Stadt sind die Wohnkosten so hoch wie hier, jeder fünfte Münchner muss mittlerweile mehr als 45 Prozent seines Einkommens für die Kaltmiete aufwenden. Die Tatsache, dass die Stadt München selbst keine ausreichend großen innerstädtischen Flächenreserven mehr besitzt und mit dieser Einrichtung an den Stadtrand ausweichen musste, macht das strukturelle Problem nur noch sichtbarer.

„Das Übernachtungsangebot wird, wie man sich vorstellen kann, sehr gut angenommen“, sagt Markus Blaszczyk, Bereichsleiter beim Evangelischen Hilfswerk München. „Im Schnitt haben wir rund 450 Nächtigungen pro Tag, und natürlich mussten wir das Haus in weiser Voraussicht auf die Zukunft leider etwas überdimensionieren.“ Die Anerkennung beim BDA-Preis Bayern darf – jenseits der Grenze wie auch diesseits – als nicht nur architektonische, sondern vor allem auch sozialpolitische Denkanregung verstanden werden.

Der Standard, Sa., 2025.03.01

Sanierungen und Renovierungen sind für die Immobilienwirtschaft teuer, langwierig und viel zu kompliziert. Abbruch und Neubau stehen daher an der Tagesordnung. Die EU-Bürgerinitiative House Europe! will das ändern – und sammelt nun Unterschriften für ein Umdenken im EU-Parlament.

Das sind sensationelle Pilotprojekte“, sagt der Berliner Architekt Olaf Grawert, Partner bei B+ Architektur. „Aber der immobilienwirtschaftliche Alltag sieht leider anders aus. Sanierungen, Renovierungen und Weiterbauen im Bestand sind immer noch die Ausnahme, stattdessen ist die gesamte Branche auf Abbruch und Neubau fixiert – und das, obwohl wir längst wissen, was für katastrophale ökologische und klimatische Folgen das hat.“ 38 Prozent der globalen CO2 -Emissionen sind auf den Gebäudesektor zurückzuführen. Hinzu kommt, dass die Errichtung und Vernichtung von Bauwerken 36 Prozent des europäischen Mülls produzieren. Im Vergleich dazu: Der Haushaltsmüll macht lediglich acht Prozent der EU-Müllberge aus.

„Die Zahlen sind alarmierend, und wenn sich an der Gesetzeslage nichts ändert, dann wird auch die Immobilienwirtschaft nicht umdenken“, so Grawert. Denn: „Investoren, Projektentwicklerinnen und Finanzdienstleister denken nicht in Gebäuden, sondern einzig und allein in Grundstücken. Unser Ziel ist es, die kapitalistischen Rahmenbedingungen auf EU-Ebene neu zu programmieren und gesetzlich neu zu verankern. Wenn das bei Einwegplastik geht, dann sollte das auch bei Einweghäusern möglich sein!“

Die Welt verändern

Mit seinem Büro B+ und zahlreichen Kolleginnen, Unterstützern und Botschafterinnen aus allen EU-Ländern initiierte er unlängst die EU-Bürgerinitiative „House Europe!“. Innerhalb von zwölf Monaten – bis einschließlich 31. Jänner 2026 – will die Initiative eine Million Unterschriften sammeln und auf diese Weise erzwingen, dass der Themen- und Gesetzesvorschlag im EU-Parlament behandelt und entsprechend ausgearbeitet wird.

„In der Immobranche hat sogar die Sprache eine einseitige Tendenz“, sagt Verena Konrad, Direktorin des Vorarlberger Architekturinstituts (vai) und Österreich-Botschafterin für House Europe!. „Im Neubau werden Potenzialanalysen erstellt, im Altbau hingegen spricht man von Risikoanalysen. Dieses Narrativ ist in den Köpfen vieler Menschen fest einzementiert. Das müssen wir ändern. Wir wollen, dass die Politik und die Immobilienwirtschaft das Potenzial bereits errichteter Gebäude anerkennen.“ Zum Beispiel mit einer Steuerreduktion bei Sanierungen und Renovierungen, wie das fallweise schon in Brüssel praktiziert wird.

„Mit House Europe! können wir die Welt verändern“, sagt Botschafterin Saskia van Stein, Direktorin der International Architecture Biennale Rotterdam. „Wenn wir es schaffen, entsprechende Gesetze zu erlassen und der Immobilienwirtschaft Incentives anzubieten, damit die Sanierung und Renovierung von Altbauten auch wirtschaftlich attraktiver wird, dann wird der Markt dieser Einladung folgen.“ Wenn sich legistisch jedoch nichts ändert und wir so weitermachen wir bisher, prognostizieren Forscherinnen bis 2050 innerhalb der EU eine Bestandsvernichtung im Ausmaß von 1,5 Milliarden Quadratmetern. Das ist die vierfache Fläche von Wien.

Jede Stimme zählt: houseeurope.eu

Haus Schreber, Aachen Eine Arbeitersiedlung im Norden der Stadt, eingebettet in eine Landschaft aus Backstein, Satteldächern und glücklich gemähten Rasenflächen. Allein, den Käufern – Familie Winkel mit drei Kindern – war das Siedlungshäuschen aus den 1920er-Jahren zu klein, und so kontaktierte man das Aachener Architekturbüro Amunt mit der Bitte um 50 Quadratmeter Erweiterung. „Warum ein abgenutztes, unpraktisches Bauwerk mit viel Aufwand abreißen?“, fragte sich Architekt Björn Martenson. „Es ist doch viel besser, das Haus umzunutzen, anders zu organisieren und für eine neue Zeit fit zu machen.“ Und so kam es dann auch. Das Weiterbauen wurde mit großformatigen, unverputzten Bimssteinen bewusst zur Schau gestellt. Das Haus wurde mit dem Deutschen Architekturpreis ausgezeichnet.

San Gimignano Lichtenberg, Berlin Mitten im Gewerbegebiet Lichtenberg wurde 1987 – bloß zwei Jahre vor der Wende – eine Fabrik für die VEB Elektrokohle errichtet. Bis zur Weltfinanzkrise 2008 stand die Fabrikhalle leer, doch mit dem Zusammenbruch der Bauwirtschaft entpuppte sie sich als wertvolles Rohstofflager: Die Stahlkonstruktion wurde abgetragen und weiterverwertet, die beiden Treppen- und Silotürme jedoch – 42 Meter hoch, 199 Stufen bis ganz nach oben – wären im Abbruch zu kostspielig gewesen und blieben als betonierte Zeitzeugen erhalten. 2021 nahm sich das Architekturbüro B+ der geheimnisvollen DDR-Ruine an und baute sie zu einem Kreativcluster mit Studios und Werkstätten um. Very rough! In der Namensgebung orientierte man sich an den mittelalterlichen Geschlechtertürmen in der Toscana.

De Flat Kleiburg, Amsterdam „Wir haben nach günstigem Eigentum gesucht“, erzählt Dick in einer coolen Wohnung im neunten Stock – mit grünem Samtsofa und ziemlich viel Kunst an der Wand. „Und dann sind wir in der Zeitung auf diese Anzeige gestoßen.“ Der Bauträger Kondor Wessels Vastgoed erwarb – entgegen allen Empfehlungen seitens der Stadt und der Immobilienbranche – den 400 Meter langen Betonbau aus den 1960er-Jahren und sanierte in Zusammenarbeit mit NL Architects und XVW Architectuur lediglich Fassade, Haustechnik und Allgemeinbereiche. Die 498 Wohnungen selbst blieben unberührt und wurden als Edelrohbau und Do-it-yourself-Bastlerhit verkauft – um 1200 Euro pro Quadratmeter. „Und hinter der Wohnungstür“, sagt Jacqueline, zweiter Stock, „konntest du dich austoben und machen, was du willst.“

Der Standard, Sa., 2025.02.22

Am 26. Jänner ist International Day of Clean Energy: Die Errichtung von Photovoltaik-Anlagen steigt in Österreich exponentiell an, und das ist gut so. Was heißt das im Kontext historischer Dörfer und schützenswerter Altstädte?

Hans Peter Weis versteht die Welt nicht mehr. Vor ein paar Jahren haben ihm die Baubehörde und der unabhängige Gestaltungsbeirat gesagt, er solle das neue Vordach über dem Balkon in einem satten Ziegelrot decken, so wie all die anderen Dachflächen auf dem Haus, und nun, wo er auf das bereits errichtete Vordach nachträglich eine Photovoltaik-Anlage mit fünf Modulen draufsetzen will, um sich von der EVN ein bisschen unabhängiger zu machen, soll er das Blechdach plötzlich dunkelgrau streichen.

„Und jetzt muss ich mit meinen 70 Jahren“, sagt der pensionierte, aber immer noch rüstige Bergsteiger und Bergführer, „bevor die Photovoltaik-Monteure kommen, aufs Dach raufkraxeln, 15 Meter über der Ybbs, und die Blechdeckung neu lackieren, bloß damit die PV-Paneele nicht so stark in Erscheinung treten. Ganz ehrlich? Ich bin sehr dafür, dass man die Altstadt von Waidhofen schützt und das Altehrwürdige bewahrt. Aber dieses ganze Theater für so eine kleine Anlage? Da fehlt mir echt das Verständnis.“

Das PV-Projekt von Hans Peter Weis ist kein Einzelfall. Seit der Corona-Pandemie und vor allem seit Russlands Angriff auf die Ukraine hat die sukzessive Umrüstung auf solare Stromproduktion – ob auf Fassaden oder in der Dachlandschaft – in Waidhofen an der Ybbs deutlich zugenommen. So sehr, dass die Stadt und der zuständige Gestaltungsbeirat, dem der Autor dieser Zeilen als Mitglied angehört, beschlossen haben, einen vorübergehenden Baustopp zu verhängen und in dieser Zeit Schutzzonen zu definieren und zonenabhängige Bebauungsbestimmungen festzuzurren.
Richtlinien benötigt

„Die Errichtung von PV-Anlagen und damit auch die Kollisionspunkte zwischen neuen Technologien und historischer Architektur haben im gesamten Bundesland spürbar zugenommen“, sagt Peter Aichinger-Rosenberger, Amtssachverständiger für Baukultur in der Niederösterreichischen Baudirektion. „Vor allem im Denkmalschutz, im Ortsbildschutz, in städtischen Schutzzonen und im Unesco-Welterbe benötigt diese neue Form von baulichen Fragestellungen rechtliche und gestalterische Grundlagen.“ Einige Gemeinden wie etwa Melk, Krems oder Baden, so der Experte, hätten bereits gute Lösungen, andere sind gerade dabei, entsprechende Richtlinien auszuarbeiten.

In Wien soll die Photovoltaik von derzeit 250 Megawatt Peak bis 2030 auf ein Gesamtleistungsvolumen von 800 Megawatt ausgebaut werden. Das werde nicht ohne dezentrale Großanlagen und ohne Aufrüstung bestehender Altgebäude gehen, meint der Wiener Stadtbaudirektor Bernhard Jarolim und verweist auf die geplante 500 Quadratmeter große PV-Anlage auf der Staatsoper und auf die kürzlich installierte PV-Landschaft am Wiener Rathaus, die rund 13 Prozent des Rathaus-Strombedarfs abdeckt.

Graz ist in mehrere Schutzzonen unterteilt, die Schutzzone eins ist aufgrund des historischen Stadtkerns und der intakten Dachlandschaft nahezu sakrosankt. Wer hier eine PV-Anlage errichten will, erklärt der Stadtbaudirektor und Welterbe-Beauftragte Bertram Werle, der brauche ein positives Gutachten der Altstadtsachverständigenkommission (ASVK). Die baulichen und gestalterischen Möglichkeiten sind stark limitiert und beschränken sich vor allem auf Innenhöfe und nicht öffentlich einsehbare Bauteile.

Rasante Entwicklung

Noch strenger ist Salzburg, wo innerhalb der barocken Altstadt bis heute keine PV-Nachrüstungen genehmigt wurden. „Die Dachlandschaft der Innenstadt findet Erwähnung im Welterbe und ist von allen Hausbergen gut einsehbar“, sagt Eva Hody, Landeskonservatorin für Salzburg im österreichischen Bundesdenkmalamt. „Daher müssen wir hier besonders streng sein. Aktuell haben wir blendfreie Klebepaneele in Begutachtung. Ich denke, das könnte bald eine gut integrierbare Lösung werden.“

Für besonders sensible Bereiche bietet der Markt außerdem sogenannte Dünnschichtpaneele, die matt, blendfrei und in unterschiedlichen Farben erhältlich sind. Deren Nachteil ist die geringe solare Ernte, die weit unter dem Output eines klassischen, vollkristallinen Hochleistungsmoduls liegt.

In den letzten Jahren hat der PV-Ausbau in Österreich exponentiell zugelegt. Allein 2023 wurden 2600 Megawatt Photovoltaik neu installiert – so viel wie in Summe in den fünf Jahren zuvor. Laut E-Control und Klimaschutzministerium verfügt Österreich heute über etwa 8700 Megawatt netzgekoppelter Photovoltaik. Hinzu kommt eine nicht erfassbare Dunkelziffer von nicht einspeisenden Insellösungen.

„Es wird immer mehr, und das ist gut so“, sagt Markus Bischofer, Bürgermeister des Tiroler Vorzeigedorfs Alpbach. „Aber wir sind eine schöne, touristisch attraktive Gemeinde, und deswegen brauchen wir auch restriktive Vorschriften.“ Vor zwei Jahren wurden neue Bebauungsbestimmungen erlassen: Erlaubt sind ausschließlich matte Paneele in dachparalleler Schräglage. Alles andere ist strengstens untersagt. Wer ein Veto kriegt und sich dadurch ökologisch benachteiligt fühlt, kann in eine Gemeinschaftsanlage investieren, die Albach zu genau diesem Zweck ein paar Kilometer außerhalb errichtet hat. Ein gangbarer Weg zum internationalen Tag der sauberen Energie.

Der Standard, Sa., 2025.01.25

In der Architektur wird das Bauen mit Holz zunehmend ideologisiert: Holzbau super, alles andere pfui. Warum eigentlich? Ein holziges Nachdenkgespräch mit dem Vorarlberger Tischlermeister Markus Faißt.

In der Nachhaltigkeitsdebatte der letzten Jahre hat kein Thema so viele Emotionen hervorgebracht wie die Frage nach dem Baustoff. Zwischen Massivbau-Lobby und Holz-Aficionados ist eine Art Glaubenskrieg entstanden. Fragt sich nur: Warum fällt uns das Differenzieren so schwer? Und ist diese Entweder-oder-Diskussion überhaupt zielführend? Wir haben uns auf den Weg in den Bregenzerwald begeben, auf nach Hittisau, wo seit über drei Jahrzehnten Markus Faißt mit genau diesem emotionalisierenden Baustoff arbeitet. Ein Gespräch über Holz.

STANDARD: Ihre Adresse könnte kaum schöner klingen: Nussbaum 361. Ein Omen?

Faißt: Die schönste Adresse der Welt! Über dieses kleine Glück habe ich mich stets gefreut. Tatsächlich gab es hier in der Gegend früher mal viele Nussbäume.

STANDARD: Haben Sie ein Lieblingsholz?

Faißt: Mein Lieblingsholz ist ohne jeden Zweifel die Ulme, die hier zwar heimisch ist, aber aufgrund des Ulmensterbens leider immer seltener anzutreffen ist.

STANDARD: Warum gerade die Ulme?

Faißt: Kein anderes Holz ist so charakterstark wie die Ulme – mit vielen Farben, von einem zarten Beige über ein nussiges Rehbraun bis hin zu einem kernigen Graubraun, sehr warmen Nuancen, einer vielschichtigen, dynamischen, unregelmäßigen Ringzeichnung, mit vielen schönen Einschlüssen, noch dazu hart, robust, resilient.

STANDARD: Sie arbeiten mit Holz aus der Region?

Faißt: Ich verwende ausschließlich Holz aus dem Bregenzerwald. Im Winter geschlagen, abhängig von den Mondphasen, nach dem Schneiden jahrelang getrocknet und dann erst im Werk weiterverarbeitet. Für hochwertiges Holz benötigt man ein Jahr Trocknungszeit pro Zentimeter Brettstärke. Holzverarbeitung ist ein sehr langsames, langwieriges Geschäft – wie guter Parmesan, wie guter Prosciutto.

STANDARD: Warum soll das Holz im Winter geschlagen werden?

Faißt: Eine Baumfällung ist ein sehr aggressiver Akt. Im Winter sind das Holz und auch der ganze Wald in einer Art Winterschlaf: Die Vegetationskurve ist auf null runtergefahren, die oberste Schicht des Waldbodens ist trocken und im Idealfall gefroren, die Säfte im Stamm haben sich zurückgezogen, die Kapillargefäße sind verschlossen, die Rinde ist hart und robust. Auf diese Weise fügt man dem Wald als Biotop und dem Holz als geerntetes Produkt den geringsten Schaden zu.

STANDARD: Sie schlagen nach Mondphasen?

Faißt: Der Mond ist für mich in einer ziemlichen langen Kette verschiedener Faktoren ein Anteil, den ich mir angeeignet habe zu beachten. Das ist kein esoterischer Hokuspokus, sondern belegbare Erfahrungswissenschaft.

STANDARD: Von den Medien werden Sie oft als Holzpapst bezeichnet. Gefällt Ihnen die Zuschreibung?

Faißt: Ich weiß zu schätzen, dass die Worterfindung wahrscheinlich als Kompliment gedacht war, aber mir geht sie mittlerweile auf die Nerven. Fakt ist: Ich denke, handle und arbeite im Sinne einer ökologischen Nachhaltigkeit und regionalen Wertschöpfungskette – und das mitunter konsequent und kompromisslos, in einer krassen Diametralität jedenfalls zur industriellen Holzverarbeitung. Wenn diese Wertehaltung als päpstlich wahrgenommen wird, soll’s mir recht sein.

STANDARD: Diese Ideologie, die Ihnen immer wieder zugeschrieben wird, findet sich nun auch in der Architektur: Zwischen den puristischen Holzarchitekten und jenen, die in Hybridbauweise bauen und den Holzbau mit Stahl, Beton oder Ziegel kombinieren, ist ein Glaubenskrieg entstanden. Woher kommt dieser fast schon religiöse Fanatismus?

Faißt: Ja, das deckt sich auch mit meiner Beobachtung. Ich freue mich zwar immer, wenn ich von neuen Superlativen im Holzbau höre: das höchste Holzhochhaus! Das erste Holzhaus ganz ohne Beton! Oder die schnellste Baustelle dank Vorfertigung und Modulbauweise! Aber Superlative sind nichts für die breite Masse.

STANDARD: Sondern?

Faißt: Das sind tolle Projekte zum Ausprobieren, zum Experimentieren, zum Ausreizen der technischen, logistischen und ökologischen Grenzen – gerne mit Fehlern, Lernkurven und Entwicklungspotenzialen! Wir brauchen solche Denklabore! Wichtig, wichtig, wichtig! Aber wie jede Entwicklung, die in den Kinderschuhen, später im jugendlichen Sturm und Drang und schließlich in einer euphorischen, immer noch leicht naiven Adoleszenz steckt, müssen diese Experimente früher oder später wieder auf den Boden gebracht werden.

STANDARD: Worin äußert sich diese naive Adoleszenz?

Faißt: In der Polemik, die so polemisch ist wie die aktuelle Politik: Holz gut, Beton böse. Und nicht zuletzt im absoluten Irrglauben, dass man alles in Holz bauen muss.

STANDARD: Geht sich das überhaupt aus?

Faißt: Nein! Pro Jahr werden in Österreich rund 26 Millionen Festmeter Holz geerntet. Und das bei einem jährlichen Zuwachs von 29 Millionen Festmetern. Damit haben wir also noch elf Prozent Spielraum. Dann ist Schluss.

STANDARD: Laut Pro Holz Austria wird bereits ein Viertel der Baukubatur in Holz errichtet. Damit hat sich der Anteil innerhalb von 20 Jahren mehr als verdoppelt.

Faißt: Das freut mich zu hören. Nun sollten wir noch evaluieren, wo der Einsatz sinnvoll ist – und wo bloß dumm und dogmatisch.

STANDARD: Wo ist Holz sinnvoll?

Faißt: Erstens: überall dort, wo es verfügbar ist, bitte lokal und regional denken! Und zweitens: überall dort, wo das Holz möglichst lange im Primäreinsatz und danach hoffentlich nochmal so lange im Sekundäreinsatz ist – also in der Wiederverwendung, im Upcycling oder im Downcycling.

STANDARD: Was bedeutet „lange“ im Holzjargon?

Faißt: Wissen Sie, wie lange ein Baum wachsen musste, bis er gefällt werden kann? 80, 90, 100 Jahre! Mindestens so lange muss das Holz im Einsatz sein, um eine positive Bilanz zu erzielen. Überall dort, wo das Holz so exponiert, so ungeschützt und so unintelligent eingesetzt ist, dass man es nach 20 oder 30 Jahren schon wieder rausreißen muss, ist dies eine verantwortungslose Zerstörung dieser kostbaren Ressource. Darf ich mir was wünschen?

STANDARD: Bitte!

Faißt: Wir müssen endlich wegkommen von diesem ideologischen Wunschdenken. Holzbau ist keine Religion und keine Glaubensfrage. Wir brauchen dringend eine ökonomische Betrachtung, eine langfristige Bilanzierung, eine exakte, ehrliche Evaluation. Das ist der einzig gangbare Weg in die Zukunft.

STANDARD: Welche Trends sehen Sie auf uns zukommen?

Faißt: Auf konstruktiver Ebene wurde in den letzten Jahren schon viel experimentiert. Mit Erfolg. Die Belastbarkeit und Einsatzfähigkeit von Holz hat sich bei gleichzeitiger Reduktion von Gewicht, Volumen und Materialeinsatz seitdem deutlich reduziert. Ich bin davon überzeugt, dass wir in Zukunft noch einige chemische Erfindungen und Optimierungen erleben werden. In Anbetracht eines intelligenten Ressourceneinsatzes kann ich das – selbst als traditioneller Tischlermeister – nur begrüßen.

STANDARD: Ich habe Sie zu Beginn nach Ihrem Lieblingsholz befragt. Gibt es denn auch ein Holz, das Sie ganz und gar nicht mögen?

Faißt: Lange Zeit hat Buche die Liste meine Antipathie angeführt. Ich habe immer gesagt: Buchenholz, das ist die Thujenhecke der Tischler.

STANDARD: Und jetzt?

Faißt: Buche ist bei Tischlern und Architektinnen seit Jahren schon so dermaßen uncool und unbeliebt, dass wir heute auf tausenden Tonnen unverkaufter Buche sitzen – und das, obwohl das Holz fest, robust, günstig und mit der entsprechenden Behandlung auch ästhetisch ist. Daher will ich an dieser Stelle eine Lanze für die Buche brechen. Ich will, dass wir die Buche wieder lieben lernen.

Markus Faißt (62) lebt und arbeitet in Hittisau im Bregenzerwald. Er machte eine Meisterausbildung zum Tischler und übernahm 1993 die Holzwerkstatt seines Vaters. Er verarbeitet ausschließlich unbehandeltes Vollholz aus den regionalen Wäldern. 2024 wurde er als Unternehmer des Jahres ausgezeichnet.

Der Standard, Sa., 2025.01.18

Wien arbeitet am Stadtentwicklungsplan STEP 2035. In die Öffentlichkeit dringt davon nur wenig. Daher haben wir bei Expertinnen und Experten nachgefragt, was sie sich davon erhoffen und was sie sich wünschen.

Stadtplanung

Ich wünsche mir vom Step 2035 eine Vision zur Transformation der Stadt, die den Bestand als Zukunftsressource betrachtet – mit grünen, attraktiven, gemischt genutzten Industrie- und Gewebearealen. Und mit Förderung lokaler Produktion, denn auch in der Innenstadt gibt es viele kleinere Betriebe, und die brauchen wir genau dort. Ich wünsche mir einen Gesamtplan für grün-blaue Infrastruktur, so wie in Hamburg und Rotterdam. Und ich wünsche mir eine Gesamtstrategie für Stadt und Region, denn das System Wien endet nicht an der Stadtgrenze.

Ute Schneider ist Professorin für Stadtplanung, TU Wien

Grünraum

In einem Dokument wie dem Stadtentwicklungsplan braucht es eine klare Strategie inklusive verbindlicher (und zu befolgender) Instrumente, die das urbane Grün mit anderen Freiraumfunktionen abstimmt und die eine gerechte Verteilung von Lebensqualität garantiert. Anzahl und Größe sind ausschlaggebend: Je größer und kompakter die Grünräume, desto wirksamer sind sie gegen Klimastress und Hitzeinseln. Und: Dort, wo vulnerable Bewohnerinnen und Bewohner darauf angewiesen sind, sind Neubau und Erhaltung von Grünräumen dringend voranzutreiben.

Lilli Lička ist Architektin, LL-L Landschaftsarchitektur

Stadtklima

Wien wird bald ein Mittelmeerklima haben, Extremereignisse werden sich häufen, und die Kapazitäten des Hochwasserschutzes bei Starkregen werden wahrscheinlich bald nicht mehr ausreichen. Je länger wir also zögern, desto radikaler werden die Maßnahmen sein müssen. Was ist zu tun? Schwammstadtbäume, Begrünung von Dächern, Berücksichtigung von Kaltluftströmen, Klimatisierung von Spitälern und Pflegeheimen etc. Wir müssen die Prozesse konkret definieren und befolgen – und nicht nur hie und da ein bisschen begrünen. Es geht nicht darum, was machbar ist, sondern darum, was nötig ist.

Matthias Ratheiser und Simon Tschannett sind Meteorologen und Geschäftsführer, Weatherpark Wien

Verkehr

Wien ist Vorzeigestadt in Sachen Öffis, Radfahren und Zu-Fuß-Gehen. Dennoch verursacht der Kfz-Verkehr einen großen Anteil am CO₂-Ausstoß – und benötigt dafür zwei Drittel des gesamten Straßenraums. Will die Stadt ihre Ziele bis 2040 erreichen, muss Parken teurer werden, müssen Radwege konsequent vermehrt, müssen gute Lösungen für den Mischverkehr gefunden werden – so wie aktuell am Beispiel Argentinierstraße. Was Wien leider noch nicht gut kann: improvisieren, ausprobieren, experimentieren. Die Klimakrise verlangt schnelle Maßnahmen, die rasch wirken. Hier kann Wien noch mutiger werden.

Andrea Weninger ist Geschäftsführerin, Rosinak & Partner

Architektur

Was in Wien fehlt, ist die Weiterentwicklung der dreidimensionalen Gestalt der Stadt. Ein riesiges Spektrum an Möglichkeiten bleibt unausgeschöpft. Ich wünsche mir die Radikalität des Roten Wien zurück. Alternative Modelle für Dichte. Mehr Öffentlichkeit und Zugänglichkeit. Eine Transformation der Bestandsstadt und ihrer Straßen. Und die Produktion in die Stadt zurückholen. Wir brauchen erlebbare Beispiele der vielen Möglichkeiten in allen Maßstäben. Und bitte keine Panik vor Höhe im Zentrum! Mit den Worten Ursula von der Leyens: Wir müssen dem Systemwandel ein Gesicht verleihen!

Anna Popelka ist Architektin, PPAG Architects

Wohnbau

Damit Wien nicht nur auf dem Papier, sondern auch in der Praxis eine klimafitte Stadt der Zukunft werden kann, brauchen wir sofort Maßnahmen in Flächenwidmung und Bauordnung. Aber nein, stattdessen werden Gebäude und Baukultur nach wie vor unter einen Glassturz gestellt. Ohne innovativen Wohnbau, ohne innerstädtische Nachverdichtung, ohne echte Begrünungskonzepte und ohne Balkone und Schattenplätze werden wir immer mehr grüne Wiese verbauen müssen. Es läuft total verkehrt. Wir müssen um jeden Preis unsere Umwelt und unsere Böden schützen – und nicht nur mittelmäßige Altbauten in der hintersten Vorstadt.

Hans Jörg Ulreich ist Geschäftsführer, Ulreich Bauträger

Energie

Das Prinzip „Energieeffizienz first“ ist simpel: erstens Bedarf vermeiden, reduzieren und optimieren – und zweitens den Rest aus erneuerbaren Energiequellen decken. Dieses Prinzip führt zu nachhaltigen, CO₂-freien Lösungen bei Neubauten und Sanierungen und ermöglicht langfristige Planbarkeit. Was so einfach klingt und im Wiener Neubau längst zum Standard gehört, ist im Altbau leider hochkomplex. Für die klimaneutrale Stadt braucht es daher ganzheitliche Lösungen. Eine vorausschauende, in die Stadtentwicklung integrierte Energieraumplanung ist dazu ein wesentlicher Baustein.

Inge Schrattenecker ist stv. Generalsekretärin, ÖGUT Österreichische Gesellschaft für Umwelt und Technik

Kreislaufwirtschaft

Gute Stadtplanung ist sich ihrer Materialisierung bewusst. Sie entwickelt Strategien für die Ver- und Entsorgung in Bau, Betrieb und Bestand – von den Stoffströmen bis hin zum Regenwassermanagement. Als Teil der Stadtproduktion ist das Bauen ein wesentlicher Emittent, daher muss für die Entwicklung einer klimawirksamen Kreislaufwirtschaft die CO₂-Bilanz völlig neu betrachtet werden. Eine klimapositive Stadtplanung verbindet die Reduktion von Verkehr und Emissionen mit Strategien der CO₂-Speicherung – und zielt langfristig auf die Stadt als CO₂-Senke ab.

Thomas Romm ist Architekt, forschen planen bauen, und Initiator, Baukarussell

Soziales

Für das Gefüge in der Stadt ist soziale Kohäsion essenziell. Dazu braucht es institutionelle Möglichkeitsräume, die als multifunktionale Hubs fungieren – als Lernorte und Treffpunkte, mit Kulturangeboten und für Austausch und zur Förderung von Talenten. Solche Orte können soziale Ungleichheiten abfedern und schaffen Ausgleich für jene, die auf beengtem Raum wohnen und wenig Chancen und Möglichkeiten haben. Zudem bieten sie im Hochsommer Kühlung für all jene, die unter den Risiken der Stadthitze leiden. Ein weiteres wichtiges Thema ist die klimaresiliente Umgestaltung des öffentlichen Raums als Wohnzimmer für alle.

Cornelia Dlabaja Stiftungsprofessur für nachhaltige Stadt- und Tourismusentwicklung, FH Wien, Sektionssprecherin Soziale Ungleichheit, ÖGS

Migration

Migration ist in Wien längst gelebte Realität. Über 50 Prozent der Jugendlichen haben einen sogenannten Migrationshintergrund. Das ist die Mehrheitsgesellschaft von morgen. Gleichzeitig sind 34 Prozent der Menschen nicht wahlberechtigt – ein tiefgreifendes Demokratiedefizit, das noch zunehmen wird. Umso dringlicher ist es, eine solidarische, zukunftsfähige Gesellschaft zu gestalten, in der echte Teilhabe für alle möglich ist, und die Stadt so zu planen, dass sie Räume eröffnet, die ein gemeinsames Sprechen, Diskutieren und Streiten fördert.

Ivana Pilić ist Kuratorin und Kulturwissenschafterin, D-ARTS

Der Standard, Fr., 2025.01.03

Viele Geschäftslokale stehen leer. Mit dem Wegbrechen der Handelsstrukturen krankt auch das öffentliche Leben in der Stadt. Ein Weihnachtswunsch am letzten großen Einkaufssamstag.

Wir schließen!“ „Alles muss raus!“ „Attraktives Geschäftslokal zu vermieten!“ Auch wenn an den letzten Einkaufssamstagen vor Weihnachten die Menschen wie ausgehungerte Heuschrecken über die Innenstadt herfallen und ob ihrer mächtigen Zahl temporäre Verkehrssperrungen erzwingen, ändert das nichts an den aktuellen Entwicklungen innerhalb der Einzelhandelslandschaft: Selbst in zentral gelegenen Wiener Einkaufsstraßen wie Favoritenstraße, Landstraßer Hauptstraße und – angeblich „too big to fail“, wie die Immobilienwirtschaft immer wieder betont – Mariahilfer Straße hat der Leerstand massiv zugenommen.

„Viele Geschäftslokale stehen leer, die Schriftzüge sind demontiert, die Auslagen großflächig verklebt“, sagt Angelika Psenner, Professorin für Stadtstrukturforschung an der TU Wien, „und das macht was mit uns allen. Mit der Erblindung der Schaufenster, mit dem Verschwinden der Kommunikation zwischen innen und außen und mit dem Wegbrechen der sozialen Interaktion geht eine wesentliche Qualität des öffentlichen Raums und des Stadtparterres verloren.“

Dramatische Situation

Experten gehen davon aus, dass eine gesunde Leerstandsquote im Erdgeschoß, die eine gewisse Dynamik in den Gewerbestrukturen zulässt, um die drei Prozent beträgt. Alles unter fünf Prozent liege immer noch im grünen Bereich. In manchen großen, wohletablierten Einkaufsstraßen in den Wiener Innenbezirken jedoch beträgt der Leerstand aktuell 5,8 bis 6,2 Prozent, wie Roman Schwarzenecker, Prokurist im Beratungsunternehmen Standort + Markt, erklärt. Und da sind Ladenumbauten und Geisterbaustellen wie etwa das 20.000 Quadratmeter große Lamarr der insolventen Signa Holding noch gar nicht miteinberechnet.

Noch dramatischer ist die Situation im ländlichen Raum, in den kleinen Gemeinden und Bezirkshauptstädten, die Leerstände jenseits der 15 Prozent aufweisen und die den Kampf gegen Fachmarktzentrum, Shoppingcenter und Onlinehandel längst verloren haben. Viele bereits konvertierte Geschäftsflächen wie etwa die ehemalige C&A-Filiale in Wiener Neustadt, die – durchaus klug und nachahmenswert – 2017 in ein Ärzte- und Rehabilitationszentrum umfunktioniert wurde, scheinen in der Statistik der verlustig gewordenen Gewerbeflächen gar nicht mehr auf.

Ursachen und Wirkungen

Fragt sich nur: Was tun mit all den leeren Lokalen? Mit dieser großen Frage hat sich kürzlich eine Veranstaltungsreihe an der alten WU beschäftigt, die unter anderem von der Österreichischen Gesellschaft für Architektur (ÖGFA), der IG Architektur, der IG Kultur Wien und der Allianz für Substanz organisiert wurde. Diskutiert und debattiert wurde über Ursachen und Wirkungen, über Fehlentwicklungen und rechtliche Versäumnisse, aber auch über Luftschlösser und Best-Practice-Beispiele.

„Wir können, sobald das klassische Erdgeschoß ausstirbt, nicht überall Garageneinfahrten, Self-Storage-Räume und Automatenshops einbauen“, sagt Philipp Buxbaum, Smartvoll Architekten. „Und auch der Bedarf an Pop-up-Stores und Coworking-Spaces ist enden wollend. Ich gehe davon aus, dass wir in Zukunft mit neuen, innovativen EG-Nutzungen zu tun haben werden, die wir uns heute noch nicht einmal ausmalen können.“ Umso wichtiger sei es, so Buxbaum, so offene, flexible Strukturen zu schaffen, dass sie später mit allen möglichen Funktionen bespielt werden können.

Beispielsweise mit Ateliers, Galerien, Wohnungen, Vintageläden, Repaircafés, Suppenküchen, Konfektmanufakturen, Knopfgeschäften, Metallwarenhandlungen, öffentlichen Service-Einrichtungen oder etwa Ausweichquartieren für Schulen, Kindergärten und Volkshochschulen. Oder mit Ärzten, Zahnärzten und orthopädischen Studios, die vor 20 Jahren schon das Erdgeschoß erobert haben und die auch heute noch nach barrierefreien Geschäftslokalen in guten B-Lagen Ausschau halten. Oder aber auch mit Mikrogewerbebetrieben, die auf nur wenigen Quadratmetern intelligente Mikrokonzepte realisieren.

„Und genau das ist die Krux an der Sache“, sagt Uli Fries, Geschäftsführer von Kreative Räume Wien. „Denn die Umnutzung von Erdgeschoßlokalen in Bestandsgebäuden ist leider stark überreglementiert. Die bau- und gewerberechtlichen Anforderungen sind so dermaßen hoch, dass sich junge Gewerbetreibende einen solchen Ausbau kaum leisten können. Damit werden viele Player vom Markt aktiv ausgeschlossen. Und das ist schade – nicht nur für die individuelle Biografie, sondern auch für das Kollektiv Stadt.“

Kreative Räume Wien fungiert als Schnittstelle zwischen Hauseigentümern, Vermieterinnen und Raumsuchenden. Rund 400 bis 500 Anfragen pro Jahr werden jährlich verzeichnet, immer öfter auch Raumanfragen von Schulen, Sozialträgern und Kultur- und Bildungseinrichtungen, doch nur ein Teil davon kann erfolgreich vernetzt werden. „Leider haben viele Eigentümer unrealistische Erwartungen, was die Mieteinnahmen betrifft. Mit dem zunehmenden Wegbrechen des Handels werden sie die Mieten nach unten korrigieren müssen – und einsehen, dass das EG nicht mehr die Cashcow ist, um den Wert der Immobilie zu steigern, so wie früher, sondern ein gutes Werkzeug, um die Lebensqualität eines ganzen Quartiers anzuheben.“

Kultur der Ermöglichung

Was es stattdessen brauche, so Stadtstrukturforscherin Psenner, sei eine Kultur der Ermöglichung, „denn wir leben in einer Großstadt, ohne mit allzu vielen Nachteilen einer solchen Metropole konfrontiert zu sein. Kaum ist es im Parterre um ein Dezibel zu laut, kaum gibt es irgendwo mal Speisegerüche, fühlen wir uns in unserem Sein und Wohnen gestört und greifen sofort zum Telefon. Wenn wir eine lebendige Stadt wollen, werden wir unsere Ansprüche und unser Mindset dringend überdenken müssen.“

In der Seestadt Aspern gibt es ein quartiersübergreifendes Erdgeschoßmanagement, das die Bauträger entlastet und die Programmierung und Vermietung in professionelle Hände auslagert. In einigen Städten wie etwa Götzis, Hohenems oder Klagenfurt sind bereits Kümmerer und Kuratorinnen im Einsatz, die sich um den richtigen Gewerbemix kümmern. Und im Quartier Latin in Paris und in der Amsterdamer Innenstadt springt sogar die Stadt in die Bresche und übernimmt die Anmietung von Lokalen, um wieder kleinteiliges Gewerbe ins Zentrum zurückzuholen.

Der freie Markt wird’s schon richten? Nein, das ist ein Wunschdenken. Jetzt liegt der Ball bei der Gesetzgebung und Stadtverwaltung. Und bei denen, die ihre Erdgeschoße strategisch leer stehen lassen und die Stadt damit dem Verfall preisgeben.

Der Standard, Sa., 2024.12.21

Heute, Samstag, wird Notre-Dame nach fünf Jahren Bauzeit pompös wiedereröffnet. Chefarchitekt Philippe Villeneuve führt durch die Kathedrale und spricht über Angst, Verantwortung und missverstandene Geniestreiche.

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Wer sind all die Damen und Herren, die seit der Antike schon Erker, Gesimse und ganze Hausfassaden nach oben stemmen? Ein Spaziergang zu den Atlanten und Karyatiden, die vor allem in Wien der Stadt Körper und Gesicht verleihen. Soeben ist dazu ein vielseitiger Atlas erschienen.

Die Muskeln deutlich gezeichnet, angespannt und sehnig. Die Haut glatt und straff, kein Gramm Fett zu viel, über den Lenden ein luftig leichter Faltenwurf. Er mit aller Kraft die Tonnen von Stein und Ziegeln nach oben stemmend, sie indes mit Eleganz den Balkon stützend, ohne auch nur einen Millimeter aus der Körperachse auszuscheren. Wer sich im historischen Wien auf aufmerksame Suche begibt, der kommt nicht umhin, sie bald einmal zu Hunderten zu entdecken, eingeklemmt zwischen Sockeln und Gesimsen – die Atlanten und Karyatiden.

„Atlas, Telamon, Last-Träger ist eine Statue, so in der Architectur statt eine Säule das Gebälcke oder andere schwere Lasten, als gantze Decken, Welt-Kugeln u. d. g. tragen muß“, schrieb der deutsche Baumeister, Mathematiker und Architekturtheoretiker Johann Friedrich Penther anno 1744. „Man hat dieses von der Heydnischen Dichtung, welche dem Atlanti den Himmel auf die Schultern legt, angenommen. Artige Beyspiele von Atlantibus finden sich in dem Eugenischen Palast vor Wien, da selbst statt der Pfeiler ansehnliche Creutz-Gewölbe tragen müssen.“

Letztere freilich, vier an der Zahl, zieren die Sala terrena im Oberen Belvedere, in Auftrag gegeben von Prinz Eugen von Savoyen, errichtet in den Jahren 1714 bis 1723 nach Plänen von Johann Lucas von Hildebrandt. Ursprünglich war die Sala terrena noch ein stützenfreier Raum, doch schon bald kam es zu unerwarteten Setzungen, und so musste der Wiener Bildhauer und Stuckateur Santino Bussi nachträglich vier stützende Atlanten aus dem Stein hauen.
Stumme Giganten

„Mich fasziniert die schöne, sinnliche Muskelzeichnung dieser Figuren, aber auch die erotische, aber niemals sexistische Körperhaltung der Karyatiden, wie sie etwa an den Seitenportalen des Parlaments zu finden sind“, sagt der seit 1988 beim ΔTANDARD tätige Gregor Auenhammer, der Philosophie und Geschichte studierte und sich mit ebensolchem Blick schon seit Jahren durch Wien bewegt. „Im Barock, beim Ringstraßenbau und bis in die Gründerzeit hinein sind diese stummen Giganten, die eine tragende Rolle in Wien spielen, Teil des öffentlichen Stadtbilds. Sie verleihen der Stadt Körper und Gesicht.“

Um diese dienende Arbeit zu würdigen, begab sich Auenhammer zwei Jahre lang auf systematische Suche durch Wien, stöberte nach Hinweisen in Bibliotheken und Denkmalverzeichnissen, wanderte sich auf hunderten Straßen die Füße wund und presste seinen fotografischen Fund schließlich zwischen zwei Buchdeckel. Soeben ist der bildgewaltige (und manchmal auch etwas verbalbarocke) Atlas Wiener Atlanten, Hermen & Karyatiden im Verlag Bibliothek der Provinz erschienen.

„Menschendarstellungen mit stützender Funktion gibt es schon seit der griechischen und ägyptischen Antike“, sagt Wolfgang Salcher, Wiener Landeskonservator im Bundesdenkmalamt. „Doch in der Hochblüte Wiens zwischen 1850 und 1900 – im Historismus, in der Rückbesinnung auf die Renaissance und in der Gründerzeit – wurden sie so vielfach produziert, dass sie im Wiener Stadtbild bis heute so präsent sind wie kaum irgendwo sonst.“

Was einst als Darstellung des Atlas begann, jenes Titanen also, der dazu verurteilt war, den Himmel auf seinen Schultern zu tragen, wurde in der Gründerzeit, so Salcher, zu oft massenproduzierten Avengers, Supermännern und anderen hochpotenten Helden in der Fassadenkomposition. Manchmal wurden die Figuren noch von Hand geformt und gemeißelt, in den meisten Fällen jedoch handelte es sich um vorfabrizierte Romanzement-Figuren und halbfertige Gussteile aus Gips, die man aus dem Katalog bestellen konnte.

„Das späte 20. Jahrhundert ist nahezu ausgestorben, was die Präsenz von menschlichen und mythologischen Gestalten in der Architektur betrifft“, so Salcher. Erst mit der Postmoderne findet die Figur zaghaft wieder Einzug ins Stadtbild. So auch am Karlsplatz an der Bibliothek der TU Wien, geplant von Justus Dahinden, in Form einer 18 Meter hohen Betoneule. Der animalische Atlant des Schweizer Bildhauers Bruno Weber spaltet bis heute die Gemüter. Für Salcher hingegen ist die TU-Bibliothek ein Objekt, das schon bald unter Denkmalschutz stehen könnte.

„Das Verschwinden der schwer tragenden Tiere und der geknechteten, fast schon versklavten Männer und Frauen zu Beginn des 20. Jahrhunderts hat nicht nur mit einem sich verändernden Architekturbegriff zu tun“, meint die Wiener Architektur- und Kunsthistorikerin Ingrid Holzschuh, „sondern ist auch Ausdruck eines kulturellen und gesellschaftspolitischen Wandels.“ In der fortschreitenden Demokratisierung der Gesellschaft und Emanzipation des einzelnen Individuums hätten Atlanten und Karyatiden keinen Platz mehr.

Und manchmal scheinbar doch. An der Ecke von Rohanské Nábřeží und Wittgensteinova im Prager Stadtteil Karlín steht eine siebengeschoßige, 24 Meter große Frauenskulptur, die mit ihren Armen das kürzlich errichtete Luxuswohnhaus Fragment umfasst und die tetrisartigen Würfel auf diese Weise scheinbar vor dem Auseinanderfallen bewahrt. „Architektur und Skulptur haben im Laufe der Baugeschichte immer schon eine symbiotische Rolle gespielt, und auch damals schon handelte es sich in den meisten Fällen um eine Art Corporate-Kunst“, sagt David Wittasek, Architekt im Prager Büro Qarta. „Der Auftrag der Bauherren an den Künstler David Černý knüpft an genau diese Tradition an.“

Shitstorm für „Lilith“

Dass die aus poliertem Edelstahl zusammengeschweißte, sexistisch überzeichnete Plastik ausgerechnet auf den Namen Lilith hört – Adams erste Frau im Garten Eden, mythologische Symbolfigur für Freiheit und Gleichberechtigung der Frau –, hat in Medien und Fachkreisen zu einem Shitstorm geführt. „Provokation ist das Recht jedes bildenden Künstlers“, sagt Helena Huber-Doudová, Architekturkuratorin in der Nationalgalerie Prag. „Doch diese Darstellung des weiblichen Körpers ist vorgestrig und erinnert in ihrer hormonellen Überzeichnung an Comicfiguren der 1950er-Jahre. Das hat nichts mit Gleichberechtigung zu tun, das ist ein Affront gegen alle, die sich in der Gesellschaft nicht als Cis-Männer positionieren. Willkommen im Mittelalter!“

Lilith ist so gesehen eine Botin der gesellschaftlichen, globalpolitischen Umbrüche, mit denen wir aktuell konfrontiert sind. Die Versklavung der menschlichen Figur zur Lastträgerin autokratischer Weltengebäude ist nach hundertjähriger Absenz wieder nähergerückt. Gregor Auenhammers Atlas gibt Einblick und Erkenntnisse.

[ Buchpräsentation am 21. Jänner 2025 im Ahnensaal der Hofburg Wien, Einführung: Christoph Bazil, Präsident des Bundesdenkmalamts, 19 Uhr ]

Der Standard, Sa., 2024.11.23

Eine Bauernhofruine aus dem 19. Jahrhundert. Was tun? Wilhelm Buchhammer kaufte den Tiroler Hof, verzauberte ihn in ein Schmuckstück – und bekam dafür den Österreichischen Bauherrenpreis 2024.

Der Willi, muss man wissen, ist nicht nur Installateur, was er früher mal erlernt hat, sondern auch Gastwirt unten im Inntal und Vermieter von Ferienwohnungen. Vor allem aber ist er Brotbäcker, Fischzüchter, Schnapsbrenner, Baggerfahrer, Baumeister, Schalungsbauer, Betonierer, Tischler, Fliesenleger, Trockensteinmaurer, Kalklöscher, Kalkverputzer und Dachstuhlzimmermann.

„Der Willi ist echt ein Wunderwuzziwilli“, sagt Architekt Harald Kröpfl, der ein kleines, aber hochbeglückendes Architekturbüro in Landeck betreibt und sich damit für die Ortskernrevitalisierung im Tiroler Oberland starkmacht. „Von so einem Bauherrn habe ich ein Leben lang geträumt. Und von so einem alten Bauernhof hoch oben am Berg wie hier im Kaunertal, von so einer historischen Herausforderung sowieso! Das war durch und durch ein Traumprojekt – von der ersten Skizze vor Ort bis zum ersten übernachtenden Gast.“

Besagter Willi, Wilhelm Buchhammer, wie er im Grundbuche steht, hat ein Herz für alte Bauernhöfe. Als er vor ein paar Jahren erfuhr, dass jener 1890 errichtete Milchbauernhof in Martinsbach, den er schon seit Kindheitstagen kannte, der Gemeinde ein Dorn im Auge war und eigentlich abgerissen werden sollte, fasste er sich ein ebensolches und kaufte die morsche Stein- und Blockhausruine mitsamt zehn Hektar Bergland. Die erste Idee war, die Revitalisierung zum Hobby zu machen, sich ein paar Jahre lang bastelnd durchs Haus zu wüten und es Stein für Stein, Balken für Balken zu ertüchtigen.
Schwieriger Alleingang

„Es sind schon so viele historische Bauernhöfe verschwunden“, sagt Willi, 51 Jahre alt, „nicht noch einer! Vielleicht bin ich ja a bissl sentimental, aber ich wollte meinen Beitrag leisten, um die Geschichte zu bewahren und diese prächtige, ortstypische Tiroler Architektur den nächsten Generationen zu übergeben.“ Und irgendwann, meint er, habe er gemerkt, dass das im Alleingang nicht gehen würde, dass das alles doch nicht so einfach war, wie er sich das vorgestellt habe. Ein Plan musste her. Und am besten ein Architekt noch dazu. Über Empfehlungen kam er schließlich zum Kröpfl Harry.

„Der wusste, was ich will, der hat mich von Anfang an verstanden“, erzählt er. Und so startete eine jahrelange Partnerschaft mit ziemlich wenigen am Computer gezeichneten Plänen und ziemlich vielen Vor-Ort-Gesprächen und Entscheidungen aus dem Bauch heraus. Da ein morscher Balken, der ersetzt werden musste, dort eine eingestürzte Zwischendecke, die nun zu rekonstruieren war, und zwischendurch musste das Haus hangseitig, auf der Neaderseite, wie man im Oberland sagt, mittels Winden per Handkurbel um 20 Zentimeter angehoben werden, damit es wieder im Lot steht, „aber bloß keinen Zentimeter zu viel, sonst hätte es gerumpelt“.

Das Aufmauern mit Natursteinen, sagt Willi, habe er sich selbst beigebracht, das Betonieren und Stocken des Mauersockels ebenso, und auch das Schlämmen des talseitigen Mauerwerks mit selbst gelöschtem Kalk, unten im Faggenbach, eine ziemlich ätzende Angelegenheit, war selbstmännische Ehrensache. „Am Ende war die Fassade dann halt schon a bissl sehr weiß. Hat in den Augen so richtig geblendet. So konnte das nicht bleiben!“ Die darauffolgende Sanierungsaktion umfasste eine Schwarztee-Kur und mehrfaches Einpinseln mit ebenjenem aufgebrühten Blättersaft. „Einen Tag lang auf dem Gerüst stehen und die Außenwände mit Tee bemalen, und schon hat’s gepasst.“

Jahrelanger Wahnsinn

Für den jahrelangen Wahnsinn, für das unerbittliche Engagement auf Auftraggeberseite wurde Wilhelm Buchhammer gestern, Freitagabend, mit dem Österreichischen Bauherrenpreis 2024 ausgezeichnet. Der seit 1967 jährlich verliehene Preis holt ausnahmsweise mal nicht die Planer und Architektinnen vor den Vorhang, sondern jene Menschen, die das Risiko eingehen und das Geld in die Hand nehmen, um ebensolche Projekte, um ebensolche Visionen zu realisieren. Der von der Zentralvereinigung der Architekt:innen Österreichs (ZV) ausgelobte Preis ist der älteste und konsequenteste seiner Art weltweit.

„Das Verschwinden bäuerlicher Strukturen wird häufig beklagt, aber selten verhindert“, erklärt Gabriele Kaiser, Architekturhistorikerin und eine der Jurorinnen des Bauherrenpreises. „Hier hat ein privater Bauherr mit großer Passion für das Kulturerbe der Region die Initiative ergriffen und einem verwaisten, brachliegenden Hof neues Leben eingehaucht – mit liebevollen Details, mit Riemenböden, Holzbalkendecken, getäfelten Kammern und Möbeln und Öfen aus der damaligen Zeit, unprätentiös und ohne Hang ins Museale.“ Hinzu komme, so Kaiser, die Kontaktaufnahme mit dem Bundesdenkmalamt und dem Tiroler Landeskonservator und die proaktive Unterschutzstellung des Hauses.

Der Willi lacht. „Jetzt kann das Ding nie wieder zerstört oder abgerissen werden, und ich glaube, das ist gut so. Jetzt muss ich noch den Kredit abbezahlen und die Schulden loswerden.“ Man kann ihn dabei unterstützen. Die drei Ferienwohnungen sind ganzjährig buchbar. Eine Reise in eine Welt mit knarrenden Holzböden, schwarzen Bakelit-Schaltern und Wänden, die man streicheln will.

7 ausgezeichnete Häuser

Neben dem Buchhammerhof in Martinsbach wurden folgende sechs Projekte mit dem diesjährigen Bauherrenpreis gewürdigt: Einfamilienhaus mit Schilfdach in Weiden am See: Marina Rosa und Jacobus von Hoorne (Arch. Gilbert Berthold). Wohnprojekt Auenweide in St. Andrä Wördern: Verein Wohnprojekt Wördern, Markus Spitzer (einszueins architektur). KinderKunstLabor in St. Pölten: Stadt St. Pölten, Matthias Stadler, Wolfgang Lengauer, NÖ Kulturwirtschaft GmbH, Martin Maurer, Mona Jas (Schenker Salvi Weber Architekten). Drauforum in Oberdrauburg: Marktgemeinde Oberdrauburg, Stefan Brandstätter (Arch. Eva Rubin). Ágnes Heller Haus, Universität Innsbruck: BIG Bundesimmobiliengesellschaft, Leopold-Franzens-Universität (mohr niklas architekten). Neue Bürowelt Haberkorn in Wolfurt: Haberkorn GmbH, Wolfgang Baur, Andrea Sutterlüty (Nona Architektinnen).

Der Standard, Sa., 2024.11.16

Im Stadterweiterungsgebiet Seestadt Aspern hat WUP architektur mit geringen Mitteln einen Wiener Gemeindebau mit besonders günstiger Miete errichtet. Das Projekt mit kostengünstigen Baustoffen und repetitiven Elementen lagert die Frage von Wertschätzung und Ästhetik in den Bereich sozialer Kompetenz aus.

Die einen denken an Großmutters 48-teiliges Lilienporzellan, eine pastellfarbene Erbschaft aus den 1950er Jahren, die anderen an frisch angemischtes Vanille-, Erdbeer- und Pistazieneis. Fragt man die planenden Architekt:innen, so bezeichnen sie die in Gelb, Grün, Grau, Hellblau und Ziegelrot gestrichene Fassade als Reminiszenz an historische, längst denkmalgeschützte Gemeindebauten, konkret als Zitat auf Karl-Marx-Hof (von Architekt Karl Ehn, eröffnet 1930), George-Washington-Hof (von den Architekten Karl Krist und Robert Oerley, fertiggestellt1930) und den prächtigen, weithin sichtbaren Reumannhof (von Architekt Hubert Gessner, fertiggestellt 1926) – an jene Zeiten also, als die Vermählung von wenig Geld und viel Schönheit noch kein Widerspruch war, sondern als hohe Tugend gemeinnützigen Wohnens angesehen wurde.

Der mit Gemeindemitteln errichtete Wohnbau in der Seestadt Aspern, direkt am neu angelegten, 30 000 m² großen Elinor-Ostrom-Park gelegen, ist das nunmehr siebte realisierte Projekt der Gemeindebau-Neu-Offensive, die die Stadt Wien vor wenigen Jahren aufgenommen hat. 2023 – also genau 100 Jahre nach Einführung der Wiener Wohnbausteuer – wollte die Wiener Gemeindewohnungs-Baugesellschaft (WIGEBA) in Zusammenarbeit mit WUP architektur ein Exempel statuieren und entwickelte ein sozial wie auch funktionstechnisch nachhaltiges Wohnmodell für Menschen mit kleinem Portemonnaie und großem Zimmerbedarf.

»Im Grunde genommen knüpft der Gemeindebau Neu nahtlos an die Werte des Roten Wien an«, sagt Andreas Gabriel, Partner bei WUP architektur. »Damals wie heute sind wir im günstigen Preissegment mit hoher Wohnungsnot konfrontiert, und damals wie heute ist eine der wichtigsten Aufgaben die Schaffung billigen, leistbaren, bezahlbaren Wohnraums für eine möglichst große Zahl an Menschen.« Die niedrigen, gedeckelten Baukosten ermöglichen am Ende eine Mietbelastung von nur 7,50 Euro /m² – ohne Eigenmittel, ohne Kaution, ohne Befristung.

Und schon auf den ersten fachkundigen Blick ist ersichtlich, dass WUP architektur gar nicht erst versucht hat, mit den geringen zur Verfügung stehenden Geldmitteln eine Skulptur oder irgendeine programmatische Architekturikone auf die Beine zu stellen. Tatsächlich verbirgt sich hinter dem Projekt, sobald man die Balkonplatten und das verspielte Farbkleid gedanklich entfernt hat, eine banale, komplett durchstandardisierte Betonkiste mit minimaler Außenfläche und maximaler Kubatur. Und mit tragenden Außenwänden und zwei tragenden, mittig angeordneten Innenwänden wie anno dazumal in der flexiblen, viel beschworenen Gründerzeit.

Kostengünstig und durchdacht

»Der Kostendruck im Gemeindebau ist enorm«, so Gabriel. »Also haben wir beschlossen, in der Bauweise und in den Materialoberflächen bewusst zu sparen. Wir haben klassische Baustoffe verwendet und haben die Palette an unterschiedlichen Bauprodukten so klein wie nur möglich gehalten.« Konkret bedeutet das: Stahlbeton, WDVS-Fassade mit Polystyrol und synthetischem Putz, einheitliche Kunststofffenster, einfache Laminatböden in den Wohnräumen sowie verzinktes, unlackiertes Stabgeländer an den Balkonen. Das geht so weit, dass selbst im Treppenhaus die Außenwandkonstruktion und das immergleiche Fensterformat ohne Variation durchgezogen wurde und man – auf dem Halbpodest stehend – in Augenhöhe direkt auf einen Betonkämpfer zuläuft. Das nennt man dann Konsequenz.

Doch wo an einer Stelle gespart wird, kann an anderer Stelle Hochwertiges entstehen. Im Falle des Gemeindebaus H4, ganz nüchtern und uncharmant nach der Grundstücksnummer im neu erschlossenen Quartier Am Seebogen bezeichnet, schlagen die Werte weniger im Materiellen als vielmehr im Funktionalen, im Alltäglichen, im allzu Menschlichen zu Buche: Das Balkonband ist rundumlaufend angelegt, jede Wohnung verfügt über eine 2,50 m tiefe Aufweitung, die man auch mit Tisch, Outdoor-Sofa oder Hollywood-Schaukel möblieren kann, zudem kann man aus jedem einzelnen Zimmer durch ein französisches Fenster, das die Belichtungsfläche bei gleichzeitiger baulicher Verschattung auf ein Maximum erhöht, an die frische Luft hinaustreten.

»Meistens fragt man sich, was man selbst für schön hält und wonach man sich im Wohnen sehnt«, meint Bernhard Weinberger, die andere Hälfte der WUP-Geschäftsführung. »Doch bei diesem Projekt haben wir uns als Architekten und Gestalter zurückgehalten. Wir haben uns die Frage gestellt: Was wünschen sich die Mieterinnen und Mieter? Und wie definieren sich Träume und Schönheit, wenn man nur ein geringes Wohnbudget zur Verfügung hat und auf eine gestützte Gemeindewohnung angewiesen ist?«

Die Antwort darauf findet man in sehr cleveren, durchdachten Grundrissen mit einer Sanitäreinheit in der Mitte und der Möglichkeit, selbst in den kleinsten Zweizimmerwohnungen im Kreis laufen zu können. Ein Drittel der insgesamt 74 Wohnungen ist sogar mit raumhohen, in die Wand integrierten Schiebewänden ausgestattet. »Wir denken weniger in Zimmern und mehr in Nutzungsbereichen«, meint Weinberger. »Je nach Bedarf können diese Bereiche unterschiedlich genutzt werden, sind mal zum Wohnen, mal zum Schlafen, mal zum Arbeiten da.«

Damit erklären sich auch die große Tiefe der Wohnungen und die schmalen, aber langen Schlafzimmer mit jeweils zwei Zugängen und zwei getrennten elektrischen Schaltkreisen: Falls gewünscht, können die Zimmer mit Vorhängen, Raumteilern oder raumhohen Schrankwänden abgetrennt werden und schaffen auf diese Weise Platz zum Arbeiten im Homeoffice oder für das Patchworkkind, das am Wochenende zu Besuch kommt. In den schematischen Grundrissen und Nutzungsszenarien, mit denen sich WUP architektur in einem zweistufigen Konkurrenzverfahren gegen die Mitstreiter:innen durchsetzen konnte, lässt sich die soziale Kenntnis der Planer:innen, die über das traditionelle Vater-Mutter-Kind-Modell weit hinausreicht, mit einiger Gender-Ironie ablesen – samt Bügelbrettern, Kraftkammern und Modelleisenbahnen.

Wir sind zu Besuch im dritten Stock. Als sich die Wohnungstür öffnet, erscheinen zwar keine Alleinerziehenden mit Kind und Kegel an der Hand, dafür aber Margarethe und Herbert Stoklassa mit einem glücklichen Grinsen im Gesicht, sie 74, er 86 Jahre alt. »Wir sind keine Patchwork-Familie, und auf konzentriertes, ungestörtes Arbeiten im Homeoffice sind wir in unserem Alter auch schon lange nicht mehr angewiesen«, sagen die beiden, »aber von diesem großartigen Grundriss profitieren auch wir! Unglaublich, wie die Architekten das gemeistert haben!«

Schon gehen die beiden im Kreis spazieren, öffnen und schließen die beiden Schiebetüren zwischen Küche, Wohnzimmer und Schlafbereich, der sogar über eine kleine Bibliothek und Computerecke verfügt. Dank des offenen Grundrisses und der drei großen französischen Fenster wirkt die 52 m² große Miniwohnung um gute 10 m² größer, als sie ist. »Die Schiebetüren sind ein Hit, oder? Meistens stehen die Türen eh offen, dann ist es, als würden wir in einem kleinen Loft wohnen. Nur wenn wir einen Disput haben, um es vornehm zu formulieren, was ohnedies selten passiert, machen wir die Schiebetüren zu und haben Ruhe voneinander.« Das ist, ganz im Alltag angekommen, sozialer Wohnbau at its very best.

Bernhard Weinberger hat Freude mit seinem Haus, deutet auf die farbigen Korridore, die die Lilienporzellan-Farben in abgesofteter Weise im Inneren wieder aufgreifen, auf die einfachen, aber effizienten Beschriftungen an den Glasscheiben, in mal lesbarer, mal spiegelverkehrter Schrift, auf den Fahrrad-Abstellraum mit direkter Hinausfahrmöglichkeit in den Hof. »Sind wir stolz auf Plastikfenster, EPS-Wärmedämmung und Pseudo-Parkettboden, der eigentlich nur aus bedrucktem, laminiertem Papier besteht? Nein! Aber wir sind stolz darauf, dass uns unter diesen widrigen finanziellen Umständen ein Wohnhaus mit dieser sozialen Qualität gelungen ist.«

Trotz Erdöl-Derivaten und massenindustrieller Stangenware, die in ihrer Produktion wohl alles andere als superfair und superbio ist, hat es der Gemeindebau H4 geschafft, für den Österreichischen Staatspreis Architektur und Nachhaltigkeit 2024 nominiert zu werden. Ein starkes Zeichen.

db, Di., 2024.11.05

17 Jahre lang war die Institution heimatlos, nun ist es endlich so weit: Heute, Freitag, 25. Oktober, wird das Museum moderner Kunst in Warschau eröffnet. Der Megabau präsentiert sich als nach außen gestülpte White Box.

Alles ist weiß. Ein kaltes, distanziertes, fast schon abstoßend klinisches Weiß in den Augen. Weiße Säulen, weiße Wände, weiße Plafonds in den Arkadengängen. Hinzu kommen die Portale und Fluchttüren aus Edelstahl, die antibakterielle Ästhetik einer Kühlkammer, eines industriellen Schlachthofs ausstrahlend. Und schließlich die vielen LED-Linien im Foyer und auf den Galerien, wie gleißende Lichtschwerter den Raum durchschneidend. Einfach nichts an diesem Haus ist warm, sinnlich, einladend – und doch kann man nicht anders, als hinzugreifen und den samtigen, perfekt gegossenen Beton zu streicheln und nicht mehr loszulassen.

„Die Ambivalenz aus diesem Eiskalten und diesem doch irgendwie Wohlig-Warmen ist schon verblüffend, oder? Kommen Sie, ich zeige Ihnen meinen Lieblingsort!“ Wenige Schritte und Höhenmeter später steht Joanna Mytkowska, Direktorin des neuen Warschauer Museums moderner Kunst, im Stiegenhaus im zweiten Stock, auf der einen Seite eine expressionistische Treppenlandschaft offenbarend, wie mit dem Skalpell aus dem Beton herausgeschnitzt, auf der anderen Seite – durch ein 19 Meter breites und fünf Meter hohes Panoramafenster – der Blick auf den stalinistischen Kulturpalast, der in den 1950er-Jahren im sowjetischen Klassizismus errichtet wurde und seitdem 237 Meter hoch in den Himmel ragt.

Das Muzeum Sztuki Nowoczesnej (MSN) ist das nunmehr fünfte und letzte Museumsprojekt, das sich die polnische Regierung mit dem EU-Betritt 2004 als Hausübung selbst auferlegt hatte. Nach dem Museum der Geschichte der polnischen Juden, dem Museum des Warschauer Aufstands, dem Museum der polnischen Geschichte und dem Museum der polnischen Armee – die beiden letzteren wurden im Sommer 2023 eröffnet, wiewohl mangels Geldmittel und kuratorischen Ausstellungskonzepts bis heute nur teilweise in Betrieb – gilt die Aufmerksamkeit nach zwei Jahrzehnten EU-Mitgliedschaft nun der zeitgenössischen Kunst.

„Wir hatten einen sehr, sehr langen Atem“, sagt Mytkowska, die früher, bevor sie der Einladung nach Warschau gefolgt ist, als Kuratorin am Centre Pompidou in Paris tätig gewesen war. „Die Institution haben wir 2007 gegründet, doch bislang hatten wir nie ein eigenes Haus.“ Zu Beginn war das heimatlose Kunstmuseum in einer historischen Villa am Stadtrand eingemietet, danach für einige Jahre im luftig-leichten Nachkriegsmöbelhaus Emilia, ehe dieses an einen Privatinvestor verscherbelt und abgerissen wurde, zuletzt in der temporären Berliner Kunsthalle des Wiener Architekten Adolf Krischanitz, die nach dem Abbau an der Spree an die Weichsel übersiedelte.

„Doch damit war die Odyssee noch lange nicht zu Ende“, erinnert sich Mytkowska. „Es hat sage und schreibe drei Wettbewerbe gebraucht, bis wir endlich bauen konnten. Eine Blamage für uns!“ Der erste Wettbewerb verstieß gegen die EU-Vergabeordnung und musste noch in der Ausschreibungsphase abgeblasen werden. Der zweite Wettbewerb kürte den Schweizer Architekten Christian Kerez zum Sieger, dessen radikal minimalistisches Projekt jedoch an den hohen Baukosten, an den Hassprotesten der Bevölkerung sowie an den damals noch ungeklärten Eigentumsverhältnissen des Standorts scheiterte. Der dritte Wettbewerb 2014 schließlich führte zum langersehnten Erfolg – und damit zum Sieg des New Yorker Architekten Thomas Phifer. Heute, am 25. Oktober, wird das Ding nach fünfjähriger Bauzeit feierlich eröffnet.

100 Meter lang, 40 Meter breit, 23 Meter hoch: Wie eine überdimensionale iPhone-16-Verpackung aus weißem, matt cellophaniertem Karton mit harten, eckigen Kanten legt sich das Museum moderner Kunst vor die Skyline des Kulturpalasts, direkt an die dicht befahrene Ulica Marszałkowska. Hier wird gar nicht erst gekleckert, hier wird in gigantischen Maßstäben geklotzt. Ohne jegliche Verspieltheit im Kleinen, dafür in dutzend Meter langen Schnitten und morphologischen Volumensubtraktionen auf Makroebene. Der Architekt selbst spricht von „visueller Permanenz“ und einer neuen „Kunstmasse“ im Herzen der Stadt.

Allerhöchste Güte

Was aussieht wie weißer Putz oder wie eine weiß getünchte Oberfläche, ist in Wirklichkeit Sichtbeton aus Weißzement, weißen Zuschlagstoffen und fein gemahlenem Titan, angemischt und durchgerüttelt in allerhöchster Güte. Um eine möglichst hohe Präzision zu gewährleisten, wurde auf dem Grundstück nebenan eine temporäre Feldwerkstatt errichtet, sodass Tischler und Handwerkerinnen die Betonschalungselemente direkt vor Ort anfertigen und in Millimeterarbeit umbauen und adaptieren konnten. Die Baukosten belaufen sich auf 700 Millionen Złoty, rund 162 Millionen Euro.

„Das Prinzip der White Box, reduziert und entsättigt, ist nichts Neues“, sagt Architekt Thomas Phifer, mit einer glücklichen Ruhe durchs Haus schreitend. „Doch nicht nur das. Wir wollten darüber hinaus Fassade und Innenraum nicht als zwei getrennte Elemente auffassen, sondern vielmehr als eine holistische Megaskulptur. Also haben wir die White Box einfach nach außen gestülpt.“ Das Bild, so Phifer, sei durchaus passend, denn so könne sich die politische, wirtschaftliche und baukulturelle Renaissance Warschaus, die er gerade beobachte, vor dem Hintergrund einer White Box als künstlerischer Moment präsentieren.

„Die ersten 17 Jahre in meiner Rolle als Direktorin des Museums moderner Kunst war ich eine Obdachlose, auf der Suche nach einem eigenen Haus“, sagt Joanna Mytkowska. „Ich denke, die Arbeit hat sich ausgezahlt.“ Die Sammlung wurde seit 2007 kontinuierlich aufgebaut – zum Teil mit finanzieller Hilfe und kuratorischer Unterstützung der österreichischen Erste Stiftung – und umfasst heute an die 1000 Werke. Die erste große Ausstellung wird den Titel Impermanent tragen, verrät die Direktorin. „Eine Anspielung auf unser bis dato unbeständiges Nomadentum. Diese Zeiten sind endlich vorbei.“

Der Standard, Fr., 2024.10.25

Immer mehr Menschen wollen auch im hohen Alter selbstbestimmt und in lustiger Gemeinschaft wohnen. Das ist ein Auftrag an Politik, Architektur und Wohnungswirtschaft. Zu Besuch bei Elisabeth, Georg, Maria, Freya und Iris.

Es gibt Mohntorte mit Himbeeren und Biskuitroulade mit Marillenmarmelade, dazu einen ganzen Becher frischen Schlagobers. Und eine gehörige Portion Zensur auf den Artikel. „Sie dürfen alles schreiben, was wir Ihnen erzählen und wovon Sie sich selbst ein Bild machen konnten“, sagt die Frau mit dem roten Pulli und dem roten Schal. „Wir freuen uns über jede Publikation, die dem Thema dienlich ist, aber wehe, wir lesen in der Zeitung unser Alter! Schreiben Sie einfach, dass wir bereits reichlich Lebenserfahrung haben.“

Nun denn, von links nach rechts: Elisabeth Kaposi, Georg Barta, Maria Steiner, Vereinsobfrau Freya Brandl und Iris Schmiedbauer sind nicht mehr die Jüngsten. Aber als sie es noch waren, damals, vor zehn Jahren, entstand die Idee, eines Tages eine Art Alters-WG zu bewohnen, mit Menschen in ihrem dritten Lebensalter, Tür an Tür unter ihres- und seinesgleichen, so wie in all den zuvor besichtigten Senioren-WGs in Berlin, in Schottland, in den Niederlanden – und so gründete man gemeinsam den Verein Kolokation.

Zu Beginn noch machte man sich auf die Suche nach einem Altbau, nach einer großen Gründerzeitwohnung oder einer Okkasion irgendwo im Hinterhof. Doch der freie Markt und die weitaus lukrativeren Konkurrenzangebote von gewerblichen Developern machten dem Plan einen Strich durch die Rechnung. Und so schnappte sich der Verein einen gemeinnützigen Wohnbauträger und fungierte mit einer Absichtserklärung – einem sogenannten Letter of Intent – als partnerschaftlicher Trittbrettfahrer in einem von der Stadt Wien ausgelobten Bauträger-Wettbewerb.

Reduktion gegen Lebensende

Freya wohnte früher, nachdem ihr Mann verstorben war, allein in einem Reihenhaus. Maria war in einer kleinen Gemeinde in der Nähe von Baden daheim, mit über einer Stunde Anfahrt zu ihren heißgeliebten Tangonächten in Wien. Und Elisabeth hatte eines Tages den inneren Wunsch, sich nach einem wilden, künstlerisch verdichteten Leben wieder gesundzuschrumpfen. „Wir können unseren Kindern nach dem Tod ja nicht hunderte Quadratmeter voller Zeug hinterlassen“, sagt sie. „Das wäre ja eine Zumutung! Die Reduktion gegen Lebensende ist Teil der eigenen Verantwortung.“

Vor allem aber sehnten sie sich alle nach einem Leben in Gemeinschaft. Nach einer Nachbarschaft mit Sympathie und Empathie. Nach einem sozialen Gefüge, in dem man sich nicht dafür entschuldigen muss, wenn man einmal Hilfe benötigt, weil man Arthrose hat oder im Rollstuhl durchs Leben fährt. Fündig wurde der Verein im Sonnwendviertel, in einem vom gemeinnützigen Bauträger EGW errichteten Wohnhaus am Helmut-Zilk-Park. Die Kolokation-WG nimmt den gesamten zweiten Stock ein und umfasst 15 Wohnungen für insgesamt 17 Personen. Dazu gibt es einen 100 Quadratmeter großen Gemeinschaftsraum mit Küche, Sofas, Fauteuils, einem fünf Meter langen Esstisch und einer Wand voller Bücher und DVDs.

21,2 Prozent aller EU-Bürger sind älter als 65 Jahre. Zurückzuführen ist das demografische Phänomen vor allem auf den medizinischen Fortschritt, auf den zunehmenden Wohlstand in Europa sowie auf ein generell steigendes Bewusstsein für Lebensqualität und selbstwirksame Lebensgestaltung. Und der Prozess ist noch lange nicht zu Ende. Eine kürzlich veröffentlichte Studie des Statistischen Amtes der Europäischen Union (Eurostat) prognostiziert, dass der Anteil der über 65-Jährigen bis zum Ende des Jahrhunderts auf 31,3 Prozent hochklettern wird.

Das Beunruhigende an diesen Aussichten ist nicht die größer werdende Gruppe der 4711-Echt-Kölnisch-Wasser-Fraktion, sondern die fehlende politische und gesellschaftliche Auseinandersetzung mit dem Thema. „Die alten Menschen sind alles andere als eine homogene Gruppe mit einheitlichen Lebens- und Wohnvorstellungen“, sagt der Schweizer Soziologe und Generationenforscher François Höpflinger. „Dies gilt insbesondere für jene Menschen, die lebenslang gelernt haben, ihre Individualität zu pflegen. Dementsprechend sind alle Lebens- und Wohnprojekte, die von einem einheitlichen Typ älterer Menschen ausgehen, von vornherein zum Scheitern verurteilt.“

Während sich die Bundes- und Landespolitik in den letzten Jahren also vor allem auf das Thema Pflege fokussiert hat (und dabei andere Entwicklungen und Bedürfnisse der Babyboomer-Generation verschlafen hat), entstanden auf Gemeinde- und Vereinsebene zahlreiche innovative Wohn- und Kooperationsmodelle – von der Omama-Wohngruppe über Co-Housing-Projekte bis hin zu Plattformen und intergenerativen Serviceleistungen. Ein paar Dutzend davon sind nun in der kürzlich eröffneten Ausstellung Wie geht’s, Alter? im Architekturforum Oberösterreich (AFO) zu sehen.

„Das halb leerstehende Einfamilienhaus befeuert die Einsamkeit und Zersiedelung und ist die allerschlechteste Lösung“, sagt AFO-Leiter Franz Koppelstätter. „Vor allem im ländlichen Raum gibt es große Wechselwirkungen zwischen Senioren und der Revitalisierung von Dorfzentren und öffentlichen Freiräumen, denn während junge Leute Tag für Tag zum Lernen und Arbeiten in die Stadt auspendeln, sind es meist genau diese älteren Menschen, die aufgrund ihres kleineren Mobilitätsradius im besten Fall das Dorf am Leben erhalten – vorausgesetzt natürlich, es gibt entsprechend attraktive Wohn- und Lebenskonzepte.“

Herzblut-Angelegenheiten

In Kleinzell im Mühlkreis ist es gelungen, unter dem Titel Wohnen mit Service einen alten Vierkanthof zu kaufen und mit interessierten Senioren partizipativ zu entwickeln, Besiedelung ab April 2025. Die Herbstzeit GmbH vermittelt ältere, meist einsame Menschen in Gastfamilien, die bereit sind, ihr Zuhause mit einer Ersatzoma, einem Ersatzopa zu teilen. Und die Plattform Wohnbuddy schaut sich nach leerstehenden Zimmern in Seniorenheimen um und vermittelt diese zu einem günstigen Mietpreis an Studierende – unter der Voraussetzung, dass diese ihren weitaus älteren Nachbarinnen und Nachbarn für ein paar Stunden die Woche als Buddy für Gespräche und diverse Hilfsdienste zur Verfügung stehen.

In Wien plant der Verein Kolokation die mittlerweile vierte Senioren-WG, und in Salzburg baut der Verein Silberstreif mit rund 35 Leuten und dem Bauträger Heimat Österreich eine Seniorenwohngruppe im Wohnprojekt Gnice, Einzug im Sommer 2026. Was sowohl Kolokation als auch AFO-Leiter Franz Koppelstätter fordern: „Bislang handelt es sich bei allen Projekten um Einzelinitiativen und Herzblut-Angelegenheiten einiger weniger Akteure. Was definitiv fehlt, sind Informations- und Beratungsstellen im Rathaus – und die politische Bereitschaft, den geförderten, gemeinnützigen Wohnbau um eine neue Varianz zu bereichern.“

„Wie geht’s, Alter? Gemeinsam Räume für die Zukunft schaffen“ im Architekturforum Oberösterreich (AFO) in Linz. Zu sehen bis 13. Dezember 2024.

Der Standard, Sa., 2024.10.19

Der tschechische Fotograf Adam Štěch hat ein Faible für architektonische Details des 20. Jahrhunderts. Er reist durch die Welt und will die Menschen für das Kleine begeistern. Nun sind seine Fotos im Mak zu sehen.

Wie von Geisterhand aufgeklappt, unter einem 70-gradigen Winkel zum Stillstand gekommen, kreisrunden Einblick offenbarend in einen Raum aufregender Stille. „Ich glaube, ich habe noch nie zuvor ein so schönes, außergewöhnliches Toilettenfenster gesehen“, sagt Adam Štěch. „Der Sichtbeton, die geböschte Laibung, die farbliche Reduktion auf das Wesentliche, die Unsichtbarkeit technischer Öffnungs- und Konstruktionsdetails, und dann erst diese über alles überraschende räumliche Lösung zwischen drinnen und draußen: Was für eine Formensprache!“

Ort dieser Begegnung zwischen Objekt und Objektjäger ist die Casa Albero in der italienischen Küstenstadt Fregene in der Einflugschneise des Flughafens Fiumicino, 30 Kilometer von Rom entfernt. Mitten in einem Pinienwäldchen bauten sich Giuseppe Perugini, damals Professor für Gestaltung an der Universität Roma Tre, seine Frau Uga de Plaisant und deren gemeinsamer Sohn Giuseppe Perugini in den Jahren 1967 bis 1975 eine Art betoniertes Baumhaus, das teilweise auf dem Boden stand, teilweise aber auf einer waghalsigen Stützenkonstruktion in den Baumkronen steckte.

Dreidimensionales Tetris

„Die Casa Albero, auch bekannt als Casa Sperimentale“, sagt Štěch, die Begeisterung in seiner Stimme ist nicht zu überhören, „stammt aus einer Zeit, als man sich noch traute, mit Raum und Material zu experimentieren. Manche Elemente dieses Bauwerks wirken wie dreidimensionales Tetris, wie in Beton gegossener Strukturalismus, andere hingegen haben fast schon einen verspielten, postmodernen Charakter. Dieser Brutalismus der europäischen Nachkriegsmoderne hat es mir besonders angetan. Ich kann die Kamera kaum abwenden.“

Štěch (38) studierte Kunstgeschichte an der Karls-Universität in Prag, fühlte sich im Milieu alter Meister, alter Werke aber nie so richtig wohl. Er sei, wie er selbst meint, immer das schwarze Schaf unter den Akademikern gewesen, mehr am Bild, an der visuellen Kraft, an der Entstehungsgeschichte der Architektur des 20. Jahrhunderts interessiert als an Thesen und theoretischen Schriften. „Meine Methodik ist das Foto als analoges, zeitloses Dokumentationsmittel, als Transportmittel von Emotionen und Begeisterung.“

Das Museum für angewandte Kunst (Mak) widmet diesem Transportmittel derzeit eine eigene Ausstellung. Unter dem Titel Elemente. Adam Štěchs Blick auf architektonische Details sind im Kunstblättersaal rund 2500 dieser „Elemente“ zu sehen. In kompakter Größe, mit abgerundeten Ecken wie damals in den Sechzigern, Siebzigern, kann man durch Štěchs Pupillen auf die Welt schauen, unterteilt in kleinteilige Kapitel wie etwa Türen, Griffe, Fenster, Lampen, Uhren, Kamine, Heizkörper, Waschbecken, Stiegengeländer, Wandvertäfelungen und Möbel aller Art. Es sind genau jene Elemente besessener Formgebung, bis zur buchstäblich allerletzten Schraube, von denen Architekten wie Adolf Loos, Jože Plečnik, Frank Lloyd Wright, Le Corbusier und Gio Ponti nicht die Finger lassen konnten.

„Ich fotografiere seit meinem 20. Lebensjahr, und ich kann mich an diesen Details der Moderne einfach nicht sattsehen“, sagt Adam Štěch. Knapp 50 Länder hat er seitdem bereist, aktuell fotografiert er sich mit seiner Sony Alfa durch die japanische Moderne. Das Archiv umfasst bereits an die 10.000 abgelichtete Gebäude, vom winzigsten Detail über Fassadenansichten bis hin zu umfassenden Fotoreportagen. Das 2020 im Prestel-Verlag erschienene Buch Modern Architecture and Interiors zeigt einen kleinen Bruchteil davon: 1000 Häuser auf 1000 Seiten.

Zu fast jedem Bauwerk der Moderne, so scheint es, pflegt Štěch eine leidenschaftliche Beziehung. So auch zur feuerroten Stahltür in der Treppenstütze der Villa Gontero in Cumiana nahe Turin. „Einer meiner absoluten Favoriten! Ein Hauseingang wie auf einem U-Boot, bloß halt nicht unter der Wasseroberfläche, sondern im Schatten des darüber schwebenden Wohngeschoßes.“ Errichtet wurde das expressionistische Wohnhaus von Carlo Graffi und Sergio Musmeci in den Jahren 1969 bis 1971 für den italienischen Maler Riccardo Gontero. „Die Diskrepanz zwischen der Gegenständlichkeit seiner Bilder und der Abstraktion seines Wohnsitzes“, so der Fotograf, „ist mehr als verblüffend.“

Oder etwa zum Dom Umenia (Haus der Kunst) in der slowakischen Kurstadt Piešťany, errichtet 1974 bis 1979 nach Plänen von Ferdinand Milučký und Júlia Kunovská. Während das Gebäude von außen als hermetische, fast schon abweisende Betonbox erscheint, offenbart sich innen ein sinnliches, rot wogendes Universum aus Lampen, Deckenstreben und weich gepolsterten Stühlen. „Diese hunderten Lämpchen!“ Und dann ein glückliches Grinsen am anderen Ende der Welt.

Sein Ziel, sagt Adam Štěch, ist die Begeisterung und Sensibilisierung für das Kleine, für das Detaillierte in der Architektur. Und die Schaffung der weltgrößten Bilddatenbank systemisch erforschter Architekturdetails des 20. Jahrhunderts. Ersteres ist ihm bereits gelungen. Letzteres ist nur eine Frage der Zeit.

Der Standard, Sa., 2024.10.12

Die einen gehen in den Wald, um Pilze zu sammeln, die anderen haben sich auf das Bauen und Forschen mit deren hochintelligentem Wurzelwerk spezialisiert. Das Potenzial der sogenannten Myzelien ist enorm – und könnte die Baubranche eines Tages komplett umkrempeln.

Pilze führen in unserer Lebenskultur ein ambivalentes Dasein. Eierschwammerl gut, Knollenblätterpilz böse. Der eine ist ein Glückspilz, der andere wird zum Schwammerl. Als weißer Camembert und blauer Roquefort eine Conditio sine qua non, auf anderen Nahrungsmitteln jedoch ein Grund zur sofortigen Küblierung. Während Fliegenpilze aus Marzipan als Freudenbringer verschenkt werden, bringen sie als Original draußen in der Natur bloß Tod und Verderben. Und was im Antibiotikum dank seiner Heilkräfte hochbegehrt ist, dem begegnen wir in der Duschkabine mit Putzfetzen und chemischem Schimmelreiniger.

Mit dem 2021 erschienenen Buch Verwobenes Leben. Wie Pilze unsere Welt formen und unsere Zukunft beeinflussen ist es dem britischen Biologen Merlin Sheldrake, der an der Oxford University unterrichtet und auch vor diversen Selbstversuchen mit der halluzinogenen Materie nicht zurückscheut, gelungen, das Thema in die breite Masse zu streuen. Seit damals wissen die Bestsellerjäger, dass sich der größte Pilzorganismus der Welt – ein Dunkler Hallimasch irgendwo in Oregon, USA – über neun Quadratkilometer Waldfläche erstreckt und mehrere Hundert Tonnen auf die Waage bringt. Er gilt als das größte Lebewesen der Erde.

Klimawandel

Auch im Design und in der Architektur spielen Pilze eine zunehmend wichtige Rolle. Schon seit den 1980er-Jahren wird mit den fadenförmigen Zellen und den unterirdischen, oft weitverzweigten Wurzelgeflechten – den sogenannten Myzelien – intensiv geforscht. In den letzten Jahren bekam die Myzelienforschung dank Klimawandel, Kreislaufwirtschaft und einer immer wichtiger werdenden Ressourcendebatte großen Rückenwind. Und natürlich auch dank Merlin Sheldrake.

Immer mehr Architekturbüros widmen sich in ihrer täglichen Arbeit dem Schwammerl. An manchen Architekturfakultäten, wie etwa in Kassel, Karlsruhe und Newcastle, wurden bereits Institute für Myzelienforschung und Bauen mit biotechnologischen Materialien ins Leben gerufen. Und bei der Architekturbiennale 2023 in Venedig haben die Kuratoren den belgischen Pavillon unter dem Titel In Vivo mit insgesamt 300 lebenden Myzelienplatten ausgekleidet.

„Myzelien sind ein faszinierendes Baumaterial, das zur Dekarbonisierung der gebauten Umwelt beitragen kann, von dem wir aber noch vergleichsweise wenig wissen“, sagt Corentin Dalon, Partner im belgischen Architekturbüro Bento und zugleich Kurator des belgischen Biennalepavillons. „Daher haben wir es uns zur Aufgabe gemacht, die Forschung bei uns im Atelier voranzutreiben. Das langfristige Ziel ist, im Umgang mit Myzelien eines Tages ein so großes Repertoire zu haben, dass wir damit unterschiedlichste Dinge bauen können.“

Pilzwurzelgeflechte

Zu Beginn sammelte Dalon die weißen Pilzwurzelgeflechte noch eigenhändig im Wald ein, mittlerweile lässt er sich die Myzelien von einem Spezialisten liefern. Im Büro werden die Myzelien erst in der Petrischale unter sterilen Bedingungen zum Wachsen gebracht, ehe sie auf ein biologisches Trägermaterial übertragen werden, das ihnen dank hohen Zucker- und Stärkegehalts als Nahrungsgrundlage dient: Sägespäne, Holzschnitzel, Hanffasern, Stroh oder auch Treber aus der Bierproduktion. Bei 70 bis 80 Prozent Luftfeuchtigkeit, sommerlicher Zimmertemperatur und absoluter Dunkelheit beginnt das Myzelium, sich auszudehnen und bis in die allerkleinsten Hohlräume einzudringen. Durch Wasserentzug kann das Wachstum gestoppt, der Pilz „schlafend“ gestellt werden. Oder aber man tötet ihn bei rund 80 Grad Celsius irreversibel ab.

„Mit den entsprechenden Rahmenbedingungen kann man das Wachstum und den Endzustand des Myzels perfekt beeinflussen, ja sogar aktiv gestalten“, erzählt Dalon, der am liebsten mit dem Reishi-Pilz (Ganoderma lucidum) arbeitet. Dabei sind von den schätzungsweise sechs Millionen Pilzarten auf der Erde erst an die 120.000 erforscht. „Je nach Pilz, Trägermaterial und Wachstumsprozess lassen sich Produkte mit sehr unterschiedlichen Eigenschaften bauen.“ Aktuell arbeitet Dalon an Tischen, Hockern und Leichtbauplatten für den Innenausbau.

Einige Myzelprodukte sind in der Tat schon am Markt: Mogu (Italien), Biohm (England) und Ecovative (USA) etwa haben sich auf die Produktion von nachhaltigen Dämmplatten und Akustikpaneelen spezialisiert. Philipp Eversmann jedoch, Professor an der Universität Kassel und spezialisiert auf experimentelles Entwerfen und Konstruieren, ist das zu wenig. Er will noch weiter gehen. „Der Innenausbau spielt in der Architektur eine wichtige Rolle, und es tut mir weh, mitansehen zu müssen, dass wir mit jedem Büroumbau tonnenweise Sondermüll aus Gipskartonplatten schaffen. Das muss auch anders, das muss auch biologisch abbaubar gehen.“

In Zusammenarbeit mit dem Karlsruher Institut für Technologie (KIT) und dem Londoner Ingenieurbüro ARUP arbeitet er nun an einer markttauglichen Variante von 2,50 hohen und zehn Zentimeter dicken Myzelplatten für den Innenausbau. „Wir wollen den komplizierten Aufbau in einem einzigen massiven, aber leichtgewichtigen Bauteil zusammenfassen und sind davon überzeugt, dass dieses Produkt den weltweiten Trockenbaumarkt revolutionieren könnte.“ Das Projekt wird vom Bundesinstitut für Bau-, Stadt- und Raumforschung (BBSR) mit rund einer Million Euro gefördert und soll bis 2025 abgeschlossen sein.

Ökologisches Umdenken

„Doch ich fürchte“, meint Ruth Morrow, Professorin für biologische Architektur an der Newcastle University, England, „dass die Gesellschaft noch nicht so weit ist, um eine relevante Marktdurchdringung von Myzelwerkstoffen überhaupt zuzulassen. Noch ekeln sich viele davor, mit so einem biologischen Produkt zu arbeiten. Abgesehen davon, dass die gesamte globale Bauwirtschaft heute auf Perfektion, Unzerstörbarkeit und Ewigkeitsanspruch ausgerichtet ist. Wir müssen erst einmal unser Mindset ändern. Und dann wird es auch Platz für Pilze und andere biotechnologische Werkstoffe geben.“

Das Potenzial jedenfalls ist enorm. Einen Ausblick auf die mögliche Bandbreite liefert ihr Buch Bioprotopia. Designing the Built Environment with Living Organisms, das letztes Jahr bei Birkhäuser erschienen ist. „Ein bisschen Zeit wird die Entwicklung von Myzelien als Baustoff schon brauchen“, so Morrow. „Mit Holz bauen wir Menschen schon seit 200.000 Jahren. Thonet-Bugholz-Stühle und 30 Meter lange Leimbinder gab es auch nicht schon vom ersten Tag an. Wir dürfen also gespannt sein, wie die nächsten Generationen ein ökologisches Umdenken einläuten werden.“

Der Standard, Sa., 2024.09.07

Mitten in der Altstadt von Brixen hat das Luxushotelchen Badhaus seine Pforten geöffnet. Schön ist es, hier zu nächtigen. Noch erquickender jedoch ist die Entstehungsgeschichte dieses Projekts im Schoße einer weitsichtigen Politik und einer freigeistigen Auseinandersetzung mit dem baulichen Erbe.

In der schmalen Via Ponte Aquila, ein Shop neben dem anderen, drängen sich die Touristenmassen, schießen Fotos vom Weißen Turm, dem Wahrzeichen der Stadt, 72 Meter in die Höhe ragend, und den vielen, vielen Giebelzinnen, die das gesamte historische Altstädtchen zieren. Angeblich, so erzählt man sich, das meistbegangene und meistfotografierte Gässchen in ganz Brixen.

Unter der Hausnummer 5, ganz plötzlich, mehr mit dem Sog und dem Reiz der Subtraktion spielend als mit Druck und additiver Reizüberflutung, klafft ein Spalt in der Fassadenlinie, keine zwei Meter breit an der schmalsten Stelle, dahinter eine roughe, eigenartige, streng durchlinierte Fassade aus Kupfer und gebrannten Ziegeln. Über einer der gusseisernen Stangen, die wie überall in der Stadt die mittelalterlichen, leicht aufeinander zufallenden Außenmauern stützen, hängt ein übergroßer Bademantel, ein Aluminiumguss, ein ziemlich freches Kunst-am-Bau-Projekt des Vinschgauer Künstlers Michael Flieri, mehr ist nicht. Willkommen im Hotel Badhaus.

Radikal und spannend

„Das Badhaus als behutsame Wiederbelebung“, heißt es auf der Website des Hotels. „Das Gebäude nutzt den verfügbaren Raum geschickt, vereint verschiedene Volumina und erhebt sich in einer schlanken, nach oben verjüngenden Form.“ Und tatsächlich: Auf dem rund 400 Quadratmeter großen Grundstück, dem man andernorts wohl nicht einmal Beachtung schenken würde, rundum von Nachbarparzellen umzingelt, keine Aussicht weit und breit, steht heute eines der spannendsten, radikalsten Luxushotels Südtirols. Die Zimmer sind groß und teuer, das Raumerlebnis ein introvertiertes Eintauchen in einen alpinen Kokon aus Marmor, Kupfer und Beton.

„Wir wollten die umliegende Altstadt weiterbauen, ohne sie dabei museal zu kopieren, zwar mit durchaus alten, traditionellen Baustoffen, dafür aber mit einer schlichten, zeitgenössischen Formensprache“, sagt Michaela Wolf, die mit ihrem Partner Gerd Bergmeister das vielfach prämierte Architekturbüro bergmeisterwolf betreibt, keine drei Fußminuten vom Badhaus entfernt. „Mit den Tonziegeln und dem Kupfer, die die Materialität des Weißen Turms aufgreifen, entsteht eine ruhige Fügung. Mit den horizontalen Fensterbändern wiederum – drei horizontale Schlitze pro Etage – wirkt das Haus abstrakter, maßstabsloser, irgendwie auch türmiger und hochhausiger.“

Neuschlichtung

Einst stand hier ein dreigeschoßiges Badhaus, das ganze Grundstück ausfüllend, eine Art Südtiroler Tröpferlbad, errichtet direkt über einem unterirdischen Wasserlauf, einer sogenannten Wiere, die heute noch den Trinkwasserbrunnen im Innenhof speist. Laut Wiedergewinnungsplan konnte der Nutzbau aus dem 19. Jahrhundert abgerissen und die damalige Kubatur – in diesem Fall 2559 Kubikmeter – wiederaufgebaut werden, und zwar in welcher architektonischen Konstellation auch immer, vorausgesetzt die Stadt, das Denkmalamt und die angrenzenden Nachbarn stimmen dieser volumetrischen Verschiebung und Neuschlichtung zu.

Statt flach und niedrig sind die 2559 Kubikmeter Raum nun zu einem sechsstöckigen Hochhäuschen gestapelt, dafür aber auf lediglich halber Grundstücksfläche, die restliche Parzelle ist nun ein öffentlich zugänglicher Innenhof mit Rasen, befestigten Sitzstufen und steinernem Trinkwasserbrunnen. „Der Volumentausch ist eine Besonderheit unserer historischen Innenstadt“, sagt der Brixener Bürgermeister Andreas Jungmann. „Im gesamten Altstadtkern, der sogenannten A-Zone, arbeiten wir nicht mit Traufkanten und Gebäudehöhen, sondern ausschließlich mit Kubaturen. Nur 5,5 Prozent der Südtiroler Landesfläche sind überhaupt bebaubar, der Rest ist Gebirge. Wenn man so stark limitiert ist, dann lernt man, die Angst vor Bauhöhe abzulegen.“

Auch das Landesdenkmalamt war vom Abbruch bis zur ersten Hotelnächtigung Anfang Mai in den gesamten Prozess lückenlos miteingebunden. „Vor allem in schönen, pittoresken Altstädten müssen wir aufpassen, dass wir nicht in die Sackgasse der reinen Musealisierung abbiegen“, sagt Karin Dalla Torre, Landeskonservatorin Südtirol. „Aus denkmalpflegerischer Sicht sprechen wir uns eher für einen Dialog zwischen Alt und Neu aus – aber dieser hat natürlich auf allerhöchstem architektonischen Niveau stattzufinden, ohne Abstriche und Kompromisse.“

Möglich war all dies, weil Architekten, Gemeinde, Denkmalamt, Grundstückseigner und die Hotelbetreibergruppe Viertel Group alle an einem Strang gezogen, offen kommuniziert und die Bevölkerung von Anfang an in den Prozess miteingebunden haben. Und weil Südtirol überhaupt so viel weiter ist als wir, weil es verstanden hat, dass die Ressource Boden nicht unendlich ist. Mit dem neuen Landesgesetz Raum und Landschaft, seit 2020 in Kraft, hat der Bürgermeister nicht mehr das alleinige Sagen. Innerhalb der bereits bestehenden Siedlungsgrenzen ist die Bauentwicklung Sache der Gemeinde, außerhalb dieser Grenzen hat das Land Südtirol das Zepter in der Hand. Das soll – über die Innenstädte hinaus – das Land vor Zersiedelung und weiterer Versiegelung bewahren.

Ach, Österreich, du Land der partikularen Interessen, der freunderlichen Wirtschaft und der vielen Machtmänner auf dem Bürgermeistersessel, was hast du noch viel zu lernen! Nach Brixen ist es ein breiter Weg.

Der Standard, Sa., 2024.08.31

Das ehemalige Adambräu in Innsbruck ist nicht wiederzuerkennen. Die Installation des spanischen Büros Selgascano bricht ein Architekturtabu und ist vor allem eines: bunt.

Kaum hat man die Lichtschranke passiert, fängt es im Raum an zu rattern und zu surren. In einem unfassbaren Schneckentempo von einem Meter pro Minute beginnen sich die zylindrischen, konzentrisch ineinandergesteckten Körper allmählich auf und ab zu bewegen. Hier eine stahlharte Spiegelmembran von Thyssen, dort weißer, luftiger Gazestoff, der wie Urlaub von der Decke hängt, hinten im Raum wiederum handelsübliche Plastikperlenketten, billigste Meterware aus dem Supermarkt, die in meist spanischen oder italienischen Hauseingängen zu finden sind, um zwar Frischluft ins Haus zu lassen, nicht aber Fliegen, Wespen und Moskitos.

„Wir haben ein großes Faible für leichte, billige Materialien“, sagt José Selgas, „nicht nur, weil sie flexibel und einfach zu bewegen sind, sondern auch, weil sie in der Produktion, im Transport und in der Montage meist einen viel geringeren CO₂-Fußabdruck hinterlassen als schwere, massive Baustoffe.“ Das Surren hat aufgehört, der Flaschenzug hat den Tiefpunkt erreicht, fünf Sekunden Pause. „Doch das Beste an diesen luftigen, transluzenten Kunststoffen“, es surrt wieder, der Motor ist in Gang, die Konstruktion hebt sich in Zeitlupe, „ist, dass es sie in den schönsten und kräftigsten Farben gibt, dass sie im Sonnenlicht tanzen und mit den Menschen darin eine unbeschwerte Poesie entfalten.“

Publikumslieblinge

Gemeinsam mit seiner Partnerin Lucía Cano betreibt er seit 1996 das Architekturbüro Selgascano mit Sitz in Madrid. Zu den ersten Projekten zählen ein Silikonhaus, ein Brillengeschäft, ein Jugend- und Sportzentrum, und meist sind die Bauten bunt und auf reizvolle Weise von oben bis unten plastifiziert, sprechen in ihren leuchtenden Farben für sich, während sich die beiden hinter der Architektur verstecken und nur ungern in den Medien auftreten.

Das ändert sich schlagartig 2015 mit dem Auftrag für den Serpentine Pavilion in den Kensington Gardens in London. Der temporäre Pavillon aus gespannten ETFE-Folien mit seinen grellen, changierenden, ja fast schon metallischen Farbnuancen entpuppt sich als Liebling von Publikum und Presse, mit Hashtag-Qualität und entsprechendem Niederschlag in den sozialen Netzwerken. Auf einmal landen José Selgas und Lucía Cano in der weltweiten Öffentlichkeit, in kürzester Zeit kommen Projektanfragen aus Portugal, Frankreich, Großbritannien, Kenia und den USA.

Und nun ein Projekt in Innsbruck, eine Ausstellung im ehemaligen Adambräu, in dem sich heute das aut architektur und tirol befindet. „Ich habe Selgascano vor einigen Jahren persönlich kennengelernt und sie gebeten, für das aut eine Ausstellung zu konzipieren“, sagt aut-Leiter Arno Ritter. „Und zwar keine klassische Nabelschau mit Fotos, Plänen und Modellen, sondern eine installative, eigens für uns angefertigte Arbeit vor Ort. Ich wollte ein Original haben.“

Es ist früher Nachmittag, die Sonne fällt in den Raum, die Lichtstrahlen kämpfen sich durch die Plastikperlenvorhänge. Im Auf und Ab der weißen Gaze, der gelben, roten, blauen Schnüre, der orangen Filzbahnen, der spiegelnden Oberflächen und der zum Teil farbig gestrichenen Wände, die an die Bierproduktion und an die historischen, handkolorierten Adambräu-Pläne angelehnt sind, die im aut ausgestellt sind, gibt es kaum einen stabilen Nullzustand, alle paar Minuten verändert sich die Lichtstimmung von Strahlendweiß über Punschkrapferl bis irgendwo tief unten am Grund des Meeres. Die Besucherinnen vor Ort zücken ihre Smartphones und fangen die Stimmungsbilder im Dutzend ein.

„Architekturausstellungen können so langweilig sein, einfach nur eine Dokumentation aus Kopien und Faksimiles, mit viel Text und wenig Sinnlichkeit, das interessiert uns nicht“, sagt José Selgas. „Wir wollten ein Projekt für genau diesen Raum machen, für genau diese kreisrunden Löcher im Boden, in denen sich früher die Sudkessel befanden, eine Installation, die im Begehen unseren Anspruch an Architektur sichtbar und auch spürbar macht.“ Kurze Pause, dann fängt das Surren der Motoren wieder an.

Fades Purismusdiktat

„Farbe hat so eine unglaubliche Power, schon seit der Antike haben wir gut und gerne damit gearbeitet“, mein Selgas. „Mit der Moderne jedoch ist das alles verlorengegangen, nun untersteht alles dem Diktat des Purismus. Das ist fad.“ Alles andere als langweilig sind die Bibliothek in London, die Second Home Offices in Hollywood, Los Angeles, und das orange leuchtende Placencia-Kongresszentrum in Cáceres, 2017 fertiggestellt.

Darf Architektur schön sein? „Das ist keine Frage des Dürfens. Das ist eine Frage der Verantwortung von uns Planerinnen und Planern. Und vielleicht ist diese Ausstellung so etwas wie ein Schönheitslabor.“

Der Standard, Sa., 2024.08.17

Am 28. Juli ist Internationaler Sex-Tag. Wir haben sechs Leute aus unterschiedlichen Berufen und Lebensbereichen gefragt: Was macht einen sinnlichen, erotischen, sexuellen Raum aus?

Stephan Ferenczy
Architekt, BEHF

Wo und wie Sex innerhalb der Architektur Platz findet, entzieht sich unserer Kontrolle. Dass er innerhalb von geplanten und gebauten Räumen geschieht, ist allen Betroffenen bewusst. Und Sex findet überall statt, sofern unsere Scham und unsere Gesetze es zulassen. Küchentische, Besenkammern und Flugzeugtoiletten wissen das. Was präzisiert der Neufert oder die kleine ergonomische Datensammlung des TÜV dazu? Leider nichts. Wenn Sex Gegenstand einer Bauaufgabe ist, was äußerst selten ausgedrückt wird, sollte er mit einem gewissen Ernst thematisiert werden. BEHF hat die Boutique Bizarre auf der Reeperbahn in Hamburg und den Fetisch-Shop Tiberius in Wien realisiert – appetitliche, erfolgreich funktionierende Sex-Retailer. Die Frage ist: Haben wir Architektinnen und Architekten unsere Projekte anders betreut und gelöst, weil wir (ständig) an Sex gedacht haben? Sicher jedenfalls ist, dass die neuen ÖBB-Schlafwagen von Robotern entworfen wurden.

Sabine Pollak
Architektin, Autorin, Professorin an der Kunstuniversität Linz

Der Wohnbau ist die am stärksten reglementierte Architekturtypologie nach dem Gefängnis. Körperliches Begehren kommt dabei nicht vor, denn die Moderne hat alles wegrationalisiert. Le Corbusier schrieb das Emotionale den Frauen zu, das Rationale den Männern. Alle Körperlichkeit wurde dadurch aus dem modernen Wohnbau ausgegrenzt. Das Bett im Corbusier-Haus in der Stuttgarter Weißenhofsiedlung ist das wohl unsexyste Bett der Architekturgeschichte: hart, spröde und schmal. Auch der heutige Wohnbau ist komplett durchreguliert. Es gibt nichts Schlimmeres als das Normschlafzimmer: Doppelbett, Schrankwand, zwei Nachtkastln. Hinzu kommt noch die Selbstüberwachung mit Smart Watches, die unsere Körperfunktionen bewerten. Mit Freiheit hat das nichts zu tun, sondern mit Ängsten und Maßregelungen, die uns in unseren Wohnungen gefangen halten. Ich hoffe, dass sich die jüngeren Generationen davon befreien und eine andere Haltung zum Thema entwickeln.

Lukas de Berlin
Veranstalter von queeren und transfreundlichen Sexpartys in Berlin, BEHF

Was braucht es, damit ein Sex-Space funktioniert? Es braucht schlicht die Erlaubnis zu begehren. Außerdem braucht es Komfort, Hygiene, die richtige Temperatur, das richtige Licht (oder auch gar kein Licht) und die Möglichkeit, sich an einem Getränk anzuhalten. Auch ich als queerer, transmaskuliner Veranstalter bin jedes Mal neu aufgeregt, frage mich, was ich gerne ausprobieren würde, und dann füllen wir den großen Darkroom und die verwinkelten, mit Vorhängen verhüllten Separees mit lautem Stöhnen und machen unsere Laken feucht und dreckig. Vor allem die Trans-Community, für die es – im Gegensatz zu schwulem Sex und phallozentrischen, patriarchal dominierten Narrativen – meist keine öffentlichen Sexräume in der Stadt gibt, ist herausgefordert, ihre ganz eigenen sexuellen Wege zu suchen und zu finden. Das steht auch nicht in der Bravo. Mein Ziel? Spielen, experimentieren und Dummheiten machen. Denn: Es menschelt beim Schnackseln!

Tanja Wehsely
Geschäftsführerin Volkshilfe Wien

Sexualität und Intimität gehören zu den Grundbedürfnissen des Menschen. Auch die WHO erkennt das Recht auf sexuelle Gesundheit an. Dabei geht es um mehr als bloß um den „Akt“, es geht um Nähe und Zusammensein. Als armutsgefährdete, wohnungslose oder pflegebedürftige Frau jedoch wird einem dieses Recht oft nicht zugestanden. Auch alleinerziehende Frauen werden von vielen nur als Mutter gesehen, obwohl auch sie Bedürfnisse haben. Da heißt es: Man soll doch dankbar für das Dach über den Kopf sein, mehr hat man nicht zu wollen. Unsere Gesellschaft ist zwar übersexualisiert, aber wenn es um alte, pflegebedürftige, marginalisierte Gruppen geht, schaut man lieber weg. Wir als Volkshilfe Wien wollen Menschen nicht nur versorgen, sondern empowern. Im Frauenwohnprojekt Hafen*, im Notquartier Nordlicht und in den Häusern für ehemals Wohnungslose sind individuelle Rückzugsräume ganz elementar, und unsere Beratungsstelle „Sophie“ bietet Fortbildung bei Sexualbegleitung an.

Bart Lootsma
Architekturtheoretiker

Begehren ist eines der schönsten Gefühle, aber es verunsichert uns auch, weil wir uns anfangs nie sicher sind, ob die andere Person das Gleiche empfindet. Die Architektur bildet dafür den Hintergrund, den Rahmen fürs Sehen und Gesehenwerden. Einige der interessantesten Studien über Räume des Begehrens stammen aus der Forschung zu Queer Spaces. Jan Kapsenberg schrieb in Erotische Manöver über den Spartacus Gay Guide, der mit Piktogrammen zeigt, wo Schwule ihre Interessen ausleben können. Meistens sind diese Orte architektonisch unauffällig versteckt im ausgedehnten urbanen Gewebe. Kapsenberg entwickelte aus den Piktogrammen eine Entwurfsmethode, die aus einem neutralen Raum einen Raum für Schwule macht. Blicklinien für den Augenkontakt, kleine Tische, damit die Knie sich berühren können, Duschen mit Bänken, von denen man den anderen zuschauen kann, im hinteren Teil dunklere Rückzugsräume und ganz hinten die finsteren Darkrooms. Eine Gay-Software.

Elke Silvia Krystufek
Künstlerin

Man kann Räume mit Farbe berühren. Sexualität behandelt immer auch Grenzen und deren Überschreiten. Auf der Biennale 2009 in Venedig bin ich mit der Farbe über die Tafelbilder bewusst hinausgefahren, direkt auf die Pavillonwände. Außen am Pavillon habe ich die Länderbezeichnung „Austria“ durch das Wort „Tabu“ in blauer Schrift ersetzt. Im Kunstraum Innsbruck habe ich 2004 als Eröffnungsperformance eine Penisform aus einem eigens angefertigten Pantonsessel herausgesägt, und für das Mak habe ich 2006 einen Penis-Stahlrohrtisch entworfen. In meinen sexuellen Kunstinstallationen mag ich unaufgeräumte Räume, oft mit Schaufensterpuppen, Gebrauchsspuren, tropfenden Farben, flüssigkeitsdurchtränkten Stoffen und ausdrucksstarken Mündern und Augen. Nachts träume ich vom Stadtraum, nackt bei der Donauinsel schwimmend, ohne Kontaktlinsen, auf die glitzernde Skyline von Wien blickend, während die Lichter durch die Unschärfe wie Blumen aussehen.

Der Standard, Sa., 2024.07.27

Was die Honiginsekten können, das sollte auch dem Menschen nicht vorenthalten sein. Mit dem sogenannten Wabenhaus will der Münchner Architekt Peter Haimerl der klassischen Wohnbauwirtschaft den Kampf ansagen.

Davor, sagt sie, hat sie ganz, ganz traditionell gewohnt, mit Mann und Tochter in einem Reihenhaus, so wie man sich das halt vorstellt. Und vor gar nicht so langer Zeit hat sie sich einen jahrelangen Traum erfüllt und sich jene wunderschöne Couch gekauft, die schon lange auf der Wunschliste stand. „Und jetzt? Ich habe sogar schon überlegt, die hinteren Haxen abzusägen und die Couch zu adaptieren. Aber es bringt nix, eine klassische Couch hat in dieser Wohnung einfach keinen Platz. Ich musste mich davon leider trennen. Und von vielen anderen Möbeln auch.“

Reinhild Zenker, Sozialpädagogin im Evangelischen Beratungszentrum, wohnt richtig schräg. Ihre 36-Quadratmeter-Miniwohnung auf zwei Ebenen, muss man nämlich wissen, hat keine einzige gerade, senkrechte Wand. Stattdessen gibt es riesige sechseckige Fenster in der Fassade, riesige sechseckige Schrankverbauten auf der Wand vis-à-vis sowie schräg geböschte Raumabschlüsse, die vom Boden mit 36 Grad emporsteigen und von der Decke mit ebenfalls 36 Grad nach unten abknicken. Trotz ihrer geringen Größe hat die Wohnung sieben Stufen zwischen Wohn- und Schlafbereich und eine atemberaubende Raumflucht von über zwölf Metern.

Das sogenannte „Wabenhaus“ ist eine Schnapsidee des Münchner Architekten Peter Haimerl. Mit dem radikalen Experiment, mit dem er dem klassischen Wohnriegel mit standardisierten Schuhschachtelzimmern und somit auch der gesamten Wohnbauwirtschaft den Kampf ansagen will, geht er schon seit vielen Jahren schwanger. Nun ist es ihm gelungen, in Zusammenarbeit mit der Wohnbaugenossenschaft Wogeno, die in der Szene für ihre innovativen Projekte bekannt ist, in Riem, einem Stadterweiterungsgebiet im Osten Münchens, seine Vision in die dreidimensionale Realität umzusetzen.

„Die wichtigste Aufgabe an uns Architekten ist es, standardisierte Gepflogenheiten zu hinterfragen und im Rahmen unser Möglichkeiten spannende, interessante Alternativen zu entwickeln“, sagt Peter Haimerl, der in der deutschen Architekturszene von den einen geliebt, von den anderen als Enfant terrible gefürchtet und gemieden wird. „Die Wohnbaugenossenschaft Wogeno wünschte sich ein Raumkonzept, das für Kleinst- und Clusterwohnungen geeignet ist“, erzählt er, „und wer wäre zur Entwicklung einer solchen Lösung besser geeignet als jene kleinen Insekten, die seit Jahrmillionen in genau solchen Clusterstrukturen leben?“

Lernen von den Bienen

Und so kam es dann auch. Statt langweiliger Regelgeschoße und senkrechter Wohnungstrennwände gibt es Split-Levels und geböschte Wabenwände, die im Zickzack ineinandergreifen. Der Vorteil darin, so Haimerl, sei das visuelle Aufweiten der Wohnungen, denn durch die wabenförmige Struktur vergrößert sich das Achsmaß eines einzigen Zimmers von vier Metern auf 6,60 Meter Breite, mit ebenso breiter Glasfassade und Loggia davor. Damit hat die Wohnung genau in jener Höhe die größten Ausmaße, wo auch das Auge herumwandert und wo sich Schulterpartie und ausgestreckte Arme und Hände nach einem weiten Horizont sehnen.

Doch nicht nur die Optik profitiere davon, meint der Architekt, sondern auch die Funktionalität. Denn: „In einem Schuhschachtelzimmer habe ich Möbel mit Beinen, unter denen viel wertvoller Raum verloren geht, ob das nun Tische, Stühle, Sofas, Regale oder irgendwelche Kredenzen sind. Im Wabenhaus kann ich diese Verluste auf null reduzieren. Ich komme mit genau dem aus, was ich in einer funktionsrelevanten Höhe auch wirklich benötige.“

Gemeinsam mit einem Möbelbauer hat Haimerl sogenannte „Halbmöbel“ entwickelt, also Möbelelemente wie etwa Regale, Tische und sogar Sofas, die in der jeweils relevanten Höhe aus der geneigten Betonwand ragen oder die entlang der Böschung hinaufgeschlichtet werden. Reinhild Zenker hat auf ihrem türkisblauen „Halbsofa“ vor dem Fenster Platz genommen, und ja, die flexible Wulstlandschaft, die in unterschiedlichen Konstellationen arrangiert werden kann, lässt viele Sitz- und Liegemöglichkeiten zu und ist in der Tat sehr bequem.

Ein hexagonales Wagnis

„Und leider auch sehr teuer“, meint Yvonne Außmann, Vorständin der Wohnbaugenossenschaft Wogeno, im Rückblick. „Wir wollten etwas Neues ausprobieren und haben uns dazu entschieden, gemeinsam mit dem Architekten ein Wagnis einzugehen und die Grenzen des klassischen Wohnens ein wenig auszudehnen. Ich denke, das ist uns auch gelungen. Dieses Wohnhaus ist einzigartig, etwas noch nie Dagewesenes in Deutschland, und bietet mehr als einfach nur quadratisch, praktisch, gut.“

Die Baukosten jedoch liegen nach Auskunft der Wogeno um ein gutes Drittel über einem traditionell errichten Wohngebäude, „und auch in der Innenraumgestaltung“, so Außmann, „müssen die Mieter tiefer in die Tasche greifen als anderswo. So ein Wohnen muss man sich erst einmal leisten können.“ Trotz der höheren Baukosten wurden die insgesamt 17 Wohneinheiten im Rahmen des sozialen Wohnbaus errichtet und unterliegen einer Mietpreisobergrenze. Mit 12,50 Euro pro Quadratmeter liegt die monatliche Miete deutlich unter dem Münchner Durchschnitt.

„Ich bin jetzt 62 Jahre alt und wollte in meinem letzten Lebensviertel noch mal was ganz Neues ausprobieren“, sagt Reinhild Zenker. „Mich hat dieses Haus auf Anhieb neugierig gemacht, und abgesehen von meiner schönen Couch, die mir fehlt, bereue ich keinen einzigen Tag in meinem neuen Zuhause.“ Ob das ein Wohnmodell für die Zukunft ist? „Oh nein, das glaube ich nicht. Das ist und bleibt ein absolutes Nischenprodukt für eine kleine Minderheit. Aber die Mehrheit wird nie erfahren, wie groß sich 36 Quadratmeter anfühlen können!“

Der Standard, Sa., 2024.07.20

Aber nicht, dass Sie mich schon wieder als Kaffeehaus- und Apfelstrudelarchitekten hinstellen! Ich habe in meinem Leben mehr gemacht als nur das!“ Hermann...

Aber nicht, dass Sie mich schon wieder als Kaffeehaus- und Apfelstrudelarchitekten hinstellen! Ich habe in meinem Leben mehr gemacht als nur das!“ Hermann Czech zählt nicht nur zu den bedeutendsten Architekten Österreichs, sondern ist wahrscheinlich auch der letzte noch lebende Gestalter und Theoretiker, der sich intensiv mit dem Begriff der Moderne beschäftigt und der – stets mit einem schelmischen Grinsen zwischen den für ihn typischen, präzise ausgetüftelten Details – die Grundprinzipien klassischen Bauens anwendet.

Oder, um mit den Worten der Kunst- und Kulturstaatssekretärin Andrea Mayer zu sprechen: „Czech steht mit seinen Arbeiten in mittelbarer Nachfolge von Adolf Loos. In vergleichbarer Weise gelingt ihm die subtile Verbindung von historisch Vorhandenem mit dem, was zeitgemäß gebraucht wird.“

Für genau diesen Brückenschlag wird Czech mit dem Großen Österreichischen Staatspreis 2024 ausgezeichnet. 1936 in Wien geboren, studierte er Architektur an der Technischen Hochschule und später an der Akademie der bildenden Künste. Er war Assistent bei Hans Hollein und Johannes Spalt und realisierte bald seine ersten Lokale, darunter etwa Kleines Café (1970, 1974), Wunder-Bar (1976) und Salzamt (1983). Weitere Projekte sind das Hotel Messe Wien, die Rosa-Jochmann-Schule in Simmering, der Stadtparksteg über den Wienfluss sowie die Winterverglasung auf der Galerie der Wiener Staatsoper.

Auf der Architektur-Biennale in Venedig wollte er 2023 mit dem Architekturkollektiv AKT den österreichischen Pavillon mithilfe einer Maueröffnung für die lokale Bevölkerung zugänglich machen, scheiterte aber an der Engstirnigkeit von Venedigs Bürokratie. Und so mutierte der Pavillon zu einer Chronik stadtpolitischer Verunmöglichung. Das Projekt ist stellvertretend dafür, wie es Czech liebt, sich fernab seines historisch kenntnisreichen Detailwahnsinns in den Geist einer Stadt hineinzudenken.

Czechs Bauten sind still und nur scheinbar unscheinbar. Architektur solle nur dann sprechen, wenn sie gefragt werde, sagte er einmal. Dass der Staatspreis an einen kritischen, nachdenklichen Menschen geht, der in seinem Innenstadtatelier im fünften Stock zwischen tausenden Büchern sitzt und werkt, ist Ausdruck einer neuen Sehnsucht nach Substanz. „Die 30.000 Euro Preisgeld“, so Czech, „kann ich für mein Büro gut brauchen.“

Der Standard, Di., 2024.07.16

Wo einst ein asphaltierter Parkplatz für 210 Autos war, erstreckt sich nun ein grüner, klimafitter Park mit Bäumen, Blumenbeeten und Fotospots für frisch vermählte Pärchen. Ein Besuch auf dem kürzlich eröffneten Nibelungenplatz.

Der kleine Chihuahua hat es sich auf der Holzpritsche bequem gemacht, liegt eingerollt im Schatten des Tischerls und kläfft plötzlich den sich anpirschenden Journalisten an. „Wir hätten uns nie gedacht, irgendwann einmal hier zu sitzen und eine Picknickpause zu machen“, sagen Andreas und Michelle, er Elektrotechniker, sie Kindergartenpädagogin, zwischen ihnen die Einkäufe eines ganzen Samstagnachmittags. „Wenn man weiß, wie es hier früher mal ausgesehen hat, dann weiß man auch: Dieser Platz war die Hölle! Nun ist hier ein kleines Paradies entstanden, ein neuer Park mit Holzbänken und viel Grün rundherum, und das mitten in Tulln. Einfach großartig.“
Wiese statt Asphaltwüste

Der Nibelungenplatz zwischen Altstadt und Donauufer, der sich wie ein Hufeisen um das ehemalige Minoritenkloster und das nunmehrige Rathaus und Gemeindeamt schmiegt, ist ein Erfolgsbeispiel für grünen Stadtumbau im ländlichen, niederösterreichischen Raum. Wo einst ein Parkplatz für über 200 Autos war, eine Asphaltwüste für hektotonnenweise Blech auf Rädern, erstreckt sich nun eines von Österreichs größten Projekten für klimaadaptiven Umbau. Insgesamt wurden 8000 Quadratmeter Boden entsiegelt, stattdessen gibt es nun Wiesen, Stauden, Blumenbeete sowie 38 neu gepflanzte Schwammstadtbäume, darunter Eschen, Eichen, Ulmen, Hainbuchen und Traubenkirschen.

„Tulln gilt schon seit vielen Jahren als Gartenstadt Österreichs“, sagt der Tullner Bürgermeister Peter Eisenschenk (ÖVP), „bloß war davon rund um das politische und kulturelle Herz dieser Stadt bislang nicht viel zu spüren. Also haben wir beschlossen, den Nibelungenplatz zu entsiegeln und statt in Autoparkplätze in Aufenthaltsqualität und nachhaltige Klimaresilienz zu investieren – denn ein guter öffentlicher, klimatisch adaptierter Platz hat immer auch Einfluss auf den sozialen Zusammenhalt einer Stadt und infolgedessen auch auf das persönliche Wohlbefinden der Bürgerinnen und Bürger.“

Dem Projekt zuvorgegangen war ein monatelanger Bürgerbeteiligungsprozess, bei dem sich die Tullner mit Wünschen und Projektideen einbringen konnten und schließlich aus drei Platzszenarien zwischen Mensch, Natur und Pkw wählen konnten. Die kollektive Wahl fiel zugunsten eines Hybridmodells mit großflächiger Entsiegelung und Renaturierung sowie mit einem zusammengeschrumpften Parkplatz für 54 Autos, die auf Kurzparkzonen-Basis auf wasserdurchlässigen Rasensteinen parken. Bei Flohmärkten und städtischen Veranstaltungen werden die Autos entfernt, und der grün durchwachsene Untergrund wird zum Stadtplatz für Mensch, Bühne und Krimskrams aller Art.
Die Verdrängung der SUVs

Für die Planung verantwortlich zeichnet das Wiener Büro DnD Landschaftsplanung, das sich im Sommer 2022 in einem Wettbewerb mit einem geometrischen Konzept aus Bändern, Blühstreifen und wasserdurchlässigen Flächen durchsetzen konnte. Wo einst VW Golfs und fette SUVs standen, gibt es nun Blumen- und Kräuterflächen, bunt blühende Stauden auf rotem Lavakies sowie Sitz- und Spielmöglichkeiten für die gesamte Bandbreite zwischen Generation Alpha und hochbetagten Senioren. Krönender Abschluss ist ein romantisch inszenierter Fotospot für Trauungen.

„Ohne jeden Zweifel ist dies ein großes, umfangreiches Paradebeispiel für Klimaresilienz und Klimawandelanpassung“, sagt Sabine Dessovic, Partnerin bei DnD, „aber natürlich müssen die technischen und ökologischen Maßnahmen, die man trifft, immer auch im Einklang mit den Menschen stehen. Daher habe ich für jeden einzelnen Quadratmeter, den ich plane, immer eine Art Vision oder Traumszenario, in dem ich mir überlege, wie sich die Menschen hier am liebsten aufhalten würden. Am Ende wird diese soziale Hypothese in eine Form gegossen.“ Zum Beispiel mit Sitzstufen, Arbeitstischen mit USB-Anschluss und einem Wasserspiel im Boden mit 30 Wasser- und Nebeldüsen.

Die politische, soziale und technische Anstrengung im Bereich grüner und blauer Infrastruktur in dieser Größe und Konzentration ist in Österreich einzigartig. Immer noch werden in Niederösterreich einer Studie von WWF und Umweltbundesamt zufolge jeden Tag 2,3 Hektar Boden versiegelt – also die dreifache Menge dessen, was auf dem Nibelungenplatz in jahrelanger, penibler Vorarbeit entsiegelt werden konnte. In Gesamtösterreich sind es immer noch zwölf Hektar pro Tag. Was Klimaresilienz, Biodiversität und Nahrungssouveränität betrifft, kann man die Bilanz mit einem einzigen Wort nur kommentieren: Katastrophe.

„Was? Österreich ist auf Platz eins? Ihr seid wirklich Europameister in Sachen Bodenversiegelung?“, meint Joe Reid, Gärtnerin und Landschaftsarchitektin aus Schottland, die auf Kurzurlaub in Österreich ist und mit ihren Freundinnen gerade auf einer der vielen Bänke Platz genommen hat. „Das ist aber ein trauriger Rekord. Dann ist diese lovely Greenery hier ja ein richtiges Anti-Asphalt-Wunder!“

Österreich hat sich vorgenommen, den bundesweiten Bodenverbrauch bis 2030 auf 2,5 Hektar pro Tag zu reduzieren. Tulln ist diesem Ziel – mithilfe aller Parteien im Gemeinderat außer der FPÖ – um 0,8 Hektar näher gekommen.

Der Standard, Sa., 2024.07.06

Am Montag wurde der japanische Architekt Junya Ishigami mit dem Kiesler-Preis für Kunst und Architektur ausgezeichnet. Ein Gespräch über Zeit, unendliche Räume und sein neues unterirdisches Restaurant in Ube.

Standard: Haben Sie in der Maison Owl schon einmal zu Abend gegessen?

Ishigami: Schon oft!

Standard:An welches Gericht erinnern Sie sich besonders gut?

Ishigami: Das Restaurant ist ein Crossover aus französischer und japanischer Küche. Mein Lieblingsgericht dort ist Fugu, Kugelfisch.

Standard:Die Architektur eines Restaurants ist immer auch Abbild der Architektur auf dem Teller. Inwiefern korrespondiert der Raum mit den darin servierten Speisen?

Ishigami: Gar nicht. Das war auch nicht die Absicht. Als der Bauherr auf mich zugekommen ist, meinte er, dass ihm drei Dinge wichtig seien, und zwar in genau dieser Hierarchie: erstens das Miteinander am Tisch, zweitens die Atmosphäre des Raumes und erst drittens die Qualität der servierten Speisen. Also habe ich mich auf die Punkte eins und zwei konzentriert, während er den Punkt drei konzipiert und bis zur Perfektion weiterentwickelt hat.

Standard:Sie haben ein unterirdisches Restaurant geschaffen, eine Art Erdraumhöhle. Wie kam es dazu?

Ishigami: Ich habe mit dem Bauherrn vor 20 Jahren schon einmal zusammengearbeitet. Damals habe ich ein Restaurant mit kalten, eckigen, hauchdünnen Stahltischen aus 4,5 Millimeter dickem Stahl entwickelt, denn er hat sich einen coolen, einen richtig kühlen Raum gewünscht. Diesmal war es umgekehrt. Er meinte, er wolle einen Raum, der eine warme, ruhige, gemütliche, ja sogar irgendwie alte Atmosphäre versprüht.

Standard:Wie baut man als Architekt etwas Altes?

Ishigami: Das ist das Problem! Ich wollte nicht mit Zitaten, Elementen und historischen Versatzstücken arbeiten, also habe ich mir überlegt, wie ich die Qualität des Alten anderweitig ins Projekt integrieren kann. Das Älteste, das wir haben, ist die Mutter Erde. Genau damit habe ich gearbeitet.

Standard:Inwiefern?

Ishigami: Ich habe die Schnittstelle zwischen neuer, technischer, künstlich geschaffener Architektur und alter, organischer, über die Jahrhunderte gewachsener Erde zelebriert.

Standard:Wie genau lautet das Rezept für dieses Restaurant? Können Sie den Bauprozess beschreiben?

Ishigami: Es handelt sich hier um ein Hanggrundstück, das wir zunächst einmal ein terrassiert und eingeebnet haben. Danach haben wir in die Erde 38 Löcher beziehungsweise Krater hineingegraben, haben in die Löcher Eisenbewehrungskörbe hineingestellt und haben die Negativform anschließend mit Beton ausgegossen. Nachdem der Beton ausgehärtet war, haben wir die rote Erde erst mit Maschinen und am Ende in Handarbeit hinausgeschaufelt. Das war wie eine archäologische Freilegung. Nachdem die Betonstümpfe freigelegt waren, haben wir die Silhouette gescannt und mit dieser digitalen Schablone dann die Glasscheiben angefertigt.

Standard:Woher kommt die rote Farbe im Beton?

Ishigami: Von der roten Erde, die sich in den offenen Betonporen festgesetzt hat. Mittels feiner Lehm- und Sandschlämme – wir bezeichnen das im Japan als Tsuchikabe – haben wir die Oberfläche fixiert.

Standard:Das klingt alles sehr aufwendig. Wie lang hat die Baustelle insgesamt gedauert?

Ishigami: Sieben Jahre. Die Qualität war wichtiger als der Wettlauf gegen die Zeit.

Standard:Wie reagieren die Restaurantbesucher auf diese Form der Architektur?

Ishigami: Sie werden ruhig.

Standard:Der österreichische Architekt Friedrich Kiesler hat im Jahr 1950 das sogenannte Endless House entwickelt. Erkennen Sie Parallelen zwischen den beiden Projekten?

Ishigami: Natürlich! Ich weiß nicht, ob die Maison Owl auch ein unendliches Haus ist, so wie das Kiesler in seinen Entwürfen gedacht hat, aber im Sinne des weichen, offenen Raumflusses, im Sinne einer Architektur ohne klassische Elemente wie etwa Wand, Decke und Fenster gibt es durchaus große Analogien. Ich bewundere Kiesler sehr!

Standard: Auch Ihre Projekte sind oft unendlich. Sie planen riesige Flugdächer, Landschaftskunstprojekte im Wald und haben erst kürzlich das ein Kilometer lange Zaishui Art Museum in der chinesischen Provinz Shandong eröffnet.

Ishigami: Das Große und Unendliche ist nie mein innerstes Grundanliegen. Es entwickelt sich aus dem Prozess heraus, denn ich will mit der Landschaft und mit der Kraft der Natur arbeiten und eine neue, künstliche Natur erschaffen. Die Größe ist ein Produkt all dieser Parameter.

Standard:In einem Interview haben Sie einmal gesagt, Sie möchten die Architektur befreien. Auch Ihre Ausstellung in der Fondation Cartier in Paris im Jahr 2018 trug den Titel „Freeing Architecture“. Aus welchen Zwängen möchten Sie sich denn befreien?

Ishigami: Le Corbusier, Mies van der Rohe und viele anderen Architekten der Moderne waren darum bemüht, eine perfekte Standardlösung zu entwickeln und diese dann in riesiger Zahl zu multiplizieren und auf die Menschen auszurollen. Wir wissen, dass dieses Konzept gescheitert ist. Ich will die Architektur aus diesem Irrglauben des standardisierten Denkens befreien. Wir leben in einer pluralistischen Gesellschaft, die immer heterogener wird. Mein Ziel ist, die Grenzen zu sprengen und auf diese Heterogenität mit einer möglichst großen Zahl an Lösungen zu antworten. Es gibt kein Richtig und kein Falsch, es gibt nur die Fülle an Möglichkeiten für uns alle.

Standard:Bevor Sie 2004 Ihr eigenes Büro Junya Ishigami + Associates eröffneten, hatten Sie einige Jahre für das Tokioter Architekturbüro SANAA gearbeitet. Welchen Einfluss hatte SANAA auf Sie?

Ishigami: Bei SANAA habe ich gelernt, die Grenzen des Status quo zu hinterfragen, die Grenzen im Kopf zu sprengen und zu mit unkonventionellen Ideen zu experimentieren. Genau das muss die Aufgabe von Architektur sein.

Standard:Ihre Website besteht aus einem einzigen Kontaktformular in Weiß und Hellgrau und minikleiner Schrift. Auch ein Experiment?

Ishigami: Nein. Ich habe schlicht und einfach keine Zeit, mich um eine gute Homepage zu kümmern. Wer mich sucht, der findet mich auch.

Standard:Wie würde Ihre perfekte Website aussehen, wenn Sie Zeit hätten?

Ishigami: Wie ein dickes, hochwertig gearbeitetes Buch.

Standard:Gibt es ein Projekt, von dem Sie träumen?

Ishigami: Ich würde gerne ein Haus ganz für mich allein planen. Ich hoffe, dass ich eines Tages Zeit dafür finden werde.

Standard:Der Friedrich-Kiesler-Preis ist mit 55.000 Euro Preisgeld dotiert. Wissen Sie schon, was Sie mit dem Geld machen wollen?

Ishigami: Meine Baustellen dauern manchmal sieben Jahre. Auch für diese Überlegung muss ich mir etwas Zeit nehmen. Ich weiß es noch nicht.

Die Ausstellung „Junya Ishigami“, kuratiert von Anna Fliri, ist noch bis 11. Oktober 2024 zu sehen; Friedrich-Kiesler-Stiftung, Mariahilfer Straße 1b, 1060 Wien.

Der Standard, Sa., 2024.06.22

Vergangenen Donnerstag wurde in Wien der Brick Award 2024 verliehen, eine Art Liebeserklärung an den Ziegel. Der Hauptpreis ging an das Internationale Rugby-Museum in Limerick. Sportliche Leistung.

Sieben Stockwerke, 34 Meter Höhe bis zur Dachkante, fast eine halbe Million in Handarbeit hergestellter Ziegel: Die irische Stadt Limerick, gerade einmal 90.000 Einwohner in der Statistik, dafür aber die Stadt mit der höchsten Konzentration an Kirchen im ganzen Land, hat ein neues Wahrzeichen. Im Gegensatz zu den meisten Sehenswürdigkeiten jedoch frönt man hier weder der Religion noch irgendeiner Form bildender oder darstellender Kunst, sondern ausnahmsweise dem Sport, genauer gesagt dem Rugby.

„Rugby wurde vor ziemlich genau 200 Jahren in England erfunden und gilt bis heute als der wohl wichtigste Nationalsport in Großbritannien und Irland“, sagt Architekt Tom McGlynn, Associate Partner bei Níall McLaughlin Architects. „Und Limerick, muss man wissen, ist in Irland so etwas wie die heimliche Hauptstadt dieses historischen Ballsports. Die lokale Rugby-Mannschaft zählt zu den besten Teams, die Europa zu bieten hat. So gesehen passt es einfach perfekt, dass dieses Gebäude genau hier steht und nirgendwo sonst.“

Vorgestern, Donnerstag, wurde die sogenannte International Rugby Experience, eine Art interaktives Sportmuseum und öffentliches Veranstaltungszentrum rund um die elliptische, eierförmige Wuchtel, in Wien mit dem renommierten, mittlerweile weltweit etablierten Brick Award 2024 ausgezeichnet. Der biennal verliehene Preis richtet sich an herausragende Projekte im Umgang mit dem Baustoff Ziegel, die es schaffen, die jahrtausendealte Bautradition auf technisch innovative und architektonisch anregende Weise in die Zukunft weiterzutragen.

Historische Reminiszenzen

„Für uns war vom allerersten Moment an klar, dass wir bei diesem Projekt in Ziegel bauen wollen“, sagt Architekt McGlynn. „Einerseits ist das Material die logische Fortführung der historischen, georgianischen, fast zur Gänze in Backstein errichteten Altstadt, in der wir uns hier befinden, andererseits finden Rugby und der georgianische Baustil, die ja nahezu gleich alt sind, in diesem Haus wunderbar zueinander.“ Die vertikalen Lamellen, die flachen Rundbögen und die Halb-, Viertel- und Achtelrhythmisierung der Fassade sind eine Reminiszenz an die historischen Nachbargebäude.

Kritik gab es während der Planungs- und Bauzeit seitens konservativer Kreise vor allem in Bezug auf die Bauhöhe. Ein so hohes Gebäude, und das mitten im georgianischen Limerick, an der Ecke von O’Connell Street und Cecil Street? Unmöglich! „Doch das ist zu kurz gedacht“, meint McGlynn, „denn während die klassischen Wohnhäuser im 19. Jahrhundert stets zwei- bis dreigeschoßig waren, hatten die georgianischen Architekten und Auftraggeber bei öffentlichen Bauwerken durchaus eine Vorliebe für Türme und hoch hinausragende Symbolwirkungen. In der Seele dieser Stadt verdient ein Rugby-Museum definitiv öffentliche Aufmerksamkeit.“

Auf einer Grundstücksfläche von nur 500 Quadratmetern ist es gelungen, ein breites Potpourri an Funktionen unterzubringen: Shop, Café, Veranstaltungsräume, ein Piano nobile mit anmietbarer Terrasse sowie eine mehrgeschoßige Ausstellung mit interaktiven Multimediastationen, in denen man sich mit anderen Besuchern in den Disziplinen Kicken, Laufen und Scrumming messen kann, erstellt nach einem Konzept der Londoner Agentur Event. Aus dem obersten Stock, der wie eine gläserne Krone auf dem Turm sitzt, hat man Sicht bis zum River Shannon. Architekt Tom McGlynn: „Eine Kathedrale für das Rugby!“

Überaus sakral

Überaus sakral sind auch die technischen Details, die sorgfältig übereinandergesetzten Ziegel aus einer kleinen Manufaktur in Loughborough, England, die spitz nach vorn zulaufenden Lisenen, die das Haus bis zur Attika gliedern und für dramatische Licht-und-Schatten-Spiele sorgen. Die schlanken Querschnitte sind der Bauweise geschuldet: Hinter der zum Teil vorgefertigten Fassade aus knapp 500.000 Sichtziegeln verbirgt sich eine Stahlkonstruktion.

„Wir haben nach einem hochwertigen Ziegel mit vielen unterschiedlichen Rottönen und einer haptischen, lebendigen Oberfläche gesucht“, erklärt der Architekt. „Und wenn man dann durch die Ziegelmanufaktur spaziert und dabei zusieht, wie jeder einzelne Backstein in mehreren Produktionsschritten so wie damals – vor 100, 200, Jahren – händisch hergestellt wird, dann hat man das Gefühl, dass man als Architekt dazu beiträgt, ein altes Traditionshandwerk am Leben zu halten. Daher sind wir sehr glücklich, den diesjährigen Brick Award entgegennehmen zu dürfen.“

Eingereicht wurden heuer 743 Projekte aus 54 Ländern. Zu den weiteren Preisträgern zählen das Electrical Supply Board Headquarter in Dublin (Grafton Architects), das Wohnhaus M 5605 in Buenos Aires (Estudio Arqtipo), das Intermediate House in Asunción (Equipo de Arquitectura) sowie das temporäre Kunstprojekt Types of Spaces in Logroño (Hanghar und Palma).

„Architekten stehen heute vor mehreren großen Herausforderungen“, sagt Heimo Scheuch, CEO des Ziegelproduzenten Wienerberger, „und die Gewinnerprojekte sind stellvertretend für eine moderne, nachhaltige und vor allem innovative Auseinandersetzung mit dem Baustoff Ziegel“ – und für gebaute Schönheit, die man in der heutigen Architektur oft mit der Lupe suchen muss.

[ „Brick 24. Ausgezeichnete internationale Ziegelarchitektur“. 390 Abbildungen. 284 Seiten / € 59,70. Park Books ]

Der Standard, Sa., 2024.06.08

Ein Raum, der 200 Studierenden zum Lernen dient, mit Licht, Aussicht, gelben Vorhängen, flexibler Möblierung und Platz für die Hängematte. Da will man noch mal inskribieren! Am Dienstag wurde das „Studihaus“ der TU Braunschweig mit dem European Mies van der Rohe Award ausgezeichnet.

Eine Flasche Wasser, frisches Obst im Plastiksackerl, daneben stilecht, wie könnte es anders sein, eine aufgerissene Packung Studentenfutter. „Einfach großartig hier“, sagt Soumaia Ismail. „Dieses Gebäude ist eine schöne, freundliche, sympathische Alternative zu all den Lernräumen und Studiensälen, die man sonst so kennt. Und man muss nicht einmal flüstern wie drüben in der Bibliothek, man kann sich ganz normal unterhalten. Irgendwie fühlt es sich an wie ein ganz großer, zweigeschoßiger Coworking-Space für Studierende.“

Verlängertes Wohnzimmer

Die 24-Jährige studiert Lehramt Deutsch und Geschichte an der Technischen Universität Braunschweig. Sie teilt sich den Tisch heute mit Khalil Daboussi, ebenfalls Deutsch und Geschichte, und Lennardt Fölz, seines Zeichens Wirtschaftsinformatiker, der eigentlich ganz woanders studiert, aber gerne die 30-minütige Busfahrt auf sich nimmt, um hier im Kollektiv zu büffeln. „Coworking-Space? Meinst du? Für mich ist das eher wie ein verlängertes Wohnzimmer, fast noch gemütlicher als bei mir zu Hause und außerdem viel, viel inspirierender.“

Genau deshalb wurde das Studierendenhaus auf dem dicht begrünten, bewaldeten Campus der TU Braunschweig, im Uni-Jargon längst als „Studihaus“ und „Glasi“ bekannt, mit dem European Mies van der Rohe Award 2024 ausgezeichnet. Der Preis wird biennal vergeben und richtet sich an herausragende Architekturleistungen innerhalb der EU. Letzten Dienstag wurde er – unter windigem und dramatisch bewölktem Himmel – vor dem Mies-van-der-Rohe-Pavillon in Barcelona verliehen. Eine Statue, eine Urkunde, 60.000 Euro stürmisch obendrauf.

„Was für eine unglaubliche Ehre! Aber auch eine schöne Bestätigung, dass wir uns nach der Corona-Pandemie und trotz all der digitalen Kommunikations-Tools, die uns heute zur Verfügung stehen, immer noch nach ganz realen Räumen der Begegnungen sehnen“, sagt der Berliner Architekt Gustav Düsing, der das Projekt gemeinsam mit seinem ehemaligen Studienkollegen Max Hacke realisiert hat. „Für mich ist das Studihaus ein von allen Hierarchien befreiter Raum, der 200 bis 250 Studierenden die Möglichkeit gibt, einander zu begegnen und – je nach Lust und Laune – miteinander oder nebeneinander zu lesen und zu lernen.“

Die Studierenden haben die Einladung mehr als wörtlich genommen. Denn was ursprünglich als Zeichensaal ausschließlich für angehende Architekten und Bauingenieurinnen gedacht war, wurde in kürzester Zeit von allen Studienrichtungen der TU gleichermaßen in Beschlag genommen. „An manchen Tagen ist es hier ganz schön voll“, sagt Soumaia Ismail. „Und manchmal passiert es sogar, dass sich Studierende draußen anstellen und warten, bis endlich wieder mal ein Stuhl frei wird.“ Wer nicht die nötige Geduld mitbringt, der nimmt halt stattdessen die Hängematte mit und spannt sie sich von einer Stütze zur nächsten. Auch das ist schon vorgekommen.

Hinter der poetischen, scheinbar ordnungslosen Lebendigkeit des Gebäudes (Baukosten drei Millionen Euro) verbirgt sich ein simples, aber bestechend logisches Konstruktionsprinzip: ein Raster aus drei mal drei Meter großen Feldern, insgesamt 30 mal 30 Meter im Quadrat, dazwischen ein Stützen- und Trägerwald aus zehn mal zehn Zentimeter großen Stahlprofilen, die reinste Stangenware aus dem Stahlkatalog, insgesamt 121 Stützen und 155 dazwischen eingehängte Träger mit standardisierten Knoten, alles miteinander verschraubt, jederzeit wieder demontierbar, oben 49 darauf befestigte Deckenplatten, rundherum 81 Stück Geländer, neun Treppenläufe, mal innen, mal außen platziert, sämtliche Lichtleisten und Steckdosen eingeschnitten und bündig integriert, je nach Nutzung vier bis acht Stück pro Stütze, rundherum 64 Fassadenverglasungen und über allem drüber 900 Quadratmeter Trapezblechdach.

„Als Architektur-Connaisseur kommt einem das Gebäude von Anfang an vertraut vor, als hätte man es schon hunderte Male gesehen“, sagt Gustav Düsing, der sich seit seinem Studium an der Architectural Association (AA) in London intensiv mit den Utopien von Cedric Price und Yona Friedman beschäftigt und dessen Architektur nicht von ungefähr an Jean Prouvé, Richard Rogers und Ludwig Mies van der Rohe erinnert, doch im Gegensatz zu den historischen Inspirationsquellen in reinstes Weiß getaucht und bis zur Farblosigkeit entsättigt scheint. „Doch dann merkt man: Obwohl diese Art von Gebäude in der Architekturtheorie schon so oft erdacht und bis zur letzten Schraube entwickelt wurde, hat es noch nie eines davon in die Realität geschafft.“ Bis jetzt.

Dank des dick eingedämmten Dachs, der automatisierten Durchlüftung und des rundum laufenden Vordachs, das die hoch im Himmel stehende Sommersonne abblockt, wirkt das Haus angenehm temperiert. Und sogar die Akustik – sonst ein Riesenproblem in Stahl-Glas-Bauten – hat man mit Teppich, perforierten Deckenpaneelen und dottergelbem Vorhang, 50 Laufmeter in Summe, zum Teil über zwei Geschoße nach unten fallend, wunderbar in den Griff gekriegt.

„Das Beste am neuen Glasi ist, dass man hier Leuten begegnet, mit denen man bislang keinerlei Berührungspunkte hatte, meistens aus ganz anderen Fächern kommend“, sagt Layla Camara, Psychologiestudentin, „und dann sitzt man mit ihnen plötzlich an einem Tisch und lernt.“ Ihr Lieblingsplatz? „An einem warmen Frühlingstag draußen auf dem Balkon. Es gibt nichts Schöneres. Absolut preisverdächtig!“

Der Standard, Sa., 2024.05.18

Der Raumplaner und Filmemacher Reinhard Seiß widmet sich in einem filmischen Mammutwerk der immer noch ungebrochenen Dominanz des Automobils und ihren Auswirkungen auf Stadt und Land. Dabei ginge es besser, sagt er – man muss nur wollen.

Weitwinkel: Autobahn. Nahaufnahme: Gaspedal. Dazu eine Stimme in gemütlich-lakonischem Bairisch: „Wer einige Wochen im deutschen Verkehrsgewühl überlebt hat, der weiß es: Das Gesetz der deutschen Straße ist hart, aber gerecht. Jeder, der ein Fahrzeug steuert, hat Vorfahrtsrecht. Je größer das Auto, desto größer das Vorfahrtsrecht.“ Die Filmreportage des Bayerischen Rundfunks mit dem Titel Verhaltensweisen deutscher Autofahrer wurde im April 1964 gesendet, könnte aber auch von heute sein.

Zahllose Dokumentar- und Spielfilme über den Menschen und sein Verhältnis zum Auto sind in diesen 60 Jahren erschienen, von Jacques Tatis Trafic (1971) über David Cronenbergs Crash (1996) bis zu Daniel Abmas Autobahn (2019). Der Tenor ist ähnlich: Das Automobil dominiert unsere Köpfe, unsere Körper, unsere Städte und unser Land. Aber stimmt das noch? Gibt es nicht längst Begegnungszonen, Pop-up-Radwege, Lastenrad-Initiativen, kurz: die Verkehrswende?

Hört man manchen Stimmen der bundesdeutschen Politik zu, scheint sich seit 1964 nicht viel getan zu haben. In Berlin verkündete die neue Stadtkoalition nach der Senatswahl 2023, sie wolle „keinen Parkplatz opfern“, die zur „Spaß-haben-Geld-verdienen-danach-alles-egal“-Partei mutierte FDP erfindet immer absurdere Argumente gegen ein Tempolimit, und eine endlose Abfolge von anderstalentierten Verkehrsministern, die im blauen Dunst der Autoindustrie ihr Biotop fand, trieb die Deutsche Bahn in die dysfunktionale Anarchie und machte sie zum Gespött Europas. Und Österreich? Wir haben zwar keine dominante Autoindustrie, sind aber anscheinend, wie Bundeskanzler Karl Nehammer letztes Jahr verkündete, ein „Autoland“.

Es liegt also vieles im Argen. Dieser Überzeugung ist auch der Filmemacher Reinhard Seiß. Der studierte Raumplaner ist so etwas wie der Wutbürger der österreichischen Baukultur, seit er 2007 mit seinem Buch Wer baut Wien? den Finger in viele noch heute schwärende Wunden legte. Aber er zeigt auch, wie es besser geht, etwa 2013 in seinem Film Häuser für Menschen.

Schadensfall Auto

Beides tut er auch in seinem neuen Film Der automobile Mensch – Irrwege einer Gesellschaft und mögliche Auswege, der am kommenden Montag im Wiener Gartenbaukino seine Premiere feiert. Mehr als vier Jahre lang hat er daran gearbeitet, biblische 373 Minuten lang ist das Ergebnis, aber keine Angst, sagt Seiß, niemand müsse sich das ganz anschauen. Stattdessen lassen sich die 51 Kapitel nach Bedarf zusammenstellen. Was hat ihn dieses Mal auf die Straße getrieben? „Es gibt wenige Dinge, die so irrational und von so vielen absurden Behauptungen geprägt sind wie unser Verhältnis zum Autoverkehr“, sagt er. Ein Beispiel von vielen: Der immer noch beliebte Sager vom Autofahrer als „Melkkuh der Nation.“

Der Film nimmt uns auf eine Autofahrt durch Österreich, Deutschland und die Schweiz, zeigt, wie nach dem längst widerlegten Motto „One more lane will fix it“ immer noch neue Straßen gebaut werden, auch dort, wo man sie eigentlich gar nicht braucht. Verkehrsforscher wie Hermann Knoflacher, der Grandseigneur der Autokritik, kommen zu Wort, aber oft sprechen die Bilder von zähflüssigem Verkehr auf leinwandbreitem Mehrspurasphalt für sich. Das Auto – ein Schadensfall für die Gesellschaft.

Dabei zielt Seiß darauf, die von ihm diagnostizierten absurden Behauptungen zu widerlegen. Etwa das oft vorgebrachte „Schön und gut, aber auf dem Land brauchst du halt das Auto!“ Das stimmt zwar, aber ist kein Naturgesetz. Dass es auch anders geht, zeigen die Szenen aus der Schweiz. Der Postbus, der mehrmals am Tag im 300-Einwohner-Dorf Waltensburg in Graubünden hält, dank schweizweit koordinierten Takts mit der Bahn so abgestimmt, dass man es in zwei Stunden nach Zürich schafft. Die Bahnen, die von Supermarktketten zum Warentransport genutzt werden, mit Containern, die an kleinen Dorfbahnhöfen verladen werden. Und nein – das macht der Film deutlich – das vermeintliche Argument „Ja gut, das ist halt die Schweiz“ ist keines. „Es sind keine ominösen Mächte, die diese Verhältnisse schaffen, sondern immer Entscheidungen der Politik“, betont Seiß.

Flächenfraß-Turbo

Wenn es heißt, man brauche eben Straßen, weil man sonst nicht schnell genug von A nach B komme, wird gerne unterschlagen, dass die Irrwege aus Asphalt nicht nur lineare Verbindungen sind, sondern auch ein Turbo-Generator für Flächenfraß. Die Lobau-Autobahn würde nicht nur Abgase in die Natur pusten, sondern auch einen neuen Gewerbe-Speckgürtel in Wiens Nordosten erzeugen, und die umstrittene Ostumfahrung Wiener Neustadt ginge Hand in Hand mit 575.000 Quadratmetern neuer Gewerbeflächen auf wertvollen Ackerböden. Und das in einer Stadt, die jetzt schon den höchsten Flächenverbrauch pro Person in Österreich aufweist.

Doch es gibt auch Lichtblicke, auf die Seiß seine Kamera richtet. Lienz in Osttirol, wo man die Verkehrsberuhigung im Stadtkern gegen die Kassandrarufe der Wirtschaft durchsetzte. Ottensheim in Oberösterreich mit seiner Schiffsverbindung nach Linz. Das norddeutsche Bremen mit seiner konsequenten Pro-Fahrrad-Politik. „Es geht schlicht darum, was wir als Lebensqualität definieren“, sagt Seiß. „Die Art der Fortbewegung spielt dafür eine wesentliche Rolle.“

Nicht nur das Thema erinnert an die BR-Dokumentation aus dem Jahr 1964, sondern auch der Tonfall. Denn als Sprecher wählte Seiß den bayerischen Kabarettisten Christian Springer, der die automobilen Welten mit rollendem R und rustikalem Sarkasmus dialektgefärbt kommentiert. Für Seiß eine Reminiszenz an seine Jugend auf dem Land, als der Bayerische Rundfunk ein Fenster zur Welt aufmachte. „Wienerisch wäre zu bösartig, aber Bairisch ist charmant und treffsicher, gemütlich und gfeanzt.“

Das stimmt zwar, doch nach zwei Stunden wird der süffisante Tonfall, in dem die Fehlleistungen „der Politiker, der Architekten und der Neubaugebiete“ kommentiert werden, zu einer etwas einseitigen und eintönigen Dialektik. Mehr Fakten, Daten und andere Stimmen hätten viele der Argumente gegen den Autowahn ergänzen und objektiv untermauern können. Doch die Stoßrichtung stimmt, und wenn es darum geht, die 180-Grad-Verkehrswende hinzubekommen, kann eine gute Dosis Polemik nicht schaden.

Der Standard, Sa., 2024.05.11

Das kürzlich erschienene Büchlein „Sh*tscapes“ widmet sich Fehlplanungen im urbanen Raum und fasst die 100 schlimmsten Katastrophen zusammen. Hinter dem ersten Lachen verbirgt sich eine ernsthafte Botschaft.

Ob es wohl eine Bedienungsanleitung zum Verwenden dieser Bank gibt? „Ja, das wäre nicht schlecht“, sagen Paul Bourel und Vladimir Guculak, die das eigentümliche Sitzobjekt in Brixton gefunden haben, einem beliebten multikulturellen Stadtteil im Süden von London. „Denn obwohl es rundherum viele Bars und Lokale gibt, obwohl hier viele Jugendliche und Studenten abhängen, ist hier selten jemand anzutreffen. Und das ist schade, denn gut gestaltete Sitzbänke führen dazu, dass urbane Sozialisation entsteht, dass Menschen ins Gespräch kommen und Kontakte knüpfen. Eine schlechte Planung wie diese jedoch hat den gegenteiligen Effekt.“

Die gegenständliche Donut-Bank findet sich als geografisch und urheberisch anonymisiertes Bildbeispiel #28 im soeben erschienenen Büchlein Sh*tscapes. 100 Mistakes in Landscape Architecture, einem Kompendium von hundert Fehlern und „beschissenen Landschaften“ – so der wortgewitzte Buchtitel – im öffentlichen Raum, eine Art Handbuch für Fachleute und Entscheidungsträger. „Es geht nicht darum, irgendjemanden anzuprangern oder sich über Fehlplanungen, minderwertige Ausführungen oder schlechte Pflege und Instandhaltung lustig zu machen“, so die beiden Autoren, die in London das Landschaftsplanungsbüro studio gb leiten und an der Bartlett School of Architecture unterrichten. „Wir wollen bloß anschaulich machen, wie wenig Bewusstsein es in diesem Bereich gibt und wie viel unnötiger Schaden dadurch entsteht.“

So wie zum Beispiel in Elephant & Castle, Bild #22: Mit viel Sorgfalt wurde die Pflasterung optisch fortgesetzt, als eingeklebtes Steinbett in einem metallischen Schachtdeckel. Allerdings ist die Ausführung minderwertig, Stein und Mörtel haben der Belastung der darüberfahrenden Autos nicht standgehalten.

Wie zum Beispiel in Stockwell, Bild #60: Nicht nur die Aussparung mit runder Metallmanschette scheint winzig klein gewählt, auch die beiden Holzpfähle, die in der Regel in der Anwuchsphase als eine Art Krücke an den Baum gebunden werden, wurden noch immer nicht entfernt und beschädigen auf diese Weise die Rinde.

Geschrumpfter Fertigrasen

Oder etwa in Aldgate, Bild #69: Aufgrund mangelnder Bewässerung und großer Hitze sind die frisch verlegten Fertigrasenmatten geschrumpft. Kalkuliert man die benötigten Personalkosten für Pflege und Bewässerung mit ein, würde sich ein automatisches Bewässerungssystem innerhalb weniger Jahre amortisieren. Die Tauben indes scheint das wenig zu tangieren.

„Beispiele für Fehlplanungen und minderwertige Ausführungen wie diese gibt es nicht nur in London“, sagen Bourel (35) und Guculak (36). „Doch in Großbritannien ist die Dichte höher als anderswo.“ Den Grund dafür orten die beiden Landschaftsarchitekten vor allem in den Eigentumsstrukturen, konkret in der kontinuierlichen Privatisierung öffentlicher Räume und Institutionen in der Ära Margaret Thatcher. „Bei vielen Straßen, Plätzen und Parkanlagen in London handelt es sich um private Räume mit öffentlichem Nutzungs- und Aufenthaltsrecht. Daher gibt es auch kein übergeordnetes Interesse an der Pflege und Erhaltung.“

Und das ist ein ziemliches Problem. Einerseits gibt es eine nationale, überaus ambitionierte Quote, die vorschreibt, die städtischen Freiräume bis 2050 mit einer Deckung von 16,5 Prozent zu begrünen und mit Bäumen zu bepflanzen, zudem ist im November letzten Jahres der sogenannte Biodiversity Net Gain (BNG, Biodiversitäts-Nettogewinn) in Kraft getreten, der Bauträger und Immobilienentwickler verpflichtet, in die Artenvielfalt von Fauna und Flora zu investieren. Andererseits hat eine Studie der UK Forestry Commission kürzlich ergeben, dass 30 Prozent aller städtischen Bäume innerhalb der ersten zwölf Monate nach der Pflanzung absterben. Die mittelfristige Mortalität urbaner Bäume beträgt sogar 50 Prozent.

„Das ist eine Katastrophe“, so die beiden Buchautoren. „Letztendlich ist das nicht nur ein volkswirtschaftlicher Schaden, sondern auch eine sinnlose Zerstörung sozialer und mikroklimatischer Potenziale.“ Klimaschutz und ökologische Verantwortung, so das Fazit nach hundert durchgeblätterten Bildbeispielen, sind keine Privatsache. Die urbane Überlebenssicherheit gehört in öffentliche Hände gelegt.

„Sh*tscapes. 100 Mistakes in Landscape Architecture“, erschienen bei Jovis. Die Autoren bitten um Shitscape-Fotobeispiele aus aller Welt, per Mail an info@studiogb.uk.

Der Standard, Sa., 2024.04.27

Der Praterstern ist ein Ort mit vielen Menschen und vielen sozialen Friktionen. Nach etlichen glücklosen Umplanungen in den letzten Jahrzehnten wurde der Platz nun ein weiteres Mal erneuert – diesmal allerdings behutsam und nicht nur mit der Kraft von Architektur und Stadtplanung, sondern auch in enger Zusammenarbeit mit der Sucht- und Drogenkoordinationsstelle der Stadt Wien.

Die Straßenbahn 5, eine der längsten Linien Wiens, dreht gerade ihre Endschleife, der Bus 80A fährt in die Haltestelle ein, oben die S-Bahn mit Bahnsteigdurchsage, unten ein Polizeiwagen mit Blaulicht und Sirene, dazwischen liegt, irgendwo auf einer der vielen Bänke, ein obdachloser Mann, Schlafsack, Plastiktüte, Weißwein im Tetrapack.

Ein ganz normaler Moment am Praterstern, könnte man meinen, auf einem der quirligsten öffentlichen Stadträume Wiens, sagen die einen, mitten im ewigen Sorgenkind und Hotspot von Drogen, Alkohol und Kriminalität, sagen die anderen. »Und beides ist irgendwie richtig«, sagt Isabella Lehner-Oberndorfer, Sicherheitsbeauftragte in der Sucht- und Drogenkoordinationsstelle der Stadt Wien, »denn der Praterstern ist ein hochfrequentierter Ort, an dem Menschen aus unterschiedlichen sozialen Gruppen zusammenkommen, und das sorgt naturgemäß für Friktionen.« Pro Tag, so benennt es die Statistik, laufen hier 150 000 bis 200 000 Menschen über den Platz, steigen ein und aus und um, verlieren sich im Dickicht der sozialen Kontraste.

Schön ist der Platz schon lange nicht mehr. Nach den Bombenschäden im Zweiten Weltkrieg wurde der alte Nordbahnhof gesprengt und durch einen hässlichen Nutzbau in betonierter Hochlage ersetzt. Albert Wimmer stülpte 2007 eine gläserne Bahnhofshalle darüber, Boris Podrecca errichtete drei Jahre später eine Platzüberdachung mit ganz viel Metallgestänge und verdeckte damit die Bahnhofsuhr, und irgendwie wollte der Platz nie so richtig in die Gänge kommen. Statt in die Architekturgazetten schaffte es der Praterstern als Tatort von Vergewaltigungen und Messerstechereien immer bloß in die Boulevardmedien.

»Als 2014 klar wurde, dass die lokale Polizeistation von hier wegzieht und die alte Wachstube mitten am Platz frei wird«, erzählt Eric-Emanuel Tschaikner, CEO von KENH Architekten, »wurden wir eingeladen, für einen Gastronomen das Haus umzubauen, ein gestalterisches Konzept zu entwickeln und den unmittelbaren Freiraum rund um das Gebäude mitzuplanen.« Mit Erfolg. Der Gastronom pachtete das in den 1980er-Jahren errichtete Polizeihäuschen und startete mit den Planungen.

Als kurz darauf die Stadt Wien auf das Vorhaben aufmerksam wurde, praktischerweise knapp vor den Wiener Gemeinderatswahlen 2015, beschloss sie, die Ideen des Privatiers aufzugreifen, einen öffentlichen Wettbewerb für eine abermalige Umplanung des bis dahin erfolglosen, von vielen Menschen gemiedenen Platzes auszuschreiben, auf dem 2018 ein offizielles Waffen- und Alkoholverbot ausgehängt wurde, dem einzigen Ort mit Restriktionen dieser Art in ganz Wien – und die Renaissance des Pratersterns zum SPÖ-Wahlkampfthema hochzuzüchten.

KENH Architekten nahmen am zweistufigen Realisierungsverfahren teil und holten sich aus strategischen Gründen das Wiener Landschaftsplanungsbüro DD mit an Bord, schließlich haben Anna Detzlhofer und Sabine Dessovic mit öffentlichen Auftraggeber:innen und Projekten im öffentlichen Raum schon mehr als reichlich Erfahrung. Mit insgesamt 40 »Interventionen«, die punktuell ansetzen, ohne den bestehenden Platz komplett auf den Kopf zu stellen, belegte die Arbeitsgemeinschaft den 1. Platz. Im Herbst 2021 starteten die Bauarbeiten, im Sommer darauf wurden die letzten Arbeiten fertiggestellt.

»Am allerwichtigsten war uns, ein neues Narrativ auf den Platz zu bringen«, sagt Architekt Tschaikner. »Wir wollten das Stigma als Problemort mit Drogen, Alkohol und Kriminalität loswerden und stattdessen einen Platz für alle schaffen – für Kinder und Jugendliche, für Anrainer:innen aus der Umgebung, für Leute auf dem Weg von A nach B, aber natürlich nach wie vor einen Ort für Menschen aus marginalisierten Gruppen, die hier unter freiemHimmel ein Zuhause gefunden haben.« In enger Zusammenarbeit mit der Sucht- und Drogenkoordinationsstelle der Stadt Wien, die auf dem Platz schon seit vielen Jahren Sozialarbeit leistet und die Ängste und Bedürfnisse der unterschiedlichen Stakeholder gut kennt, wurde ein Sitz- und Aufenthaltskonzept entwickelt.

Dieses umfasst ein Spektrum an unterschiedlich dimensionierten Betonringen, die im Grundriss die Form des Praterstern-Kreisverkehrs aufnehmen. Bei den sogenannten Pratoiden (Copyright KENH) handelt es sich um Betonfertigteile in verschiedenen Radien, mal mit ebener Oberfläche, mal geböscht und gewölbt, mal mit laminierten Sitzauflagen, mal ohne, mal mit Armlehnen und Aufstehhilfen, mal ohne. Um das subjektive Sicherheitsgefühl am Platz zu steigern, wurden die scheinbar über dem Boden schwebenden Betonringe mit einer indirekten Beleuchtung ausgestattet. Ergänzt wird das Sitzkonzept von durchaus poetischen Betoneiern, die ein wenig wie frei platzierte Hinkelsteine mal da, mal dort herumliegen.

»Wir haben die Erfahrung gemacht, dass Menschen aus unterschiedlichen sozialen Gruppen sich eher in die Nähe von anderen wagen und sich dort wohlfühlen, wenn die Blickrichtungen voneinander wegweisen und nicht zueinander gerichtet sind«, erklärt Isabella Lehner-Oberndorfer. Auf den Betonringen sitzen die Menschen an warmen Tagen Rücken an Rücken, das scheint zu funktionieren. Die Platzierung der Sitzelemente folgt der Geografie des Platzes: Entlang der hochfrequentierten Wege gibt es eher Einzelsitze und geböschte Oberflächen fürs schnelle Hinsetzen zwischendurch, an den etwas abgelegenen Pfaden wiederum sind eher größere Sitz- und Liegeflächen zu finden – für die, die zu zweit kuscheln oder einfach nur alleine schlafen wollen. Interessantes Learning für andere Städte: »An den meisten Problemorten mit marginalisierten Gruppen und sozialen Friktionen werden die Sitzgelegenheiten in der Anzahl stark reduziert«, sagt Lehner-Oberndorfer. »Wir haben das Gegenteil gemacht! Wir haben so viele Sitzmöglichkeiten geschaffen, dass Menschen mit Alkoholproblemen und Obdachlosigkeiten das Angebot gar nicht ausfüllen können. Es gibt genug Verweilorte für alle.« Insgesamt wurden 192 offizielle Sitzmöglichkeiten geschaffen. »Und ja, das Konzept ist aufgegangen, es gibt keinerlei Raumkonkurrenz.«

Neben dem Sitzen zeichnet sich der mit »Interventionen« erfrischte, erneuerte Platz durch Licht, Grün und Wasser aus. Das Beleuchtungskonzept wurde vereinheitlicht und durch energieeffiziente LED-Masten ersetzt, die Versiegelungsfläche wurde reduziert, und wo es die Wege und Platzüberquerungen zugelassen haben, wurden begrünte Flächen vorgesehen. Um die genauen Flächen und Konturen zu bestimmen, wurden die Wege und Trampelpfade der Menschen analysiert. Schließlich wurde entlang des Kreisverkehrs Boris Podreccas Metallkranz entfernt, der den Praterstern einst wie eine Dornenkrone einfasste.

»Wir haben den Platz zum Teil großflächig entsiegelt, neue Rasenflächen geschaffen und das bestehende Material wie etwa Betonplatten und Granitpflaster behutsam entfernt und im Sinne der Kreislaufwirtschaft an anderer Stelle wieder eingebaut«, sagt Sabine Dessovic, Partnerin bei DD Landschaftsplanung. Anstelle von Podreccas Einfassung, der für die Umgestaltung des Pratersterns übrigens keinerlei Verständnis hat und die Begrünungsmaßnahmen als »städtebauliche Gaudi«, »grünen Populismus« und »pseudo-ökologisches Krebsgeschwür« bezeichnet, wurde ein 1,4 m hoher Begrünungsring geschaffen, der v. a. als emotionaler, atmosphärischer Sichtschutz dient.

»Wir wollten den Autoverkehr etwas ausblenden, gleichzeitig aber keine neuen visuellen Barrieren schaffen. Daher haben wir die Höhe beschränkt. Zugleich haben wir uns um eine Auswahl mit robusten, klimaresistenten Pflanzen und möglichst langer Blütenabfolge bemüht.« Weitaus komplexer war das Pflanzen der insgesamt 44 neuen Bäume – darunter Platanen, Kastanien, Robinien, Ulmen und Zelkoven. Um das Urban-Heat-Phänomen nicht erst in vielen Jahren, sondern schon jetzt einzudämmen, entschied sich DD, zum Teil erwachsene, bis zu 20 Jahre Bäume einzusetzen.

»Und das war alles andere als einfach«, so Dessovic. »Wir sind den gesamten Platz mit dem ober- und unterirdischen Leitungs- und Installationsplan abgegangen, der aussieht wie ein wilder Spaghetti-Teller, und ich kann mit bestem Gewissen sagen: Es gibt heute keinen einzigen Quadratmeter mehr, an dem man noch einen weiteren Baum pflanzen könnte. Alle Reserven sind ausgeschöpft, mehr geht nicht mehr.« Schon jetzt ist die subjektiv gefühlte Temperatur im Hochsommer, wie Studien ergeben haben, um 10 bis 15 Grad Celcius kühler als die tatsächliche Umgebungstemperatur.

Highlight des neuen Pratersterns jedoch – unscheinbar in der kalten Jahreszeit, ein erfrischendes Paradies im heißen Sommer – ist das 500 m² große Wasserspiel in der innenstadtzugewandten Platzmitte. Aus rund 250 Auslässen in der Bodenplatte sprudeln je nach Wetter in einer auf das jeweilige Klima abgestimmten Choreografie Wasser und feuchter Nebel. Nicht nur Kinder, sondern auch Erwachsene aus allen möglichen Kulturen und Lebenswelten laufen an heißen Sommertagen durch die Wolke aus Abkühlung und Lebensfreude.

»Wir machen wirklich viele Projekte im öffentlichen Raum«, sagt Sabine Dessovic, »aber wir haben selten so viel positive Resonanz in Form von E-Mails und Anrufen erhalten, von Medien, aber auch von Menschen, die den Praterstern nun neu kennengelernt haben und uns kontaktieren und sich für die Planung bedanken möchten.« Die Dutzenden, Hunderten, Tausenden Silhouetten, die sich in der allsommerlichen Hitze mit Wasser umgeben, tun ihr Übriges. Ruhe, Kindergeschrei und zwischenmenschliches Chaos an einem Ort in lokaler Überlagerung. Schönheit, lehrt uns dieser Ort, ist in allererster Linie ein sozialer Aspekt. So gesehen ist der Praterstern nun endlich schön geworden.

db, Di., 2024.04.02

Die jüngste Ausstellung im Architekturzentrum Wien widmet sich der Anatomie des Reisens – nicht nur mit einer profunden Kritik am Status quo, sondern auch mit inspirierenden Beispielen für einen sanften, nachhaltigen Tourismus.

Und üban Woid,
do werma drüberfoahn,
mit Skilift und Chalet-Resort.
Des Umweltamt, des sogt:

„Des geht ned, weil
do is a Schutzgebiet.
Do wohnt ein wahrer Partisan,
und heißen tut er Auerhahn.“

Des Hendl is zwoa ned sehr gscheit,
doch gscheita ois die Seilbahnleit.
Des Schlimmste an dem Viech
is, dass der Vogl a no unbestechlich is.

Der Bürgermeister Blues von Marcus Hinterberger, 2022 erschienen, ertönt in der Station sieben: Natur. Privatisierung der Schönheit . Über der hölzernen Ausstellungswand mit eingebauten Kopfhörern hängt ein lilafarbener Banner von der Saaldecke, ganz so wie auf einer Ferienmesse, auf der man sich mit Sackerln voller Reisekataloge von einem Stand zum nächsten schleppt, nur ist hier alles ein bissl anders. Statt paradiesischen, verheißungsvollen Versprechungen mit almgrünen und himmelblauen Fotos gibt’s Zahlen, Daten, Fakten – und jede Menge Kritik am heute klassischen Massen- und Individualtourismus.

„Der Tourismus hat sich in den letzten Jahrzehnten stark verändert“, sagen die beiden Kuratorinnen Katharina Ritter und Karoline Mayer, während sie mit dem STANDARD durch die fiktive Messehalle im Architekturzentrum Wien marschieren, gestaltet nach einem Konzept von ASAP Pitro Sammer Architekten, „denn immer mehr Menschen reisen immer öfter, immer weiter und in immer kürzeren Aufenthalten. Und das hat nicht nur Auswirkungen auf die Mobilität, sondern auch auf viele andere Aspekte – wie etwa Hotelbetrieb, Energieeinsatz, Bodenpolitik, Landwirtschaft, Immobilienwirtschaft, lokale und regionale Lebensqualität sowie steigende Wohn- und Lebenserhaltungskosten.“

Wir lernen: In der Glücksspielmetropole Macau (Sonderverwaltungszone China, ehemals Portugal) macht der Tourismus knapp 51 Prozent des Bruttoinlandsprodukts aus. Die 218 in Europa registrierten Kreuzfahrtschiffe emittieren 4,4-mal mehr Schwefeloxid als alle (!) Autos in ganz Europa. Und: Musterfamilie Gruber, die erst gar kein Auto besitzt und sich vegan ernährt, dafür aber einmal pro Jahr mit den Kids nach Costa Rica fliegt, um dort zwei Wochen lang Meeresschildkröten zu retten, hat einen höheren CO2 -Fußabdruck als Musterfamilie Huber, die mit zwei Autos im Speckgürtel wohnt, sich das ganze Jahr über von Schnitzeln ernährt und einen All-inclusive-Urlaub in Jesolo bucht.

Storytelling-Elemente

Spätestens hier hat man verstanden, warum die Ausstellung den wortspielerischen, doppeldeutigen Titel Über Tourismus trägt. Anhand von Grafiken, konkreten Beispielen und spielerischen Storytelling-Elementen wie mit den Grubers und Hubers werden die Inhalte sehr anschaulich transportiert. Dass die Zusammenstellung über den Hallstatt-Horror, die künstlich beschneiten „weißen Bänder“ in den Alpen und die strukturellen, allseits bekannten Auswirkungen von Kitzbühel, Wörthersee und Salzkammergut weit hinausgehen, versteht sich bei diesem Kuratorinnenduo, das vor drei Jahren bereits den vielbeachteten Ausstellungsschocker Boden für alle konzipiert hatte, fast von selbst.

„Aber wir wollen nicht nur klagen, anprangern und Kollateralschäden aufzeigen“, sagen Ritter und Mayer, „wir wollen auch positive Best-Practice-Beispiele für einen sanften, nachhaltigen Tourismus vor den Vorhang holen, denn schließlich sind wir eine Ferienmesse. Also zumindest fast.“ Rund 30 alternative, durchaus nachahmenswerte Reisestrategien gibt es in der Ausstellung zu entdecken – von der Alm über Städtereisen der anderen Art bis hin zu innovativen Konzepten für Wertschöpfung, Landschaftspflege und karitativen Tourismus, von dem ausnahmsweise die Schwächsten der Gesellschaft profitieren: Obdachlose, Geflüchtete, Gewaltbetroffene.

Mit dem Magdas Hotel, betrieben von der Caritas, mit geflüchteten Menschen an der Bar und Rezeption, gibt es nun erstmals ein schönes, durchaus schickes und absolut bobotaugliches Social-Business-Hotel mitten in Wien. Ein ähnliches Konzept verfolgt ein anderer Trägerverein mit seinem Hotel VinziRast am Land, wo man auf dem Gelände eines ehemaligen Gault-Millau-Luxusrestaurants in Alland nun günstig urlauben und nebenbei Biogemüse und glückliche Eier mit nach Hause nehmen kann.

Sanfter Tourismus

Ebenfalls im ländlichen Raum angesiedelt sind diverse Initiativen wie etwa die „Schule der Alm“. Der 2016 gegründete Verein versteht sich als Ausbildungsprogramm und hat es sich zur Aufgabe gemacht, die Almen im Tiroler Valsertal zu erhalten – und zwar mit der Hilfe von Interessenten, die mal Urlaub von ihrem „Bullshitjob“ machen und sich mit Sense, Spaten und Spitzhacke betätigen und die Kulturlandschaft in bis zu 3400 Meter Seehöhe nachhaltig pflegen und mitgestalten wollen. Aufgrund des zunehmenden Bauernsterbens gibt es in anderen Regionen – wie etwa am Grundlsee in der Steiermark oder am Weißensee in Kärnten – bereits eigene Landschaftspflegefonds, die Nebenerwerbslandwirte finanziell unterstützen.

Dass sanfter Tourismus nicht nur auf das Konto einer nachhaltigen Landwirtschaft einzahlen, sondern auch zum Erhalt regionaler Baukultur beisteuern kann, beweist die 2005 gegründete Stiftung „Ferien im Baudenkmal“. Von der Bauhausvilla am Zürichsee bis zur hochalpinen Holzhütte aus dem 16. Jahrhundert werden denkmalgeschützte Preziosen in der gesamten Schweiz vor dem Verfall bewahrt, denkmalgerecht restauriert und schließlich dem touristischen Markt zur Verfügung gestellt – und das zu durchaus moderaten Preisen, denn das Ziel der Stiftung sind nicht größtmögliche Gewinne, sondern gelebte Baukultur und die Stärkung lokaler Wertschöpfungsketten.

„Der Tourismus ist ein wesentlicher Hebel im Umgang mit der globalen Klimakrise und mit klimaadaptiven Maßnahmen“, sagen die beiden Kuratorinnen. „Daher müssen wir dringend handeln. Es gibt jede Menge sinnstiftender Best-Practice-Beispiele, an denen wir uns orientieren können.“ Während Venedig in Touristenmassen untergeht, hat Bhutan etwa die Corona-Krise dazu genutzt, den Tourismus im eigenen Land neu aufzustellen: Reisende müssen eine Sustainable-Development-Fee (SDF) in der Höhe von 250 US-Dollar pro Tag entrichten. Das Geld kommt nachhaltigen Projekten in den Sektoren Kultur, Bildung, Tourismus, Infrastruktur und Landwirtschaft zugute. Ein Weg von vielen.

Die Ausstellung „Über Tourismus“ ist bis 9. September 2024 zu sehen.

Der Standard, Sa., 2024.03.23

Der Autor und Schauspieler Calle Fuhr bringt den „Aufstieg und Fall des Herrn René Benko“ auf die Volkstheater-Bühne. Es ist ab heute, Samstag, zu sehen. Die [in der gedruckten Ausgabe] eingefärbten Textstellen sind Originalzitate aus dem Stück.

Die Signa wächst und wächst und wächst. Das muss sie auch. Das ist der Fluch von Benkos Geschäftsmodell. „Und ich finde es spannend und beachtlich, bis zu einem gewissen Grad ringt es mir sogar Respekt ab, mit welchem Geschick René Benko in der Lage war, hunderte, vielleicht tausende Menschen an der Nase herumzuführen“, sagt Calle Fuhr, hellblauer Anzug wie ein Entertainer in einer US-amerikanischen TV-Show à la Jeopardy! oder Der Preis ist heiß. „In der Zwischenzeit ist das Kartenhaus in sich zusammengekracht. Viele Menschen – ob mit Geld, Arbeitsplätzen oder unbeglichenen Rechnungen – sind dabei zu Schaden gekommen.“

Heute Abend soll es um einen Mann gehen, der in den letzten Monaten die Schlagzeilen gefüllt hat wie kaum ein anderer. Calle Fuhr, gebürtiger Düsseldorfer, Autor, Regisseur und Schauspieler in Personalunion, hat die Causa Benko und sein Unternehmensimperium Signa, das aus rund 1000 Töchtern und Enkeltöchtern besteht, im Laufe des letzten Jahres in Zusammenarbeit mit der österreichischen Investigativplattform Dossier studiert und analysiert – und beschlossen, darüber ein Ein-Personen-Stück zu schreiben und sich selbst auf den Leib zu schneidern: Aufstieg und Fall des Herrn René Benko.

Weil eben doch längst nicht alles gesagt ist. Heute, Samstag, ist Premiere im Volkstheater, der große Saal längst ausgebucht bis auf den letzten Platz, der STANDARD war bei der Generalprobe live dabei und hat Zitate daraus, fett markiert in diesem Text, aufgenommen und notiert. „Ob in Österreich bei Kika/Leiner oder in Deutschland mit Karstadt und Galeria Kaufhof: Der Signa wurden Millionen an Steuergeldern hineingepumpt, um die maroden Kaufhäuser vermeintlich am Leben zu halten. Dabei scheint es von Anfang an ein abgekartetes Spiel gewesen zu sein, und zwar auf Kosten der Öffentlichkeit. Daher finde ich“, meint Calle Fuhr, „geht die Sache uns alle an.“

Der René will Geld verdienen. Während seine Klassenkameraden wohl gerade die rubinrote Edition von Pokémon für sich entdeckten, begann er, sich in das Immobilienbusiness einzulesen. Passagenweise gleicht Fuhrs Stück einem Vortrag, einer Univorlesung, beginnend in Benkos Schulkarriere, die er frühzeitig abbrach, um bereits in jungen Jahren Kleinanleger für Immo-Aktien zu keilen, wird dabei aber nie fad, besser jedenfalls als jeder Immobilienlehrgang an einer FH. Erst allmählich füllt sich der Theaterabend mit dramaturgisch hineininszenierten Elementen wie etwa Film, Zaubertrick, fiktiven Dialogen, Rollenwechseln mit Brille und Dialekt, zahlreichen Interaktionen mit dem Publikum.

René Benko zeichnet vor allem eines aus: Er ist schnell. Er weiß oft als Erster Bescheid, sobald eine Perle in einer Innenstadt am Markt ist. „Am meisten interessiert mich das Firmengeflecht aus Geschäftsführung, Aufsichtsräten und Beiratsmitgliedern, die sich bei der Signa aber nie als klassischer Beirat, sondern eigenen Angaben zufolge vielmehr als Impulsgeber und strategischer Beraterkreis verstanden haben“, sagt Calle Fuhr. Ob Gusenbauer, Haselsteiner oder Riess-Hahn: „Ich denke, ihre Besetzung folgt wohl auch einem politischen Kalkül, um in allen Koalitionskonstellationen manövrierfähig zu bleiben und immer als Erster zu erfahren, wann wieder einmal ein Filetstück in der Innenstadt frei wird.“ Und nicht nur das.

Benko kennt alle, und alle kennen Benko. „Benko beherrschte von Anfang an die Sprache von Seitenblicke und Boulevardmedien, und zwar fließend. Er ließ sich mit Promis ablichten, ob das nun Bundespräsidenten, Bürgermeister oder etwa Tina Turner war.“ Ein Schnappschuss mit der Rockröhre, auf der Volkstheater-Bühne ertönt einer ihrer größten Hits: „I call you when I need you, my heart’s on fire. When you come to me, give me everything I need. Give me a lifetime of promises and a world of dreams. You’re simply the best.“ „Das Beste für den einen“, meint Fuhr, „ist aber nicht immer das Beste für alle.“

Wo ich herkomme, im Rheinland, da gehst du nicht einkaufen: Da gehste Kaufhof. Oder da gehste Karstadt. Karstadt und Kaufhof wurden über die Jahrzehnte zum Herz einer typischen deutschen Innenstadt. „Mit der Übernahme von Karstadt und Galeria Kaufhof und der anschließenden Aufsplittung in eine Immobilien- und eine Betreibergesellschaft haben Benko und Co ein perfides Spiel inszeniert.“ Die selbsternannten Spielregeln der Signa werden auf der Bühne anschaulich erklärt, mit einer beliebten Immobilientochter namens Elisabeth und einer ungeliebten Betreibertochter namens Dörte. Bei der Generalprobe schüttelt das Publikum fassungslos den Kopf.

Benko wurde bei seiner Übernahme von Galeria als Retter der deutschen Innenstädte gefeiert. Aber das war nie sein Ziel. „Mit der Schließung vieler Galeria-Filialen“, erzählt Fuhr im Interview mit dem ΔTANDARD, „aber auch mit halbfertigen Rohbauten wie etwa dem Lamarr in Wien, dem Elbtower in Hamburg oder dem Carsch-Haus in Düsseldorf sehen wir nun, wie die Innenstädte nach und nach ausverkauft wurden und wie nun riesige Wunden in ihnen klaffen.“ Der Traum ist geplatzt, das Versprechen wurde gebrochen, viele Baustellen stehen still und warten auf Käufer.

Ich verstehe total, dass Leute gerade schadenfroh sind. Wenn sie denken: Der Benko, der hat’s verdient. „Aber das allein ist zu wenig“, sagt Calle Fuhr. „Außerdem dürfen wir nicht vergessen: Zu Schaden sind wir alle gekommen! Denn das, was Benko den Menschen und den Städten angetan hat, ist eine Form der Zerstörung – nicht nur in finanzieller Hinsicht, sondern auch in Hinblick auf die bauliche Substanz und auf die eigene urbane Identität.“

Den nächsten René Benko etwas unmöglicher machen. Mit seinem Stück möchte der Produzent verhindern, dass sich die Geschichte eines Tages mit anderen Firmen und anderen Protagonisten wiederholt. „Die Frage also ist: Welche politischen Konsequenzen können wir aus dieser Causa ziehen?“ Vor dem Black, neunte Szene, präsentiert der hellblau gekleidete Entertainer drei Strategien für die Zukunft. Ein Lehrstück an der Schnittstelle von Architektur, Politik und Immobilienwirtschaft.

„Aufstieg und Fall des Herrn René Benko“, Premiere am 16. März im Volkstheater. Vorstellungen am 20., 24., 25. März sowie am 5., 15., 18. und 27. April. Weitere Termine sind in Planung.

Der Standard, Sa., 2024.03.16

Gestern imperiales Kurbad mit Moorbädern, geplant von den Wiener Theaterarchitekten Fellner und Helmer, heute eine mutig hineinimplantierte Musiktribüne in knalligem Rot. Zu Besuch in den Císařské Láznì in Karlsbad.

Kateřina Knìžíková betritt die Bühne, champagnerfarbenes Abendkleid mit glitzernden Steinchen von oben bis unten, und setzt zu den ersten Versen an: „Una donna a quindici anni, dèe saper ogni gran moda, dove il diavolo ha la coda, cosa è bene e mal cos’è.“ Schon ein Mädchen von fünfzehn Jahren, singt die Sopranistin, müsse die große Kunst verstehen, wo den Schwanz hat der Teufel, was gut sei und was schlecht.

Ihre Arie aus Mozarts Così fan tutte, so tun es angeblich alle, füllt den ganzen Raum, der Schall pflanzt sich fort bis hoch in die allerletzte Reihe. „Dèe in un momento, dar retta a cento, colle pupille, parlar con mille.“ In einem Moment, zu Hunderten wechselt sie die Blicke, zu Tausenden die Worte.

Gar so viele Männer und Frauen passen in den neuen Konzertsaal im tschechischen Karlsbad nicht hinein, aber immerhin an die 300, verteilt auf 13 Reihen, vollbestückt mit superbequemen, teufelsrot bespannten Klappsitzen. Das allein wäre noch lange kein Grund für Jubel in höchsten Tönen. Sehr wohl aber die Tatsache, dass das knallrote Stahlungetüm ausgerechnet in ein denkmalgeschütztes Gebäude aus dem Jahr 1895 hineingestellt wurde, errichtet von den Wiener Theaterarchitekten Fellner und Helmer, die dereinst auch das Wiener Volkstheater, das Landestheater Salzburg, die Komische Oper Berlin, das Nationaltheater Rijeka und das Opernhaus Odessa geplant hatten.

„Ich bin hier geboren und aufgewachsen und habe den imperialen Charme dieser Stadt immer schon geliebt“, sagt der Prager Architekt Petr Hájek. Die Kurstadt Karlsbad, Karlovy Vary auf Tschechisch, sei ein Freiluftmuseum galanter, prosperierender k. u. k. Zeiten, ein kompaktes Großstädtchen inmitten bewaldeter Landschaft, mit regem Kulturbetrieb und mondänen Kurbädern, die mal unten im Tal, mal etwas weiter oben auf den Hängen platziert sind. Und im Gegensatz zu österreichischen Kurstädten wie etwa Bad Ischl oder Bad Gastein, so scheint es, ist Karlsbad weder tot noch in der Vergangenheit steckengeblieben, sondern immer noch quicklebendig, mit wohltuend frischem Geiste zwischen all den alten Gemäuern.

Altes Kaiserbad

Dieser zeigt sich vor allem im alten Kaiserbad, in den sogenannten Císařské Láznì. Einst befanden sich hier, hufeisenförmig im Halbkreis angeordnet, Moorbäder mit tonnenschweren Stahlwannen, die von einer mobilen Krankonstruktion im Innenhof durch die Lüfte bewegt und durch fensterartige Öffnungen im Mauerwerk in die einzelnen Kurbadezimmer hineingeschoben und nach dem getätigten Bad wieder entnommen wurden, um im Hof aufs Neue mit Wasser und frischem Torf befüllt zu werden, alles per zentrale Steuerung hinter den Kulissen. Auf diese Weise konnten pro Tag bis zu 2000 Menschen versorgt werden.

Der Kurbetrieb ist längst eingestellt. Um die architektonische Perle aus ihrem Dornröschenschlaf zu reißen und endlich einer neuen Nutzung zuzuführen, entschied sich die Stadt in Zusammenarbeit mit der nationalen Denkmalbehörde, 2018 einen Wettbewerb auszuschreiben und im einst infrastrukturell genutzten Innenhof einen Konzertsaal für die Tschechischem Philharmoniker zu errichten. Doch nach zwei Jahren intensiver Entwicklungsarbeit steckte das Siegerprojekt fest. Die Komplexität des Gebäudes und seiner horrenden Anforderungen im Umgang mit Akustik, Grundwasser und Denkmalschutz brachten die Planungen zum Erliegen.

„Daraufhin wurde ich 2020 kontaktiert und gebeten, als eine Art Troubleshooter einzuspringen“, erzählt Hájek. Sein Erfolgsrezept: „Nicht alles ins Gebäude hineinquetschen mit Ach und Krach, sondern stattdessen auf die räumlichen Gegebenheiten reagieren und die Bauaufgabe auf das reduzieren, was der Raum und die schwierigen Parameter erlauben.“ Bühne und Tribüne wurden verkleinert und als eine Art selbsttragendes Stahlmöbel in den Hof hineingestellt, auf Kulissen und unmittelbar angrenzende Backstage-Räumlichkeiten wurde verzichtet. Die Haustechnik konnte im Gespräch mit den Bauherren auf eine kompakte Low-Tech-Sparvariante abgespeckt werden. Hájek: „Ungewöhnliche Aufgaben erfordern ungewöhnliche Lösungen.“

Zerlegbare Konstruktion

Um die Bauarbeiten zu vereinfachen, wurde die ehemalige Glasüberdachung entfernt. Durch die so entstandene Öffnung konnten die vorgefertigten Stahlelemente, 746 Stück an der Zahl, per Kran in den Innenhof gehievt werden. Um die Konstruktion eines Tages auch wieder zerlegen zu können, musste die Montage der einzelnen Komponenten – eine Anforderung der Denkmalbehörde – mittels Schraubverbindungen erfolgen. 4592 Muttern und Schrauben halten das 16 Meter hohe Theaterimplantat, das die denkmalgeschützten Hofmauern an keiner einzigen Stelle berühren durfte, zusammen. Erst nach Fertigstellung des 94 Tonnen schweren Teufelswerks wurde das Dach wieder geschlossen.

„Für mich grenzt es an ein Wunder, dass wir das Projekt tatsächlich umsetzen konnten, ohne einen einzigen architektonischen Kompromiss, als roten Bausatz inmitten von Fellners und Helmers wunderschöner Neorenaissance-Architektur“, sagt Petr Hájek. „Was einst ein reiner Technikhof für den Kurbetrieb war, zu dem das Publikum keinen Zutritt hatte, ist nun ein Ort von ein bisschen gebastelter, ein bisschen improvisierter Hochkultur.“

Und was sagen die Künstlerinnen selbst? „In musikalischer Hinsicht ist jeder Konzertsaal ein Unikat und klingt auch entsprechend anders“, sagt Lenka Machová, erste Geige bei den Tschechischen Philharmonikern, kurz nach dem Konzert. „Dieser Saal ist halt besonders anders. Wir finden es großartig, hier zu spielen, wir sind ganz begeistert von den kräftigen Farben und der wilden Geometrie. Eine schöne Anregung für die Augen, die uns herausfordert, den Ohren eine mindestens genauso schöne Anregung zu bieten.“

Der neue Konzertsaal im 1895 errichteten Kaiserbad ist eine wertvolle Inspiration, die beweist, was im Rahmen des Denkmalschutzes alles möglich ist, wenn bloß alle Kräfte an einem gemeinsamen Strang ziehen. Così fan tutte, im besten aller Fälle. Wie meinte doch Mozart? „Par ch’abbian gusto di tal dottrina. Viva Despina!“ Sie scheinen, auf weitere Lehre, Geschmack bekommen zu haben. Es lebe Despina!

Der Standard, Sa., 2024.03.02

Am Mittwoch wurde der österreichische Beitrag für die Architekturbiennale 2025 in Venedig präsentiert. Sabine Pollak, Michael Obrist und Lorenzo Romito vergleichen das Wohnen in zwei europäischen Hauptstädten.

Bikini, Badehose und Schwimmflügerln wird man auf der kommenden Architekturbiennale zwar nicht brauchen. Denn dafür wird der Pool im Innenhof des Österreich-Pavillons mit 50 Zentimeter Tiefe nicht groß genug sein. Doch dafür soll das Becken mit Meerwasser, Lagunenpflanzen und umliegendem Holzdeck für mikroklimatische Abkühlung und für eine kurze Verschnaufpause sorgen auf der reizüberfluteten Erkundungstour von einem Pavillon zum anderen. Ausgestattet mit Sesseln, Liegestühlen und Sonnenschirmen sollen hier während der Architekturbiennale 2025 in Venedig kuratierte Poolgespräche zum Thema Wohnen stattfinden.

Agency for Better Living nennt sich der Beitrag des Dreierteams Sabine Pollak, Architektin und Professorin für Raum- & Designstrategien an der Kunstuniversität Linz, Michael Obrist, Architekt und Professor für Wohnbau an der TU Wien, und Lorenzo Romito, Aktivist, Gründer des Stadtforschungslabors Stalker, Professor an der Nuova Accademia di Belle Arti (NABA) in Rom sowie Gastprofessor an der ETH Zürich.

Länderübergreifend

Das länderübergreifende Projekt versteht sich als Agentur, Ausstellung und Forschungslabor, um aus wohn- und gesellschaftspolitischen Ansätzen in Wien und Rom zu lernen.

„Wien ist eine Vorzeigestadt für Top-down-Wohnbau“, sagt Kuratorin Pollak. „Vieles, was in dieser Stadt in den letzten 100 Jahren entstanden ist, ist weltweit einzigartig, die ganze Welt schaut da hin. Doch nicht alles entwickelt sich zum Guten. Grundstücke werden rarer und teurer, die technischen Anforderungen steigen, architektonische Qualitäten werden gekürzt, es wird schwieriger, Gemeinschaft herzustellen.“

Im Gegensatz dazu präsentiert sich Rom, das im Umgang mit historischen Ruinen und innovativer Bodenressourcennutzung schon seit hunderten Jahren Erfahrung hat – als europäischer Hotspot für Bottom-up-Ansätze. Leerstände werden besetzt, Bürohäuser zu Wohnzwecken transformiert, immer öfter findet man aktivistische Wohnmodelle und selbstorganisierte Formen des Widerstands.

Projekte wie Corviale, Spin Time, Porto Fluviale und Metropoliz sind Resultate autonomer Strukturen, die Kurator Romito als „Magie der Zivilgesellschaft“ bezeichnet. Aktuell gebe es in den römischen Behörden Bestrebungen, die zum Teil illegal errichteten und genutzten Wohnräume zu legalisieren und als Best-Practice-Wohnprojekte nachhaltig zu verankern. „Die beiden Modelle könnten nicht unterschiedlicher sein“, sagt Kurator Obrist. „In Zeiten globaler Wohnungskrise, in der sich immer weniger Menschen ein gutes Leben in der Stadt leisten können, wollen wir uns die Frage stellen, wie Wien und Rom voneinander lernen können.“

Dabei soll der denkmalgeschützte, nach Plänen von Josef Hoffmann gebaute Österreich-Pavillon in den Giardini in eine Wohnung mit Foyer, Wohnzimmer, Home-Cinema, Küche, einem Ort für unterschiedliche Rezeptexperimente also, und einem begrünten Innenhof mit temporärem Salzwasser-Pool umgebaut werden. Die Interviewpartner der dort stattfindenden Poolgespräche nehmen an einer Lotterie teil und können Übernachtungen in einem der in der Ausstellung präsentierten Wohnprojekte in Wien oder Rom gewinnen. Rote Faden- und Perlenvorhänge, typisch für den europäischen Süden, sollen den Pavillon einhüllen und in seinem Inneren strukturieren.

Politische Verantwortung

Staatssekretärin Andrea Mayer bezeichnete das Konzept für die 19. Architektur-Biennale 2025 als „wichtigen Beitrag, um abseits ästhetischer Fragestellungen auch über die soziale, kulturelle und politische Verantwortung von Architektur zu diskutieren“. Das Budget beläuft sich auf 600.000 Euro. In Zeiten, in denen SPÖ und Wirtschaftskammer so ökologisch desaströse Wahlzuckerl-Ideen wie 100.000 Euro „Eigenheimbonus“ präsentieren, scheint das Geld wertvoll angelegt.

Der Standard, Do., 2024.02.29

Das Handelszentrum HZ16 in Salzburg ist ein Ort, von dem viele träumen. Ein rougher Hub mit Sport, Medizin, Produktion, Hightech-Start-ups und Biogarnelenzucht im Keller. Mehr davon beim Architekturfestival Turn On.

Vor wenigen Tagen erst hat hier eine Hochzeit stattgefunden. Kathi und Luki haben sich, wie der Willkommenstafel in romantisch geschwungenen Lettern zu entnehmen war, das Ja-Wort gegeben. Die Halle war voll mit Blumenschmuck, bunten Fauteuils und festlich drapierten Tischtüchern. „Hochzeiten stehen nicht unbedingt auf der Tagesordnung“, sagt Marco Sillaber, „doch dafür passiert es regelmäßig, dass sich Leute und Unternehmen für Feiern und Preisverleihungen bei uns einmieten, weil sie das außergewöhnliche Ambiente zu schätzen wissen. Eine Halle wie diese wird man in ganz Österreich kein zweites Mal finden.“

Ort des Geschehens ist das Handelszentrum 16, kurz HZ16, in Bergheim bei Salzburg. Einst hatte Universal Versand hier, lange vor Ebay, Amazon und Zalando, sein österreichisches Zentrallager. 2002 wurde der 43.000 Quadratmeter große Hallenkomplex im Zuge der Logistikumstellung aufgegeben, ab diesem Zeitpunkt stand das Areal weitestgehend leer. Der Salzburger Investor und Projektentwickler Marco Sillaber, der in seiner Heimatstadt bereits das Gusswerk (Österreichischer Bauherrenpreis 2008 und 2013) und die Panzerhalle in Maxglan (2015) zu neuem Leben erweckt hatte, konnte sich als Käufer durchsetzen und riss auch dieses, äußerlich nicht sonderlich schöne Ding aus dem Dornröschenschlaf.

„Ich wollte den Bestand erhalten und mit dem arbeiten, was da ist“, sagt der 62-Jährige auf der kilometerlangen Führung durchs HZ16, „auch wenn es nicht gerade das leichteste Unterfangen ist, einer lieblosen Logistikarchitektur aus den 1970er-Jahren einen gewissen Charme herauszukitzeln. Doch den Smartvoll Architekten ist genau das gelungen. Sie haben es geschafft, den Geist des Hauses zu erhalten und die hässlichen Stützen, Betonträger und Dachuntersichten in einen neuen, ästhetischen Kontext zu rücken.“ Kommenden Samstag, den 24. Februar 2024, wird Smartvoll das Projekt im Rahmen des jährlich stattfindenden Architekturfestivals Turn On der Öffentlichkeit vorstellen.

Industrielle Rotzigkeit

Während sich der Architekturstandard hierzulande immer mehr in Richtung technischer Perfektion, aalglatter Allerweltsschönheit und verwertungstechnisch getriebenen Wegsanierens von Patina, Geschichte und Gebrauchsspuren entwickelt, entfaltet das revitalisierte HZ16 eine faszinierende industrielle Rotzigkeit. Man kann sich kaum erwehren, jede Stahlstange, jedes Metallgitter, jedes galvanisierte Stück Geländer anzugreifen und nicht nur mit den Augen, sondern auch mit den Händen zu ertasten. Die einstige Nutzung des Hauses als Hochregallager für Konsumprodukte und Europaletten wird bis zur allerletzten Schraube durchzelebriert.

„Bei Projekten wie diesen ist weniger meist mehr“, sagt Christian Kircher, Partner bei Smartvoll Architekten. „Ja nicht zu viel machen! Es reicht, einfach nur den Beton, den Stahl und die Glasbausteine für sich sprechen lassen. Und nach Möglichkeit mit dem Raum, mit dem Budget, mit der inhaltlichen Logik des Projekts arbeiten – und nicht dagegen!“ Die gold-gelblich schimmernde Oberfläche des Geländers ist nichts anderes als eine industrielle Galvanisierung, wie man sie im Baumarkt bei Schrauben, Scharnieren und Möbelbeschlägen vorfindet. „Wir mussten einen Kilometer Geländer produzieren“, so Kircher. „Jede andere Oberflächenveredelung hätte den finanziellen Rahmen gesprengt.“ Die Gesamtgestehungskosten für das privatfinanzierte Projekt – inklusive Immobilienkauf und Sanierung – belaufen sich auf unter 1000 Euro pro Quadratmeter.

Dynamische Planungszyklen

Für Philipp Buxbaum, ebenfalls Smartvoll, zeigt die schrittweise Revitalisierung des HZ16 eine neue Planungskultur: „Lineare Planungsprozesse gehören der Vergangenheit an. Gerade bei so komplexen, vielschichtigen Bestandsprojekten wie diesem müssen Architekten, Bauherren, Behörden und auch Mietpioniere eine gewisse Fluidität und Flexibilität an den Tag legen. Als wir begonnen haben zu planen, stand die Nutzung noch nicht fest, und als die ersten Bagger angerollt sind, wussten wir noch immer nicht, wer sich hier eines Tages einmieten oder als Eigentümer beteiligen wird. Wenn wir die Bestandsstadt in den Griff kriegen wollen“, so Buxbaum, der die konstruktive, außergewöhnlich kollegiale Zusammenarbeit mit den Salzburger Behörden hervorheben möchte, „wird an solchen dynamischen Planungszyklen kein Weg vorbeiführen.“

Das Risiko hat sich ausgezahlt. Vor zwei Jahren wurde das HZ16 fertiggestellt. Heute beherbergt es Fachhandel, Tanz- und Sportstudios, digitale Hightech-Start-ups, Produzenten für Skier, Küchen und Fitnessgeräte, Büroniederlassungen im Bereich Auto, Mode und Kreativwirtschaft, und im Untergeschoß befindet sich sogar eine Salzburger Biogarnelenzucht, auf dem unvergesslichen Logo eine Garnele mit Mozartperücke auf dem Kopf. Der Nutzer für die letzte noch verbleibende Freifläche steht auch schon fest: Zwischen den galvanisierten Geländern wird in Kürze ein medizinisches Großlabor für Harn-, Stuhl-, Blut- und Gewebeproben einziehen. Alle reden immer von Nutzungsvielfalt. So sieht sie in gebauter und gelebter Praxis aus.

Die aktuellen Krisen sind zur Normalität geworden. Umso wichtiger sind neue Perspektiven für die Zukunft. Was sind die Fluchtpunkte, auf die sich unsere Gesellschaft hinentwickeln soll? Dieser Frage widmet sich Margit Ulamas Architekturfestival Turn On, das am Freitag und Samstag im Musiktheater Muth über die Bühne gehen wird.

Der Freitag steht traditionell im Zeichen des interdisziplinären Dialogs zwischen Architektur, Bauwirtschaft und Bauindustrie. Diesmal mit einem Einblick in die Internationale Bauausstellung IBA’27 in Stuttgart sowie in Wohn-, Kultur-, Freizeit- und Infrastrukturprojekte in Berlin, Wien, Graz, Salzburg, St. Pölten und Prinzersdorf. Mit einer Präsentation des neuen Krallerhofs von Hadi Teherani in Leogang und einem Beitrag zum Stadtentwicklungskonzept „ISEK: Das Klimaticket zur enkeltauglichen Ortskernentwicklung“.

Am Samstag werden wie immer neun Stunden lang Architekturprojekte im Nonstop-Modus präsentiert – u. a. mit dem HZ16, Peter Haimerls Wabenhaus in München, einem Hausumbau von Claudia Cavallar, dem neuen BWM-Hotelensemble in Bad Gastein, innovativen Wohnprojekten in Wien, Tirol und der Schweiz sowie mit einem Turn-On-Talk zum umsichtigen Umgang mit Bodenressourcen.

Freitag, 23. Februar, 10 bis 19 Uhr, Samstag, 24. Februar, 13 bis 22 Uhr. Theatersaal im Muth, Am Augartenspitz 1, 1020 Wien. Eintritt frei.

Der Standard, Sa., 2024.02.17

Johann Bernhard Fischer von Erlach ist als Erbauer von Karlskirche, Hofbibliothek und Schloss Schönbrunn bekannt. Die erste Sonderausstellung im neuen Wien-Museum begibt sich nun auf barocke Spurensuche.

Eine Federzeichnung aus dem Jahr 1712 zeigt den Prospect von dem großen und herrlichen Tempel der Mosque des großen Sultan Ahmed zu Constantinopol, 24 mal 21 Klafter im Grundriss, wie die handschriftliche Notiz am unteren Bildrand verrät. Darüber erheben sich sechs Minarette 21 Klafter hoch in den Himmel. Urheber der ins Büttenpapier gekratzten Federzeichnung ist Johann Bernhard Fischer von Erlach, der das barocke Wien und Salzburg in einem Ausmaß prägte wie kein anderer seiner Zeit.

Diesem wissbegierigen, fernwehgeplagten Seelenanteil des bekannten Barockarchitekten, der nur zwei Jahre nach Erstellung dieser Zeichnung den Wettbewerb zum Bau der Wiener Karlskirche gewann, widmet das wiedereröffnete Wien-Museum nun seine erste Wechselausstellung im vierten Stock: Fischer von Erlach. Entwurf einer historischen Architektur.

„Man weiß bislang sehr wenig über die Privatperson Fischer von Erlach“, sagt Kurator Andreas Nierhaus, der die Ausstellung mit dem Wiener Bildhauer und Fotografen Werner Feiersinger gestaltete. „Aber dafür umso mehr über seine Weltoffenheit, mit der er neue, fremde, exotische Bautypologien in fernen Ländern studiert und sich in sie regelrecht hineinvertieft hat.“

Im Alter von 14 Jahren bekam Fischer von Erlach ein Stipendium, mit dem er nach Rom ging, wo er zeitgenössischen Architekten wie Bernini und Borromini über die Schulter blickte.

Aus dieser Zeit speist sich seine Vorliebe für das mitunter bizarre Wechselspiel aus konvexen und konkaven Formen, die sich in seinen späteren Bauten immer wieder finden. Auch die Cestius-Pyramide, errichtet im Jahr zwölf vor Christus im antiken Rom, hat es Fischer von Erlach angetan. Obwohl dies die einzige Pyramide ist, die er je zu Gesicht bekommen hat, lässt ihn die Form in seinen Zeichnungen, Entwürfen, Skulpturen nie mehr los.

Macht der Worte

Im Zentrum der Ausstellung steht jedoch Fischer von Erlachs titelgebendes Buch Entwurff einer historischen Architectur, an dem er rund 20 Jahre lang arbeitete und das er 1721 herausgab. Eines der wenigen weltweit noch erhaltenen Exemplare, acht Kilogramm schwer, ist als gebundenes Werk wie in losen Schautafeln im Wien-Museum ausgestellt. Und der reichlich illustrierte Vorgänger des Coffeetable-Books, der sich dereinst als Bestseller mit zweiter Auflage und diversen Raubkopien herausstellte, hat es in sich – mit all seinen Moscheen, Schreinen, Tempeln, persischen Pavillons und chinesischen Pagoden, vor allem aber mit der Macht seiner Worte.

„Wann auch die in Zeichnungen sich übende Gelegenheit gewinnen, den Geschmack der Landes-Arten, (welcher, wie in den Speisen, also auch so zu reden in Trachten, und im Bauen ungleich ist) gegen einander zu halten, und das Beste zu erwählen, anbey zu erkennen, daß im Bauen zwar etwas auf eine Regel-lose Gewohnheit ankomme“, ist im Vorwort zu lesen, „wo man einem jeden Volke sein Gutdunken so wenig abstreiten kan, als den Geschmack.“

Oder wie der Kurator es zeitgenössischer formuliert: „Fischer von Erlach war mehr als bloß Architekt, Bildhauer und Erschaffer von pausbäckigen Engeln im Dienste der Kirche, als der er oft dargestellt wird“, sagt Nierhaus. „Er war der Erste, der es geschafft hat, einen fast globalen Überblick über Architektur und Baukultur zu geben, und zwar offen und neutral, ohne Klischees, ohne Wertung, ohne irgendjemandem etwas abzustreiten.“

Obwohl er selbst lediglich Rom, Berlin und England besuchte, scheute er weder Kosten noch Mühen, um an Zeichnungen und Planungsmaterial zu gelangen. Manchmal passte er Expeditionen ab, wie beispielsweise jene Gruppe von schwedischen Gelehrten, die auf dem Weg aus Palmyra im heutigen Syrien, Halt in Wien machten, um von ihnen abzuzeichnen und zu lernen.

Neuentdeckung

Aus dieser Perspektive lassen sich die 25 heute noch erhaltenen Bauwerke Johann Bernhard Fischer von Erlachs – darunter auch die Wiener Karlskirche – neu betrachten.

Beispielsweise als globale Collage aus Sultan-Ahmed-Moschee, Forum Romanum, Trajanssäule und der im 16. Jahrhundert errichteten Kirche Santa Maria di Loreto. In Zeiten von postnationalsozialistischen Kanzleramtsanwärtern und tiefblauer Daham-statt-Islam-Politik lohnt die Neuentdeckung des Fischer von Erlach. Bis 28. April

Der Standard, Do., 2024.02.01

Heute, Samstag, wird in Bad Ischl die Europäische Kulturhauptstadt 2024 eröffnet. Das Salzkammergut leidet an Overtourism, Abwanderung, Leerständen, strukturellen Schwächen und immer noch kaiserlichen Klischees. Doch wie ist es um die Zukunft der einstigen Salzkammer bestellt? Das Potenzial ist enorm.

In den letzten Tagen hat das Wetter wunderbare Arbeit geleistet. „Schön zugezuckert hast du’s“, sagen die einen, „perfektes Timing“, die anderen. „Ohne Schnee wär’s zwar auch gut gewesen, aber so ist’s noch viel, viel besser.“ Global Home heißt die hausgroße Skulptur des oberösterreichischen Künstlers Herbert Egger, sechs mal vier Meter im Grundriss, zusammengenagelt aus rund tausend Leisten, aus sägerauem, unbehandeltem Fichtenholz, 5000 Laufmeter in Summe.

„Es ist ein Haus für die Natur“, sagt Egger, eingepackt in Daunenjacke und Wollmütze wie alle hier an diesem sonnigen Sonntagvormittag, zwei Grad unter null. „Denn während der Mensch in dieses globale Gebäude keinen Zutritt hat, bietet es in den Zwischenräumen zugleich ein Zuhause für Fauna und Flora. Für Samen, die angeweht werden, für Insekten aller Art, für Vögel, die hier ihre Nistplätze einrichten werden.“

An diesem versteckten Platzerl in St. Konrad, unten am Kotbach, umgeben von einem Wäldchen, wo sich kaum ein Tourist hinverirrt, entfaltet das temporäre Kunstwerk einen gewissen surrealen Zauber. Das Publikum ist begeistert. Und sogar der Grundstückseigentümer, alles andere als ein Kunstkenner, wie er selbst meint, habe das Land gerne zur Verfügung gestellt, denn schließlich, sagt er, ganz ehrlich, was solle man da unten sonst machen?

„Ordentlich Reibung“

Doch das sehen nicht alle so. Am Stammtisch oben im Ort, erzählen die Leute bei der Vernissage, Kunstschaffende und Kulturinteressierte aus dem Salzkammergut, die einen mit Prosecco-Glas, die anderen mit Bierflasche in der Hand, da höre man auch ganz andere Dinge. Wozu das Ganze! Was für eine Verschwendung von Steuergeldern! Und überhaupt, am besten, man fackelt die Hütte so schnell wie möglich ab!

„Zeitgenössische Kunst in einer alten, traditionellen Region“, sagt Elisabeth Schweeger, künstlerische Geschäftsführerin der Europäischen Kulturhauptstadt 2024 in Bad Ischl und im Salzkammergut, „ja, das sorgt schon für ordentlich Reibung. Das Salzkammergut ist zwar eine der kulturell und wirtschaftlich wohlhabendsten Regionen der Alpen, ohne jeden Zweifel, aber es ist auch eine Region, die Gefahr läuft, sich auf den Traditionen auszuruhen und steckenzubleiben. Das zeigt sich an Dirndl und Lederhose, das zeigt sich am 18. August, wenn in Bad Ischl immer noch des Kaisers Geburtstag abgefeiert wird, das zeigt sich aber auch an der lokalen Chalet-Architektur, von der nur wenige wissen, dass sie eigentlich eine Importware aus der Schweiz ist.“

Genau diese Klischees zu überdenken und ein anderes, modernes, zukunftsfähiges Salzkammergut herauszukitzeln ist die Aufgabe der Europäischen Kulturhauptstadt 2024, die – 40 Jahre nach Gründung des Formats auf Initiative der damaligen griechischen Kulturministerin Melina Mercouri und des französischen Kulturministers Jack Lang – nun erstmals in einer ländlichen Alpenregion ausgetragen wird. Am Samstag, den 20. Jänner, wird das Kulturhauptstadtjahr feierlich eröffnet. „Ein Jodler in die Welt hinaus“, so lautet der Programmschwerpunkt des heutigen Tages.

Pausetaste und Inspiration

Während das Format in Kulturhauptstädten wie etwa Helsinki (2000), Graz (2003), Linz (2009), Riga (2014) und Timişoara (2023) eher künstlerische und stadtkulturelle Dienste leistet und im besten Falle als atmosphärisches Beschleunigungsmittel für große Architekturprojekte verstanden werden kann, übernimmt das Hauptstadtjahr in den 23 teilnehmenden Gemeinden des Salzkammerguts eine weitaus wichtigere Funktion: Es dient als Pausetaste, Selbstreflexion und Inspirationsquelle, wie mit den bestehenden Problemen der Region in Zukunft umgegangen werden kann – ob dies nun Overtourism, Abwanderung junger Generationen oder Umgang mit Leerständen und Identitätslöchern ist.

In einem fiktiven, bislang nicht realisierten Projekt pinselt Idil Sentürk, Studentin an der TU Wien, in weißen Lettern auf die Hallstätter Dachlandschaft: „there are people living under these roofs, don’t you believe?“, und Daniel Jordan, ebenfalls Teilnehmer der Denkwerkstatt 2024, lässt das pittoreske Städtchen, das in Guangdong, China, ohnehin schon in einer spiegelverkehrten Kopie existiert, unter dem Titel Recht auf Hallstatt gleich hinter einem blickdichten Vorgang verschwinden.

Erst vor wenigen Tagen, am Mittwoch, haben Simone Barlian, Sabine Pollak, die raumarbeiterinnen sowie Studierende der Kunstuniversität Linz unter dem Titel Plateau Blo ein Saunafloß in den Traunsee gelassen. In der in Gmunden vor Anker gegangenen Schwitzhütte, so der Plan, will man in der kalten Jahreszeit Bürgermeistergespräche zu relevanten Themen veranstalten.

„Nackt sind alle Menschen gleich, die Sauna ist so gesehen ein sehr demokratischer Ort“, sagt Künstlerin Barlian. „Wir nutzen diesen Ort sozialer Wärme daher, um mit den politisch und immobilienwirtschaftlich Verantwortlichen über einen fairen, demokratischen Umgang mit Stadt, Land und See zu diskutieren.“ Hitzige Gespräche sind vorprogrammiert. So etwa auch im Herbst, wenn von 19. bis 22. September nach einem Konzept von Sabine Kienzer und Marie-Thérèse Harnoncourt in Hallstatt das dreitägige Baukultur-Symposium Interventa 2024 über die Bühne gehen wird.

Innovative Rezepte

Das Salzkammergut zählt zu den demografisch ältesten Regionen Österreichs. In einigen Gemeinden beträgt das Durchschnittsalter 48,4 Jahre (Österreich gesamt 43,2 Jahre). Allein in Bad Ischl hat sich der Anteil der über 60-Jährigen laut Statistik Austria in den letzten 20 Jahren von knapp 25 Prozent auf ein Drittel dramatisch erhöht. Umso schöner, dass nun die Jungen kommen. So wie beispielsweise Christoph Held, 39 Jahre alt, besser bekannt als Krauli, Fernsehkoch mit Dreadlocks, Küchenchef am Siriuskogl in Bad Ischl. Ab sofort behaust er das seit Jahren leerstehende Bahnhofsbeisl am ÖBB-Bahnhof Bad Ischl und verwöhnt seine Gäste im sogenannten Wirtshauslabor mit regionaler Küche und innovativen Rezepten.

Zu verdanken ist die Bewerbung Bad Ischls und seiner umliegenden Region, by the way, ebenfalls den ganz Jungen. Bereits 2014 startete Elisabeth Leitner, Kulturberaterin und Obfrau des Vereins Landluft, damals Assistentin an der TU Wien, einen Denkprozess mit rund hundert Studierenden aus ganz Österreich. Eines Tages wurden diese in Bad Ischl vorstellig und schafften es, gemeinsam mit der Gemeinde ein Konzept für die Bewerbung als Europäische Kulturhauptstadt auszuarbeiten. Der Rest ist Geschichte.

Die wichtigste Frage, die es 2024 zu beantworten gilt: „Wie schaffen wir es, die Region zu verjüngen, die Strukturen zu optimieren und die Baukultur weiterzuentwickeln“, so Geschäftsführerin Elisabeth Schweeger, „und zwar ohne Verrat an der Tradition?“ Zwölf Monate Zeit.

Der Standard, Sa., 2024.01.20

In den letzten Jahren hat sich das Werk des indischen Architekten Bijoy Jain, Gründer des Studio Mumbai, ziemlich verändert. Sein radikaler Wandel, der nun in der Fondation Cartier in Paris dokumentiert ist, gibt uns zu denken.

Es riecht nach Holz, nach Schilf, nach feuchtem Lehm, nach staubigem, frisch geschliffenem Stein wie in einem Steinbruch, vor allem aber steigt in der ersten Sekunde schon, kaum hat sich die Türe geöffnet, ein bissig saurer Duft in die Nase auf, als hätte der Bauer mit dem Gülletraktor eben erst die Felder gedüngt.

„Ach, das! Das ist nichts, das hat sich ja schon alles verflüchtigt“, sagt eine Aufseherin. „Sie hätten beim Ausstellungsaufbau dabei sein sollen!“ Und ja, wenig später wird sich herausgestellt haben, dass Bijoy Jain, Exponent und Kurator seiner eigenen Ausstellung in Personalunion, ein größeres Material-Œuvre verwendet hat, als man in mitteleuropäischen Gefilden gewöhnt ist.

„Kuhdung ist da, er ist allgegenwärtig, und er ist zu tausenden Tonnen verfügbar“, sagt Jain im Gespräch mit dem ΔTANDARD. „Warum also sollten wir darauf nicht zurückgreifen?“ In Indien, meint der 59-Jährige, der 2005 sein eigenes, mittlerweile weltberühmtes Büro Studio Mumbai gegründet hat und mit seinem Team seitdem so schöne Wohn- und Kulturbauten geplant hat, dass es einem den Atem verschlägt, habe sich Kuhdung nicht nur in der Landwirtschaft, sondern auch in der Architektur als wertvolles Nutzmaterial herausgestellt. Meist werden damit – mit einer Mischung aus Kuhdung und Strohhäcksel, um genau zu sein – Erdböden und Lehmwände versiegelt.

Rümpfende Nasen

Und genau das habe er auch hier gemacht, sagt er, in der gläsernen, luftig leichten Fondation Cartier in Paris, 1994 nach Plänen von Jean Nouvel errichtet, Boulevard Raspail, 14. Arrondissement. Auf dem hellen Terrazzo im Parterre, wo sonst minimalistische, am Kunstmarkt hoch gehandelte Bilder, Skulpturen, Installationen zu sehen sind, liegt nun, in Kübeln aus der Provinz herbeigekarrt und in einer zwei Millimeter dicken Schicht aufgetragen, ein Stück landwirtschaftlicher Realität. Bei der Pressekonferenz, zu der die Fondation Cartier im Dezember eingeladen hat, stieß – rümpfende Nasen im wahrsten Sinne – Kunstschickeria auf Stoffwechselendstation, ein köstliches Bild.

„Ich werde häufig gefragt, warum ich mit diesen simplen, primitiven Materialien arbeite“, sagt Jain. „Allein die Frage ist schon falsch formuliert. Erstens sind diese Stoffe weder simpel noch primitiv, sondern von hochintelligenter Beschaffenheit, wir haben lediglich verlernt, die Potenziale zu nutzen. Und zweitens sind dies keine Materialien, sondern Medien, um meiner Arbeit physische Manifestation zu verleihen.“ Das eigentliche Material seiner Arbeit, sagt er, seien Licht, Luft, Liebe, Sonne, Wasser, Leben, Schwerkraft und der eigene, unentwegte, niemals pausierende Atem. Daher auch der immaterielle, auffällig spirituelle Titel der Ausstellung: Breath of an Architect.
Lehm, Holz und Stein

Waren auf der Architektur-Biennale 2016 in Venedig, als Bijoy Jain erstmals einem breiteren europäischen Publikum präsentiert wurde, noch Baustoffe, Werkzeuge, Arbeitsmodelle und konkrete, realisierte Projekte zu sehen, so formiert sich die aktuelle Ausstellung in der Fondation Cartier vor allem aus Fragmenten aus Lehm, Holz und Stein sowie aus teils behauenen, teils collagierten, teils aufwendig geflochtenen Skulpturen. Zu sehen ist beispielsweise eine ganze Armada an steinernen Tieren, zu Dutzenden durch den Saal marschierend, angesiedelt zwischen Hinduismus und alttestamentarischer Arche Noah, die nach dem bildhauerischen Prozess in ein milchig weißes Kaolinbad getaucht wurden. Die Tierchen weisen wunderschöne Physiognomien auf, keine Frage, man ist ganz verzückt.

Ob es sich bei den ausgestellten Exponaten um Kunst oder um Architektur handle? „Diese Frage ist banal und langweilt mich ungemein“, sagt ein sichtlich entnervter Bijoy Jain. „Es geht um die Schönheit des Lebens. Es ist alles miteinander verbunden, die Dinge entstammen alle ein und derselben Quelle, ob Kunst oder Architektur, ob drinnen oder draußen, ob du oder ich. Ich möchte aufzeigen, wer wir sind und woher wir kommen. Letztendlich sind wir alle auf den Atem zurückzuführen. Atem ist das, was uns verbindet. Atem ist überall.“

Je fortgeschrittener das Gespräch, desto größer die Missverständnisse zwischen Interviewer und Interviewtem. Noch spiritueller als in der Fondation Cartier und in der bilateralen Annäherung präsentiert sich Jain im knapp 100-minütigen Dokumentarfilm The Sense of Tuning, den die beiden Filmemacher Ila Bêka und Louise Lemoine anlässlich der Ausstellung gedreht und in dem sie den Architekten einen Tag durch Mumbai begleitet haben – nicht nur bei seiner Arbeit, sondern auch beim Meditieren, beim Ausführen der Hunde, beim Philosophieren über religiöse Rituale.

„Ich will Architektur für die Sinne machen“, sagt er in der 55. Minute. „Und zwar nicht nur für die fünf Sinne, die wir schon kennen, sondern auch für den sechsten Sinn, der in Zukunft eine noch viel wichtigere Rolle spielen wird als heute – für die Intuition. Denn neben dem Schauen, Hören, Tasten, Riechen und Schmecken ist dies genau das, wie wir uns den Raum erarbeiten – in intuitiven Gedanken. Erst diese Intuition ermöglicht Präsenz.“ Hilfe!

Fassungslosigkeit

Ausstellung und Film bieten einen sehr intimen, sehr künstlerischen, sehr berührenden Einblick in das Leben eines Architekten, der in den letzten Jahren, seit seiner internationalen Erstentdeckung auf der Biennale in Venedig, eine sichtlich große Reise unternommen hat – von einem sensiblen, bauenden, das Handwerk liebenden Architekten zu einem atmenden, von alltäglichen Zwängen befreiten Künstler, fast schon Guru, der sich jedem Konkretisierungsversuch geschickt zu entziehen weiß.

Letztendlich liegt es an uns selbst, wie wir diese buchstäbliche Fassungslosigkeit Bijoy Jains interpretieren. Möglichkeiten gibt es viele. Eine davon ist, seine Position als planetaren Hilfeschrei zu verstehen und zu erkennen, wie wir unsere Baukultur, wie wir unsere Ressourcen, wie wir unseren eigenen Daseinsraum mit einer immer globaleren, immer mehr um sich wütenden Bauindustrie zugrunde richten.

„Es geht um das Bauen im Einklang mit der Natur und den Ressourcen, die uns die Erde zur Verfügung stellt, und nicht um das Ausbeuten“, sagt Bijoy Jain am Ende. „Wir haben verlernt zu atmen, und nun nehmen wir auch der Erde ihren Atem weg. I think it’s time to rest.“

Die Reise nach Paris erfolgte auf Einladung der Fondation Cartier. Die Ausstellung „Breath of an Architect“ ist noch bis 21. April 2024 zu sehen. Empfehlung Buchpublikation: „Le souffle de l’architecte“, Dokumentarfilm „The Sense of Tuning“ von Bêka Lemoine.

Der Standard, Sa., 2024.01.13

Gestern imperiales Kurbad mit schlammigen Moorbädern, geplant von den Wiener Theaterarchitekten Fellner & Helmer, heute radikale Musiktribüne in kräftigem Signalrot, hineinimplantiert vom tschechischen Architekten Petr Hájek. Zu Besuch in den Císařské Lázně in Karlsbad.

Kateřina Kněžíková betritt die Bühne, champagnerfarbenes Abendkleid mit glitzernden Steinchen, ein knallrotes Reflektieren am ganzen Körper. Und setzt zu den ersten Versen an: »Una donna a quindici anni, dèe saper ogni gran moda, dove il diavolo ha la coda, cosa è bene e mal cos’è.« Schon ein Mädchen von fünfzehn Jahren, singt die Sopranistin, müsse die große Kunst verstehen, wo der Teufel hat den Schwanz, was gut sei und was schlecht. Ihre Arie aus Mozarts »Così fan tutte«, so tun es angeblich alle, füllt den ganzen Raum, der Schall pflanzt sich fort bis hoch in die allerletzte Reihe. »Dèe in un momento, dar retta a cento, colle pupille, parlar con mille.« In einem Moment, zu Hunderten wechselt sie die Blicke, zu Tausenden die Worte.

Gar so viele Männer und Frauen passen in den neuen Konzertsaal nicht hinein, aber immerhin an die 300, verteilt auf insgesamt 13 Reihen, voll bestückt mit superbequemen, teufelsrot bespannten Klappsitzen, die sich bei Bedarf mitsamt Tribüne mit wenigen Handgriffen umklappen und nach hinten schieben lassen und den Saal stattdessen mit einer ebenen Kongressfläche beschenken. In welchem Zustand auch immer, das kräftige Signalrot, RAL 3001, füllt den Innenhof des ehemaligen Kaiserbads, Císařské Lázně, errichtet 1895 von den Wiener Theaterarchitekten Fellner & Helmer, und verleiht der längst stillgelegten Badeanstalt im südlichsten Talschlusszipfel von Karlsbad auf diese Weise ein immerhin theatralisches Leben nach dem Tod.

Ein Haus wird wachgeküsst

»Ich bin selbst in Karlsbad geboren und aufgewachsen und habe den Charme dieser Stadt immer schon geliebt«, sagt der Prager Architekt Petr Hájek. »Doch ich kann mich erinnern: Schon in meiner Kindheit war das Kaiserbad leer und verwaist, der Kurbetrieb bereits eingestellt. Nach vielen Jahrzehnten gab es nun die einmalige Chance, das Haus wachzuküssen und einer neuen Funktion zuzuführen.« Die Pläne zum Einbau einer Konzertbühne reichen schon viele Jahre zurück, 2018 wurde ein Wettbewerb ausgeschrieben, doch das Projekt steckte nach zwei Jahren fest, weil die ausschweifenden Wünsche der Auftraggeber mit den baulichen, technischen Möglichkeiten und den Anforderungen der Denkmalbehörde nicht in Einklang zu bringen waren. Die Planungen wurden gestoppt.

»Daraufhin wurde ich 2020 kontaktiert und gebeten, als eine Art Troubleshooter einzuspringen und einen alternativen Entwurf auszuarbeiten«, erzählt Hájek, der schon einmal zum Architect of the Year gekürt wurde, mit einem irgendwie beelzebübischen, genussvollen Grinsen im Gesicht. Sein Erfolgsrezept: »Nicht alles ins Gebäude hineinquetschen, was man sich im Idealfall erträumt, denn damit kann man nur scheitern, sondern stattdessen auf die räumlichen Gegebenheiten reagieren und die Bauaufgabe auf das reduzieren, was der Raum und die schwierigen Parameter erlauben. Gerade in so einer fragilen, einzigartigen Situation muss man sehr sensibel vorgehen.«

Bühne und Tribüne wurden daraufhin verkleinert und als eine Art selbsttragendes Stahlmöbel in den Hof hineingestellt, die technischen und materiellen Schnittstellen wurden damit auf ein Minimum reduziert, auf Kulissen und unmittelbar angrenzende Backstage-Räumlichkeiten wurde gänzlich verzichtet, und sogar die Haustechnik konnte im Gespräch mit den Bauherren auf eine kompakte Lowtech-Sparvariante abgespeckt werden. Vor und nach dem Konzert sowie in den Pausen wird die Lüftung auf 100 Prozent hochgefahren, während der Vorstellungen hingegen fährt die Anlage auf viertel oder halbe Kraft herab, bei Tonaufzeichnungen wird sie komplett auf Standby gestellt. Aufgrund der enormen Raumhöhe von rund 20 m ist genug Frischluft für alle vorhanden. Hájek: »Ungewöhnliche Aufgaben erfordern ungewöhnliche Lösungen.«

18:53 Uhr. In wenigen Minuten beginnt das Konzert. Gleich wird Kateřina Kněžíková die Tschechischen Philharmoniker mit ihrer Sopranstimme begleiten, gefolgt von Haydn und Beethovens 5. Sinfonie in c-Moll. Während die Gäste den Saal betreten und ihre Sitzreihen auf den ebenfalls knallrot lackierten Stufen erklimmen, stehen unter der Tribüne einstweilen die Musikerinnen und Musiker, stimmen ihre Instrumente mangels Backstage-Bereich vor den Augen (und Ohren) des einströmenden Publikums ein, räuspern sich, zupfen an den Saiten, speicheln ihre hölzernen Mundstücke ein. Eine Kakophonie auf Tuchfühlung, frei von jeglichen Barrieren, mal abgesehen vom Talent der darstellenden Kunst, so simpel und basisdemokratisch hat sich die räumliche Begebung in klassischer E-Musik noch nie angefühlt.

19:00 Uhr. Wo eben noch die Besucherinnen und Besucher nach oben spaziert sind, marschieren nun die Orchestermitglieder der Tschechische Philharmonie die Treppen hoch, gewappnet mit Violinen und Bratschen, mit Klarinetten, Querflöten und ausladend gerollten Hörnern. Applaus. Wenige Momente später betritt Dirigent Tomáš Netopil die Bühne. Und schon bei den ersten Zwischenabtritten, die mangels Backstage-Bereich in diesem Gebäude lediglich angedeutet werden können, wird man als Zuschauer – wenn neben dem Stiegenabgang bald ein schwarz gekleideter Herr auftauchen wird, mit einem weißen Handtuch, keck über den Unterarm geworfen, um dem Dirigenten die Möglichkeit zu bieten, sich den Schweiß von der Stirn zu wischen – unweigerlich schmunzeln müssen. Ungewöhnliche Aufgaben, hat der Architekt gesagt, erfordern ungewöhnliche Lösungen, jawohl.

Mit 4.592 Schrauben verbunden

Die Exotik liegt dem Bauwerk schon seit seiner Fertigstellung anno 1895 bis ins kleinste Detail inne. Denn ursprünglich wurde das Kaiserbad für gesundheitlich wohltuende Moorbäder genutzt. Um den Angestellten die Arbeit im wahrsten Sinne des Wortes zu erleichtern und das schwere Schleppen des Schlamms zu vermeiden, diente der Innenhof als reiner Service-Hof, mit einem Stahlkran in der Mitte, der die mit Moor gefüllten Wannen durch Fensteröffnungen direkt in die Badezellen hineinschob, um sie nach dem Baden der Gäste wieder zu entnehmen und im UG des Hofs mit frischem Torf und Wasser aufs Neue zu befüllen.

»Damals clever, heute clever«, sagt Petr Hájek ganz lapidar. Um die Bauarbeiten zu vereinfachen, wurde das ehemalige verglaste Stahldach entfernt. Durch die so entstandene Öffnung konnten die geschweißten, vorgefertigten Stahlelemente, 746 Stück an der Zahl, per Kran in den Innenhof gehievt werden.

Um die Konstruktion eines Tages auch wieder zerlegen zu können, musste die Montage der einzelnen Komponenten – eine Anforderung der Denkmalbehörde – ausschließlich mittels Schraubverbindungen erfolgen. 4 592 Schrauben halten das 16 m hohe Theater-Implantat, das die denkmalgeschützten Hofmauern an keiner einzigen Stelle berühren durfte, zusammen. Erst nach Fertigstellung des roten Teufelswerks wurde das Dach wieder geschlossen – mit einem stählernen Tragwerk samt Trapezblech und Dämmung, in den Zwischenräumen des Fachwerks werden die verhältnismäßig spärlich dimensionierten Lüftungsleitungen geführt.

Aus akustischen Gründen wurde die gesamte Stahlkonstruktion mit ebenfalls signalrot lackiertem Streckmetall verkleidet. Im Überkopfbereich über dem Orchester kamen CNC-gefräste Sperrholzplatten zum Einsatz. Als Vorlage für die unregelmäßig verspielte Oberfläche mit ihrem reizvollen Licht- und Schattenspiel diente die topografische 3D-Landschaft rund um Karlsbad, irgendwie charmant. Die 300 gepolsterten Klappsitze – ein Entwurf Jean Nouvels für die Philharmonie in Paris, den Petr Hájek als Lizenz für dieses Projekt in Absprache mit dem Atelier Nouvel übernommen hat – tun ihr Übriges.

Für klassische Sinfonien, Violinkonzerte und Mozart-Arien eignet sich der Klang ohrenscheinlich ganz wunderbar, für Kammermusik und andere, atmosphärisch etwas dumpfere Musik wird man noch weitere Maßnahmen ergreifen müssen. Geplant sei, so Hájek, die hufeisenförmige Ummauerung des Innenhofs mitsamt ehemaligen Badezimmerfenstern mit einem schwarzen, raumhohen Vorgang auszustatten, den man bei Bedarf ganz oder zumindest teilweise wird schließen können. Dann wird sich der Saal mit seiner mobilen Kinoleinwand, die man hinter dem Orchester hervorzaubern kann, nicht zuletzt auch als Location für das Karlovy Vary International Film Festival noch besser eignen. Die Nachrüstung wird dem Projekt guttun.

Beethovens Fünfte ist gleich zu Ende. Die Violinen sägen sich eifrig in die letzten Schlussakkorde ein. Die Theaterbühne in Fellners & Helmers Kaiserbad, so viel ist nach knapp zwei Stunden Moll-Kunstgenuss sicher, ist ein radikaler, ungewöhnlicher, aber durch und durch schlüssiger und geglückter Bau, der dem Publikum angenehmen und mitunter begeisterten Gesprächsstoff, Klangfarbe Dur, liefert. Applaus.

db, Mo., 2024.01.08

In Wien-Penzing wurde kürzlich das Wohnprojekt Kennedy Garden übergeben. Die enorme Bebauungsdichte und die unglückliche Akustik werfen viele Fragen auf: Haben wir Stadtverdichtung wirklich schon zu Ende gedacht?

Im fünften Stock steht ein Mann auf dem Balkon und telefoniert. Nicht besonders laut und schon gar nicht überbordend in seinem stimmlichen Volumen, und dennoch versteht man jedes einzelne Wort. „Ja, nein, geht leider nicht, war aber ausgemacht, wann kann die Lieferung erfolgen?“ Ein paar Kojen weiter, zwei Etagen tiefer, sitzen ein paar Freunde an der frischen Luft, Prost, und unterhalten sich über den edlen Tropfen im Glas, eine Mischung aus Säure, Abgang, Wohlgefallen. Schräg vis-à-vis klirrendes Kindergeschrei, nach wenigen Sekunden wird die Terrassentür geschlossen.

Fast ist man verleitet, nach den Lautsprechern zu suchen, so unerhört gut pflanzt sich der Schall in diesem 30 mal 30 Meter großen, zehnstöckig umzingelten, mit harten Oberflächen verglasten und zubetonierten Innenhof fort. Ein akustisches Schaustück des Alltags, ein riesiges Amphitheater des Wohnens, in dem sich die Loggien um die freie Mitte gruppieren wie die Logen im Burgtheater, in der Staatsoper um Bühne und Parkett. Fragt sich nur: Wer ist hier der Schauspieler und wer das Publikum?

„Den durch häusliche Räume zum Ausdruck gebrachten Empfindungen muss nichts ungewöhnlich Liebreizendes oder Anheimelndes anhaften“, schreibt Alain de Botton in seinem 2006 erschienenen Buch Glück und Architektur. Von der Kunst, daheim zu Hause sein . „Zwischen den Vorstellungen von Heim und heimelig besteht keine notwendige Verbindung. Was wir Zuhause nennen, ist nur ein Ort, dem es gelingt, uns dauerhaft wichtige Wahrheiten näherzubringen, die von der weiten Welt ignoriert werden.“

Hohe Bebauungsdichte

Kennedy Garden heißt dieses Projekt, das der Wiener Wohnbauträger Buwog mitten in die historische Penzinger Vorstadtbebauung hineinstellte. Einst befand sich hier, nur wenige Schritte von der Kennedybrücke entfernt, ein großer Siemens-Bürokasten. 2013 beschloss die Buwog, das rund zwei Hektar große Areal zu kaufen und umzuwidmen. Wo einst gearbeitet wurde, wird nun mittel- bis hochpreisig gewohnt. 512 Wohnungen umfasst das Mammutprojekt unter dem euphemistischen, marketingtechnisch gut gewählten Titel „Kennedy Garden“.

Die einzelnen Wohnhäuser, nicht weniger blumig, hören auf Namen wie etwa Calla, Orchidea, Lavandula oder – wie im bildlich dokumentierten Falle – Magnolia mit insgesamt 206 freifinanzierten Eigentumswohnungen. Bis auf ganz wenige Restposten, erfährt man auf Anfrage bei der Buwog, die sich am Immobilienmarkt seit vielen Jahren mit dem Slogan „Glücklich wohnen“ positioniert, sind bereits alle Wohnungen verkauft. „Schöne Häuser“, schreibt de Botton, „scheitern nicht nur als Garanten des Glücks, sie müssen sich auch vorwerfen lassen, dass es ihnen durchaus nicht immer gelingt, den Charakter ihrer Bewohner zu verbessern.“

Doch warum ist das Grundstück – vor allem im Bereich des Bauteils Magnolia – in einer solchen Wucht vollgepfercht, die sogar die Bebauungs- und Bevölkerungsdichte einzelner Straßenblocks in Neubau, Josefstadt und Margareten übertrifft?

„In Bezug auf die Dichte ist das Projekt grenzwertig“, sagt Herwig Kleinhapl, Partner im Grazer Büro Love Architecture and Urbanism, das aus einem geladenen Architekturwettbewerb 2017 als Sieger hervorgegangen ist. „Die Bebauungsfläche und Baufluchtlinien hat die Stadt Wien in einem Bebauungsplan definiert. Hätten wir uns den Vorgaben widersetzt, wären wir wahrscheinlich disqualifiziert worden. Unsere Aufgabe war es daher, mit den strikten Vorgaben bestmöglich umzugehen.“

Bestmögliche Privatsphäre

Und ja, die Architektur reagiert auf die vorgegebene Dichte, indem sie alle Stückel der räumlichen Geometrie spielt: Die Loggien und Achsraster der einzelnen Wohnungen sind leicht verdreht und orientieren sich zur offenen Flanke des Innenhofs, die Vor- und Rücksprünge schaffen ein Maximum an Abwechslung und kleinteiliger Verspieltheit, die massiven Querschotten sorgen für bestmögliche Privatsphäre. Der Kritik tut dies keinen Abbruch, auf dem visuellen und akustischen Präsentierteller bleibt man trotzdem.

Und was sagt die Buwog selbst zum Unglück des Autors dieser Zeilen, zur Skepsis an der immobilienwirtschaftlichen Jetztzeit-Praxis? „Wir befinden uns hier in der Tat in einer hohen Bebauungsdichte, dennoch gebe ich zu bedenken: Architektur und Dichte sind ein sehr subjektives Thema“, meint Andreas Holler, Geschäftsführer der Buwog. „Außerdem darf man nicht außer Acht lassen, dass Bebauungsdichte an der einen Stelle, Entsiegelung und Begrünung an anderer Stelle und vor allem Baukosten und Finanzierungsaspekte miteinander kommunizierende Gefäße sind.“

Neue Wohndebatte

Dank des Bauteils Magnolia, so Holler, sei es gelungen, im südlichen Teil des Areals einen großen Park mit Spielplätzen anzulegen und im gesamten Projekt generell faire, leistbare Kaufpreise zu gewährleisten. „Und was die Akustik betrifft: Jedes Projekt bringt neue Learnings und Erkenntnisse mit, so auch im Kennedy Garden. Um die von Ihnen angesprochene Schallproblematik zu verbessern, planen wir nun, die Geländesprünge und Stützmauern zusätzlich zu begrünen.“

Nachträgliche Stadtverdichtung ist gut und wichtig. Wir werden das Wachstum Wiens und anderer europäischer Großstädte nicht allein mit Bahnhofsüberbauungen und Satellitenstädten à la Aspern in den Griff kriegen. Zugleich aber beweist Kennedy Garden, dass wir noch einige sozialräumliche und stadtplanerisch-gesellschaftliche Hausaufgaben zu erledigen haben – oder aber unseren bislang gewohnten, mitteleuropäischen Wohnkomfort in puncto Privatsphäre gehörig überdenken müssen. Bevölkerungswachstum und Allüren auf Basis partikularer Interessen sind in Zukunft nicht länger vereinbar. Ein Weihnachtswunsch: Es braucht eine neue Wohndebatte.

„Im psychologischen wie im physischen Sinne brauchen wir ein Zuhause als Kompensation für unsere Verletzlichkeit“, schreibt Alain de Botton, ein letztes Mal Glück und Architektur . „Doch dann, wenn wir endlich allein sind und aus dem Salonfenster in den Garten und in die zunehmende Dunkelheit schauen, können wir langsam wieder Kontakt mit dem wahren Selbst aufnehmen, das in der Kulisse nur auf das Ende unserer Show gewartet hat.“

Der Standard, Sa., 2023.12.23

Letzte Woche hat das Hotel Badeschloss seinen Betrieb aufgenommen. Der erste nennenswerte Neubau in Bad Gastein seit langem. Aber nicht der letzte! Eine Geschichte über lustige Hotelzimmer und drohende Bettenfluten.

Wir waren zwei Tagesreisen vom Badeschloss entfernt, als durch ein verbotenes, verbotenes, verbotenes, ruckartiges Zurückwenden, durch eine Drehung aus der Schulter der gesamte, bereits zurückgelegte Weg wieder vor uns lag“, singt der deutsche Musiker Friedrich Liechtenstein in seinem Chanson Das Badeschloss. Und als hätte er es bereits damals geahnt, 2014, noch lange, bevor sich irgendein Impuls abzeichnete, bevor der erste Bagger anrollte und der Baukran die gelb-pink-königsblau gekachelte Saunalandschaft im 13. Stock fertigbetonierte: „Once upon a time, memories of them, looks like promises of Cadillacs and glam. Wir liegen Rücken an Rücken, und jeder hält sein gelbes Yo-Yo fest, wir sind made for the future.“

Wider den morbiden Charme

Seit letzter Woche ist das Zukunftsversprechen nun manifest, standfest im Ortszentrum verankert, nur wenige Meter vom Gasteiner Wasserfall entfernt, der mit 80 Dezibel die Felswand herunterkracht und die Fassade des historischen Badeschlosses mit einer eisigen Gischt umspült. Nach rund dreijähriger Bauzeit wurde das Hotel Badeschloss, das jahrzehntelang vor sich hingammelte, mit seinem zum Teil abgebrannten Dachstuhl und längst vermoosten Wänden, am 1. Dezember feierlich wiedereröffnet – und ist nach vielen, vielen Jahren der erste nennenswerte Neubau in ganz Bad Gastein.

„Bad Gastein war im 18. Jahrhundert ein Pionier des alpinen Tourismus“, sagt Lisa Loferer, Geschäftsführerin des lokalen Kur- und Tourismusverbands. „In den letzten Jahrzehnten jedoch haben viele Hoteliers verabsäumt zu investieren. Zuletzt war Bad Gastein vor allem für seinen morbiden Charme bekannt. Doch plötzlich“, meint Loferer, „wir konnten es kaum glauben, stand nach langer Zeit wieder ein Kran im Ort, ein Meilenstein für uns alle, ein Zeichen für Neubeginn.“

Bad Gastein – das sogenannte, vielzitierte Manhattan der Alpen, mit kaisergelben Villen und dramatischen Türmchen, mit Grandhotels, die auf der steilen Böschung zu gigantischen Herbergen heranwachsen. Was also läge näher, meint Erich Bernard, Partner bei BWM Architects and Designers, als sich dieser Typologien anzunehmen und die Stadt mit einem neuen, zeitgemäßen Hochhaus weiterzubauen? Mit 13 Geschoßen und 35 Meter Höhe birgt es 82 Zimmer, eine zweigeschoßige Spa-Landschaft und einen beheizten Dach-Pool mit Blick ins Gasteinertal.

Außen präsentiert sich das neuneckige Prisma als doppelschalige Betonkonstruktion mit unregelmäßig versetzten französischen Fenstern, rau, rough, brutalistisch, je nach Wetterlage scheint sich die graue Fassade vor der Felsenkulisse in ein paar gesprenkelte Pixel aufzulösen.

Innen hingegen ließ sich BWM von der namensgebenden Prämisse des 1794 errichteten Hauses inspirieren und verwandelte das Ding in ein neues, ziemlich freches Bobo-Badeschloss – mit knalligen Farben, gefliesten Schwimmstreifen und gelben Perlonbändern, die mit Chip und Kästchennummer üblicherweise unsere Handgelenke zieren und in den Zimmern nun als Schlaufe zum Öffnen der Laden und Schränke dienen.

„Es war eine wunderschöne Aufgabe, die Geschichte in die Gegenwart zu übertragen“, sagt Bernard. „Im Neubau haben wir uns mit dem Motto des Hotels ausgetobt, es ist ein Haus für Badefreunde und detailverliebte Hedonisten, die hier in die Ästhetik eines Siebzigerjahre-Hallenbades abtauchen wollen. Den Altbau hingegen haben wir behutsam saniert und aufpoliert.“ Hier befinden sich nun Lobby, Bar, Rezeption, Restaurant mit Showküche sowie 20 historische Zimmer, eines davon sogar mit zwei freistehenden Badewannen mitten im Schlafzimmer. Selbstquietschend, Badeenten überall.

Jede Menge Patina

Das Badeschloss ist nicht die einzige Neuigkeit in Bad Gastein. Genau vis-à-vis hat bereits vor wenigen Monaten das Straubinger Grand Hotel seinen Betrieb aufgenommen – mit fünf Sternen, 46 Zimmern und jeder Menge Patina und abgeblätterten Wänden, die hier auf luxuriöseste Weise ästhetisch zelebriert werden. Obwohl sich das Haus vollkommen anders am Markt positioniert (die Maybachs und Jaguars sind bereits geparkt), werkt hinter den Kulissen das exakt gleiche Team: Architektur von BWM, betrieben wird das Haus von der Berliner Travel Charme Hotel GmbH & Co. KG, im Grundbuch steht die Hirmer Verwaltungs GmbH mit Sitz in München.

Interessantes Detail: Mehr als 20 Jahre waren die beiden Liegenschaften in Besitz des Wiener Investors und „Garagenkönigs“ Philippe Duval, dem auch das Haus Austria und das denkmalgeschützte Kongresshaus gehören und der sich weigert, auch nur einen Cent in die Erhaltung seiner Immobilien zu investieren. Aufgrund von Gefahr in Verzug ist das Land Salzburg als eine Art Zwischenhändler eingesprungen und hat die beiden Häuser nach Abschluss der dringlichsten Sofortmaßnahmen zum Nullsummenspiel weiterverkauft. Duval selbst ist auf Anfrage des ΔTANDARD nicht zu erreichen.

„Die beiden Hotels sind ein schöner Impuls“, sagt Eva Hody, Landeskonservatorin Salzburg im Österreichischen Bundesdenkmalamt. „Straubinger respektiert die alte Bausubstanz, und das Badeschloss, obwohl neu, fügt sich in seiner Hochhaustypologie sowie in seiner Struktur, Farbigkeit und Materialität sehr gut in die dahinterliegende Felslandschaft. Bad Gastein zeichnet sich von jeher durch eine extreme Bebauung in Hanglage aus, mit talseitig bis zu acht- und neungeschoßigen Fassaden. Ein Turm wie dieser ist ein durchaus möglicher Weg.“

Epoche der Baukräne

Des einen Segen, der anderen Fluch: Die Revitalisierung von Straubinger und Badeschloss hat eine Handvoll internationaler Hotelketten und Projektentwickler auf den Plan gerufen. 15 Jahre nachdem Lokalmatadore wie etwa Ike Ikrath, Evelyn Ikrath und Olaf Krohne bislang sensibel auf den Ort reagiert und in den leerstehenden Immobilien nachhaltige Hotelkonzepte implementiert haben, scheint nun eine Epoche der Baukräne zu starten. Die aktuell 8500 Hotelbetten sollen auf 10.000 bis 12.000 Betten aufgestockt werden.

„Über ungelegte Eier möchte ich nicht sprechen“, sagt Gerhard Steinbauer (ÖVP), Bürgermeister von Bad Gastein. „Aber ja, Fakt ist: Einige Projekte befinden sich bereits in Entwicklung, wir sind mit den Betrieben in intensiven Gesprächen. Und wir werden uns darauf konzentrieren, Altsubstanz zu sanieren und alte, bereits gewidmete Grundstücke zu bebauen, auf denen früher schon mal ein Hotel stand. Bis zu maximal 3500 Betten sind möglich.“

Die Renaissance von Bad Gastein ist eine große Chance. „Promises of Cadillacs and glam, wir sind made for the future.“ Zugleich ist jetzt der dringliche Zeitpunkt, diese Renaissance aktiv zu planen und nicht allein fremden, ausschließlich ökonomisch fokussierten Investoren und Spekulanten zu überlassen. Es braucht dringend ein baukulturelles Leitbild, besser noch, einen unabhängigen städtebaulichen Wettbewerb. Andernfalls läuft Bad Gastein Gefahr, seinen einzigartigen Charme einzubüßen.

Die Übernachtung im Straubinger Grand Hotel erfolgte auf Einladung von Travel Charme.

Der Standard, Sa., 2023.12.09

Roland Winkler und Klaudia Ruck leiten ein gemeinsames Architekturbüro in Klagenfurt. Sie mögen sich sehr, sagen die beiden, aber zwischen Bett und Büro braucht es auch einmal eine geografische Auszeit

Das Wichtigste ist das Wohnzimmer. Der Raum ist hell, weiß, irgendwie unbelastet. Nachdem wir ja beide in der Architektur tätig sind und uns den ganzen Tag mit Raum, Funktion, Ästhetik, Gestaltung und viel Krimskrams beschäftigen, können wir uns hier entspannen und zur Ruhe kommen. Manche sagen, dass es bei uns immer so aufgeräumt ist. Die Wahrheit ist: Wir räumen nicht wirklich auf, wir sind auch nicht besonders diszipliniert, zumindest nicht in der eigenen Wahrnehmung, es schaut einfach so aus, weil wir es – nach einem langen, intensiven Tag – gar nicht anders aushalten würden.

Hinter dem Weißen, Minimalistischen verbirgt sich aber auch ein ganz anderer Grund: Eigentlich ist hier alles sehr simpel, sehr Lowtech und auch sehr billig gebaut, denn als wir vor einem Vierteljahrhundert eingezogen sind, hatten wir fast kein Geld. Die Decke mit den genagelten Dachträgern war schon hier, wir haben sie lediglich weiß lackiert. Die Fenster zum Innenhof sind übrig gebliebene, reklamierte Bauteile der Tischlerei, die hier beheimatet war. Wir haben den Restposten übernommen und die Größe des Innenhofs an die Fenster angepasst. Sogar das Bad ist komplett recycelt. Gemeinsam mit Kollegen hatten wir eine Ausstellung gemacht, nach dem Abbau wusste niemand, wohin mit den Ausstellungstafeln, und so haben wir statt einer Verfliesung das Badezimmer damit ausgekleidet. Wir sind richtige Restlverwerter! Heute würde man Kreislaufwirtschaft dazu sagen.

Ein bisschen erinnert uns die Wohnung an unser Studium. Als wir in Graz Architektur studiert haben, hatten wir einen Schreibtisch im Zeichensaal der TU. Noch lange vor CAD-Zeiten haben wir unsere Pläne ja händisch gezeichnet – mit Lineal und Tuschestift auf Transparentpapier. Und nach jedem größeren Projekt, wenn der Tisch schon schmutzig und vollgekritzelt war, haben wir die Platte mit weißem Papier neu bespannt. Das war wie ein seelisches, psychohygienisches Aufräumen! So ähnlich ist auch unsere Wohnung: Sie ist das weiße, saubere, aufgespannte Papier in unserem Leben.

Wir wohnen hier im Osten von Klagenfurt. Im Grunde genommen ist das ein klassischer Industriebau aus der Vorkriegszeit. Früher befand sich hier eine Tischlerei, später war im Erdgeschoß der Klagenfurter Modelleisenbahnverein eingemietet – mit der größten Modelleisenbahn Kärntens, bitte schön! Heute nutzt ein befreundeter Künstler den Raum als Atelier. Im ersten Stock haben wir unser Büro eingerichtet, als die Kinder kamen, haben wir den Bereich daneben zur Wohnung ausgebaut. Die beiden Fenster hinter uns sind eine Notlösung, denn die Nachbarin wollte nicht, dass wir ihr auf die Terrasse schauen. Und so haben wir diese Lamellen aus Holzbrettern gebaut. Mit einem simplen Seilzug kann man sie auch ganz zumachen.

Der Bullerjan in der Mitte des zwölf Meter langen Wohnzimmers eignet sich nicht nur zum Heizen, sondern ist auch eine Art Grenze zwischen uns beiden. Im Büro picken wir den ganzen Tag aneinander, und im Bett dann auch in der Nacht. Dazwischen brauchen wir im Wohnen etwas Distanz, eine geografische Auszeit voneinander, weil wir uns sonst nicht aushalten würden. Dem einen gehört die Couchlandschaft, der anderen der Esstisch. Das eine eignet sich zum Lümmeln, Musikhören, Fernsehen, das andere zum Lesen und Patience-Karten-Legen. Die täglich zelebrierte Trennung funktioniert wunderbar, wir mögen uns noch immer!

Auf dem Grundstück nebenan, das sich nach dem Abbruch einer ehemaligen Lederfabrik die Natur zurückerobert hat, wird in den kommenden Jahren ein gemeinnütziger Wohnbau errichtet. Das Haus wird uns ziemlich nah auf die Pelle rücken, unsere Aussicht aus dem Fenster wird auf drei Meter reduziert, wir müssen uns was einfallen lassen. Aber wir sind guter Dinge. Wir lieben es, mit Widrigkeiten umzugehen. Aus der Not entstehenden die besten Tugenden.

Der Standard, Sa., 2023.12.02

Sarajevo ist zwar wunderschön, hat aber auch einen Haufen infrastruktureller Probleme. Der Reparaturbedarf ist enorm. Architekten, Städtebauer und sogar Kulturschaffende scheinen den Westbalkan nun neu zu entdecken.

Nach ein paar Minuten kommt der Kellner mit den Metalltellern. Ein halbes Fladenbrot, gefüllt mit zehn Ćevapčići, eine von oben wild hineingerammte Gabel, daneben ein Gupf Rahm und ein Berg aus fein gehackten Zwiebeln. Die Baščaršija, eine Art Jerusalem im Kleinen, eine Collage aus Kreuzen, Monden und Sternen, ist das Ćevapčići-Epizentrum der Welt. Hier liegt, Grillofen an Grillofen, eine Ćevabdžinica neben der anderen, die Željo, die Softić, die Mrkva, die Petica und die Hodžić, allesamt historische Familienbetriebe. Jede einzelne Familie hält ihr Rezept seit Generationen schon streng geheim.

Doch leider ist Sarajevo nicht nur eine der schönsten, sinnlich intensivsten Städte Europas, sondern zugleich auch einer der größten urbanistischen Patienten. Unter der Last der eigenen, so reichhaltigen Geschichte kam es im Laufe der Zeit zu eklatanten Brüchen – hin- und hergerissen unter den Slawen, Osmanen und der Österreichisch-Ungarischen Monarchie, blockfreie Teilrepublik des Vielvölkerstaats Jugoslawien, ein Hotspot von Ethnien, Kulturen und Religionen, Austragungsort der Olympischen Winterspiele 1984 sowie, wenig später, Tatort des drei Jahre lang andauernden Bosnischen Krieges, der der Stadt und ihren Menschen große Wunden zugefügt hat.

„Es ist viel passiert, und jede einzelne Epoche hat die Stadt auf ihre Weise weitergebaut und weiterentwickelt“, sagt die bosnische Architektin und Stadtplanerin Nermina Zagora, ihr Büro befindet sich in der 1966 errichteten Terrassensiedlung Ciglane, abgetreppt in den Hang hineingebaut, mit eigener Standseilbahn und Blick auf die ganze Innenstadt. „Die Folge ist, dass wir es heute mit einer städtischen Infrastruktur zu tun haben, die stark fragmentiert ist und die nie ein konsistentes Konzept hatte. Wir haben so viele Umbrüche und Veränderungen erlebt, wir sind irgendwie „lost in translation“.“

Der Verkehrsmasterplan stammt noch aus den 1970er-Jahren, als die Klimakrise noch in weiter Ferne lag. Das öffentliche Verkehrssystem wiederum baut auf einer einzigen Straßenbahnlinie auf, die sich wie eine eiserne Schlinge um die Bašèaršija legt, den Rest übernehmen Busse und neu angekaufte, knallgelbe Trolleybusse. Doch die größte Herausforderung ist die Erschließung der Hillside-Settlements, der sogenannten Mahalas, die in Form von einst informell errichteten Hütten, Häusern und Villen an den Nord- und Südhängen der Stadt den Berg hinaufwachsen.

Hoher Motorisierungsgrad

„Die Mahalas verleihen der Stadt ihr unverwechselbares Gesicht, sind aber auch ein großes infrastrukturelles Problem“, sagt Zagora, die letztes Jahr in Zusammenarbeit mit Dina Šamić das Buch Urban Rooms of Sarajevo herausgebracht hat. „Für eine hochwertige Verkehrsverbindung ist die Topografie zu steil, die Straßenstruktur zu verwinkelt, und die Seilbahnkonzepte, die in Anlehnung an südamerikanische Öffi-Modelle angedacht wurden, sind allesamt an den hochkomplexen Eigentumsverhältnissen gescheitert. Die Folge ist: Die meisten fahren mit dem Auto.“

Der hohe Motorisierungsgrad sowie die katastrophale Wärmeversorgung – an die 40.000 Haushalte heizen laut einer Schätzung der Umweltorganisation Eko-Akcija mit Holz, Kohle und Haushaltsmüll, manchmal sogar mit alten Autoreifen – führt dazu, dass die Feinstaubbelastung in den Wintermonaten über dem Zehnfachen des EU-Grenzwerts liegt. Aufgrund der Lage im Talkessel ist die Luftverschmutzung dann größer als in Peking, Mumbai oder Neu-Delhi. „Je nach Wetterlage“, sagt Zagora, „liegt der Rauch oft tagelang über der Stadt. Wir brauchen dringend eine Lösung.“

Die Stadt als Burek

Das weltweit tätige Netzwerk Urban Think Tank (UTT) arbeitet genau daran. Die beiden Architekten und Stadtforscher Hubert Klumpner und Michael Walczak, die an der ETH Zürich Architektur und Urban Design unterrichten, nahmen die größten Defizite Sarajevos unter die Lupe und luden Büros aus aller Welt ein, sich an der Lösungsfindung in Form von Visionen, Konzepten und Best-Practice-Beispielen zu beteiligen. Das Resultat ist eine Ausstellung unter dem Titel 100 Ideas for the Western Balkan. Designing Urban Imagineries , die im Rahmen der Architektur-Olympiade kürzlich im Europäischen Haus der Kultur in Sarajevo zu sehen war.

„Zum einen ist Sarajevo eine Stadt mit riesigen infrastrukturellen Problemen“, sagt Hubert Klumpner, „zum anderen hat man sich hier im Kaleidoskop der Geschichte immer schon weit mehr getraut als in vielen anderen Städten. Sarajevo war und ist ein urbanistisches Experimentierfeld. Auf diesem baukulturellen Erbe können wir aufbauen.“ Die Frage ist nur: Wie? Wie kriegt man den enormen Reparaturbedarf, den mehr als 40-jährigen Entwicklungs- und Investitionsrückstau in den Griff?

„Die wichtigsten Schritte sind der Ausbau des Verkehrs und des Fernwärmenetzes, die Renaturierung der Miljacka, die durch die Stadt fließt, sowie die Aktivierung von unverbauten Nord-Süd-Achsen, die im mittlerweile dicht besiedelten Talkessel von Sarajevo als wertvolle Frischluftschneisen genutzt werden könnten“, sagt Klumpner.

Ein Projekt in der Ausstellung zeigt, wie der Fluss gereinigt, das Ufer umgebaut und die titelgebende Copacabana nach Sarajevo gebracht werden könnte. Ein anderes Projekt beschäftigt sich damit, das bislang linear strukturierte Sarajevo zu einem Ring rund um den Berg Žuč auszubauen – zu einer Art „Burek“ (O-Ton Walczak) – und der Stadt auf diese Weise eine neue Mobilitäts- und Wachstumsachse anzubieten.

Aber auch überraschende Fragen tauchen auf: Wie kann man von der Olympiade 1984 profitieren? Wann kommt endlich Renzo Pianos neues Ars-Aevi-Museum für zeitgenössische Kunst? Und was tun mit all den Maroni, die rund um Sarajevo wachsen, bislang aber kaum genutzt werden? Die vom Österreichischen Außenministerium mitfinanzierte Ausstellung 100 Ideas for the Western Balkan gibt mögliche Antworten und versteht sich als lebendige Wanderausstellung, die nun über den Westbalkan touren und sich auf ihrer Reise kontinuierlich verändern wird. Nächster Halt ist die albanische Hauptstadt Tirana (ab 25. März), danach geht’s weiter nach Belgrad, Podgorica, Skopje und Priština.
Wiederentdeckung

In der Zwischenzeit wird die Wiederentdeckung des Westbalkans auch in Wien zelebriert: Die Kunsthalle Wien widmet sich in ihrer Ausstellung No Feeling Is Final. The Skopje Solidarity Collection dem künstlerischen und baukulturellen Erbe der nordmazedonischen Hauptstadt und geht der Frage nach, wie das heutige Skopje als Collage aus Kenzo Tange, Sozialbrutalismus und neobarocker Zuckerbäckerbehübschung gehegt, gepflegt und gerettet werden kann. Oder, wie Hubert Klumpner sagt: „Wir müssen unseren Blick ändern und endlich lernen, den Westbalkan neu zu lesen.“

Die Reise nach Sarajevo erfolgte auf Einladung der Sektion Internationale Kulturangelegenheiten des BMEIA. Buchempfehlung: „Architectural Guide Sarajevo“, kürzlich erschienen bei DOM Publishers.

Der Standard, Sa., 2023.11.18

Häuser mit Balkon sind im geförderten Wiener Wohnbau längst Standard, doch das von Gangoly & Kristiner Architekten und O&O Baukunst ist ein hellgraues, minimalistisches Schmuckkästchen: Mit viel Esprit, Disziplin und technischer Raffinesse ist es gelungen, die heterogenen Vorgaben aus Baurecht, Brandschutz und Tragwerksplanung in ein schönes, stimmiges Balkonkleid zu packen.

»Ich habe keine Ahnung, warum wir zwei Balkone haben«, sagt Arife Güner. »Einen betritt man vom Wohnzimmer aus, den anderen übers Kinderzimmer. Und schon gar nicht verstehe ich, warum die so eigenartig über Eck gehen, mit einem abgemauerten Loch dazwischen, obwohl auf der einen Seite gar kein Fenster in der Wand ist. Aber man muss ja nicht alles verstehen. Die Architekten werden sich schon was gedacht haben dabei.« Die 29-jährige Studierendenheimleiterin wohnt mit ihrem Mann Ibrahim und ihren beiden Söhnen Yiğit und Mert in einer 85-Quadratmeter-Wohnung im siebten Stock. Der flexible Grundriss, die Aussicht bis zum Wienerwald und, ja, natürlich auch die beiden Balkone, die bereits mit Tisch, Stühlen und Hängematte bestückt sind, seien für die Wahl der Wohnung mit ausschlaggebend gewesen, sagt Arife.

Tatsächlich ist das Wohnhaus in der Leyserstraße 4a, das auf den hübschen Namen Rosalie hört, eines der aktuell schönsten – und auch baurechtlich und bautechnisch komplexesten – Best-Practice-Beispiele für Balkonien in Wien. Auf Basis einer vielparametrigen Matrix aus Bauordnung, Grundstückbestimmungen, Loggien- und Balkonregelung, Respektabstand zum Baumbestand, Zufahrtsmöglichkeit für die Feuerwehr, Optionen zum Anleitern im Brandfall, Berechnung des Brandüberschlags und nicht zuletzt einer millimetergenauen Komposition zwischen Ortbeton- und Fertigteil-Elementen entstand Rosalies raffiniertes Fassadenkleid.

Dem Park gegenüber zurückgenommen

»Wir befinden uns hier im Westen Wiens, auf dem Areal der ehemaligen Theodor-Körner-Kaserne«, sagt Dominik Troppan, Projektleiter und Partner im österreichischen Architekturbüro Gangoly & Kristiner. »Eines der größten Assets dieses Grundstücks ist der reichhaltige Bestand an alten, ausgewachsenen Bäumen. Sie bieten nicht nur eine unverwechselbare, schützenswerte Atmosphäre, sondern sind auch ein wichtiger mikroklimatischer und biodiverser Regulator. Ihnen gehört die Bühne.«

Und der Anspruch an die Hauptrolle ist mehr als ernst gemeint: Auf Basis eines städtebaulichen Wettbewerbs 2016 und des siegreichen Masterplans von driendl*architects wurde die Bebauung mit knapp 1 000 geförderten und frei finanzierten Wohnungen an die Ränder des 4,1 ha großen Areals gedrängt – in Form von kompakten, bis zu 12-geschossigen Baukörpern. Auf diese Weise konnte der Park mit seinen bis zu 20 m hohen Platanen zum überwiegenden Teil erhalten bleiben. Nachdem die Baustelle fertiggestellt und die Kräne wieder abgebaut waren, hat die Fauna mit Vögeln und Fledermäusen ihren Weg wieder zurückgefunden. Ab und zu, sagen die hier wohnenden Leute, seien auch schon Habichte gesichtet worden.

»All das«, meint Troppan, »hat in unseren Entwurf mit hineingespielt. Daher haben wir uns entschieden, das Haus in seiner Außenerscheinung farblich zurückzunehmen.« Während im Eingangsbereich und in den Treppenhäusern ein pastelliges Beigerot (RAL 3012) und ein kräftiges Opalgrün (RAL 6026) dominieren, präsentiert sich die Fassade mit ihrer dreidimensionalen Balkonmatrix in nacktem Sichtbeton mit Weißzement-Zuschlag. Lediglich die mal glatten, mal sandgestrahlten Oberflächen und die um 3 cm vor- und rückspringenden Betonfertigteile verleihen dem vermeintlich einheitlichen Hellgrau eine plastische, lebendige Schattierung.

Ablesbarkeit durch Komplexität

Doch wie sieht die Komposition im Detail aus? »Um den Aufbau der Balkone zu verstehen, muss man beim Primärtragwerk anfangen«, erklärt Troppan, der das Projekt in Zusammenarbeit mit dem Büro O&O Baukunst (Markus Penell) und dem gemeinnützigen Bauträger WBV-GPA (Wohnbauvereinigung für Privatangestellte) im Rahmen eines förderbaren Kostendeckels realisierte. Bei den Geschossdecken handelt es sich um Halbfertigteildecken mit 5 cm starken Fertigteilen und 15 cm Ortbetonschicht. Die Gang- und Wohnungstrennwände bestehen aus Hohlwänden als verlorene Schalung mit Ortbetonfüllung, bei den Außenwänden wiederum handelt es sich je nach statischer Anforderung und Einbindungsmöglichkeit der tragenden Wärmedämmelemente teils um Ortbeton, teils um Fertigteilelemente. Durch den geringen Ortbetoneinsatz konnte die Bauzeit um einige Monate reduziert werden.

Schließlich die Balkone: Sowohl bei den Balkonplatten als auch bei den Brüstungen und den vertikalen, 45 cm breiten Pfeilern handelt es sich um komplett vorgefertigte Elemente, die eine scheinbare Ruhe und Einheitlichkeit ausstrahlen, bei genauerer Betrachtung jedoch einen technischen und baujuristischen Wahnsinn offenbaren, der es erforderlich machte, die Fassade in der Ausführungsplanung Stück für Stück zu detaillieren. Mit einer Toleranz von 2 cm zuzüglich 5 mm breiter Fase stoßen die Elemente aneinander. An manchen Stellen haben die Architekten mit einer 3 cm breiten Scheinfuge zugunsten einer klar ablesbaren Komposition ein wenig geschummelt.

»Der große Vorteil der Fertigteilbauweise offenbart sich in den Details«, sagt Projektleiter Troppan. »Denn mit einer Bauteilstärke von nur 11 cm schaffen wir Betonbrüstungen in Rekordschlankheit.« Hinzu kommt, dass es die Norm und die Richtlinien bei Fertigbauweise aufgrund der hohen Fertigungsqualität erlauben, bei Vorsprüngen, Balkonüberdachungen und horizontalen Parapetabschlüssen auf eine Verblechung sowie auf die Abdichtungen zu verzichten, die bei Ortbetonbauweise notwendig gewesen wären. Dies kommt v. a. dem poetischen Attikaabschluss über dem zehnten Stockwerk zugute: Ohne Blech und ohne jeden Schnickschnack ragen die dicken Kreissegmente über die Fassade und schenken dem Haus ein subtiles Krönchen. Ein wenig erinnert die Formalität an eine Tortenunterlage oder an Omas gehäkeltes Spitzendeckchen. So viel Süß, bei all der Strenge, das Schmunzeln ist nicht zu unterdrücken.

Einverleibte Stockwerksenklave

»Das ist ein wirklich schönes Wohnen hier, und am meisten gefällt mir«, sagt Stephan Gruber, »dass einem dieses Haus bei allem Kostendruck, dem der geförderte Wohnbau natürlich unterliegt, dennoch mit Schönheit und Respekt begegnet.« Gruber sitzt mit seiner Familie und seinen Nachbarn und Nachbarinnen auf der Dachterrasse im sechsten Stock, auf dem etwas niedrigeren Bauteil, der dem hohen Balkonturm wie ein kleines, kompaktes Stadthaus vorgelagert ist. Was für eine Aussicht, am Horizont die Otto-Wagner-Kirche am Steinhof.

Obwohl die Dachterrasse mit ihren beigeroten, RAL-3012-lackierten Laternen allen Bewohner:innen des Hauses gleichermaßen zur Verfügung steht, kümmern sich in erster Linie die Leute der sechsten Etage darum. Die 22 Menschen nämlich, vom Baby- bis ins Pensionsalter, verteilt auf neun Wohnungen, hatten eine eigene Baugruppe gegründet und konnten in enger Absprache mit dem Bauträger die Etage nach eigenen Ermessen planen und umgestalten. Die sogenannte Baugruppe Vorstadthaus Breitensee ist Wiens einzige Baugruppe, die nicht ein ganzes Wohnhaus für sich beansprucht, sondern als Stockwerksenklave einem geförderten Wohnhaus regelrecht einverleibt wurde.

»Wir haben in der Vergangenheit bereits einige Erfahrungen mit Baugruppen machen können«, sagt Michael Gehbauer, Geschäftsführer der WBV-GPA. »Ich halte diese Form selbstbestimmten und mitgestaltenden Wohnens im Rahmen des sozialen Wohnbaus für sehr wichtig. Eine integrierte Baugruppe jedoch, wie diese hier, hat eine besonders hohe soziale Vorbildwirkung, denn so kann die Energie der wenigen 22 Menschen aufs ganze Haus ausstrahlen.« Rechtlich fügt sich die Baugruppe mit einzelnen Mietverträgen ins übrige Haus. Die einzige Besonderheit ist ein Rahmenvertrag, in dem die Pflege von Dachterrasse, Kinderspielraum und gemeinschaftlichen Einrichtungen festgehalten wurde.

Insgesamt umfasst das Gebäude 115 Wohnungen mit Mittelgang-Erschließung, wobei jeweils ein Fenster bei der Liftgruppe und eines an einem Ende des Korridors für natürliche Belichtung in den halböffentlichen Bereichen sorgt. Im Geschäftslokal im EG, in dem ursprünglich ein Nahversorger geplant war, hat sich eine Augenklinik eingemietet. Nebenan gibt es einen Fahrrad- und Kinderwagen-Abstellraum sowie einen Kinderspielraum, von dem man in anderen Wohnhäusern nur träumen kann – hier gibt es Holzpuppenhäuser, Matratzenhöhle und sogar eine Kletterwand. Über eine riesige Glasscheibe gibt es eine Sichtverbindung in die angrenzende Waschküche. Damit ist die Rosalie – außen wie innen – ohne jeden Zweifel einer der aktuell sympathischsten Sozialwohnbauten Wiens.

db, Mo., 2023.11.06

Schwul, lesbisch und bi. Trans und inter: Das queere Wohnen und Pflegen im hohen Alter ist oft ein Tabu. Nicht so im neuen Lebensort Vielfalt in Berlin. Ein Besuch vor Ort.

Ich habe in meinem Leben echt nichts anbrennen lassen, habe auf der ganzen Welt herumgemacht und Spaß gehabt“, sagt Peter-Lutz Dreißig. Früher, erzählt er, hatte er eine Werbeagentur, hat sich mit Katalogproduktion beschäftigt, ein Dasein zwischen Hochglanz und Deadlines, doch das ist lange her. „Mein Mann ist vor vier Jahren verstorben, wir waren 36 Jahre lang ein Paar, es war eine schöne Zeit. Und jetzt, na ja, jetzt fängt eine andere schöne Zeit an. Erstens bin ich nicht mehr der Adonis, der ich vielleicht einmal war, und zweitens kommt das Leben auch mal zur Ruhe.“

Intergenerationen-Wohnhaus

Peter-Lutz ist 78. Vor ein paar Wochen hat er seine 120 Quadratmeter große Eigentumswohnung aufgegeben und ist hierher gezogen, in den sogenannten Lebensort Vielfalt am Berliner Südkreuz, nur wenige Schritte vom riesigen Bahnknoten entfernt. Bedingt durch die günstige Verkehrssituation mit ICE, Regio und S-Bahn wurde hier in den letzten Jahren ein ganzer Stadtteil namens Schöneberger Linse aus dem Erdboden gestampft. Entstanden ist ein Quartier mit Wohnen, Gewerbe und einigen Energiekonzernen, die hier ihre Headquarter-Zelte aufgeschlagen haben.

Lebensort Vielfalt ist ein Wohnprojekt für schwule Männer, lesbische Frauen, Transmenschen, Intersexuelle und viele andere, die sich der LGBTIQA-Community zugehörig fühlen und die Angst davor haben, im hohen Alter zu vereinsamen. „Weißt du, ich stamme aus einer Generation, die ihre Sexualität und Identität lange Zeit verdrängt hat und die sich erst spät geoutet hat“, sagt Peter-Lutz, fünfte Etage, Blick in den Hof. „Wir haben viel Hass und Diskriminierung erlebt, wir haben uns unsere Sichtbarkeit und gesellschaftliche Integrität erst erkämpfen müssen. Viele von uns haben Nachholbedarf. Jetzt bin ich hier, um meine neuen Nachbarinnen und Nachbarn an der Hand zu nehmen – und uns noch ein paar feine Jahre zu gönnen.“

Alter, Pflege, Homosexualität. Ein sensibles Thema. Oft ein Tabu. Die Schwulenberatung Berlin, eine Pionierin auf diesem Gebiet, hat sich dieser Aufgabe schon vor vielen Jahren angenommen und hat 2012 in der Niebuhrstraße, Berlin-Charlottenburg, das europaweit erste Alten- und Pflegeheim für Lesben und Schwule eröffnet. Fünf Jahre später folgte am Berliner Ostkreuz ein LGBTIQA-Haus mit Wohngemeinschaften. Und nun ist am Südkreuz das bislang größte Projekt mit insgesamt 69 Wohnungen und einem zweistöckigen Sozialberatungszentrum entstanden. Am Freitag, dem 6. Oktober, wird das Haus feierlich eröffnet.

„Seit unserem ersten Altenwohnprojekt vor elf Jahren haben wir viel dazugelernt“, sagt Geschäftsführer Marcel de Groot. „Wir wissen heute, dass die Altersgruppe nicht zu homogen sein darf. Erstens ist das in sozialer und kommunikativer Hinsicht ein Nachteil, zweitens sind wir als Verein komplett überfordert, wenn plötzlich das halbe Haus pflegebedürftig wird. Daher haben wir uns entschieden, dieses Projekt als Intergenerationen-Wohnhaus zu konzipieren. Es geht um gegenseitige Hilfe und Unterstützung im Alltag. Dazu braucht es Jung und Alt.“

Neben vielen Senioren und Seniorinnen im Alter von 70, 80, 90 Jahren sind hier auch einige 30- und 40-Jährige eingezogen: Ärztinnen, Sozialarbeiter, Studierende. Mit einem Konzeptpapier und Motivationsschreiben konnten sich die jungen Leute für eine geförderte oder freifinanzierte Lebensort-Wohnung bewerben. Eine Weltpremiere der Inklusion und gesellschaftlichen, intergenerativen Integration befindet sich im Erdgeschoß: Im Kindergarten „Rosarote Tiger und Gelbgrüne Panther“, ebenfalls betrieben von der Schwulenberatung Berlin, gibt es Platz für 90 Kids.

„Rund ein Drittel unserer Kinder stammen aus Regenbogenfamilien im Haus oder auch aus dem Kiez“, sagt die Kindergartenleiterin Silke Leifheit. „Die restlichen 70 Prozent kommen aus ganz normalen Familien, was auch immer das sein soll, weil sich die Eltern für ihre Kinder eine offene, lebensbunte, im Herzen tolerante Umgebung wünschen.“ Hier lernen die Kinder nicht nur Nonbinärität, Männer mit Nagellack und den Umgang mit Personalpronomen wie they/them kennen, sondern auch, dass das erfolgreiche und dringend benötigte pädagogische Konzept längst nicht allen gefällt. Immer wieder verirren sich ein paar AfD-Sympathisanten mit gar nicht so bunten Fahnen hierher, um vor dem Kindergarten gegen den Lauf der Welt zu demonstrieren.

Pinke Buchstaben

„Damit werden wir schon fertig“, sagt Marcel de Groot. „Ich bin davon überzeugt, dass jedes Lebenskonzept auf dieser Welt, um zu erstarken und selbstverständlicher Bestandteil der Gesellschaft zu werden, ein Symbol, eine bauliche Manifestation benötigt, und die ist uns hier wunderbar gelungen. Und nachdem wir als Verein hier nicht nur eingemietet sind, sondern das Grundstück mithilfe von Spenden, Krediten und Erbschaften gekauft und das Wohnhaus eigenständig errichtet haben, können wir die soziale, kulturelle, pädagogische Nutzung nachhaltig sicherstellen.“ Das Gesamtinvestitionsvolumen beträgt 25 Millionen Euro, davon machen die Nettobaukosten rund 17 Millionen Euro aus.

Der Lebensort Vielfalt, entstanden nach Plänen von Roedig Schop Architekten, die den Masterplan für die Schöneberger Linse erstellt und mit der Schwulenberatung Berlin schon öfter zusammengearbeitet haben, ist Resultat eines sogenannten Konzeptverfahrens, ausgeschrieben vom Land Berlin, bei dem unterschiedliche Sozialträger gegeneinander antreten mussten. Fraglich, ob ein konkurrierender Prozess zwischen unterschiedlichen Vereinen und LGBTIQA-Plattformen dafür der richtige Weg ist. Im Laufe der Jahre sind viele Tränen geflossen. Doch das Resultat entschädigt. In pinken Buchstaben leuchtet die Botschaft dieses Hauses über dem Eingang: Lebensort Vielfalt. Bald wird die Regenbohnenfahne gehisst.

Durch die Welt knutschen

Es ist ein vielfältiger Lebensort für Hardy Selzer (76), der in der Pandemie gemerkt hat, wie sehr er auf soziale Kontakte angewiesen ist, obwohl er früher immer streitsüchtig war. Für Gregory Peercy (59), der in einer Kleinstadt in Kentucky aufgewachsen ist und sich selbst nach einem psychischen Breakdown als „maybe a little bit crazy“ bezeichnet. Für Monika Mayerhofer-Kammann (75), die mit ihrer Ehefrau Elke, einer ehemaligen DDR-Hochleistungssportlerin, im Leben nicht immer mit offenen Armen empfangen wurde, nun aber das Gefühl hat, endlich angekommen zu sein.

Oder für Karl-Heinz Skupin (80), der sich in seiner Jugend durch die Welt geknutscht hat und der mit seinem Mann Hans-Georg in eine 60-Quadratmeter-Wohnung im sechsten Stock gezogen ist. „In diesem Alter nochmal umziehen! Doch jetzt haben wir einen Ort, wo wir zwei alte Dackel vor dem Haus auf der Bank sitzen werden und nochmal das Leben Revue passieren lassen können. Selbst wenn wir uns eines Tages im Rollator durch die Gegend schieben müssen: Das ist jetzt unser Zuhause.“

Ähnliche Wohnprojekte wurden kürzlich in Köln, Lyon und Stockholm realisiert, in Planung sind Rom, Marseille und Barcelona. Möge die Idee mit dem Rollator in die Welt ausgerollt werden.

Der Standard, Sa., 2023.09.30

Zwei neue Museen in Warschau, das eine wunderschön, das andere von gigantischem Ausmaß, beweisen: Rechtsradikale Propaganda-Architektur ist Instagram-tauglich geworden.

Es ist, als würde sich der Beton samtig, streichelweich anfühlen. Als wäre das Haus in eine dicke Fischgrät-Strickdecke gehüllt. Als fühlte man sich warm und geborgen. „Genau das war unser Ziel“, sagt Krzysztof Budzisz, Partner im Warschauer Architekturbüro WXCA. „Vor vielen Jahren schon hatten wir die Idee, die Fassade als monolithisches Relief in diesem sinnlichen Ornament abzugießen. Es war ein langer Weg dahin, mit vielen Modellen und vielen, vielen unterschiedlichen Betonrezepturen, die wir ausprobiert haben. Doch die Arbeit hat sich gelohnt. Jetzt stehen wir da, vor der wahrscheinlich schönsten Fassade, die uns je gelungen ist.“

Entwickelt wurde das Projekt in Zusammenarbeit mit dem englischen Ingenieurspezialisten Buro Happold. Für die knapp acht Meter hohen Fassaden, die nicht als Fertigteile produziert, sondern direkt vor Ort im klassischen Schalungsbau gegossen wurden, musste eine eigene Silikonmatrize entwickelt werden. Mit Erfolg, das Ergebnis ist auf den Millimeter genau abgebunden, die Grate im warmen, ziegelroten Beton mit einer Kante wie vom Bildhauer. Schon jetzt, wenige Wochen nach Fertigstellung, wurde der Bau von Baufirmen und Betondelegationen aus aller Welt besucht.

Doch Achtung, in seinem materiellen – und noch mehr in seinem immateriellen – Inneren lauern große Überraschungen. Kaum hat man das Museum betreten, galoppieren historische Ritter durch die Hallen, mit Lederstiefeln und Kettenhemd bekleidet, nebenan eine ganze Batterie an Rüstungen und Speeren, überall polnische Fahnen und Flaggen von der Decke hängend, und dann schließlich, ein dramatischer Hintergrund wie im Schützengraben, ein sowjetischer Panzer, Modell T-34 mit 76-Millimeter-Rohrkanone, Baujahr 1943.

Polnische Geschichte

Das Museum der polnischen Armee, in Auftrag gegeben vom polnischen Verteidigungsministerium, Resultat eines internationalen Architekturwettbewerbs 2009, ist ohne jeden Zweifel eines der schönsten zeitgenössischen Bauten in ganz Warschau. Und plötzlich versteht man, dass es sich beim Zickzackmuster der Fassade, die man eben noch begeistert gestreichelt hat, um eine Anspielung auf Abzeichen und militärische Uniformapplikationen handeln muss.

Das Armeemuseum ist das erste, bereits eröffnete Kulturprojekt auf der Warschauer Zitadelle, die in den 1830er-Jahren von der Armee des Russischen Reiches errichtet und die längste Zeit vom polnischen Heer genutzt wurde. Bis vor wenigen Wochen war das 32 Hektar große Areal militärisches Sperrgebiet, nun steht es der Öffentlichkeit als grüne und kulturelle Oase zur Verfügung. So der offizielle Wortlaut dieser derzeit größten Museumsbaustelle Europas.

„Die Zitadelle war immer ein unbeliebter, negativ konnotierter Ort in Warschau“, sagt Budzisz. „Der Rückzug des Militärs und der Rückbau der Kasernengebäude bieten nun die Chance, den Park mit seinem riesigen Baumbestand als Naherholungsgebiet und Kulturquartier zu nutzen. Schließlich ist dies ein geschichtsträchtiger, historisch wertvoller Ort. Unser Traum ist, dass die Zitadelle bald wieder als ein Stück Stadt wahrgenommen wird.“

Die Chancen stehen gut, denn das 300 Millionen Złoty teure Projekt (rund 65 Millionen Euro) steht nicht allein da. Am 29. September wird das neue Museum der polnischen Geschichte eröffnet, ein gigantischer Bau aus weißem Marmor, 200 Meter lang, 60 Meter breit, 24 Meter hoch, Baukosten 650 Millionen Złoty (140 Millionen Euro), ebenfalls von WXCA geplant, mit Bühne, Konzertsaal, Amphitheater, Bibliothek, Werkstätten, Restaurant und Dachterrasse mitsamt Mirrorpool, in dem sich die Warschauer Skyline spiegelt.

Weltweite Aufmerksamkeit

Doch noch besser stehen die Chancen, dass die nationalistische, rechtspopulistische Partei PiS (Prawo i Sprawiedliwość, Recht und Gerechtigkeit), die das Land seit 2015 regiert, das 2009 gestartete Architekturprojekt dazu verwendet, sich ein Denkmal zu setzen und in der Bevölkerung zu suggerieren, eine moderne, weltoffene Partei zu sein, die in der Lage ist, Projekte zu realisieren, die weltweit für Furore sorgen. Es gibt kaum ein internationales Onlineportal im Bereich Architektur und Design, das in den letzten Wochen nicht darüber berichtet hätte. Mit tollen Fotos von leeren Räumen. Die Panzer, Waffen und Camouflage-Exponate sind darauf freilich nicht zu sehen.

Ebenfalls nicht kommuniziert wird die Tatsache, dass das bereits fertiggestellte Museum der polnischen Geschichte noch keine Dauerausstellung hat, dass die 7000 Quadratmeter große Halle im ersten Stock Rohbau ist und überhaupt erst noch befüllt werden muss, dass die Mitarbeiter und Mitglieder der Wissenschaftsbeiräte der beiden Museen ein Naheverhältnis zur PiS haben oder sogar mal ein politisches Amt innehatten, dass die Architekten den Platz zwischen den Museen begrünen wollten, was von der PiS allerdings verhindert wurde, weil sie ihn in Zukunft für politische Paraden nutzen will, dass das Armeemuseum demnächst einen Zwillingsbau erhält, in dem es dann nicht nur Panzer und Kampfflugzeuge geben wird, sondern auch Café, Kino und – jawoll – einen Schießstand zur freizeitlichen Beschäftigung.

„Die Museen, die unter der PiS-Regierung in den letzten Jahren gebaut oder personell neu besetzt wurden, sind nichts anderes als Lügen- und Inquisitionsmaschinen“, sagt der polnische, in Wien lebende Schriftsteller Radek Knapp, Autor des mittlerweile aktualisierten Buches Gebrauchsanweisung für Polen . „Je leerer und sinnentleerter die Politik, desto größer sind die von ihr geschaffenen Gebäude. Dass sie leerstehen, spielt keine Rolle.“

Scheinliberale Lebenssprache

Noch schärfer formuliert es der Warschauer Architekt, Kulturtheoretiker und Universitätsprofessor Jakub Szczęsny: „Manche dieser Institutionen sind bis in die Führungsebene hoch von Rechtsradikalen durchseucht, deren einziges Interesse es ist, die Geschichte und die Realität zu manipulieren und ihre Häuser als Propagandawerkzeug für Jarosław Kaczyńskis Vision eines heroischen, völkisch reinen Polens zu nutzen. Sie beherrschen das skrupellose Spiel genauso gut wie Orbán, Putin und Trump.“

Bei der Parlamentswahl in Polen 2019 erzielte die PiS mit 43,6 Prozent das beste Wahlergebnis, das eine Partei im demokratischen Polen je erreichte. „Und so, wie man die rechtskonservativen Wähler auf der Straße nicht mehr erkennt, weil sie mittlerweile eine moderne, scheinliberale Lebenssprache beherrschen, sind auch die baulichen Machtsymbole einer ultrarechtskonservativen, fast schon nationalsozialistischen Regierung nicht mehr als solche zu erkennen. Die Architektur des Bösen ist instagrammable geworden.“

Der Standard, Sa., 2023.09.16

An Passagierdrohnen wird bereits seit geraumer Zeit gearbeitet. Doch wo und wie werden die Flugobjekte in unseren Städten starten und landen? In diese Forschungs- und Entwicklungslücke hat sich nun der Berliner Flughafenplaner AMD.Sigma hineingesetzt.

Passenger W. Czaja, your e-flight from Dubai Jumeirah E-Hub to Abu Dhabi Marina Vertiport is ready for boarding. Please proceed to gate number X12. Airtaxi take-off in ten minutes.“ Mit dem Handgepäck geht es zum kleinen Cityairbus, drei Propeller an jedem Flügel, zwei weitere auf der Heckflosse, unübersehbar das charakteristische Branding von Emirates Next, Gesamtkapazität vier Personen, die Türen schließen, kurz darauf wird die Drohne zum Abflugpunkt gezogen, die Motoren starten, ein lautes Surren, in einer vertikalen Linie steigt das Ding in Sekundenschnelle nach oben.

Geht es nach dem Berliner Architektur- und Consulting-Büro AMD.Sigma Airport Management und Development GmbH, könnte diese Vision bereits innerhalb dieses Jahrzehnts Realität werden. „Und damit“, meint Olaf Bünck, Senior Manager, zuständig für strategische Flughafen- und Vertiport-Entwicklung im Unternehmen, „wird sich die urbane und interurbane Mobilität massiv verändern. Sie wird schneller und multimodaler – und trägt zu einer grünen, CO₂-reduzierten Mobilität bei.“
Vertiports

AMD.Sigma, eine Tochter der Flughafenbetreibergesellschaft Munich Airport International (MAI), ist darauf spezialisiert, Flughäfen zu planen, von der Entwicklung von Master- und Businessplänen bis hin zu Beratungsleistungen im Bereich Umbau, Ausbau, Sanierung, Übersiedlung, Baugenehmigung, Prozessentwicklung, Projektmanagement und strategische Neuausrichtung. Im Portfolio finden sich München, Berlin, Hamburg, Düsseldorf, Sofia, Istanbul, Abu Dhabi, Kuwait, Bangkok, Newark und Rio de Janeiro. Zu den aktuellen Consulting-Kunden zählen aber auch kleinere Flughäfen wie etwa Salzburg und Klagenfurt.

Als erstes Büro dieser Art weltweit beschäftigt sich AMD.Sigma nun auch mit Drohnenflugverkehr, Drohnenflughäfen und den damit verbundenen Auswirkungen auf Stadt, Architektur und Verkehrsplanung. Der Fokus richtet sich dabei vor allem auf die Standortfindung, Entwurfsplanung und Infrastrukturentwicklung von Drohnenflughäfen, sogenannten Vertiports. Im Fachjargon werden die elektrisch betriebenen Drohnen daher auch eVTOLs genannt. Die etwas sperrige Abkürzung steht für Electric Vertical Take-off and Landing Aircraft.

Hinter den Kulissen ist das Thema weitaus fortgeschrittener, als vielen bewusst ist. Das OECD International Transport Forum (ITF) arbeitet schon seit Jahren an rechtlichen und gesetzlichen Rahmenbedingungen für Drohnen zur Beförderung von Menschen, ein entsprechendes Paper wurde bereits von mehr als 50 Ländern aus aller Welt ratifiziert. Die European Union Aviation Safety Agency (EASA) hat vor einigen Monaten ein Manual für die Vertiportplanung und Einflugschneisen herausgegeben. Und in Zürich – einer der Pioniere der frühen Entwicklungsphase – fliegen zwar noch keine Menschen, in medizinischer respektive transplantiver Mission sehr wohl aber schon deren Organe und Blutkonserven durch die Lüfte.

„Weltweit gibt es rund 600 Tech-Unternehmen, die sich mit der Entwicklung und Optimierung von Drohnenkonzepten befassen“, sagt Bünck. „Es ist nur noch eine Frage von wenigen Jahren, bis die ersten eVTOLs zertifiziert und für den zivilen Luftverkehr zugelassen werden. Gleichzeitig aber gibt es bislang nur wenige Überlegungen, wie diese neue Verkehrstechnologie in bestehende Städte integriert werden kann. Und genau hier setzen wir an. Wir entwickeln Architektur- und Refurbishment-Modelle für Vertiports im urbanen und suburbanen Raum.“

Nicht wie im Sci-Fi-Film

Die weitverbreitete Annahme, dass Passagierdrohnen von bestehenden Großflughäfen wegfliegen und – wie in Science-Fiction-Filmen immer wieder dargestellt – auf irgendeinem Hochhaus landen werden, muss der Drohnenexperte relativieren. Auch das Andocken an einen klassischen Großflughafen ist komplexer, als man annehmen möchte. „Höhenwinde, Luftverwirbelungen und infrastrukturelle Anforderungen wie etwa elektrische Ladeeinrichtungen sind alles andere als trivial“, so Bünck. „Das alles sind große technische Herausforderungen. Kein unüberwindbares Hindernis zwar, aber eine komplexe Planungsaufgabe.“

Für viel wahrscheinlicher hält Bünck die Errichtung von Vertiports auf städtischen Freiflächen mit einer Mindestfläche von rund 10.000 Quadratmetern. Der Großteil des Areals entfällt auf Infrastrukturflächen wie etwa Lande- und Parkflächen für die Fluggeräte, PV-Anlage, Trafostation und Wartungsflächen sowie auf den sich trichterförmig nach oben öffnenden Luftraum für Start- und Landemanöver. Als Alternative könnte man auch bestehende Hochgaragen zu Mobility-Hubs ausbauen und – analog zum heute schon üblichen Park-and-Ride-Konzept – als Park-and-Fly-Anlagen nutzen. Pläne und Konzepte wie diese liegen im Büro von AMD.Sigma zuhauf auf dem Tisch.

Aktuell arbeiten die Berliner Architekten an einem Forschungsprojekt unter dem Titel InterRegional eAirport . Ziel dieser Studie ist es, eine enorme, in vielen Ländern Europas schlummernde Ressource zu nutzen. „Allein in Deutschland gibt es eine Vielzahl an kleinen Regionalflughäfen“, sagt Geschäftsführer Adam Symalla, „und viele davon sind defizitär oder stehen kurz vor dem wirtschaftlichen Aus. Diese bestehenden Infrastrukturen könnten allein schon aufgrund ihrer Größe durch Solarparks ergänzt und mit Vertiports kombiniert werden.“ Auf diese Weise, so Symalla, könnte man neben dem primären internationalen Flugnetz ein sekundäres, dezentrales, interurbanes Flugdrohnennetz aufbauen.

Stadtplanung hinkt hinterher

Die Entwicklung wird kommen. EU-Politik, Gesetzgebung, Flugindustrie und vor allem eine ganze Batterie an global agierenden Unternehmen, die sich mit hocheffizienten Ladetechnologien beschäftigen, sind in ihrer Arbeit weit fortgeschritten. „Bloß Architektur und Stadtplanung hinken noch hinterher“, meint Symalla. „Und das ist bedauerlich, denn wenn wir uns dieser künftigen Planungsaufgabe nicht annehmen und gute, intelligente Lösungen im Einklang mit der europäischen, historisch gewachsenen Stadt erarbeiten, dann geben wir das Zepter aus der Hand – und die Industrie wird diese Aufgabe im Alleingang lösen. Wollen wir das wirklich zulassen?“

Im Büro AMD.Sigma wird die nächste Powerpoint-Slide eingeblendet. Streng vertraulich, das Projekt ist noch unter Verschluss. „Das Thema ist zu reizvoll und im Sinne einer nachhaltigen Urban Mobility auch viel zu wichtig.“ Wann wird man mit eVTOLs von der Berliner City an die Ostsee fliegen können? „Früher, als Sie glauben!“

Der Standard, Sa., 2023.09.02

„Kann die Wand da weg?“ Diese Frage stellt sich aktuell eine Münchner Ausstellung, die auf lustige und niederschwellige Weise einen Blick hinter die konstruktiven Kulissen der Architektur wirft.

Gleich neben der Münchner Großmarkthalle, nur wenige Winkelsekunden von der Isar entfernt, man traut seinen Augen kaum, ist auf der ehemaligen Eisenbahnbrücke ein Schiff vor Anker gegangen. „Und so ein Projekt“, sagt Thomas Beck, seines Zeichens Tragwerksplaner, im täglichen Sprachgebrauch den meisten eher als Statiker bekannt, „hat man nicht alle Tage. Für uns war die Berechnung und tragwerksplanerische Konzeption eine ziemliche Challenge, bei der wir sehr kreativ sein mussten, denn die Rahmenbedingungen waren mehr als verschärft.“

Was ist passiert? Einst war die MS Utting, Baujahr 1949, ein beliebtes Ausflugsschiff auf dem bayrischen Ammersee. Aufgrund technischer Mängel musste das 36 Meter lange Boot 2016 aus dem Verkehr gezogen und durch einen zeitgemäßen Nachfolger ersetzt werden. Daniel Hahn, ein wilder Hund in der Münchner Gastroszene, hatte die Idee, das ausgemusterte Ding zu kaufen, über der Lagerhausstraße zu parken und ihm neues Leben einzuhauchen – als Bar, Restaurant und Event-Location.

„Als wir das Projekt in Angriff genommen haben, war gerade Februar, das Schiff lag teilweise in gefrorenem Wasser“, erzählt Beck, Partner bei A.K.A. Ingenieuren. „Hinzu kommt, dass es fast keine Planunterlagen gab, mal abgesehen von einem alten, mäßig aussagekräftigen Spantenriss. Anhand der Wasserlinie, der Geometrie des Rumpfes und der Größe des Aufbaus waren wir gezwungen, das Schiffsgewicht zu schätzen. Die größte Erschwernis war, dass wir vom Auswassern im Ammersee bis zur Montage in München-Sendling ein Zeitfenster von einem Tag hatten. Es gab keinerlei Möglichkeit, einen Geometrieabgleich zu machen. Das ist echt verschärft!“

Mithilfe von Bockgestellen und unterschiedlich dimensionierten Holzkeilen, die in der Lage waren, Planabweichungen aufzunehmen, ist es gelungen, ein flexibles Tragwerkskonzept zu erstellen und das Schiff auf der stillgelegten Eisenbahnbrücke passgenau abzustellen. Sobald die beiden Krane ihre Arbeit erledigt hatten, konnte der Rumpf untermauert und mit einem massiven Fundament gestützt werden. Seit fünf Jahren ist das ehemalige Schiff, das mittlerweile auf den Namen Alte Utting hört, in Betrieb.

Diesen und vielen anderen Geschichten aus der Welt der Tragwerksplanung widmet die Architekturgalerie München im Bunker aktuell eine Ausstellung. Unter dem genialen, aus dem Alltag gegriffenen Titel Kann die Wand da weg? werden Projekte und Schlüsselmomente aus Thomas Becks beruflichem Leben geschildert. „Und ja“, sagt er, „die Frage, ob die Wand da, die Stütze da oder die Decke da wegkönne, die hört man als Tragwerksplaner, sobald man mit Bauherren in der Bestandssanierung zu tun hat, ziemlich regelmäßig.“

Für Nicola Borgmann, Direktorin der Architekturgalerie, ist es nicht das erste Mal, dass sie sich dem Thema widmet. Schon einmal, 2016, offenbarte sie in einer Ausstellung über die waghalsigen Hochhäuser und gigantischen, hauchdünnen Pencil-Skyscrapers des global tätigen, in New York ansässigen Ingenieurbüros SOM Skidmore, Owings & Merrill einen Blick hinter die konstruktiven Kulissen der Architektur.

„Architektur und Tragwerk sind untrennbar miteinander verbunden“, meint Borgmann, „und doch versteckt sich das eine Metier oft hinter dem anderen. Abgesehen von ein paar Architekturikonen wie etwa Centre Pompidou in Paris, Lloyd’s Building in London oder Mies van der Rohes Neue Nationalgalerie in Berlin ist eine sichtbare, nachvollziehbare Konstruktion meist nicht erwünscht. Schade.“ Das bestätigt auch Beck. „Manchmal werden wir Tragwerksplaner einfach nur als Rechenknechte eingesetzt. Dann machen wir halt unseren Job und rechnen aus, was die Architekten sich wünschen, das ist schon okay. Aber die Großartigkeit unserer Arbeit startet dort, wo man grübeln, sich austoben und in enger Zusammenarbeit mit Bauherren und Architektinnen eine co-kreative Lösung schaffen kann.“ So wie die letzte Fahrt der MS Utting, die neben vielen anderen Projekten in München dokumentiert ist.

„Kann die Wand da weg?“ Bis 29. 9. in der Architekturgalerie München.

„Rechenknechte sind wir schon lange nicht mehr! Mittlerweile, habe ich das Gefühl, ist unsere Expertise in Fachkreisen anerkannt und wird auch sehr geschätzt. Natürlich ist nicht jedes einzelne Projekt, an dem man arbeitet, eine Neuerfindung des Rades, aber manche schon. Es gibt nichts Schöneres, als gemeinsam an einer Lösung zu arbeiten und ein Gebäude wachsen und entstehen zu sehen.“
Klaus Bollinger, Bollinger & Grohmann

„Ich empfinde meinen Job nach vielen, vielen Berufsjahren immer noch als herausfordernd. Jeden Tag gibt es neue Fragen und neue Aufgabenstellungen. Die Normen und Bauordnungen ändern sich ständig, und dann erst die neuen Software-Releases! Ich mag diese Abwechslung und die Zusammenarbeit mit spannenden, interessanten Bauherren und Architektinnen. Mir wird nie fad.“
Gretl Salzer, Wien

„Für die Landesausstellung Steiermark in Herberstein haben wir kürzlich einen neuartigen kraftschlüssigen Verbindungsknoten aus Holz entwickelt. Das war handwerkliches Engineering vom Feinsten! Ich mag diese Momente, wenn einem der Knopf aufgeht. Und selbst, wenn man was ganz Neues, noch nie Dagewesenes macht, ist man als Ingenieur immer auf der sicheren Seite, denn wir können alles immer auch berechnen.“
Peter Bauer, Werkraum, Vizepräsident, Kammer der ZiviltechnikerInnen Wien, Niederösterreich, Burgenland

„Für die Formel 1 und den MotoGP haben wir vor einigen Jahren eine mobile Red-Bull-Energy-Station entwickelt. Ein hochkomplexer Bausatz, der so konzipiert werden musste, dass man ihn innerhalb von wenigen Stunden auf- und wieder abbauen kann. Wenn man dann in Monaco steht und dabei zuschaut, wie ein dreigeschoßiges Holzhaus auf einem Lastenfloß in den Hafen geschippert wird … das ist schon wow!“
Kurt Pock, KPZT, Klagenfurt

„Eigentlich wollte ich in Bulgarien Architektur studieren, aber dann ist es doch Bauingenieurwesen geworden. Das Gute daran: Ich betrachte Tragwerksplanung aus der Sicht der Architektin und kombiniere technisches Fachwissen mit einem ästhetischen Gespür. So entstehen wunderbare, manchmal ziemlich komplizierte Juwelen.“
Neli Rachkova- Anastassova, Wien

Der Standard, Sa., 2023.08.05

Ein altes, baufälliges Gründerzeithaus am Stadtrand von Leipzig. Was tun? Das außergewöhnliche Architekturbüro Summacumfemmer hat sich des Patienten angenommen und ihn nicht saniert, nicht renoviert – sondern einfach nur repariert. Ein Besuch.

Der Putz abgeschlagen, die gesamte Fassade einfach nur mit Romanzement geschlämmt. Für ein hochwertiges Stiegenhaus kein Geld, stattdessen ein simples Bauprovisorium, aus handelsüblichen Schichtholzplatten zusammengebastelt. Fenster vom Fensterproduzenten, ebenfalls Fehlanzeige, zu teuer, zu aufwendig im Einbau, viel zu lange Lieferzeiten, es geht auch anders, einfache Zwei-Scheiben-Fixverglasungen zum Beispiel, mit Gummidichtungen und Klammern an die Mauerlaibung geschraubt, das tut’s fürs Erste auch.

„Wenn wir ein altes, in die Jahre gekommenes Haus in Schuss bringen“, sagt Florian Summa, 41 Jahre alt, „dann sprechen wir in der Regel von Sanierung, Renovierung, Restaurierung oder sogar Rekonstruktion. Aber diese kostspieligen Erneuerungen sind nicht die einzige Möglichkeit! Wir wollen beweisen, dass es auch anders geht, dass man ein altes, gründerzeitliches Haus auch reparieren kann, so wie man einen Schuh oder eine zerrissene Jeansjacke repariert.“

Mindset-radikal

Ort der baulich manifest gewordenen Beweisantretung ist die Dieskaustraße 101 in Leipzig, fernab der Innenstadt, elf Tramstationen stadtauswärts, im von Textilfabriken und schweren Industriearealen geprägten Stadtteil Kleinzschocher. Obwohl das 1888 errichtete Haus die letzten 30 Jahre lang leerstand, mit Taubenkolonien im Dachboden, teils eingestürzten Holzbalkendecken und längst zerstörtem Stiegenhaus, obwohl die Fassade mit blauen, engmaschigen Baugerüsten eingehüllt war, Gefahr in Verzug aufgrund von herabfallenden Bauteilen, war es um den Architekten und seine Partnerin Anne Femmer, die den Bastlerhit – die Bauruine – 2014 auf immoscout24.de gefunden hatten, von der allerersten Sekunde an geschehen.

„Wir hatten schon einige Jahre Auslandserfahrung hinter uns, hatten bereits in Wien, Zürich, Gent, London und Tokio gearbeitet, und uns schien die Zeit reif, uns eine eigene Existenz aufzubauen. Wo, wenn nicht in Leipzig! Eine spannende, dynamische Stadt, deren Geschichte noch nicht fertiggeschrieben ist, die noch viel Input, Inspiration und Initialzündungen benötigt, in der wir als Architekten, Architektinnen zur künftigen Entwicklung einen essenziellen Beitrag leisten können. Und dieses baufällige Haus, was für eine schöne Herausforderung!“

Der Kaufvertrag wurde unterzeichnet, das sächsische Hinterholz 8 nahm seinen Lauf, und das frisch gegründete Büro Summacumfemmer übte sich von da an nicht nur in der Schreibtischplanung von Architektur, sondern auch in der staubigen, baustelligen Realisierung selbiger – mit Maurerkelle, Kreissäge und kilometerweise ausgerollten Kabeltrommeln im ganzen Haus. Heute zählt Summacumfemmer, das auf der diesjährigen Architektur-Biennale in Venedig den deutschen Pavillon mitkuratiert hat, zu den jüngsten, fröhlichsten, ohne jeden Zweifel Mindset-radikalsten Architekturbüros Deutschlands.

„Unser Ziel war, aus dem Nichtfunktionieren wieder ein Funktionieren zu machen“, sagt Florian Summa, öffnet die Tür ins Stiegenhaus, eine simple Stalltür aus verzinktem Stahl, beplankt mit Polycarbonat-Stegplatten zur minimalen Wärmedämmung, gefunden um einen Pappenstiel bei einem bayerischen Stallproduzenten. Das alte Holzportal hingegen, verzogen und undicht, wurde um ein paar Meter versetzt und dient nun als Eingangstür ins erdgeschoßige Büro. Überall weiß gekalkte Ziegelwände, Lichtschalter vom Elektriker ums Eck, aufputzgeführte Stromkabel, im Durchbruch zwischen den beiden großen Arbeitsräumen steht ein Bullerjan, daneben ein Holzstapel für die winterlichen Monate.

Tausende Stunden Arbeitszeit

„Im ersten Stock wohnen wir mit unseren beiden Töchtern“, sagt Florian Summa, die Schichtholzskulptur emporklimmend, „im zweiten Stock gibt es zwei Wohnbereiche für unser Au-pair-Mädchen sowie für einen lieben Freund, der immer wieder in Leipzig pennt, und im dritten Stock und im Dachgeschoß ist noch Baustelle, da kann man sich ein Bild davon machen, was wir in den letzten Jahren schon alles repariert haben.“

Ein Fußboden aus Holzdielen und OSB-Platten, schlammgrün lackiert, eine silberne Unterspannbahn, damit die an der Decke angetackerte Wärmedämmung nicht auf den Kopf rieselt, zur Unterstützung in der Küche eine Gerüststange, die zugleich als Handtuchhalter dient, an der Wand eine gebrauchte, zufällig gefundene Küchenzeile von Bulthaup. Die Reparatur des Gründerzeithauses in der Dieskaustraße 101 ist noch lange nicht fertig. Zu den bereits investierten tausenden Stunden Arbeitszeit, schätzt Florian Summa, werden noch viele weitere Tausende hinzukommen. Doch wozu das ganze Unterfangen? „Als In-situ-Reallabor und Experiment am eigenen Leib. Denn wenn wir von Kreislaufwirtschaft und Ressourcenmanagement sprechen, dann können wir mit unseren Hausreparaturen nicht so umgehen, als würden wir jedes Mal aufs Neue einen perfekten, neuwertigen Neubau auf die grüne Wiese stellen, dann müssen wir endlich umdenken, die Bauordnung und die Normen adaptieren“ – und ganz generell die Planungskultur in der Architektur und Immobilienentwicklung gründlich überdenken.

„Wenn ich mich an ein altes Haus herantaste, dann will ich nicht zwei Jahre im Voraus bis zur letzten Türklinke alles vorausgedacht haben. Wo bleibt da noch Platz für Zufall und Spontaneität, für die Geschichten, die das Haus mir zu erzählen hat?“ Ist die Leipziger Hausreparatur der Schlüssel zur Zukunft? Nein, liebe Bauherren und Hausbesitzerinnen, aber ein wertvoller Gedankenöffner.

Der Standard, Sa., 2023.07.22

Mit den um sich wütenden Investoren und Immobilienentwicklern wird die Stadt sukzessive ihrer Identität beraubt. Der Wiener Künstler Andreas Fogarasi dokumentiert das Verschwinden auf so sinnliche wie nüchterne Weise. Zu sehen im Kunsthaus Muerz.

Unterstreicht Ihren Typ! Zeitlos elegant und dennoch sportiv! Und die Problemstellen um die Taille herum, die werden wunderbar kaschiert! Der Tlapa in der Favoritenstraße, das Modehaus mit dem mexikanischen Sprachfehler in der Phonetik, war das Klamotteneldorado unserer Kindheit. Egal, ob Erstkommunion, Konfirmation oder die dritte Hochzeit von Oma Klara, hier durften wir Arbeiterbezirkskinder mitsamt Mischpoche einmal im Jahr einen auf Kärntner Straße machen und wurden mit Sonntagspanier für die kommenden Anlässe eingedeckt.

Im Jänner 2016 musste das Modehaus Tlapa nach hohen Schulden und Verlusten seine Pforten schließen. Drei Jahre lang stand das Haus mit seiner eigenwilligen, aber aus kindlicher Perspektive stets interessanten Leichtmetallfassade und seiner orange folierten, rauchglasverspiegelten Glaspyramide am Eck leer. 2019 rollten die Abbruchbagger heran und machten den 1873 errichteten und sukzessive erweiterten Gebäudekomplex, der in den späten 1960er-Jahren vom Wiener Architekten Kurt Stiel seine eierschalenfarbene Elementfassade verpasst bekommen hatte, dem Erdboden gleich.

„Diese Art von vorgehängter Fassade, mit der man Bauten aus unterschiedlichen Epochen effizient kaschieren und zu einer gestalterischen Einheit zusammenfassen kann“, sagt Andreas Fogarasi, „hat man in der BRD und DDR damals in fast jeder Großstadt gesehen“, ob das nun Horten, Merkur, Schocken, Konsument oder die Centrum-Warenhäuser waren. Die sogenannte Horten-Kachel von Egon Eiermann hat Geschichte geschrieben. „Doch hier in Wien ist diese Architekturtypologie ein absolutes Unikum.“

3,1 Quadratmeter Tlapa-Fassade hängen nun im Kunsthaus Muerz an der Wand, ein Tableau aus zwölf Elementen, die Halbkreise mit 39 Zentimetern Durchmesser leicht aufgerollt, neun Zentimeter ragt das Blech vor und offenbart auf diese Weise einen klaffenden Sichelmond, der dem Gebäude in der Favoritenstraße einst sein charakteristisches Relief verlieh. Gemeinsam mit einem Fassadenmuster des Nachfolgebaus, ein gelochtes Wellblech, 112 mal 137 Zentimeter groß, bildet das Tlapa-Paneel nun eine Art Bündel, zusammengeschnürt mit einem Umreifungsband aus Stahl, strammgezogen mit einer Zange, festgeklammert, fertig.

Zeiten zusammenschnüren

Schon seit 2019 widmet sich Fogarasi, seines Zeichens ausgebildeter Architekt, heute bildender Künstler an der Schnittstelle zwischen Bild, Skulptur und Raum, den allmählich aus dem Stadtbild verschwindenden Architekturen, ob das nun vermeintlich schöne Gründerzeithäuser oder vermeintlich weniger schöne Bauten der Nachkriegsmoderne sind, die abgerissen, zu Tode saniert oder bis zur Unkenntlichkeit verändert werden. In seinen Paketen , wie er die zusammengeschnürten, verräumlichten Baustoffcollagen nennt, vereint er die Vergangenheit mit der Gegenwart und Zukunft.

„Unabhängig davon, ob es sich um historisch wertvolle oder gar denkmalgeschützte Bauten handelt oder nicht“, meint Fogarasi, „verliert die Stadt mit jeder weiteren Zerstörung ein Stück ihrer Identität. Ich möchte diesen Verlust dokumentieren, und ich möchte die alten mit den neuen Baustoffen, die zwar eine örtliche, aber niemals eine zeitliche Übereinstimmung haben, zusammenfügen und für immer aneinanderfesseln.“ Er sieht seine Pakete , die in den meisten Fällen auf einen ganz konkreten Ort referenzieren, nicht nur als Materialrettung, sondern vor allem als Dokument einer sinnlichen, atmosphärischen Stadtchronik.

Anstelle des Modehauses Tlapa entsteht nun ein Neubau mit Retail, Büros und 126 Serviced Apartments, ein Projekt des Immobilienentwicklers Vermehrt AG in Zusammenarbeit mit Pegasus Capital Partners, Sitz in Erlangen, ein Entwurf von Drawcon Architects, Brno, geplante Fertigstellung Anfang 2024, das Objekt schon seit zwei Jahren fast vollständig vermietet. Gestern Familienunternehmen, heute Finanzprodukt in einem internationalen Portfolio, gestern Handarbeit, heute Massenware-Bauprodukte von der Stange. „Die Komplexität eines Ortes, auf das Maximum reduziert“, wie Fogarasi sagt, nüchtern und emotionslos. Von der Wertigkeit der Baustoffe könne sich jeder selbst ein Bild machen.

Einstürzende Altbauen

Die Emotionen kommen erst in der Menge. Begonnen hat seine Serie Nine Buildings, Stripped vor vier Jahren mit in der Tat neun Materialcollagen, die zunächst in der Kunsthalle Wien, später auch in der Galerie Kargl zu sehen waren. In der Zwischenzeit umfasst die Serie bereits an die 40 Pakete , zum überwiegenden Teil aus Wiener Alt- und Neubauten erbettelt, erworben, ergaunert, aber etwa auch aus dem Palast der Republik und dem später nachfolgenden Humboldt-Forum in Berlin, aus dem Hotel Intercontinental Praha, das nach dem Refurbishment nächstes Jahr als Golden Prague Hotel wiederauferstehen wird, sowie von diversen Abbruchhäusern in der nordostrumänischen Stadt Iași.

Gestrippt wurden beispielsweise ein Gründerzeithäuser im 15. Bezirk, das Bürogebäude Schoeller-Bleckmann am Franz-Josefs-Kai, die Sozialversicherungsanstalt auf der Wiedner Hauptstraße, ein Schrebergartenhäuschen in Favoriten sowie die Bildhauerateliers im Wiener Prater. Ganz klein und unscheinbar, Nummer zwei an der Wand im Kunsthaus Muerz, fast wäre man daran vorbeigelaufen, wenn die glasierte Keramikkachel im Scheinwerferlicht nicht so schokoladig geschimmert hätte, ein Paket zur Villa Hanni, abgerissen in der ersten Corona-Lockdown-Woche 2020.

Errichtet wurde das Haus in der Dr.-Heinrich-Maier-Straße 35 in Währing, in direkter Nachbarschaft zum Pötzleinsdorfer Schlosspark, 1910 vom Otto-Wagner-Schüler Karl Adalbert Fischl. Im ersten Stock war die secessionistische, Semmeringpayerbachrax-anmutende Villa mit eisenoxidglasierten Keramikkacheln verkleidet. Das lange Zeit unbewohnte Haus scheint mutwillig den Kräften von Natur, Witterung und Vandalismus überlassen worden zu sein, alles Geschichte. An seiner Stelle steht nun ein vollwärmegeschütztes Haus aus Stahlbeton und Hohlblockziegeln.

In Fogarasis Ausstellung im Kunsthaus Muerz wird eine alte Kachel, nonverbale Liebeserklärung an Handwerk und hochwertige Produktqualität, mit einem neuen Putzmuster zusammengebunden. Das Umreifungsband aus Stahl hat sich schon jetzt in die chemisch verputzte Styroporplatte eingeschnürt. Die Baukunst ist zum Sondermüll geworden.

Ausstellungshinweis: „Last Minutes“ im Kunsthaus Muerz in Mürzzuschlag, mit Werken von Andreas Fogarasi und Markéta Othová. Zu sehen bis 3. September. Weitere „Stripped“-Arbeiten sind in der Ausstellung „1978“ im Quartz Studio in Turin zu sehen, bis 22. Juli.

Der Standard, Sa., 2023.07.08

Der Wiener Prater war immer schon ein Ort geheimnisvoller Kuriositäten. Heute ist er ein Hort kurioser Geheimniskrämerei. Zwei Projekte werfen viele, viele Fragen auf.

Da steht sie also, 72 Meter lang, 42 Meter breit, 13 Meter hoch, vor wenigen Tagen wurde das umstrittene Projekt offiziell übergeben. Von den einen (Stadt Wien, Bezirksvorstehung, SPÖ) wurde die sogenannte Sport-&-Fun-Halle in der Venediger Au sehnlichst erwartet und in großen Worten herbeigelobt. Die anderen hingegen (Bürgerinitiative, Volksanwaltschaft, Grüne) kritisierten das intransparente Verfahren und die vermeintlich so illegale Vorgehensweise, dass einem jeder Fun vergeht. Was ist hier passiert?

„Nachdem klar war, dass die alte Sporthalle neben dem Ferry-Dusika-Stadion abgerissen wird, um Platz für den neuen Fernbusbahnhof zu machen“, sagt Architekt Michael Schluder, während er die Tür in die soeben fertiggestellte Sporthalle aufsperrt, „hatte die Stadt Wien die Verpflichtung, rasch eine Ersatzhalle zu errichten. Es gab eine Standortanalyse, und wir wurden eingeladen, eine Machbarkeitsstudie zu erstellen und ein Anbot vorzulegen. Basierend darauf haben wir einen Entwurf und eine mit der Auftraggeberin und den Behörden abgestimmte Einreichung nach § 71 der Wiener Bauordnung erstellt.“

Und jetzt wird’s kompliziert. Denn der Flächenwidmungsplan für das besagte Grundstück in der Venediger Au, in der von 1895 bis 1901 singende Gondolieri die Besucher auf eine venezianische Kanalreise entführt hatten, sieht für die Parzelle zwar eine sogenannte „Esp Erholungsfläche Sport“ vor, die die Errichtung sportnaher Bauten ermöglicht – allerdings mit einem nicht unwesentlichen Passus namens „BB1 Besondere Bestimmungen“, die im Wiener Gemeinderat im Mai 2003 beschlossen wurden: „Auf der mit BB1 bezeichneten und als Grünland (…) gewidmeten Grundfläche dürfen keine Gebäude errichtet werden.“

Zumindest temporär

Stadt Wien und Architekt haben darauf mit besagtem § 71 reagiert. Dieser ermöglicht, selbst auf einem Grundstück mit noch nicht projektkonformer Flächenwidmung und Bebauungsbestimmung ein zumindest temporäres Bauwerk zu errichten. In diesem Fall ist die Sport-&-Fun-Halle für die Dauer von fünf Jahren bewilligt, in dieser Zeit kann die Stadt Wien das Grundstück entsprechend nachwidmen. „Bei Projekten mit engem Zeitplan“, sagt Andreas Machold, Geschäftsführer der WIP Wiener Infrastruktur Projekt GmbH, auf Anfrage des ΔTANDARD, „ist das ein durchaus übliches Vorgehen. Die rechtlichen Rahmenbedingungen werden an das dann bereits bestehende Gebäude nachträglich angepasst.“

Die Stimmung in der zwölf Millionen Euro teuren Halle ist sehr angenehm. Ein Holzleichtbau mit Leimbinderstützen, luftig leichtem Holzfachwerk und duftenden Wänden aus Brettsperrholz. Darüber ein Lichtband aus Polycarbonat-Stegplatten, die ein mattes, diffuses Licht ins Innere bringen. Sportflächen für Streetsoccer, Street-Basketball, Inline-Hockey, Badminton und sogar Beachvolleyball. Am Ende eine betonierte Galerie mit korallenrot eingefärbten Böden, Treppen und Metallgeländern. Roland Rainers Stadthallenbad lässt grüßen. Eine sportliche Referenz. „Die Architekten haben die Bauaufgabe adäquat gelöst, ein hübsches Projekt, wenngleich eine monofunktionale Kiste auf der grünen Wiese im Sinne der Stadtverdichtung und Nutzungsmischung der absolut falsche Ansatz ist“, sagt der Leopoldstädter Bezirksvorsteher-Stellvertreter Bernhard Seitz (Grüne). „Das ändert aber nichts an der Tatsache, dass dieses Bauwerk illegal errichtet wurde. Die Stadt Wien als Auftraggeberin und bewilligende Baubehörde in institutioneller Union hat sich hier selbst ein Okay gegeben.“

Fragen bitte nur schriftlich

Noch schärfer formuliert es Lorenz E. Riegler, Allright Rechtsanwälte, der im Auftrag der Grünen im September 2022 ein Gutachten erstellte. „Jeder andere Bauwerber, der in seiner Einreichplanung nur ein Prozent von der Wiener Bauordnung abweicht, wird wieder heimgeschickt. Hier ist man zu 100 Prozent abgewichen und hat dennoch einen positiven Baubescheid bekommen, der von der Stadt Wien und der Baupolizei jedoch unter Verschluss gehalten wird. Auch mir wurde die Einsicht in den Akt verweigert. Dieses Projekt ist eine schwere Wunde im Rechtsstaat, die man nur schwer wieder verarzten kann.“

Sämtliche Projektbeteiligte beziehen sich in ihren Stellungnahmen darauf, dass so ein Prozedere bei öffentlichen Bauvorhaben „ein ganz normaler, üblicher Vorgang“ sei, dass die Halle „streng baurechtlich betrachtet legal“ errichtet worden sei. Fragt sich nur: Warum spricht dann niemand mit den Anrainern und Skeptikerinnen darüber? Warum fährt die Stadt Wien eine Kommunikationskampagne des Schweigens? Und warum bekommt eine Tageszeitung bei der Stadt Wien, bei der Bezirksvorstehung und den involvierten Magistratsabteilungen keine telefonische Auskunft? Fragen zu diesem Projekt, heißt es, bitte nur schriftlich.

800 Meter Luftlinie von der Sport-&-Fun-Halle entfernt steht angrenzend zum Freudplatz eine weitere Kuriosität, die sich derzeit im Rohbau befindet – das Panorama Vienna, ein 34 Meter hoher Betonzylinder, also genau ein Meter unter dem Schwellenwert zur Wiener Hochhausregelung. Das Projekt der Berliner Unternehmerin Ilona Cardoso Vicente wird ein 3500 Quadratmeter großes 360-Grad-Rundgemälde beheimaten, das im Jahresrhythmus kuratiert und ausgetauscht werden soll. Auf der Website bezieht man sich auf die Wiener Weltausstellung anno 1873, die heuer ihr 150. Jubiläum feiert.

Der Innenraum ist gewaltig, die Nachhallzeit im Gespräch mit der Bauherrin beträgt beeindruckende sieben, acht Sekunden, das wird schon eine Wucht werden. Etwas befremdlicher hingegen mutet das Rendering an, das die Vida Panorama GmbH vor einigen Jahren im Umlauf gebracht hat und das ein wenig an ein Gasspeicherbecken in der OMV-Raffinerie Schwechat erinnert. Die MA 19 (Architektur und Stadtgestaltung) spricht in ihrer Stellungnahme von einem „skulpturalen Gebäudekomplex“ und einem „stadtgestalterischen Bindeglied“. Hmmm.

Kein Innovationsschub

Der Wiener Stadthistoriker Peter Payer sieht das anders: „Die Bauten im historischen Prater und vor allem auf der Weltausstellung 1873 haben sich stets durch eine hohe Innovationskraft ausgezeichnet, die Attraktionen waren ein Versuchslabor mit einem oft lustvollen, sinnlichen, illusorischen, jedenfalls hohen baulichen Anspruch. Auf dem Rendering macht das Gebäude einen nüchternen, abweisenden Eindruck. Ein Innovationsschub teilt sich hier nicht wirklich mit.“

Bauherrin Vicente und ihr Architekturbüro WGA entgegnen, der Stand sei längst überholt, es werde an einer modernen Energiefassade mit PV-Modulen und teilweiser Begrünung gearbeitet. „Wir sind auf dem Designweg unterwegs. Bitte beurteilen Sie uns erst, wenn das Projekt abgeschlossen und das Federkleid montiert ist.“ Mehr wird derzeit nicht verraten. Die Stadt Wien beansprucht für sich, eine lebenswerte Stadt mit innovativer Stadtplanung, transparenten Prozessen und einem regen Austausch mit ihrer Zivilbevölkerung zu sein. Selbstbild und Fremdbild müssen dringend in Einklang gebracht werden. Bis dahin gilt: Hereinspaziert ins Kuriositätenkabinett!

Der Standard, Sa., 2023.06.24

Harry Glücks Wohnpark Alterlaa macht auch heute noch viele Menschen glücklich. Die Regisseurin Bianca Gleissinger, selbst Kind dieses Hauses, geht in ihrem Film „27 Storeys“ der Frage nach, woran das liegt.

Tschuldigung! Wir drehen einen Film. „Dort wo die Blumen blühn, dort wo die Täler grün, dort war ich einmal zu Hause“, singt Freddy Quinn aus der Konserve, 33. Minute, während Edi und Gitti in ihrem Freddy-Quinn-Museum gerade ein paar Freddy-Quinn-Pappaufsteller durch die Tür bugsieren. „Wo ich die Liebste fand, da liegt mein Heimatland, wie lang bin ich noch allein?“

Wow! Wie viele sind denn das? Eine CD-Sammlung mit mehr als 300 CDs, hunderte VHS-Videobänder mit dem österreichischen Schlagersänger in allen erdenklichen Rollen und Bühnenauftritten, dazu tausende Plakate und Schellacks, mit denen das kleine Museum im Block A, Stiege 8, Etage 2, ausgekleidet und bis unter den Plafond komplett zutapeziert ist. „So schön, schön war die Zeit, so schön, schön war die Zeit…“

Edi und Gitti suchen noch jemanden, der die Nachfolge fürs Museum übernimmt, wenn sie einmal in Rente gehen. Ihre Kinder waren mit mir in der Schule und hörten damals am liebsten die Nu-Metal-Band Limp Bizkit. Freddy Quinn. Stationen einer Karriere 1949–2006. Und mittendrin die Filmregisseurin Bianca Gleissinger, die sich immer wieder ins Bild hineinschleicht, die Szenen mit ihrer frechen, „goscherten“ (Kleine Zeitung) , irgendwie immer noch pinken Stimme aus dem Off kommentiert und sich mit ihrer Soziodokumentation auf die Spuren ihrer eigenen Kindheit begibt, auf die Suche nach Fragen und Antworten ihres damals so ungetrübt rosaroten Lebens. Licht aus, Tür zu, und Schnitt.

Architekt Harry Glück hatte 1960 einen revolutionären Traum – den Wohnpark Alterlaa. Denn er forderte das größtmögliche Glück für die größtmögliche Zahl. Drei Wohnblocks, 250.000 Quadratmeter, 27 Stockwerke, Swimmingpools und Tennisplätze. „Ich bin hier aufgewachsen“, sagt Gleissinger, Absolventin der Deutschen Film- und Fernsehakademie Berlin (DFFB), die mit ihrem Film 27 Storeys – Alterlaa Forever ihr Abschlussprojekt und zugleich ihr 82-minütiges Filmdebüt vorlegt, im Gespräch mit dem ΔTANDARD. „Für mich war das Wohnen in Alterlaa mit all seinen Annehmlichkeiten damals ganz normal. Erst später habe ich begriffen, was für ein besonderer Ort das hier ist.“

Ein riesiger Pool nahm hart arbeitenden Vätern den Druck des wirtschaftlichen Aufstiegs. Die Hausfrau konnte nun auch am Leben teilnehmen, da die Küche erstmals an den Wohnraum angebunden war. Wohnen wie die Reichen für alle war das Motto. Oder wie Kritiker das damals formulierten: Pools für die Proleten! „Ob hier wirklich so viele Proleten wohnen? Natürlich! Wenn man 3200 Wohnungen für 9000 Menschen baut“, sagt Gleissinger, „dann ist in gewisser Weise alles wahr und unwahr zugleich, denn wo viele Menschen wohnen, da hat das Leben auch viele verschiedene Farben.“

Proleten wie wir! Wir hatten dank Alterlaa alles, was es für ein glückliches Leben brauchte. Wir waren Harry Glücks Glücksutopie. Und als wir ausziehen mussten, habe ich mich weinend an die Dunstabzugshaube geklammert. Bis heute zählt Harry Glücks Wohnpark Alterlaa – der nicht nur für seine Swimmingpools auf dem Dach berühmt ist, sondern auch für seine vielen Vereine und exotischen Clubräume wie etwa Bridge-Salon, Schießhalle, und Modellbauwerkstatt – zu den beliebtesten Wohnbauten Österreichs. Die Fluktuation ist extrem gering, die Wohnzufriedenheit mit 98 Prozent unschlagbar hoch, der Wohnbau immer wieder Motiv für Studien und Forschungsarbeiten.

Das Alterlaa der Gegenwart ist ein Paradies für analoge Menschen. Doch dieser Film dreht sich nicht nur um das Objekt, wie es schon so oft untersucht und dokumentiert wurde, sondern vor allem um die hierin lebenden Subjekte. Zu Wort kommen Urgesteine, die hier seit dem allerersten Tag eingemietet sind, Fertigstellung 1976, aber auch Jugendliche und neu Zugezogene, die mit Alterlaa in ein neues Leben durchstarten wollen. Kinder fahren mit dem Scooter durchs Bild, Teenager verabreden sich über die hausinterne Sprechanlage auf ein Bier, in den Küchen werden Schnitzel geklopft. Und dann, in der 76. Minute, wird Hanna nachdenklich.

Das Alterlaa der Gegenwart ist das größte Altenheim Österreichs, sagen Kritikerinnen. „Alterlaa ist für mich ein schönes beginnendes Ende meines Lebens, ich fühle mich sehr wohl hier“, sagt die kürzlich pensionierte Hanna, während sie ihre Reiseführer ausmistet, weil sie wahrscheinlich nie wieder nach Florida reisen wird. „Hier kannst du alt werden. Bis der Tod Alterlaa und mich scheidet.“ Auch das passiert. Peter, einer der Protagonisten im Film, verstirbt während der Dreharbeiten. Seine Wohnung wird geräumt, ausgemalt, für die nächsten Mieterinnen instand gesetzt.

Mein Alterlaa war kein Ort, es war eine Zeit, die ich nicht loslassen wollte. Eine Zeit, in der ich noch gar keine Vorstellung davon hatte, dass alle Dinge vergänglich sind. „Natürlich ist 27 Storeys auch ein Film über Alterlaa“, sagt die 33-jährige Regisseurin, „denn Harry Glück hatte die große Gabe, die damalige Zeit mit einem sehr wachen Auge zu lesen und in eine ansprechende, sozial adäquate Architekturform zu übersetzen. Aber es ist auch ein Film über Kindheit, über kindliches Glück, über erfüllte und geplatzte Kindheitsträume.“

Ich wollte Prinzessin werden, aber ich wollte auch Kriegerin sein, hier in unserem Wohnzimmer. Im Gymnasium wollte ich Britney Spears sein, und mit 19 wollte ich Playmate werden. In meinem Zimmer war alles pink, pink, pink. Vielleicht muss das Mädchen mit den pinken Wänden nur eines tun – eine Dunstabzugshaube loslassen. „Dieser Film ist aber auch ein Werkzeug, um von alten sozialen Utopien loszulassen, denn die Zeiten von der Stadt in der Stadt – von Wohnen, Arbeiten, Freizeit und Einkaufen unter einem Dach – sind vorbei. Das interessiert heute niemanden mehr.“

Wir hatten 10.000 Nachbarn und Nachbarinnen, darunter weltberühmte Stars und Fußball-Legenden. Wer in Alterlaa gewohnt hat, der war wer! Alle anderen fanden das komisch. Und wir fanden alle anderen komisch. Bei aller Sentimentalität, Menschlichkeit und Freddy-Quinn-Skurrilität schafft es der Film, nicht nur in die Geschichte zurückzublicken und die Gegenwart darzustellen, sondern auch die Frage zu stellen, wie wir es schaffen, unsere Wohnutopien zu transformieren und innovative Lebensmodelle für die Zukunft zu entwickeln. Ein dringlicher Auftrag an alle Politiker, Bauträger und Architektinnen: Über welche zeitgenössischen Wohnprojekte wird man in 50 Jahren einen Film drehen wollen?

„27 Storeys – Alterlaa Forever“, ab sofort im Kino.

Der Standard, Sa., 2023.06.03

Soeben wurde die 18. Architekturbiennale in Venedig eröffnet. Unter dem Titel „The Laboratory of the Future“ üben einige Länder heuer massiv Kritik am Veranstalter. Manche stellen das Format überhaupt infrage.

Ein Liter Gemüsesaft Wetland, eine Tüte Kartoffelchips Extreme Natur e, einmal Hustenzuckerln Amnesia, ein Vollwaschmittel Villa Frankenstein, und dann noch eine Packung Chicken-Wings Making Heimat . Mit den Lebenbismitteln im Einkaufskorb geht es ab zur Kassa, der Kassier ist voll nett, zahlen muss man hier nämlich nix, dafür aber bekommt man zur Dokumentation des getätigten Einkaufs einen Originalbeleg überreicht. Das Faksimile bleibt in der Kassa, denn am Ende der 18. Architekturbiennale – nach insgesamt 190 Tagen Laufzeit – soll ausgewertet werden, welche Produkte vom Publikum am häufigsten geshoppt wurden.

„Wir sind natürlich kein echter Supermarkt“, sagt Ernests Cerbulis. „Aber wir sind ein echt super Wissensmarkt, denn die insgesamt 506 Produkte, die wir im Sortiment haben, wurden eigens für Venedig konzipiert und von ausgesuchten Experten und Spezialistinnen in Handarbeit produziert. Mehr Qualität geht nicht.“ Entwickelt wurden die hier lagernden Wissens- und Lebensmittel von sämtlichen partizipierenden Länderpavillons und Kuratorenteams der letzten zehn Architekturbiennalen, also der Jahre 2002 bis 2021. Es ist alles vertreten, von Made in Germany bis Made in Elfenbeinküste.

Wissen konsumieren

„Die Architekturbiennale ist eine Shoppingmall voller Ideen, Konzepte und außergewöhnlicher Urheberschaften, die sich mit den Problemen und Herausforderungen unseres Zusammenlebens beschäftigen“, sagt Cerbulis, einer der Kuratoren des lettischen Länderpavillons mit dem Titel TCL. Die Abkürzung steht für Trade Center Latvia, die diskontartige Anmutung über der Kassa, die an Lidl und Hofer erinnert, könnte kaum besser sein. „Bloß stellt sich die Frage: Was passiert mit all dem akkumulierten, kollektiven Wissen nach der Biennale?“

Die Antwort ist: Es verschwindet in der Kulturschublade und gerät in Vergessenheit. Lettland macht die Archivboxen wieder auf, reibt uns (und dem Präsidium der Biennale) unter die Nase, was eh schon alles erdacht und erfunden wurde, und lädt uns dazu ein, die am dringendsten benötigten Produkte in den Korb zu legen, sie miteinander zu kombinieren und das ganze Wissen endlich zu konsumieren. „Es steht viel Arbeit an. Es braucht nur noch die richtigen Entscheidungen in den Kassen der öffentlichen Hand.“

Lettland ist nicht der einzige Beitrag, der die Architekturbiennale in ihrer heutigen Form auf den Prüfstand stellt. Auch Österreich, Deutschland, die Schweiz und die Niederlande stellen infrage, ob die Biennale tatsächlich so sinnvoll und kulturell nachhaltig ist, wie sie es für sich selbst beansprucht, ob das Modell der Länderkonkurrenz überhaupt noch zeitgemäß ist und ob die monofunktionale Nutzung der Pavillons nicht ein bisschen eindimensional ist. Und all diese Länder mussten sich an den Behörden und Biennale-Verantwortlichen zum Teil die Zähne ausbeißen.

Biennale dekonstruieren

Ob das wohl das war, was sich Lesley Lokko, Gesamtkommissärin der 18. Architekturbiennale, erhoffte, als sie das diesjährige Motto The Laboratory of the Future ausrief und die Teilnehmenden dazu ermutigte, sich als „Agents of Change“ einzubringen?

Dabei hat Lokko, schottische Architektin und Lehrende mit ghanaischen Wurzeln, eine längst überfällige Evolution eingeleitet: Sie hat Afrika und die afrikanische Diaspora gepusht und die kulturgeistigen Leistungen dieses gigantischen Kontinents endlich sichtbar gemacht, sie hat den teilnehmenden Künstlerinnen und Künstlern in der gesamten Ausstellung mit Porträtfotos ein physisches Gesicht gegeben, und sie hat angeregt, das Format der Ausstellung nicht bloß als „Momentaufnahme mit einem Narrativ“ zu verstehen, sondern als Prozess.

Ihr einziges Pech ist, dass manche Länder den Prozess sehr wörtlich genommen haben und nun die Biennale dekonstruieren – sowohl materiell als auch immateriell. Die Schweiz verbindet ihren Bruno-Giacometti-Pavillon mit dem venezolanischen Gegenstück von Carlo Scarpa, indem sie die trennenden Mauerelemente entfernt. Die Holländer haben Löcher in die Dachkonstruktion geschnitten und sammeln nun das Regenwasser ihres Pavillons, um mit der flüssigen Metapher auf die Fehlerstellen in unserem globalen Kapitalsystem (Cashflow, Liquidität, in Geld schwimmen) hinzuweisen.

Und das österreichische Kuratorenteam – bestehend aus dem Architekturkollektiv AKT und dem Wiener Architekten Hermann Czech – hat sich eineinhalb Jahre lang darum bemüht, einen Teil des Österreich-Pavillons für die Dauer der Biennale der lokalen Bevölkerung zur Verfügung zu stellen. Vergeblich.

„Wir wollten den Pavillon durch eine Öffnung in der Giardini-Mauer vom Stadtteil Sant’Elena aus zugänglich machen“, sagt Fabian Antosch von AKT. „Seit ihrem Beginn 1980 hat sich die Architekturbiennale massiv ausgebreitet und die hier lebenden Menschen mehr und mehr zurückgedrängt.“ Inzwischen umfasst die Biennale im Arsenale und in den Giardini – die auch außerhalb der Biennale-Saison öffentlich nicht zugänglich sind – 13 Hektar Land sowie eine Vielzahl an Kirchen, Palazzi, Wohnhäusern, Hotels, Bibliotheken und leerstehenden Geschäftslokalen. Biennale, Baubehörde und Denkmalamt haben die von AKT und Czech vorgeschlagene Öffnung abgelehnt (DERΔTANDARD berichtete).

Teil des Problems

Ein substanzielles Rütteln an der architektonischen Nabelschau ist auch der diesjährige Beitrag Deutschlands. Unter dem Titel Wegen Umbau geöffnet wird der Pavillon coram publico umgebaut, repariert und „instandbesetzt“, wie dies das Kuratorenteam rund um Anh-Linh Ngo formuliert. „Seit vielen Jahren sehen wir auf den Biennalen, was wir gegen die Klimakrise und die fortschreitende Ökologiekatastrophe tun sollten“, sagt Ngo, „lassen dabei aber außer Acht, dass wir Teil des Problems und nicht Teil der Lösung sind. Wir machen bei diesem Zirkus mit.“

Von der letzten Kunstbiennale 2022 wurden Tonnen von Baumaterialien eingesammelt, die sonst auf der Müllhalde gelandet wären. Mit dem angehamsterten Baustofflager repariert der Pavillon nun sich selbst: Der NS-Bau bekommt eine Werkstatt, eine Ökotoilette und eine barrierefreie Rampe.

„Wir bauen den Pavillon nach unseren gesellschaftlichen Vorstellungen um“, so Ngo. „Und wenn dieser Teil abgeschlossen ist, werden wir mit den Studierenden, die ab kommender Woche hier arbeiten werden, auch diverse bauliche Schäden und Abnützungserscheinungen in der umliegenden Stadt beheben.“

Damit ist nun die größte aller Baustellen eröffnet: Das Fundament der Architekturbiennale bröckelt, die Säulen der sozialen, ökologischen und gesellschaftspolitischen Relevanz wurden heuer ordentlich ins Wanken gebracht, es braucht dringend eine Sanierung. The Laboratory of the Future, so scheint es, ist zu einem Museum of the Past geworden.

Der Standard, Sa., 2023.05.20

Die 18. Architekturbiennale in Venedig ist eröffnet. „The Laboratory of the Future“ lautet das heurige Gesamtmotto. Eine Handvoll Länderpavillons – allen voran Österreich – reagiert darauf auf subversive, intelligente Weise.

Eigentlich war alles anders geplant. Es hätte der Österreich-Pavillon in den Giardini zum Teil an die venezianische Bevölkerung abgegeben werden sollen. 350 Quadratmeter für die Menschen, die hier wohnen und arbeiten, für die alten Leute und Schulkids, als Treffpunkt und Veranstaltungsort, zum Kartenspielen und Fußballschauen. Dies sollte mit einem Durchbruch in der Mauer des österreichischen Pavillons und mit einer Wiederöffnung eines ehemaligen Durchgangs in der Giardini-Mauer ermöglicht werden, damit die Leute ein- und ausgehen können. Als Plan B hätte es eine über die Mauer führende Brückenkonstruktion gegeben.

Doch es kam anders. Aus dem „Eigentlich“ wurde ein theoretisches, offenbar nicht realisierbares Gedankenkonstrukt, das am Starrsinn der Behörden und der Angst und Egomanie der Biennale-Direktion scheiterte. Die Baustelle ist eröffnet, der Brückenpfeiler steht, die Treppe aus normalen Gerüstelementen ist errichtet – doch dann die große Überraschung, die Absperrung, das Ende. Damit mutiert der Titel Partecipazione / Beteiligung zum bürokratischen Zynismus.

Schon an den ersten beiden Preview-Tagen für die Presse sorgte der Pavillon für regen Besuch und noch regeres Kopfschütteln. „Wir haben alles Mögliche unternommen, hatten intensiven Kontakt mit der Baubehörde, mit der Denkmalbehörde und mit den Verantwortlichen der Biennale“, sagt Lena Kohlmayr vom 17-köpfigen Architekturkollektiv AKT, das für den österreichischen Beitrag in Kooperation mit dem Wiener Architekten Hermann Czech verantwortlich zeichnet. „Doch die Gespräche waren mühsam, zum Teil kamen negative Bescheide, und zum Teil lässt man uns seit Monaten zappeln. Wir machen diese Ablehnung sichtbar.“

Kunst- und Kulturminister Werner Kogler (Grüne), der nach Venedig angereist war, bezeichnete das Projekt in seiner Eröffnungsrede als Gegenmodell zum sonst üblichen „Friss-oder-stirb-Missverständnis“, das in der Politik, Stadtplanung und Immobilienwirtschaft oft zu beobachten sei. „Dieses Projekt“, sagte Kogler, „zeigt auf, wie wir zusammenleben und Raum teilen können. Und es beweist, dass es auch auf der anderen Seite der Mauer Menschen, städtisches Leben sowie Potenziale und Herausforderungen gibt.“
Jährliche Heuschrecken

Und Letztere sind in Venedig in der Tat massiv. Sie umfassen Kunst-Gentrification, spekulative Raumpolitik, Airbnb-Aushöhlung und Horden an Galeristen und Kulturbobos (den Autor dieser Zeilen miteingeschlossen), die zur alljährlichen Kunst- oder Architekturbiennale wie Heuschrecken über die Lagunenstadt herfallen und die überaus sensiblen sozialen Rituale und gesellschaftlichen Infrastrukturen zerstören. Und die Raumnahme der Fremden wird immer größer.

Die erste Biennale 1895 umfasste einen einzigen Palazzo dell’Esposizione, zu Beginn des 20. Jahrhunderts wurden die Giardini und Teile des Stadtviertels Sant’Elena einverleibt, in den 1990ern breitete sich die Biennale auf das Arsenale und auf immer mehr Kirchen und Palazzi in der Stadt aus. Heute infiltriert die Biennale viele Hotels, Wohnbauten, Bibliotheken, Erdgeschoßlokale und leerstehende Gewerbebetriebe.

Jane da Mosto und Carolyn Smith von der Initiative We are here Venice haben sich ausgerechnet, dass neben den 13 Hektar Land der Giardini und des Arsenale auf dem schwarzen Brett der Biennale weitere 49 (!) Hektar Ausstellungsfläche in der Stadt gelistet sind, viele davon am Canal Grande gelegen. Sechs Hektar wurden bei der letztjährigen Kunstbiennale in Besitz genommen.
Treffpunkt verloren

„Das ist eindeutig zu viel“, sagt Remi Wacogne, Sprecher der lokalen Bürgerinitiative OCIO: „Die Biennale ist für Venedig ohne jeden Zweifel ein wichtiger Wirtschafts- und Tourismusfaktor. Aber den Venezianern gehen dadurch wichtige soziale, konsumfreie Treffpunkte verloren. Immer mehr Stadt gehört der Biennale. Und auch die Giardini sind – wenn nicht gerade Biennale ist – zugesperrt und öffentlich nicht zugänglich. Als politisches Zeichen ist das verheerend.“

Ob das wohl das war, was sich Lesley Lokko, Gesamtkommissärin der 18. Architekturbiennale, erhoffte, als sie das diesjährige Motto The Laboratory of the Future ausrief? Österreich ist mit seiner subversiven Kritik übrigens nicht das einzige Land, das die Existenzberechtigung der Biennale in ihrer heutigen Form auf den Prüfstein stellt. Auch die Schweiz und die Niederlande positionieren sich heuer als Stachel im Fleisch. Noch unverfrorener machen das Deutschland und Lettland, indem sie die Biennale und ihre weder sozial noch ökologisch nachhaltigen Machenschaften komplett dekonstruieren und sich hinter all den repräsentativen, medienwirksamen Fassaden die Frage stellen, was nach so vielen Architekturbiennalen mit dem ganzen kollektiven Wissen passiert. Zahlt sich der ganze Zirkus überhaupt noch aus?

Der Standard, Fr., 2023.05.19

Eine (zum Glück analoge) Ausstellung widmet sich den Reizen und Potenzialen virtueller Räume und KI-generierter Architekturbilder. Wollen wir da wirklich hin? Ja und nein.

Neunzig Millionen Bienenstöcke, 3357 Algenfarmen und 932 Zettabytes an Daten. Geht es nach dem australischen Architekten und Filmemacher Liam Young, so könnte man die zehn Milliarden Menschen, die im Jahr 2050 die Erde bevölkern werden, in einer einzigen Stadt zusammenpferchen. Diese Stadtutopie, kurz Planet City, würde lediglich 0,2 Prozent der Erdoberfläche einnehmen – vergleichbar mit der Größe von Texas, Ägypten oder Skandinavien, mit dem Vorteil, dass sich in Zukunft 99,98 Prozent des Planeten wieder regenerieren könnten.

Der gleichnamige Film Planet City, 15 Minuten geballter Utopie, zeigt riesige Wohntürme, zerklüftete Felskanten mit drangepickten Häuschen, romantische Abenddämmerungen, pinke Gemüsefelder, so weit das Auge reicht, und gigantische Batterien von Solarfarmen, die die neue Hyperpolis umgeben und mit Energie versorgen. Doch im Gegensatz zu vielen anderen Blicken in die Zukunft ist dieser nicht nur dystopisch. 2555 Feste und Feiertage, hat sich Young ausgerechnet, würden in Planet City aufgrund der kulturellen Dichte nahtlos ineinander übergehen.

„Planet City ist ein Mikrokosmos, der auf dem globalen Konsens beruht, dass wir uns auf kleiner Fläche zurückziehen und die Erde wieder sich selbst überlassen“, sagt Young, den die BBC als „the man designing our futures“ bezeichnet. „Ob ich möchte, dass diese Stadt auch wirklich gebaut wird? Natürlich nicht! Planet City ist eine Provokation. Es ist die Einladung, dass wir uns eines Tages an einem pinken Algensee verlieben. Dass wir uns in unterschiedliche Zukünfte hineindenken und hineinprojizieren. Dass wir das, was wir hier lernen, auch auf die gebaute, bereits existierende Stadt übertragen.“

Sehnsuchtsorte und Dreamscapes

Planet City hat nun erstmals den Weg in ein österreichisches Museum gefunden, und zwar in die Ausstellung /imagine: Eine Reise in die neue Virtualität, die kommenden Dienstag im Museum für angewandte Kunst (Mak) in Wien eröffnet wird. /imagine: ist eine zum Glück reale, analoge, ganz und gar handfeste Ausstellung über die neuen virtuellen Welten, die wir permanent kreieren, über ihre künstlich geschaffenen Räume, über ihre kulturellen und ökologischen Potenziale – aber auch über die sozialen, politischen und kapitalistischen Abgründe, die in der neuen Technologie lauern.

„Im Corona-Lockdown sind viele Sehnsuchtsorte entstanden, sogenannte Dreamscapes, die in den sozialen Netzwerken viral gegangen sind“, sagen die beiden Kuratorinnen Marlies Wirth und Bika Rebek. „Es ist aufregend, diese Bilder zu konsumieren und sich dem Hype hinzugeben, der nicht mehr einigen wenigen Fachleuten vorbehalten ist wie noch vor ein paar Jahren, sondern dank niederschwelliger Programme wie etwa Dall-E, Midjourney und Stable Diffusion nun auch für die breite Masse zugänglich ist.“

Die Aufgabe der Kulturtechnik sei es, nicht nur auf der Welle mitzuschwimmen, sondern die neuen virtuellen Möglichkeiten zu hinterfragen und zu analysieren. „Wer sind die Protagonistinnen und Künstler? Woher kommt der Wunsch nach diesen fiktiven Orten überhaupt? Und wohin kann die Reise gehen?“ Der typografisch etwas sperrige Titel /imagine: wird eingefleischten Fans bekannt vorkommen, handelt es sich dabei doch um eine Art Reiseantritt, um den Tastaturbefehl, den man im KI-Programm Midjourney eingeben muss, um computergenerierte Images, sogenannte CGIs, zu erstellen.

Charlotte Taylor und Anthony Authié vom Pariser ZYVA Studio haben das schon öfter gemacht. Als Reaktion auf Covid- und Klimakrise bedienen sich die beiden bekannter Architekturikonen des 20. Jahrhunderts und setzen diese in eine neue, post-anthropozentrische, geografisch leicht verfremdete Welt. Nicht in Los Angeles, sondern plötzlich an einer pinkfröhlichen Steilküste in der Nähe von Marseille balanciert, einsam und menschenleer, John Lautners berühmtes Chemosphere House aus dem Jahr 1960.

Immer öfter dient der virtuelle Raum auch als grenzenlose Visitenkarte für Abenteuer und Kundenakquise. Das Salzburger Architekturbüro Studio Precht kommt genau so an seine Aufträge: Statt an offenen, unbezahlten Wettbewerben teilzunehmen, investiert es lieber in virtuelle Entwürfe, die dermaßen schön, g’scheit und sympathisch sind, dass sich sämtliche Blogs, Newsletter und Zeitschriften darum reißen – und manchmal eine reale Anfrage eines realen Bauherrn eintrudelt. So wie zum Beispiel beim Baumhaus Bert, das auf diese Weise von der Pixelwelt auf den Pogusch kam, wo es für 400 Euro pro Nacht an Restaurantgäste des Steirerecks vermietet wird.

Erste Euphoriephase

Andrés Reisingers Hortensia Chair blickt auf eine ähnliche Erfolgsgeschichte zurück: Vor fünf Jahren präsentierte der argentinische Designer einen fiktiven, 3D-gerenderten Fauteuil auf Instagram und bekam daraufhin eine solche Flut an Kaufanfragen, dass das gute Stück – in Kooperation mit der Textildesignerin Júlia Esqué und dem dänischen Möbelhersteller MOOOI – erst in eine limitierte Kleinserie und schließlich in Serienproduktion gegangen ist. Um 6500 Euro kann man in den rund 30.000 zusammengenähten Polyester-Blütenblättern Platz nehmen, et voilà!

„Wir stecken derzeit in der Euphoriephase, was die Möglichkeiten der virtuellen 3D- und KI-Produktion betrifft“, sagen Marlies Wirth und Bika Rebek. „Zugleich aber tauchen bereits die ersten Ängste und Zweifel auf: Wie können wir Datenmissbrauch unterbinden? Was tun, wenn wir in Bild- und Filmwelten bald nicht mehr wissen, was echt und was unecht ist? Und wie können wir uns in Zukunft gegen Fake News und Digital Colonialism der White-Collar-Gesellschaft zur Wehr setzen?“

Gleichzeitig bietet die Welt hinter dem Befehl /imagine: große Chancen. In der Baubranche können Prozesse optimiert, Müll und Verschnitt reduziert, materielle Ressourcen geschont werden. Dank KI können wir von der gebauten Welt und unseren Kulturgütern – auch von bedrohten oder bereits zerstörten – digitale Zwillinge erstellen. „Vor allem aber“, sagen die beiden Kuratorinnen, „kann KI die Fantasie anregen und ein Katalysator für Gedankenexperimente sein. Wir können damit nicht nur Architektur entwerfen, sondern vielleicht auch den Umgang mit unserem Planeten neu denken.“ Das sollten wir.

„/imagine: Eine Reise in die neue Virtualität“ im Mak, Eröffnung am 9. Mai 2023, 19 Uhr

Der Standard, Sa., 2023.05.06

Über Geschmack lässt sich nicht streiten, heißt es. Oh doch! Eine Ausstellung in Linz widmet sich nun der „Scheeheit“ und der „Schiachheit“ in der Architektur – und bringt wichtige Erkenntnisse zutage.

Die Fassade in Hellblau, Orange oder Weiß, das Dach in Gelb, Blau oder Rot, dazu bunte Fensterläden, das Ganze wahlweise mit oder ohne Zaun, manchmal gibt es noch einen Schornstein obendrauf, am Ende des Dorfes schließlich eine Kirche mit 10,3 Zentimeter hohem Plastiktürmchen. „Die frühkindliche Prägung ist voll von diesen architektonischen Stereotypen“, sagt Franz Koppelstätter. „Im Umgang mit diesen Spielzeugen lernen wir bereits in frühen Jahren, was wir später einmal als schön oder hässlich empfinden werden. Es gibt fast kein Entkommen.“

Das Modell „1/22 Häuschen ohne Zaun“ ist in der Preisliste des oberösterreichischen Spielwarenherstellers Hoffmann, Stand 1962, mit fünf Schilling ausgepriesen. „513 Bergkapelle“ schlägt mit zwölf Schilling zu Buche. Die Miniaturarchitekturen im Maßstab 1:87 von Hoffmann sowie vom deutschen Schwesterunternehmen Faller zählten jahrzehntelang zu den meistverkauften Spielzeugen in Europa. Die einen spielten damit Architektur, eine Hoffmann-Spielesammlung trägt sogar den Titel „Der kleine Städtebauer“, die anderen, vielleicht etwas älteren Spieler nutzten sie als Kulisse für ihre Märklin-Modelleisenbahn.

„Ob Modellhäuschen, Puppenhäuser, Puppenmöbel, Pixi-Bücher, Kindervideos, Kinderlieder oder Märchen, die am Abend vor dem Schlafengehen vorgelesen werden“, sagt Koppelstätter, Leiter des afo architekturforum oberösterreich, „in allen materiellen und immateriellen Medien, die wir in unserer Kindheit konsumieren, stecken bereits festgefahrene Geschmacksbilder drin, die altmodische, längst veraltete Wohn- und Lebensmodelle vordeterminieren, von denen wir uns später nur schwer wieder trennen können.“

Genau diesem Phänomen widmet sich die Ausstellung schee schiach (im breiten Dialekt gesprochen, mit einem schön verschluckten Nasallaut am Ende), die Koppelstätter konzipiert und gemeinsam mit Kollegen und Kuratorinnen umgesetzt hat. Seit Freitag ist die Ausstellung im afo zu sehen.

„Schon seit Jahrtausenden macht sich die Menschheit Gedanken darüber, was schee und was schiach ist, und bis heute gibt es darauf keine Antwort. Fachleute und Laien reden aneinander vorbei und haben meist weder eine gemeinsame Sprache noch eine übereinstimmende Definition von Schönheit.“

Der Traum aller Österreicher

schee schiach ist in mehrere Kapitel unterteilt und soll über die gesamte Laufzeit adaptiert und um zeitgenössische und künftige, visionäre, utopische Ansätze ergänzt und erweitert werden. Eine Annäherung in progress sozusagen. Neben der Spielzeugecke widmet sich die Ausstellung immer wieder dem Traum aller Österreicher, dem Einfamilienhaus. Nach wie vor sehen 65 Prozent aller Erwachsenen (Gallup-Umfrage, 2021) das Einfamilienhaus als ideale, erstrebenswerte Wohnform. Und das, obwohl die Kosten für ein Durchschnittseinfamilienhaus samt Durchschnittsgrundstück in den letzten Jahren regelrecht explodiert sind: Waren es 2018 noch 386.000 Euro pro Haus und Grund, so muss man laut einer Studie des Market-Instituts heute bereits 537.600 Euro hinblättern.

Geschmacksdiktatur

Wolfgang Stempfer, Dozent und Innenarchitekt, widmet sich in der Ausstellung der Genese des Einfamilienhauses und findet die Ursprünge dafür in der römischen Antike. Schon ab dem zweiten Jahrhundert vor Christus war der Gestank Roms den Angehörigen der Oberschicht ein Dorn in der Nase, worauf sie sich an den Stadträndern eine Villa suburbana errichten ließen, um sich dort dem Nichtstun und den wohligen Düften der Natur hinzugeben. In der Renaissance erfuhr die Einfamilienvilla im Latium, im Veneto und in der Toskana einen neuen Aufschwung.

„Und bis heute“, sagt Stempfer, „wird das Einfamilienhaus trotz aller ökologischen, ökonomischen und volkswirtschaftlichen Nachteile – was etwa Straßenbau, Ausbau der Infrastruktur und finanzielle Belastung der öffentlichen Hand betrifft – von der Politik propagiert.“ Sei es hierzulande in Form von Förderungen und Pendlerpauschalen, sei es in den USA, wo das Einfamilienhaus immer noch als heteronormatives Mantra beworben wird, um die Menschen mit Eigentum, Hypotheken und materiellem Patriotismus an das eigene Land zu binden. In einem Inserat des Own Your Home Committee anno 1922 heißt es: „The man who owns his home – is a better worker, husband, father, citizen and a real American.“

Die vielleicht stärkste ästhetische Prägung jedoch, die im deutschsprachigen Raum der Gesellschaft aufgebürdet wurde, meint der Linzer Kunst- und Architekturhistoriker Georg Wilbertz, sei im Nationalsozialismus zu beobachten gewesen. „Das NS-Regime war unter anderem auch ein Geschmacksregime“, sagt er. „Es gab eine starke propagandistische Auseinandersetzung mit Stil, Ästhetik und Angemessenheit.“ Manche Bücher wie beispielsweise Gerdy Troosts Das Bauen im neuen Reich, herausgegeben im Gauverlag Bayerische Ostmark, erreichten Auflagen von bis zu 40.000 Stück.

„Die Maler der deutschen Romantik haben uns das Antlitz unserer Heimat zu Beginn des vergangenen Jahrhunderts treu bewahrt“, schreibt Troost in ihrem Bestseller. „Die sorgfältige Durchbildung jedes einzelnen Baues, der in Deutschland errichtet wird, nach den Grundgesichtspunkten eines deutschen Kulturempfindens, bringt uns dem bedeutsamen Ziele näher, die Wohnstätten unseres Volkes auch seelisch zu seiner Heimat zu machen. Unter sicherer Führung überwindet die neue deutsche Baukultur das seelische Elend, das die kunstvernichtende Unkultur des liberalen Zeitalters verschuldet hat.“

Auch wenn sich die politischen Vorzeichen in den letzten Jahrzehnten grundlegend verändert haben, so hat sich in vielen Teilen der Gesellschaft bis heute dennoch eine Geschmacksdiktatur erhalten, die über „schee“ und „schiach“ entscheidet – seien es diktatorische Regimes in Zentralasien, seien es Bauinnungen, Baustofflobbys, Fertighaushersteller oder konservative Gestaltungsratgeber-Plattformen auf Länderebene, wie sie etwa in Niederösterreich zu finden sind. Doch Vorsicht!

Keine Einbahnstraße

„Für den Gap zwischen schee und schiach sind aber nicht nur die anderen verantwortlich“, sagt afo-Leiter Franz Koppelstätter, „sondern eben auch die Architekturschaffenden selbst. Das kulturelle und kommunikative Missverständnis ist keine Einbahn. Auch Architektinnen und Architekten verstehen oft nicht, was andere Menschen unter Schönheit verstehen. Und das ist ein Problem. Wir wollen diese Übersetzungslücke sichtbar machen. Und zwar ohne Boulevard-Bashing.“

Die Ausstellung „schee schiach“ ist noch bis 23. Juni 2023 zu sehen. In Kooperation mit dem afo werden kommende Woche beim Crossing-Europe-Filmfestival Linz einige Kurz- und Langfilme zum Thema gezeigt. Lotte Schreiber hat die Auswahl kuratiert. Zu sehen ist u. a. „Retreat“ von Anabela Angelovska, ein 30-minütiger Dokumentarfilm, der der Frage nachgeht, warum in Nordmazedonien plötzlich zuhauf pseudoluxuriöse Südstaatenvillen aus dem Boden sprießen. 26. April bis 1. Mai 2023.

Der Standard, Sa., 2023.04.22

Vor drei Jahren hat Spittal an der Drau einen neuen Rathausplatz bekommen. Der neue Bürgermeister findet ihn „schiach“ und hat nun begonnen, ihn verbal und materiell zu demontieren. Im Sommer soll er mit Palmen und Pavillons aufgemotzt werden. Hilfe!

Szene 1, 2017: Vor dem Rathaus von Spittal an der Drau steht ein romantisch anmutender Eisenpavillon mit einer weiß lackierten Parkbank. Frisch vermählte Hochzeitspaare, hört man, lassen sich hier gerne fotografieren. Der restliche Rathausplatz ist als Platz kaum existent, eine Mischung aus Parkplatz und Rathausrückseite, überall Asphalt, vollgepfercht mit schräg parkenden Autos, keine Menschenseele weit und breit, in der Mitte ein leerstehendes Haus.

Szene 2, 2020: Es wird ein Wettbewerb zur Umgestaltung ausgeschrieben. Der Sieg geht an das Kärntner Architekturbüro Gasparin & Meier, das den Platz 2020 in eine Begegnungszone umbaut – mit Brunnen, Basketballplatz und gemütlichen Sitzecken, die in ihrer Gestaltung mit Lounge-Möbeln, Omama-Stehlampen und stilisierten Teppichen einem Wohnzimmer nachempfunden sind. Der gesamte Platz ist gepflastert, keine Versiegelung, das Kopfsteinpflaster wie in Italien im Schotterbett verlegt. Im Sinne der Schwammstadt soll das Regenwasser versickern. Es fließt in mehrere Retentionsbecken unter dem Platz und wird zur Bewässerung der 22 neu gepflanzten Bäume verwendet. Auf diese Weise wird die Kanalisation entlastet.

Szene 3, letzte Woche: Auf einem der zehn Quadratmeter großen Teppiche wurden die Lounge-Möbel, da sie „im Weg gestanden“ seien, vom neuen Bürgermeister Gerhard Köfer (Team Kärnten, zuvor Team Stronach, zuvor SPÖ, seit 2021 im Amt) bereits abgebaut. Stattdessen gibt es nun einen immergrünen Kunstrasen, zwölf Quadratmeter in der Fläche, mit weißer Rosamunde-Pilcher-Parkbank, Eisenherzerl und bunten Plastikblumen zum Fotografieren. Laut Köfer solle im Sommer nun auch der restliche Platz umgebaut werden, mit einem Pavillon als „Fotopoint“ in der Platzmitte.

Wir fragen den Bürgermeister:Am Gründonnerstag, Karwoche, wird Der ΔTANDARD von Bürgermeister Köfer in Empfang genommen. „Viel Zeit habe ich nicht. Sie schreiben ja sowieso, was Sie wollen.“ Zum einen kritisiert Köfer im Interview die Gestaltung des Platzes: „Wenn ich da runterschaue, dann sehe ich: Das ist einfach schiach. Das schaut ja lächerlich aus! Wir müssen den Rathausplatz neu beleben. Wir arbeiten nun daran, dass der Platz zeitgemäß wird.“

Noch eine Kritik: „Und zum anderen wurde der Platz so gebaut, dass er nahezu unbegehbar ist.“ Die Kritik richtet sich an den Bodenbelag, also an die Verlegung mit nicht geschnittenen, sondern gebrochenen Pflastersteinen. Es sei schwierig, den Platz mit Rollstuhl zu befahren und mit Stöckelschuhen zu begehen. „Da fällt dir das Gebiss raus, wenn du jemanden im Rollstuhl rüberschiebst.“ Der Landesrechnungshof empfiehlt in einer schriftlichen Stellungnahme, zu prüfen, ob ein Zusatz zum Fugensand mit erhöhtem Feinanteil die Fugenoberfläche besser verfestigen würde. Das könne die Unebenheiten reduzieren.

Bloß bitte nicht Basketball spielen! Auch am ehemaligen Basketballplatz – die bereits montierten Basketballkörbe mussten nach wenigen Tagen, nachdem sich Anrainer wegen des Lärms beschwert hatten, wieder abgebaut werden – lässt Köfer kein gutes Haar: „Übriggeblieben ist dieser weiße Schmutz. Wenn’s regnet, ist das eklig.“ Damit hätten auch die Marktbetreiber, die jeden Donnerstagvormittag hier unten ihren Bauernmarkt aufbauen, keine Freude, meint er. Sie freuten sich auf eine Pavillonüberdachung, versichert er. „Fragen S’ die Leute!“ Das tun wir. Wir hören uns mal um. „Der Platz ist schon okay, ein cooles Ding eigentlich, ganz anders, als man das sonst kennt“, sagt Ivo Burušić, 30 Jahre alt, er betreibt mit seinen Eltern jeden Donnerstag einen Obst-und-Gemüse-Stand. „Aber bitte keinen Pavillon! Wir fahren hier mit unseren Kombis und Lieferwagen auf den Platz, es ist jetzt schon eng!“ Corinna Ebner und Vanessa Goller, zwei befreundete Mütter, die mit ihren Kindern hier sind, meinen: „Früher war das nur eine Durchfahrtsstraße mit Parkplatz. Etwas mehr Grün wäre schön, und vielleicht noch mehr Spielgeräte für die Kinder, aber der Platz mit den Wohnzimmer-Lounges ist sehr nett, endlich mal was anderes!“

Die Sache mit dem Kopfsteinpflaster: Mario Rindlisbacher, Ofensetzer von Beruf, freut sich über den Bodenbelag: „Meist bemüht man sich, ein südliches, historisches Flair in eine Stadt zu bringen. Mit dem Kopfsteinpflaster ist das hier absolut gelungen. Ich würde an diesem Platz absolut nix ändern wollen!“ Etwas anders sieht das Svetlana Thaler, Betreiberin des angrenzenden Stadtcafés: „Schön ist der Platz ja, und auch gemütlich. Nur die Pflasterung finde ich nicht so geeignet. Wenn ein Wind kommt, ist der Sand überall.“

Barrierefreiheit? Am stärksten bekrittelt Bürgermeister Gerhard Köfer die Barrierefreiheit. Wir fragen Lukas Hofer, 34 Jahre alt, er ist in der Tageswerkstätte der Stiftung Liebenau beschäftigt und sitzt im Rollstuhl. Er macht gerade Pause im Eissalon. „Ein ganz glatter Boden wäre natürlich einfacher zu befahren, keine Frage. Aber es geht schon, ich würde sagen, dieser Platz ist sehr wohl barrierefrei. Das viel größere Problem sind die ganzen Randsteine in der Stadt. Die sind ein Kas. Das habe ich dem Bürgermeister schon öfter geschrieben, aber der meldet sich nie zurück.“

Und jetzt? Im Sommer soll der Rathausplatz, der vor erst drei Jahren aus stadtklimatischen Gründen bewusst als Versickerungsfläche angelegt wurde, zum Teil verfugt, versiegelt und umgebaut werden. Dazu hat Köfer im Rahmen des Leader-Förderprogramms der EU bereits einen Förderantrag unter dem etwas befremdlichen Titel „Makeover einer Dame“ gestellt. Mit 20 Palmen solle ein südliches Flair in die Stadt gebracht werden, der Rathausplatz erhalte zudem einen „mediterranen Pavillon mit Bepflanzung“. Auch so kann man der Erderwärmung begegnen.

Das Problem: Gerhard Köfer, der bereits kurz nach Amtsantritt den unabhängigen Gestaltungsbeirat von Spittal an der Drau aufgelöst hat, weigert sich, zur Umgestaltung des Platzes das Büro Gasparin & Meier – oder auch irgendwelche anderen Architekten – heranzuziehen. Das könne er selbst am besten. „Ich habe keine Ausbildung, aber ich mache das schon seit 30 Jahren. Ich habe eine starke Vorstellungskraft für alles, was mit Bauen zu tun hat.“ Oder auch seine Frau Evelyn Köfer. Die leitet den Ausschuss Stadtmarketing. Und ist für Herzerln und Blumenpavillons zuständig. „Wir haben so viel Kreativität im Haus. Und auch viel Gefühl für etwas.“

Fazit: Der Bürgermeister ist in Österreich immer noch die oberste Bauinstanz. Wie g’scheit das ist, wird man im nächsten Sommer in Spittal an der Drau sehen können. Oder aber die Geschichte nimmt doch noch ein gutes Ende.

Der Standard, Sa., 2023.04.15

Die Cité Le Lignon in Genf ist so etwas wie der Karl-Marx-Hof in Wien, nur mit zwölf Stockwerken und mehr. Nun wurde die Ikone der Moderne saniert. C'est très bon!

Madame Ruth hat Kaffee aufgesetzt. Im Körbchen liegen frische Croissants aus ihrer Lieblingsbäckerei. „Gleich unten ums Eck, denn hier in Lignon, hier kriegt man fast alles! Doch Sie sind ja nicht gekommen, um mit mir über Gebäck zu sprechen. Sie wollen etwas über diese riesige Wohnhausanlage wissen, die in den letzten Jahren saniert wurde. Lieber Herr Architekt, vielen Dank dafür! Meine Heizrechnung hat sich seitdem halbiert. Also, was darf ich Ihnen erzählen?“

Ruth Righenzi-Eggenberger, 81 Lenze alt und ein Lächeln wie ein freches Mädchen, wohnt seit über 50 Jahren in Le Lignon, dem größten Bauwerk der Schweiz. Mit mehr als einem Kilometer Länge, 84 Stiegenhäusern, knapp 2800 Wohnungen und sogar einer eigenen Postleitzahl ist Le Lignon am westlichen Stadtrand von Genf eine der größten Wohnhausanlagen der Welt. Errichtet wurde die Ikone der späten Moderne am Ufer der Rhône in den Jahren 1963 bis 1971 nach Plänen von Georges Addor und Dominique Julliard. Aufgrund ihrer einzigartigen Größe und architektonischen Qualität wurde die Superstadt, die heute rund 6500 Menschen beherbergt, 2009 vom Kanton Genf unter Denkmalschutz gestellt.

„Was seitdem passiert ist, scheint wie ein technisches Paradebeispiel aus dem Bilderbuch“, sagt Ruth. „Mit wenigen Handgriffen wurde die Fassade von innen gedämmt, die Loggia bekam eine Isolierverglasung, die Fenster wurden saniert, die Steigleitungen wurden erneuert, zudem wurden im Stiegenhaus die Türen und Bodenbeläge getauscht.“ Ruth macht einen Bissen vom Croissant. „Resch und knackig, nicht wahr? So wie der Zeitplan der Baufirma, denn soll ich Ihnen was verraten? Die Bauarbeiten in meiner Wohnung haben vielleicht zwei Wochen gedauert, und ich musste in dieser Zeit nicht einmal ausziehen. Wirklich bravo!“

Das freut natürlich den Architekten. Denn genau das war der Plan. Stephan Gratzer, Partner im Genfer Architekturbüro Jaccaud + Associés, betreut das Projekt seit vielen Jahren. Die Wohnungen auf Stiege 49 – also auch jene von Madame Ruth – wurden bereits 2012 saniert und thermisch und energetisch ertüchtigt. Seitdem haben sich die Architekten, Baufirmen, Schlosser, Fensterbauer und Installateure Stiege für Stiege vorgearbeitet. Mittlerweile wurden 47 Stiegen erneuert, und die Bauarbeiten sind noch lange nicht abgeschlossen. Für das außergewöhnliche Sanierungsprojekt wurde das Büro Jaccaud + Associés von der Schweizer Architekturzeitschrift Hochparterre sogar mit dem Goldenen Hasen ausgezeichnet.

„Die Schwierigkeit in Le Lignon ist, dass die 84 Stiegen verschiedenen Bauträgern und Hausverwaltern gehören“, erklärt Gratzer. „Das heißt: Wir haben es hier mit vielen Entscheidern, vielen Ansprechpartnern und vor allem vielen unterschiedlichen Unternehmenskulturen zu tun. Daher war für uns die oberste Prämisse, dass die sanierten Fassaden gegenüber den unsanierten nicht herausstechen. Das Bauwerk muss trotz aller Veränderungen und unabhängig vom jeweiligen Sanierungsfortschritt wie aus einem Guss erscheinen.“

Das erklärt auch den Denkmalschutz. Denn nur mit diesem Kniff war es möglich, das historische Erscheinungsbild und die originale Curtain-Wall-Fassade mit ihren dunkelgrauen Gläsern, ihren kantigen Aluminium-Einfassungen und ihren warmen Loggien aus Zedern- und Mahagoniholz rechtens zu schützen. Als Nächstes wurde das Institut für Technik und Schutz der modernen Architektur (TSAM) der École Polytechnique Fédérale de Lausanne (EPFL) beauftragt, mit ihren Studierenden die einzelnen Bauteile zu analysieren und einen Sanierungskatalog zu entwickeln, der erstens die Besonderheiten der Nachkriegsmoderne wahrt und zweitens einen Umbau ohne Gerüst und ohne Auszug der Mieterinnen und Mieter ermöglicht.

Vorbild für Österreich

Auf dieser Basis kamen die Architekten Jaccaud + Associés ins Spiel. „Das ist ein hochkomplexes Projekt mit vielen, vielen Wohnungen“, sagt Gratzer. „So etwas ist nur möglich, wenn alle an einem Strang ziehen und die gewohnten Pfade verlassen.“ Um die behördlichen Wege zu beschleunigen, musste für das gesamte Sanierungsprojekt lediglich eine einzige Rahmenbaubewilligung angesucht werden – ein absolutes Novum. Hinzu kommen einige Hundert technische Leitdetails, die in einem dicken Handbuch festgehalten sind und an die sich die involvierten Generalunternehmer und Handwerker penibel zu halten haben.

„Le Lignon ist trotz seiner hohen räumlichen Qualitäten eine rigide Stahlbetonmatrix mit wenig baulicher Flexibilität“, erklärt Gratzer. „Vor allem bei der Wärmeisolierung mussten wir daher sehr effizient arbeiten.“ Die Decken und Parapete wurden mit Glaswolle gedämmt, auf den Laubengängen kamen sogenannte Aerogel-Kügelchen zum Einsatz, unter den Terrassen und Laubengängen wurden, um wertvolle Höhe zu sparen, Vakuum-Dämmplatten verlegt. „War nicht gerade billig, aber es funktioniert.“

Die Architekten, der Generalunternehmer und das Comité Central du Lignon, der in diesem Projekt als eine Art Schirmbauherr fungiert, sind mit den Bewohnerinnen im engen Kontakt, und es hat sich herausgestellt, dass die Halbierung der Heizrechnung bei Madame Ruth kein Einzelfall ist. Die meisten Mieter berichten von einer Reduktion der Energiekosten und von besseren, angenehmeren Innenraumtemperaturen im Sommer wie im Winter.

„Ich würde sagen, dass 80 Prozent der hier wohnenden Menschen mit der Sanierung sehr zufrieden sind“, sagt Ruth Righenzi-Eggenberger. „Die restlichen 20 Prozent hätten sich wahrscheinlich mehr erwartet und sind enttäuscht, dass das Haus immer noch so aussieht, wie es war. Doch genau das ist die große Qualität! Wir wohnen hier, wir leben hier, wir sind hier zu Hause – und jetzt ist unser Zuhause ökologisch besser und ökonomisch leistbarer, ohne dass sich irgendetwas Großes verändert hätte. Meine Wohnung schaut immer noch aus wie eine alte Bauernstube! Also ich finde das wunderbar.“

Auch in Österreich steht uns mit der rechtlich verankerten Dekarbonisierung bis 2040 ein radikaler Stadtumbau bevor, der in seinen sozialen, ökonomischen und stadtplanerischen Ausmaßen mit der Gründerzeit, vielleicht sogar mit dem Bau der Wiener Ringstraße zu vergleichen ist. Zehntausende Wohnhäuser, die in den Nachkriegsjahren errichtet wurden und die schlecht gedämmt und an fossile Energieträger gebunden sind, müssen zukunftsfit gemacht werden.

Ohne standardisierten Katalog, ohne kollektiven Rückhalt aus Politik und Industrie und ohne den visionären Elan, der in Le Lignon ganz viel Wohnglück produziert hat, wird es nicht gehen.

Der Standard, Sa., 2023.03.25

Am 22. März ist UN-Weltwassertag. Ein guter Anlass, um über die Zukunft von Wasser und Stadtklima nachzudenken. Eine Gruppe von Forschenden will die Wienerwaldbäche, die einst durch die Stadt flossen, wieder an die Oberfläche bringen.

An der Fassade des Palais Montenuovo auf der Freyung erfährt man Wissenswertes über die Geschichte Wiens. Eine kleine Reiterfigur mit Krummsäbel und Turban erinnert an die Erste Türkenbelagerung anno 1529. Doch auch überaus überraschende Trivia zur Wiener Stadtmorphologie sind an dieser Stelle ersichtlich, etwa auf einem verblassten Schild zu Füßen des Osmanen: „Bis zum J. 1456 floß durch diese Gasse und durch den tiefen Graben der Alsbach der Donau zu.“

In wenigen Tagen, am 22. März, findet der alljährliche UN-Weltwassertag statt. Das weltweite Ereignis unter der Schirmherrschaft der Vereinten Nationen steht heuer unter dem Motto „Accelerating Change“ („Beschleunigung des Wandels“). Dringliche Worte, die auf den Zusammenhang zwischen Klimakrise, Landnutzung und der elementaren Bedeutung von Wasser für Mensch, Fauna und Flora hinweisen. „Es muss gelingen“, ist auf der Website eines teilnehmenden Regierungspartners zu lesen, „die Resilienz des Wasserhaushalts zu stärken, zu viel und zu wenig Wasser zu managen und Wasser wieder verstärkt in der Fläche zu halten.“

Mammutprojekt

Welchen Beitrag dazu könnte etwa der ehemalige Alsbach leisten, der einst in Dornbach und Neuwaldegg entsprang und nach einer Umleitung im Hochmittelalter durch Hernals und weiter durch die heutigen Straßenverläufe von Währinger Straße, Schottentor, Herrengasse, Freyung, Tiefer Graben und Concordiaplatz plätscherte, ehe er am Werdertor in den Wiener Arm der Donau mündete? Und gibt es den Alsbach heute überhaupt noch?

„Insgesamt gibt es rund 50 Bäche, die im Wienerwald entspringen und die in früheren Zeiten in offener Führung durch Wien flossen“, sagt Renate Hammer, Leiterin des Institute of Building Research & Innovation (IBR&I). „Zahlreiche Straßennamen wie etwa Badgasse, Hofmühlgasse oder Alserbachstraße verweisen auf die einst große Präsenz der Wiener Wasserläufe.“

Allein, mit den Choleraepidemien Mitte des 19. Jahrhunderts wurden viele Bäche aus siedlungshygienischen und volksgesundheitlichen Gründen in künstliche Kanäle gefasst und verschwanden unter der Erde.

„Heute“, meint Hammer, „gehört dieses Problem der Vergangenheit an. Stattdessen haben wir ein neues Problem, nämlich ein stadtklimatisches und ressourcentechnisches, auf das wir dringend reagieren müssen.“ In Zusammenarbeit mit Kolleginnen und diversen Partnerinstituten arbeitet Hammer seit 2021 an einem umfassenden Forschungsprojekt unter dem Titel „ProBach“. Das vierjährige, vom Klima- und Energiefonds mit rund 530.000 Euro geförderte Mammutprojekt untersucht die Durchflussmengen und die unterirdischen Verläufe der Wienerwaldbäche und befasst sich mit der Frage, mit welchen rechtlichen, technischen und städtebaulichen Mitteln die historischen Gewässer wieder an die Oberfläche gebracht werden könnten.

„Die natürlichen Einzugsgebiete im Wienerwald sind bis heute vorhanden, doch spätestens an den Bebauungsrändern werden die Bäche ins Wiener Kanalisationsnetz eingeleitet. Damit geht das kostbare Wasser verloren“, so die Forscherin. Mehr noch: Anstatt es effizient zu nutzen, etwa für die Bewässerung von Stadtbäumen, belastet es die Kanalisation und verlangt zudem nach größeren Kanalquerschnitten. Das kostet Geld.

„Wir haben insgesamt 16 Wienerwaldbäche untersucht, nicht alle davon führen ganzjährig Wasser, doch am ergiebigsten erscheint der Alsbach mit einer kontinuierlichen Wassermenge von zumindest fünf Litern pro Sekunde“, sagt Florian Kretschmer vom Institut für Siedlungswasserbau, Industriewasserwirtschaft und Gewässerschutz, Boku Wien. „Das klingt nicht nach viel, aber selbst im heißen Sommer sind das mehr als 400 Kubikmeter Wasser pro Tag, die erst in den Kanal geführt und verschmutzt und in der Folge in der Kläranlage wieder gereinigt werden müssen. Das müssen wir hinterfragen!“

Stellt sich die Frage: Wie bekommt man das saubere Bach- und Regenwasser wieder aus dem Kanal heraus? „Es gibt in Europa einige gute Rohr-in-Rohr-Projekte, in denen das Reinwasser aus dem Kanal wieder entkoppelt wurde“, erklärt Philipp Stern, Junior Partner und Studienleiter am IBR&I, und nennt als Beispiele den Bründl- und den Einödbach in Graz, den Darmbach in Darmstadt, den Melaan in Mechelen und die Alna in Oslo. Die bislang umfassendste Erfahrung mit der Entkoppelung von Kanal- und Regenwasser hat die Stadt Zürich, die seit den 1980er-Jahren insgesamt 18 Kilometer Bachläufe rekonstruiert und sukzessive an die Oberfläche zurückgeholt hat.

Die Studie „ProBach“, die noch bis 2024 läuft und keineswegs die erste ihrer Art ist (es wurden in den letzten Jahren schon einige Studien beauftragt und durchgeführt, allerdings wurden diese von der Stadt Wien bislang unter Verschluss gehalten), analysiert die unterschiedlichen Bachrouten und kommt zum Schluss, dass der Als-, der Erbsen- und der Schreiberbach – mit einer Durchflussmenge von sieben bis zwölf Litern pro Sekunde an zumindest 300 Tagen im Jahr – ausreichend Wasser führen, um das Bachwasser über weite Strecken im Fluss zu halten.

Attraktive Räume

„Entlang der Bäche“, meint Magdalena Holzer, Stadtklimatologin bei Weatherpark, „könnte man Stauden und Sträucher pflanzen, Bäume setzen, mit großen Steinen arbeiten, verschattete Aufenthaltsbereiche schaffen und auf diese Weise vor allem für sozioökonomisch schwächer gestellte Menschen innerhalb der dicht verbauten Stadt attraktive öffentliche Räume schaffen.“ Aus zahlreichen Untersuchungen wisse man, dass mit großflächiger Beschattung und Verdunstungskälte durch Wasser die subjektiv empfundene Temperatur im Hochsommer um bis zu zehn Grad Celsius reduziert werden könne.

In der Inneren Stadt, am Alsergrund, in Ottakring und in Hernals gibt es großes Interesse an erlebbarem Wasser in der Stadt. Zur Diskussion standen bereits Wasserflächen, mobile Flussoasen und sogar ein offen geführter Schanibach. Auch Bernd Vogl, neuer Geschäftsführer des Klima- und Energiefonds, erklärt auf Anfrage des STANDARD: „Der eine oder andere neue Kilometer Gewässer in Wien wäre ein Beitrag zur Lebensqualität.“

Leider gab es für die Bestrebungen der Bezirke seitens Ulli Sima, der amtierenden Stadträtin für Innovation, Stadtplanung und vieles andere, vertraulichen Quellen zufolge bislang keine Unterstützung. Auch auf Anfrage des STANDARD reagiert sie skeptisch, steht für ein Gespräch nicht zur Verfügung, lässt über die Pressesprecherin der MA 45 (Wiener Gewässer) ausrichten, es gebe in Wien keine unterirdischen Bäche, die freigelegt werden können, denn diese seien Teil des Kanalsystems.

Die Forschungsergebnisse von „ProBach“ könnten dazu herangezogen werden, über ein resilientes, zukunftsfittes Wien nachzudenken. Und mit wissenschaftlich fundierter Forschungsarbeit den Gegenbeweis anzutreten. Dass es vielleicht doch geht. Beschleunigung des Wandels. Es braucht dringend ein Pilotprojekt.

Der Standard, Sa., 2023.03.18

Die Ausnahmefotografin trug dazu bei, dass Architekturfotografie als Kunstmedium anerkannt wurde

Ihre ersten Fotos waren radioaktive und radiologische Innenraumfotografien vom menschlichen Körper, wie sie selbst zu sagen pflegte. Margherita Spiluttini machte eine Ausbildung zur medizinisch-technischen Assistentin und arbeitete in jungen Jahren in der nuklearmedizinischen Abteilung des Wiener AKH. Eines Tages begann sie, auch außerhalb des Krankenhauses zu fotografieren: Menschen, Momente, Landschaften, Stilllebenserien im eigenen Haushalt, Dokumentationsfotos der frühen Frauenbewegungen in Österreich.

In den 1980er- und 1990er-Jahren entdeckte sie ihre Liebe für das Gebaute. Nun ist Österreichs wichtigste Architekturfotografin 76-jährig in Wien verstorben. „Als ich begonnen habe zu fotografieren“, sagte Spiluttini einmal im Interview, „war die Branche traditionell und verkrustet. Fotografie als zeitgenössische Kunstform war ein Fremdwort.“ Spiluttini, aufgewachsen im Pongau, hatte schon früh mit bedrohlichen Bergen und technischen Eingriffen in die Natur zu tun, war geprägt von Rohbauten, Brückenpfeilern und Tunneleinfahrten. Sie fotografierte für die größten und bekanntesten Künstler und Architekten der Welt – unter anderem für Roland Rainer, Peter Zumthor, Aldo Rossi, Álvaro Siza Vieria, Tadao Ando, Sol LeWitt, James Turrell, Olafur Eliasson, Friedensreich Hundertwasser und war jahrelang Haus- und Hoffotografin für das Schweizer Büro Herzog & de Meuron.

Sie beteiligte sich an zahlreichen Biennalen in Venedig, war Vorstandsmitglied der Wiener Secession und lehrte an der Angewandten in Wien sowie an der Kunstuniversität Linz. „Ich liebe diesen Moment, wenn ich unter dem schwarzen Tuch meiner Plattenbodenkamera verschwinde“, sagte sie. „Das Bild auf der Mattscheibe steht am Kopf, alles ist seitenverkehrt, man schaut anders, irgendwie konzentrierter auf die Welt.“ 2014 schoss sie selbstständig das letzte Foto ihrer Karriere. 1995 war bei ihr Multiple Sklerose (MS) diagnostiziert worden, seit 2006 war sie auf den Rollstuhl angewiesen, das Fotografieren wurde immer schwieriger.

Spiluttini trug dazu bei, dass das fotografierte Bauwerk heute als eigenständige Kunst anerkannt ist. Dafür wurde sie 2006 mit dem Österreichischen Ehrenkreuz für Wissenschaft und Kunst, 2016 mit dem Österreichischen Staatspreis für künstlerische Fotografie ausgezeichnet. Anfang Jänner verstarb ihr Lebensgefährte, der Architekt Gunther Wawrik, wenige Wochen später ist sie ihm nun an den Folgen ihrer MS-Erkrankung nachgefolgt.

Spiluttini hinterlässt ein unschätzbares Œuvre an 120.000 Diapositiven und Negativen, die sie zu Lebzeiten als Vorlass dem Architekturzentrum Wien übergab.

Der Standard, Mo., 2023.03.06

Die österreichische Autodidaktin hat dazu beigetragen, dass Architekturfotografie heute als künstlerisches Medium anerkannt ist

Ihre ersten Fotos waren radioaktive und radiologische Innenraumfotografien vom menschlichen Körper, wie sie selbst zu sagen pflegte. Margherita Spiluttini machte eine Ausbildung zur medizinisch-technischen Assistentin und arbeitete in ihren jungen Jahren in der nuklearmedizinischen Abteilung des Wiener AKH. Eines Tages begann sie, auch außerhalb des Krankenhauses zu fotografieren: Menschen, Momente, Landschaften, Stilllebenserien im eigenen Haushalt, Dokumentationsfotos der frühen Frauenbewegungen in Österreich. In den 1980er- und 1990er-Jahren entdeckte sie ihre Liebe für das Gebaute, für das von Menschenhand Geschaffene. Nun ist Österreichs, wenn nicht sogar Europas wichtigste Architekturfotografin 76-jährig in Wien verstorben.

„Als ich begonnen habe zu fotografieren“, sagte Spiluttini einmal in einem Interview mit dem STANDARD, „war die Branche traditionell und verkrustet. Fotografie als zeitgenössische Kunstform war ein Fremdwort. Ja, es gab die Magnum-Fotos, die alle bewundert haben, aber die waren mir zu anekdotisch.“
Aus Hassliebe wurde Faszination

Spiluttini, Tochter eines Baumeisters, aufgewachsen im Pongau, hatte schon früh mit bedrohlichen Bergen und technischen Eingriffen in die Natur zu tun, war geprägt von Rohbauten, Brückenpfeilern und Tunneleinfahrten. „Es war eine Art Hassliebe“, sagte die Autodidaktin. „Eines Tages ist aus dieser Hassliebe eine tiefe Faszination geworden, eine Faszination für Architektur, die mich nie wieder losgelassen hat.“

Spiluttini fotografierte für die größten und bekanntesten Künstler und Architekten der Welt – unter anderem für Roland Rainer, Peter Zumthor, Aldo Rossi, Álvaro Siza Vieria, Tadao Andō, Sol LeWitt, James Turrell, Ólafur Elíasson, Friedensreich Hundertwasser – und war jahrelang Haus- und Hoffotografin für das Schweizer Büro Herzog & de Meuron. Sie beteiligte sich an zahlreichen Biennalen in Venedig, war Vorstandsmitglied der Wiener Secession und lehrte an der Angewandten in Wien sowie an der Kunstuniversität Linz.

Diagnose: Multiple Sklerose

„Ich liebe diesen Moment, wenn ich unter dem schwarzen Tuch meiner Plattenbodenkamera verschwinde“, sagte sie. „Das Bild auf der Mattscheibe steht auf dem Kopf, alles ist seitenverkehrt, man schaut anders, irgendwie konzentrierter auf die Welt.“ 2014 schoss sie selbstständig das letzte Foto ihrer Karriere. 1995 nämlich war bei ihr multiple Sklerose (MS) diagnostiziert worden, seit 2006 war sie auf den Rollstuhl angewiesen, das Fotografieren wurde immer schwieriger. „Ich hatte einen elektrischen Rollstuhl mit integrierter Stehfunktion. Und jetzt stellen Sie sich einmal diese Situation auf der Straße mit Kamerastativ und großem, schwarzem Tuch darüber vor! Gemeinsam mit meiner Assistentin habe ich am Ende schon oft lustige Blicke geerntet.“

Unschätzbares Œuvre

Margherita Spiluttini hat es geschafft, die Architekturfotografie in ihrer Wertigkeit zu heben. Sie hat dazu beigetragen, dass das fotografierte Bauwerk heute als eigenständige Kunst anerkannt ist. Dafür wurde sie 2006 mit dem Österreichischen Ehrenkreuz für Wissenschaft und Kunst, 2016 mit dem Österreichischen Staatspreis für künstlerische Fotografie ausgezeichnet. Anfang Jänner verstarb ihr Lebensgefährte, der Wiener Architekt Gunther Wawrik, wenige Wochen später ist sie ihm nun – aufgrund der Folgen ihrer MS-Erkrankung – nachgefolgt. Spiluttini hinterlässt ein unschätzbares Œuvre von 120.000 Diapositiven und Negativen, von 120.000 Blicken auf die Welt, die sie noch zu Lebzeiten als Vorlass dem Architekturzentrum Wien übergab.

Der Standard, Fr., 2023.03.03

Der Münchner Architekt Peter Haimerl hat eine Vorliebe für kaputte Bauten und urbane Dysfunktionalitäten. Kommenden Samstag hält er einen Vortrag beim Architekturfestival Turn On in Wien.

Standard: Sie gelten als einer der radikalsten Architekten im deutschsprachigen Raum. Sehen Sie das selbst auch so?

Haimerl: Selbstbeurteilung ist eine schwierige Sache. Ich empfinde mich nicht als radikal, aber ich mache eine Architektur, die bis an die Grenzen geht, die sich bemüht, Raum nicht nur als etwas Funktionales zu sehen, sondern immer auch als einen Gedankenraum mit sinnlichen, theoretischen und philosophischen Facetten. Und ja, ich will diese Facetten ohne Kompromiss in die Realität umsetzen.

Standard: Sie haben eine Vorliebe für Schuppen, Stallungen und kaputte Bauernhäuser – aber auch für ausgestorbene und verwahrloste Orte in der Stadt. Woher kommt diese Faszination?

Haimerl: Es ist wie immer im Leben: Gebrochene Charaktere und Lebensgeschichten Gezeichneter sind interessanter als alles, was glatt und eindimensional ist. Mich interessieren Gebäude, die Narben und Nahtoderfahrungen haben, die schon was durchgemacht haben. Es steckt in ihnen eine unverfälschte Wahrheit, die man auch auf die Jetztzeit übertragen kann.

Standard: Was genau können wir von kaputten Häusern lernen?

Haimerl: Die Verletztheit und Verletzlichkeit. Die meisten glauben, es geht in der Architektur um die perfekte Lösung, um die tollste Form, um das schönste Detail. Nein! Es geht darum, Räume zu schaffen, die Würde und Verständnis ausstrahlen und die eine Heimat bieten für die Verletzlichkeit in uns Menschen.

Standard:Ihre Projekte – ob nun Altbau oder Neubau – wirken an sich schon sehr archaisch und dramatisch. Dennoch werden die fertigen Häuser manchmal mit Kühen, Pferden und geheimnisvollen Frauen in Szene gesetzt. Wieso denn das?

Haimerl: Klassische Architekturfotografie langweilt mich zu Tode. Ich möchte über das klassische Bild hinausgehen. Bei der schwarzen Frau, die auf einigen Fotos zu sehen ist, handelt es sich um meine Frau Jutta Görlich, sie inszeniert die Räume gemeinsam mit dem Fotografen Edward Beierle. Dazu betreibt sie Geschichtsforschung zum Ort und zum Haus und verknüpft die Resultate mit Humor und Surrealismus.

Standard: Und dann steht plötzlich eine Kuh in der Badewanne.

Haimerl: Ja, das kann passieren. Dann ist die Badewanne eben nicht nur eine Badewanne, sondern auch ein Behältnis mit Geschichte.

Standard: Seit fast 30 Jahren beschäftigen Sie sich mit der sogenannten Zoomtown. Worum geht es da?

Haimerl: Das Konzept der Zoomtown habe ich schon in den 1990er-Jahren entwickelt. Bei Zoomtown geht es um Europa, denn wenn wir gegen die alten und neuen Supermächte wie USA, Russland, China und Indien kulturell überleben wollen, dann müssen wir damit anfangen, die europäischen Städte als großes Ganzes, als urbanes Kollektiv, als eine Art zusammenhängende Supermetropole zu betrachten: London, Paris, Berlin, Warschau, Madrid, Rom, Wien, Belgrad, Athen, Istanbul und so weiter. Ich bezeichne dieses Netzwerk als UME, als United Metropoles of Europe. Und diese UME sind gemeinsam stark genug, die Fehler der Moderne zu beheben und endlich wieder schöne, lebenswerte, auch menschlich funktionierende Städte daraus zu machen.

Standard: Von welchen Fehlern sprechen wir hier im Speziellen?

Haimerl: Vor allem davon, dass die amerikanische Moderne mit ihren Autos und Autobahnen wie ein Fremdkörper auf den europäischen Kontinent appliziert wurde und diesen in den letzten 70, 80 Jahren massiv verändert und verschlechtert hat. Die europäische Stadt hat seitdem vieles von ihrem historischen Charakter eingebüßt und ist zu einem scheinbar effizienten Straßenraum für individuelle, motorisierte Mobilität geworden. Doch die Wahrheit ist: Das Auto braucht viel Platz – und diesen vielen Platz nimmt es uns Menschen weg. Das müssen wir dringend wieder reparieren.

Standard: Wie?

Haimerl: Mit dem Verdrängen von Autos, mit dem Rückbau von Straßen, mit dem Entrümpeln und Entsiegeln des öffentlichen Raums und mit der Implementierung eines neuen paneuropäischen öffentlichen Verkehrsnetzes – einer Art Europa-Schnellbahn, die aber nicht nur bis zum Hauptbahnhof fährt, sondern bis in die wichtigsten Subzentren und Quartiere hineindringt.

Standard: Klingt gut. Aber wozu braucht es das?

Haimerl: Weil die europäische, historisch gewachsene Stadt ihre eigene Zukunft finden muss, wenn sie kulturell überleben will. Mit einer amerikanischen Moderne-Vision wird das nicht gelingen. Dass wir jetzt schon an die räumlichen und verkehrstechnischen Grenzen stoßen, zeigt sich in vielen europäischen Städten. Einige davon haben bereits begonnen, radikal umzudenken.

Standard:Das diesjährige Architekturfestival Turn On beschäftigt sich mit den geopolitischen Verwerfungen des letzten Jahres. Welche Auswirkungen hat das auf die europäische Stadt?

Haimerl: Das ist eine große Frage! Die Corona-Pandemie, die Energiekrise, der Krieg in der Ukraine und die politische Willkür Russlands haben dazu geführt, dass wir heute in einem Angstraum leben. Und ein solcher Angstraum lässt keine Visionen zu. Lieber flüchtet man ins Lokale, ins Regionale, ins Ruhige, ins Nostalgische, ins intellektuell und emotional gerade noch Fassbare. Es scheint jetzt nicht die Zeit für große Sprünge zu sein – obwohl wir gedanklich, technologisch und wirtschaftlich dazu imstande wären.

Standard: Was wünschen Sie sich?

Haimerl: Dass wir die Kraft der multiplen Krisen dazu nutzen, massiv umzudenken. Ich wünsche mir ein Bekenntnis zu einem Europa ohne Partikularinteressendebatten, ich wünsche mir ein architekturpolitisches und verkehrsräumliches Miteinander, und ich wünsche mir die sofortige Abschaffung von Kurzstreckenflügen.

Peter Haimerl (62) leitet ein Architekturbüro in München und beschäftigt sich mit der Revitalisierung alter Häuser sowie mit der Neuerfindung der europäischen Stadt. Von 2018 bis 2023 war er Professor an der Kunstuni in Linz. Am Samstag, den 4. März, hält er einen Vortrag beim Architekturfestival Turn On.

Turn On

Die multiplen Krisen der letzten Jahre, allen voran der Krieg in der Ukraine und die Sichtbarwerdung von Abhängigkeiten und Fehlentwicklungen, machen auch vor dem Bauen und Wohnen nicht halt. Mit den konkreten Auswirkungen dieser Zeitenwende befasst sich das Architekturfestival Turn On, das kommende Woche bereits zum 21. Mal über die Bühne geht. Vorgestellt werden etwa das kürzlich eröffnete Parlament, der Ikea am Westbahnhof, das neue Wien-Museum, das Wohnprojekt The Marks, der Campus Tower Hamburg, diverse innovative Modelle im geförderten und freifinanzierten Wohnbau sowie ein Revitalisierungskonzept für Bad Gastein, das „Manhattan der Alpen“. Mit Vorträgen von PPAG, DMAA, feld72, gaupenraub +/–, Pedevilla, bergmeisterwolf, Ripoll Tizón, Sergison Bates, Peter Haimerl u. v. m. Beginn Donnerstag, 2. März, 14.30 Uhr. Bis Samstag, 4. März, 22 Uhr. ORF-Radiokulturhaus, Argentinierstraße 30a, 1040 Wien. Eintritt frei.

Der Standard, Sa., 2023.02.25

Im Gegensatz zu Schwestern haben Brüderpaare in der Architektur eine lange Tradition. Es gibt eine Menge von ihnen. Zum Beispiel Laurids und Manfred Ortner. Der eine in Wien, der andere in Berlin.

In der Seestadt Aspern gibt es einen Wohnbau namens Die drei Schwestern , die einzelnen Häuser heißen Anna, Bella und Clara. In der Architekturgeschichte wiederum werden historische Pionierinnen aus der Zeit der ersten hochschulausgebildeten Architektinnen und Ziviltechnikerinnen gerne als „Margarete Schütte-Lihotzkys Schwestern“ bezeichnet. Auffällig ist auch, dass Schwestern immer wieder als Auftraggeberinnen auftreten – es gibt Doppelhäuser für Schwestern in Wien (querkraft), Innsbruck (Paolo Pizzignacco), Zürich (raumfindung), Brixen (bergmeisterwolf), Kirchheim (Alexander Brenner), Bochum (Eigenentwurf) und in der spanischen Provinz Murcia (Blancafort Reus Arquitectura).

Abgesehen davon jedoch sind weibliche Geschwisterschaften in der Architekturzunft ein eher seltenes Phänomen. Was man von männlichen Geschwisterpaaren definitiv nicht behaupten kann. In den 1920er-Jahren zählten die Stuttgarter Brüder Heinz und Bodo Rasch zu den wichtigsten Vertretern der Moderne, in der Schweiz planten die Gebrüder Pfister eine Vielzahl öffentlicher Bauten, in Preußen hingegen arbeiteten Bruno und Max Taut eher aneinander vorbei als miteinander, und auch heute noch nehmen Brüder gerne zu zweit das Geodreieck in die Hand. Die Liste allein im deutschsprachigen Raum ist lang: Pedevilla Architekten, Marte.Marte, Najjar & Najjar, Chalabi & Chalabi, Brückner und Brückner, Innerhofer oder Innerhofer – oder etwa die beiden Architektenbrüder Laurids und Manfred Ortner, die inzwischen ein Riesenbüro mit 80 Mitarbeitern betreiben, der eine in Wien sitzend, der andere in Berlin.

Von O&O stammen viele zentrale, stadtprägende Bauwerke wie etwa das Wiener Museumsquartier, der Bürocluster Wien-Mitte, das Landesarchiv NRW in Duisburg, das Berliner Shoppingcenter Alexa, das Theater- und Kulturzentrum Schiffbau in Zürich, die Sächsische Landes-Staats- und Universitätsbibliothek in Dresden (übrigens eine der zehn größten der Welt) sowie weitere Wohn-, Büro- und Hotelbauten in ganz Deutschland.

Geboren und aufgewachsen sind die beiden in Linz, Laurids Jahrgang 1941, Manfred Jahrgang 1943. Schon in der Schulzeit zeichneten und malten beide gerne, spielten meist mit ihren Zinnsoldaten, denen sie mit Farbe Kleidung auf den Leib pinselten. Dazu wurden Flaggen entworfen, Schiffe gebaut und Häuser zusammengezimmert. Das brüderliche Spiel empfanden die beiden damals als eine Art kreative Rivalität: Man durfte sich voneinander Inspiration holen und es anders und besser machen, durfte den anderen mit seinen eigenen Waffen schlagen, nur eines war damals schon verpönt im Hause Klein Ortner: nachahmen und kopieren.

Texte, Bilder, Zeichnungen

Und so trennten sich die Wege nach der Matura: Während Manfred an der Wiener Akademie der bildenden Künste aufgenommen wurde, wo er Malerei und Kunsterziehung studierte, musste für Laurids eigens der Familienrat einberufen werden: Der arme Bub, grad noch durch die Schule gekommen, was soll nur aus ihm werden? Architektur an der TU Wien, so der Konsens, schien noch die beste aller Optionen.

In ihrer Studienzeit hatten L. O. und M. O. phasenweise nur wenige Berührungspunkte, holten sich beim anderen aber immer wieder Rat – und Inspiration. Und so entstanden einige Texte, Bilder, Zeichnungen und fiktive Raumentwürfe, die damals schon mit „L.O.M.O.“ signiert wurden. Laurids gründete mit seinen Kollegen Günter Zamp Kelp und Klaus Pinter die viel beachtete Architektur- und Kunstgruppe Haus-Rucker-Co, die international so erfolgreich war, dass Anfang der 1970er-Jahre gleich zwei Studios eröffnet wurden: eines in New York von Zamp Kelp und Pinter, das andere in Düsseldorf von Laurids – und Bruder Manfred, der 1971 in die Gruppe einstieg. Haus-Rucker-Co mischte in der Kunstszene der 70er und 80er kräftig mit. Die „Architekten-Künstlergemeinschaft“, so die Eigendefinition, war zum Beispiel bis zur endgültigen Auflösung 1992 dreimal auf der Documenta in Kassel vertreten.

Im Jahr 1987 beschlossen die Brüder, ein eigenständiges Architekturbüro zu gründen: Ortner & Ortner. Der Rest ist Architekturgeschichte und O&O in der Zwischenzeit ein Imperium mit Niederlassungen in Wien, Köln und Berlin. In ihren Büros: Bücher, Bücher, Bücher und tausende Materialmuster aus Holz, Glas, Beton, Metall und Keramik auf den Tischen. Wir haben L. O. und M. O. getrennt voneinander gefragt:

Architektenbrüder also, wie ist das so?

Was uns heute auszeichnet, nach nunmehr acht Jahrzehnten, das ist ein fast sprachloses Verständnis. Es ist alles schon tausendmal gesagt worden, wir kommunizieren mittlerweile nonverbal, und wir verstehen uns von Grund auf. Über all die kleineren Querelen, die es natürlich gibt, hinweg haben wir eine Art symbiotische Beziehung. Ich weiß nicht, ob ich das zwischen uns als Liebe oder Freundschaft bezeichnen würde, keine Ahnung. Auf jeden Fall aber ist es eine tiefe Verbundenheit, die sich sehr gut anfühlt. Die Rivalität der Kindheit hat sich in eine Differenzierung transformiert: Manfred ist der bessere Zeichner von uns beiden, und er ist auch derjenige, der einen organischeren Zugang im Denken und in der körperlichen Bewegung hat. Ich wiederum bin der Texter, der Stratege, der thematisch besser Aufgestellte. Ob er mir fehlt, wenn wir uns nicht sehen? Ich glaube nicht, es braucht eine gesunde Distanz, nur nicht aufeinanderpicken! Aber wenn wir uns sehen … ein Traum! Niemand bringt mich so zum Lachen wie er!

Was immer schon unser Trumpf war, in all der langen Zeit, ist das gegenseitige Vertrauen. Wir haben schon alle Phasen durchgemacht, von Konkurrenz und Rivalität über ein jahrelanges Nebeneinander bis hin zu einer gegenseitigen Stärkung und Inspiration. Heute hat unsere Beziehung einen so reichen Bodensatz, dass wir manchmal schon zig Schachzüge des anderen vorausdenken können. Und obwohl wir eh schon wissen, was der andere sagen wird, ist uns seine Meinung immer noch wichtig. Wir sind Sparringspartner füreinander. Manchmal fliegen die Fetzen, Laurids ist der schärfste Kritiker, den man sich vorstellen kann, er bringt immer eine zusätzliche Perspektive rein, er denkt und formuliert mit Worten wie ein Schwert. Dafür bin ich derjenige, der den Laden zusammenhält und sich kommunikativ einbringt, ich bin einer, der Dinge erledigt. Es funktioniert gut an zwei Orten, er in Wien, ich hier in Berlin. Wenn wir uns nicht sehen, vermisse ich ihn. Wenn wir uns dann sehen … was wir lachen können!

Der Standard, Sa., 2023.02.11

Teil 1 Immer mehr Gründerzeithäuser werden abgerissen. Mit der zunehmenden Zerstörungswut verändert sich auch das Stadtbild. Was heißt das für Wien? Fünf Protokolle.

Gründerzeit? Eine endliche Ressource!

„Die Wiener Gründerzeit ist image- und stadtbildprägend. Mit diesen Bildern sind wir alle aufgewachsen. Mit dem Weiterwachsen der Stadt und mit dem zunehmenden Verwertungsdruck der Immobilienwirtschaft jedoch wird uns allmählich klar, dass die gründerzeitliche Substanz eine endliche Ressource ist.

Der Abbruch eines nicht denkmalgeschützten Hauses und das Füllen einer solchen Baulücke mit einem modernen Wohnbau, der den heutigen Bedürfnissen und der Nachfrage am Markt entspricht, ist im Einzelfall absolut legitim. In der Summe aber müssen wir anerkennen, dass uns ein Stück der Wiener Identität, die auch im Tourismus eine große Rolle spielt, zu verschwinden droht.

Was tun? Mein Begehr ist ein gutes Nebeneinander aus Alt und Neu. Dazu muss man die baukulturelle Qualität im Neubau nach oben heben. In den meisten Fällen lässt diese nämlich zu wünschen übrig. Auch in der Gründerzeit war nicht alles eitel Wonne – mit dem Unterschied allerdings, dass es ein Bewusstsein für Ensembles, für Stadtbilder und für eine gesamtstädtische Verantwortung gab.“

Peter Payer ist Stadtforscher und Stadthistoriker in Wien.

Ästhetik hat im Neubau keinen Stellenwert

„Nicht nur in Wien, auch in anderen Städten bin ich viel unterwegs und beobachte, wie sich die gebaute Stadt verändert. An vielen Orten gelingt es, den Neubau in die historische Stadt so einzuweben, dass zwischen Alt und Neu eine gewisse Balance entsteht. Man nimmt Rücksicht auf Farbe, Material, Geschoßhöhe und Fensterproportionen.

In Wien hat Ästhetik im Neubau keinen Stellenwert. Entweder haben Architekten ein ästhetisches Empfinden, das nicht der breiten Masse entspricht, oder aber die Bauherren, Investorinnen und Wohnbauträger weigern sich, Geld in eine ansprechend gestaltete und im menschlichen Maßstab gegliederte Fassade zu investieren. Natürlich, der gründerzeitliche Stuck war meist vorgefertigt, hört man immer wieder als Kritik, die reinste Katalogware. Na und? Die heutigen Häuser bestehen auch aus vorgefertigten Elementen. Wo ist da der Unterschied?

Das neue Wien fühlt sich an, als würden Laien, Architektinnen und Bauherren in unterschiedlichen Welten leben. Ich wünsche mir mehr Schönheit an den Fassaden und gestalterische Mindeststandards, die ein Wohnhaus im gründerzeitlichen Wien erfüllen muss. Die Stahlbetonkisten mit ihren Vollwärmeverbundsystemen machen die Stadt kaputt.“

Georg Scherer betreibt seit 2018 den Blog wienschauen.at.

2,50 Meter hohe Erdgeschoße sind ein No-Go

„Nicht jedes Haus, das in der Gründerzeit erbaut wurde, ist auch wirklich schützenswert. In Summe aber bietet die gründerzeitliche Bausubstanz Qualitäten, die der gewerbliche Wohnbau der jüngeren Zeit leider nicht mitbringt. Das merkt man auch im Stadtparterre der historischen Bestandsstadt: Früher gab es im Erdgeschoß in den sogenannten G’wölben ein reges Leben mit Handel, Gastronomie und produzierendem Gewerbe.

Das ist heute anders. Die meisten Neubauten bestehen im Erdgeschoß aus Haustor, Garageneinfahrt und Zugang zum Müllraum. Dazwischen parken hunderttausende Autos. Damit ist das Erdgeschoß vielerorts monoton und unbelebt. Die wenigen Erdgeschoßlokale, die man findet, stehen entweder leer oder werden als gewerbliche Storage-Räume genutzt, was aber auch nicht unbedingt zu einer Belebung des Erdgeschoßes beiträgt.

In den 1990er-Jahren haben sich viele Kreative und Architekturbüros im Erdgeschoß eingemietet. Heute findet man immer häufiger Arztpraxen und Zahnärztinnen. Die Möglichkeiten müssen dringend ausgeweitet werden! Denn das Erdgeschoß ist eine Raumressource für künftige Nutzungen, die wir uns heute vielleicht nicht einmal noch vorstellen können. Das heißt: 2,50 Meter Raumhöhe im EG ist ein No-Go.“

Angelika Psenner ist Professorin für Stadtstrukturforschung an der TU Wien.

Auf der Suche nach der gemeinsamen Sprache

„Um Klartext zu sprechen: Nicht nur die heutigen Baulückenhäuser, auch viele Gründerzeithäuser waren gewerblich errichtet, gewinnorientiert, bodenausnutzend, dichte Burgen mit geringem Lebenskomfort. Kein Unterschied also zum heutigen neoliberalen Neubau.

Mit einem Unterschied aber: Damals gab es so etwas wie eine gemeinsame Sprache, die innerhalb der Regeln Variationen zuließ. Der Charakter einer Straße wurde durch den Takt rhythmisiert: Baulinie, Putzfarben, Fenstergiebel, Kordongesimse. Damit blieb das einzelne Haus – trotz seiner individuellen Züge – stets in ein verbindliches Stadtbild eingebunden.

Heute gewinnt man manchmal den Eindruck, als hätten die Häuser mit ihren Nachbarbauten und der Straße, in der sie stehen, nichts zu tun. Zwar ist in der heutigen Bauordnung immer noch vom „Stadtbild“ die Rede, aber die Verbindlichkeit eines solchen Bildes ist Geschichte. Dem gewinnorientierten, gewerblich errichteten Neubau, der steif dasteht und sich auf seine vielleicht schillernde Fassade verlässt, fehlen diese Qualitäten.

Ich wünsche mir mehr Wandlungsfähigkeit, mehr kleinmaßstäbliche Nutzungsvielfalt und mehr Augenmerk auf den Kontext – ohne Heraufbeschwören alter Zeiten, die auch damals nicht rosig waren.“

Gabriele Kaiser ist Architekturhistorikerin in Wien und Linz.

Eine schöne Fassade ist kein Verbrechen

„Wir rechnen heute mit einem Lebenszyklus von 50 Jahren. Die gründerzeitlichen Häuser haben schon 120 Jahre auf dem Buckel, wären nach heutigen wirtschaftlichen Gesichtspunkten also schon doppelt abgeschrieben, stehen aber immer noch da. Den Gebäuden scheint eine Qualität innezuwohnen, die sie überlebensfähig macht. Mit diesem historischen Kapital zu arbeiten und die Stadt in ihrem Charakter weiterzubauen ist unser aller Verantwortung, denn die Qualität der gründerzeitlichen Stadt ist, sobald sie einmal zerstört ist, unwiederbringlich verloren.

Egal, ob wir bei Hild und K neu bauen oder sanieren: Wir verstehen unsere Arbeit als Bauen im Bestand, denn im städtischen Kontext ist man immer von Bestand umgeben. Wir kennen, wenn es um Schönheit an der Fassade geht, keine Tabus. Wir arbeiten gerne mit Humor, mit Zitaten, mit Ornamenten, mit der Freiheit der Transformation. Zudem sind manche Qualitäten – wie etwa eine lebendige Erdgeschoßzone und eine ästhetische und hochwertige Fassade – unverzichtbar.

Abbrüche und Neubauten, die einzig und allein ökonomisch motiviert sind und alle anderen Aspekte ignorieren, sind aus baukultureller und ökologischer Sicht abzulehnen. Diese Abrisse müssen gestoppt werden.“

Matthias Haber ist Partner bei Hild und K Architekten in München und Berlin.

Lesen Sie nächste WocheTeil 2: Zerstörung im ländlichen Raum

Der Standard, Sa., 2023.01.21

Direkt neben dem Ceaușescu-Palast in Bukarest wächst die orthodoxe Nationalkathedrale in den Himmel. Das Projekt bricht sämtliche Weltrekorde – aber auch die Grenzen von Ethik und Angemessenheit.

Letzte Nacht hatte ich einen Traum“, singt Dan Teodorescu, Komponist und Frontman der rumänischen Band Taxi. „Ich ging morgens in die Kathedrale, um nach Gott Ausschau zu halten, aber ich fand ihn nicht, obwohl ich sogar in den Mehrzweckräumen, in den zwölf Aufzügen und in der Tiefgarage nach ihm suchte. Kein Wunder, dass man ihn nicht findet, auf einer Fläche von elf Hektar Land.“

Im Refrain des 2016 erschienenen Chansons Despre Smerenie („Über die Demut“) stimmen schließlich knapp 70 rumänische Promis mit ein, darunter etwa Sänger, Künstlerinnen, Architektinnen, Schriftsteller, TV-Moderatoren, Sportlerinnen und Schauspieler aus Film und Bühne. Gott wird nicht zu finden sein, singen sie, zumindest nicht hier in der neuen Nationalkathedrale, die sich derzeit in Bau befindet, sondern ganz woanders, vielleicht in einer kleinen Holzkirche irgendwo oben auf einem Hügel. 67-mal ist der Refrain zu hören: „Ich glaube, Gott bevorzugt Holz, Holz und kleine Räume.“

Der Bau der neuen rumänisch-orthodoxen Nationalkathedrale (Originalwortlaut Catedrala Mântuirii Neamului Românesc, Kathedrale der Erlösung des rumänischen Volkes) schlägt seit Anbeginn schon Wellen der Empörung. Der Wunsch nach einem riesigen Gotteshaus in der Hauptstadt ist rund 130 Jahre alt und geht auf den rumänischen König Karl I. zurück. Nachdem der über zweieinhalb Jahrzehnte machthabende kommunistische Diktator Nicolae Ceaușescu in seiner Amtszeit ganze Bukarester Stadtviertel – darunter auch eine Vielzahl von Kirchen – hatte abreißen lassen, nahm die Idee nach seinem Tod am 25. Dezember 1989 erneut Fahrt auf.

Erfahrung mit Shoppingmalls

Drei unterschiedliche Standorte standen jahrelang zur Diskussion, wurden von der Stadtregierung aufgrund der Ortsunverträglichkeit jedoch immer wieder abgelehnt. 2010 schließlich konnten sich Staat und Kirche einigen und beschlossen, die neue Nationalkathedrale direkt neben dem Ceaușescu-Palast, dem heutigen Palatul Parlamentului, zu errichten. Aus einem nationalen Wettbewerb ging Augustin Ioan, Architekt und Professor an der Ion-Mincu-Universität für Architektur und Stadtplanung (UAUIM), mit seinem Team an Studierenden als Sieger hervor.

Doch so weit sollte es nicht kommen. Das Projekt wurde gestoppt, stattdessen erteilte das rumänisch-orthodoxe Patriarchat, das bei diesem Mammutprojekt als Bauherr fungiert, einen Direktauftrag an das Ingenieurbüro Vanel Exim S.R.L., das mit Bahnhöfen, Krankenhäusern und zahlreichen Shoppingmalls im ganzen Land bereits reichlich Erfahrung im großmaßstäblichen Bau sammeln konnte. Und die ist hier vonnöten, denn mit 127 Meter Höhe und 127 Meter Länge ist die Nationalkathedrale die größte orthodoxe Kirche Europas. Die 407 Quadratmeter große Ikonostase aus Millionen goldenen Mosaiksteinchen fand sogar den Weg ins Guinness-Buch der Rekorde.

„Es gibt für die Kathedrale kein historisches Vorbild, denn in diesen Dimensionen sind Kirchen im orthodoxen Christentum nicht verankert“, sagt die Bukarester Architektin Adina Buzea. „Die Elemente, die hier verwendet wurden, sind entweder eine Weiterentwicklung und Neuinterpretation von römisch-katholischen Kirchen oder aber eine Vergrößerung und Aufblasung orthodoxer Versatzstücke bis zu einem Maßstab, der einfach nur lächerlich und übertrieben wirkt.“

Kritisch sieht Buzea nicht nur die Architektursprache, sondern das Projekt an sich: „Aufgrund budgetärer Engpässe wurden in Rumänien in den letzten Jahren etliche Krankenhäuser geschlossen. Das Land ist mit Gesundheitseinrichtungen chronisch unterversorgt. Für eine Kirche in diesen Dimensionen aber ist das Geld da.“ Kolportierte Baukosten: 185 bis 300 Millionen Euro. Das Grundstück an der Ecke Calea 13 Septembrie und Strada Izvor, direkt neben dem Ceaușescu-Palast, wurde der – per Verfassung wohlgemerkt steuerbefreiten – Kirche kostenlos zur Verfügung gestellt.

Das Bild im städtischen Gefüge ist grotesk. Inmitten eines sechs- bis achtspurigen Straßenrings, fernab von U-Bahn und infrastrukturellen Einrichtungen entstehen ein Gotteshaus für 7000 Besucher, ein steinerner Vorplatz mit beheizten Stufen und eine unterirdische Garage mit hunderten Pkw-Stellplätzen. Auf den Renderings am Bauzaun ist kein einziges Stückchen Grün zu sehen. Stattdessen überall Marmor, Beton und gülden glitzernde Kuppeln. Oder, wie dies der einstige Wettbewerbssieger Augustin Ioan in einem Interview formuliert: „Was hier entsteht, sieht alt und neu zugleich aus. Das ist Mittelmaß, korrupter Zynismus, Eitelkeit ohne Konsequenz. Dieses Projekt ist eine einzige Sünde.“

Constantin Amâiei, Architekt im Planungsbüro Vanel Exim, hat vom Patriarchat einen Maulkorb verpasst bekommen und darf sich zum eigenen Projekt nicht äußern und keine Informationen zur Verfügung stellen. Das Patriarchat wiederum lehnt jedes Medieninterview ab und schickt stattdessen per Mail einen Haufen Links zu selbstherrlichen Artikeln auf der Website der orthodoxen Nachrichtenagentur, basilica.ro. Da erfährt man unter anderem, dass das Geläut in der Innsbrucker Glockengießerei Grassmayr hergestellt wurde. Mit 25 Tonnen Gewicht und 3,35 Meter Durchmesser handelt es sich dabei um die größte Schwingglocke Europas. Guinness-Buch der Rekorde.

Quantität statt Qualität

„Die Nationalkathedrale ist die Summe von Macht und Weltrekorden, sie ist ein Symbol für die Kohabitation von Staat und Religion“, sagt Ștefan Simion, Associate Professor für Architektur an der Ion-Mincu-Universität sowie Herausgeber des architekturtheoretischen, zeitkritischen Magazins Mazzocchioo. „Es geht um Quantität und nicht um Qualität, die architektonische und baukulturelle Leistung liegt fast bei null. Leider wurde diese Kirche ohne Rücksicht auf die Stadt, auf ihre Menschen und ihre Bedürfnisse errichtet. Das Resultat ist eine Art Disneyland, nur viel böser.“

Am Nachmittag geht der Schichtbetrieb zu Ende. Die Bauarbeiter stellen die Helme ins Regal und steigen in dutzende Busse ein, die auf dem Parkplatz stehen. An der Karosserie große Klebebuchstaben, geschwungener Schriftzug, Basilica, Abfahrt im Konvoi. Geplante Fertigstellung: 2025. Dann startet die Suche nach Gott.

Der Standard, Sa., 2022.12.24

Am 13. Dezember feiert Wolf Prix seinen 80. Geburtstag. Dem ΔTANDARDerzählt er, wofür er heute brennt, warum er es für blödsinnig hält, die Bauwirtschaft als CO2 -Sünderin hinzustellen, und wie es ist, für Autokraten zu bauen.

STANDARD: In Ihren jungen Jahren haben Sie gesagt: „Architektur muss brennen.“ Muss sie das, wenn man 80 ist, immer noch?

Prix: Freilich! Die meisten glauben, dass wir wirklich Feuer legen wollen, aber das wollen wir natürlich nicht. Im übertragenen Sinne muss Architektur aber auf jeden Fall Emotionen erzeugen.

STANDARD: Was wurde aus den „jungen Wilden“, wie Sie sich damals genannt haben? Wird man zu einem alten Wilden? Oder doch zu einem jungen Gemäßigten?

Prix: Heute bin ich gelassener. Ich ärgere mich nicht mehr über unsere Fehler und die Fehler der anderen, sondern ich ärgere mich gar nicht mehr, ich lache gerne. Allerdings wurde früher mehr gelacht, die Architekten waren lustiger und frecher, die Medien waren provokant, die Gesellschaft war offener. In den letzten Jahren ist alles ernst geworden, man versteht keinen Spaß mehr. Vielleicht liegt das auch an den Architektenverträgen, die immer dicker und umfangreicher werden.

STANDARD: Die Rolling Stones galten früher als Rebellen, heute füllen sie Stadien für die ganze Familie. Auch Sie waren ein frecher Rebell, heute bauen Sie für Zentralbanken und Regierungen. Sehen Sie hier Parallelen?

Prix: Kann sein, dass es hier tatsächlich Parallelen gibt. Auch die Karriere eines bauenden Architekten wandelt sich mit der Zeit. Stellen Sie sich vor, ich würde heute das Gleiche planen wie 1968, als wir mit unseren Gedankenräumen eine neue Lebensweise wecken wollten. Das ist heute unvorstellbar! Beim Bauen und Realisieren und mit dem Älterwerden geht man mit der Kraft ökonomischer um. Um diese Erfahrung kommt man nicht herum.

STANDARD: Gemeinsam mit Ihren Zeitgenossen – mit Zünd-Up, Missing Link und Haus-Rucker-Co – haben Sie in den 1960er-Jahren an der Verbesserung der Welt gearbeitet. Was wurde aus den damaligen Visionen?

Prix: Ich sage gerne, dass wir verloren haben. Die Idee der optimistischen Gedankengebäude war nicht durchsetzbar. Der Unterschied ist nur, dass wir damals das zukünftige Leben völlig neu definiert haben! Heute ist die Lebensqualität einer Stadt nichts anderes als ein neues Biedermeier: Rückzug in die Ego-Privatheit, Rückzug aus dem öffentlichen Raum, Rückzug in die Gemütlichkeit, auf dem grünen Balkon im Liegestuhl sitzend, mit einer Flasche Bier in der Hand, die romantische Scheinrealität einer grünen Stadt. Wo sind die zukünftigen innovativen Lebenskonzepte?

STANDARD: Heute reden wir über Ressourcenschonung. Die Bauwirtschaft steht als CO2 -Sünderin am Pranger.

Prix: Oje, schon wieder diese blödsinnige Feststellung.

STANDARD: Wissen Sie, wo der Stahl für Ihre Museen und Konferenzzentren herkommt?

Prix: Nein, das weiß ich nicht. Muss ich auch nicht. Aber ich mag diese Diskussionen nicht. Denn wenn wir von Materialverschwendung sprechen, dann müssen wir schon die Architekturindustrie mit der Waffenindustrie vergleichen. Wir bauen Waffen aus Unmengen von Stahl, die nur einen einzigen Zweck haben: Zerstörung. Und wir bauen Kampfflugzeuge, wovon eines so viel kostet wie das Musée des Confluences in Lyon, und nach spätestens fünf Jahren wird es abgeschossen. Das müssen wir vergleichen! Vergleichen wir doch den CO2 -Ausstoß des Kriegs in der Ukraine mit dem CO2 -Ausstoß von unseren Kulturbauten auf der Krim. Darüber müssten wir sprechen!

STANDARD: Ihre größten und wichtigsten Projekte haben Sie stets im Ausland realisiert, zuletzt vor allem in China. Aktuell bauen Sie in Russland und auf der Halbinsel Krim. 1998 haben Sie in einer Rede in Wien gesagt: „Autoritäre Systeme vertragen keinen Ungehorsam.“ Wie verträgt sich das?

Prix: Es kommt nicht darauf an, für wen oder wo wir bauen, sondern was wir bauen. Was Russland betrifft, so habe ich alles Relevante schon im Spiegel -Interview gesagt. Außerdem sind wir jetzt von der EU sowieso sanktioniert. Wir dürfen nicht mehr für Russland arbeiten – ein demokratisches Arbeitsverbot. Alle Aufträge, die wir in Arbeit haben, Hochhäuser, Theater, Schulen und Kulturzentren, können wir wegwerfen. Toll!

STANDARD: Auf der Krim nach 2014 zu bauen dient der Legitimierung einer völkerrechtswidrigen Annexion. Sehen Sie das anders?

Prix: Wir hatten auf der Krim nie ein Arbeitsverbot, denn Kulturbauten waren von den Sanktionen ausgenommen. Aber ja, nun müssen wir auch dieses Projekt stoppen. Ein Freund von mir hatte auf der Krim eine Fabrik für Maschinenteile und wurde ebenfalls sanktioniert. Wer, glauben Sie, hat diese Lieferungen übernommen? Ein Amerikaner! Also hören Sie mir auf mit den moralischen und angeblich politischen Darstellungen ...

STANDARD: Die meisten und größten Ihrer Aufträge kommen von autokratischen Regimen. Was macht das mit Ihnen?

Prix: Gar nix. Gegenargument: Ich habe Sympathie für eine Gesellschaft, demokratisch oder autokratisch, die sich erlaubt, auf einen Schlag in sieben Städten Kulturzentren zu bauen. Bei uns heißt es nur: Brauchen wir nicht! Es wird gerne vergessen, dass auch ein François Mitterrand autokratisch entschieden und zahlreiche Großprojekte beauftragt hat. Und ganz ehrlich: Es macht keinen Unterschied, ob man für Autokraten oder für Turbokapitalisten baut. Für Autokraten ist es sogar etwas angenehmer, weil sie nicht jeden Cent berechnet haben wollen, um zu wissen, wie viel sie mit einem Projekt verdienen.

STANDARD: Welche Auswirkungen haben die Russland-Sanktionen auf Ihr Büro?

Prix: Wir arbeiten nun für einen anderen Autokraten und sitzen mit all jenen, die gesagt haben, dass sie für Russland nicht mehr arbeiten wollen, Schulter an Schulter in Saudi-Arabien. Dort planen wir alle an der 170 Kilometer langen Linearstadt Neom. Das ist eine der radikalsten Stadtplanungsideen, eine Mischung aus Le Corbusier und Superstudio.

STANDARD: Im Rückblick auf mehr als 50 Jahre Schaffen: Gibt es etwas, worauf Sie besonders stolz sind?

Prix: Auf drei Dinge: auf den Dachbodenausbau in der Wiener Falkestraße, auf das Musée des Confluences in Lyon und auf das Mocape-Museum in Shenzhen, weil ich bei diesem Projekt Piranesi am nächsten gekommen bin.

STANDARD: Am 13. Dezember werden Sie 80. Was wünschen Sie sich zum Geburtstag?

Prix: Weiß ich nicht. Das ist ein Tag wie jeder andere. Das ganze Drumherum ist mir völlig egal. Aber ich weiß, dass ich nicht noch weitere 80 Jahre vor mir habe. Und dass ich gewisse Dinge nicht mehr erleben werde, von denen ich als junger Architekt dachte, ich würde sie noch erleben. Zum Beispiel die Projekte in Russland. Oder dass ich noch lerne, Keith Richards Riff in Gimme Shelter spielen zu können.

STANDARD: Gibt es einen Wunsch für die Zukunft?

Prix: Ich habe immer noch den Wunsch, dass wir die großen Probleme der Welt mit Wissen und Optimismus lösen können – und dabei nicht vergessen zu lachen.

STANDARD: Wofür brennt Wolf Prix heute?

Prix: Für die Möglichkeit, Architektur zu bauen, die beweist, dass wir mit manchen Aussagen recht gehabt haben könnten. Und trotzdem: Jeder hat recht, aber nichts ist richtig.

Wolf Dieter Prix, geboren am 13. Dezember 1942 in Wien, gründete 1968 mit Helmut Swiczinsky und Michael Holzer das Büro Coop Himmelb(l)au, das er seit 2001 allein leitet. Er zählt zu den wichtigsten Vertretern des Dekonstruktivismus.

Der Standard, Sa., 2022.12.10

Alle reden von Entsiegelung. Doch keiner tut es. Wie genau müsste man so etwas in Angriff nehmen? Eine Handlungsanleitung anhand der Wiener Kirchengasse. Leider nur eine Utopie. Oder doch nicht?

1. Der grüne Traum

Eine Klatschmohnwiese wie bei den Fernsehbienen Willi und Maja, damals in den Siebzigern, mit allerlei buntem Gestrüpp und Geblüm, mit Viecherln und Insekten, ja sogar ein Eichhörnchen hat den Weg hierher gefunden und hält auf einer der aufgebrochenen Asphaltschollen nun Ausschau nach Nussigem. „Wir träumen von einem richtigen Urban Jungle“, sagen Christian Kircher, Philipp Buxbaum und Viola Habichel, die in der Kirchengasse 23, siebter Wiener Gemeindebezirk, aktuell eine Beton- und Asphaltwüste, das Büro Smartvoll Architekten leiten. „Gerade in der gründerzeitlichen Stadt, die nur wenig Grün zu bieten hat, wäre so eine Entsiegelung ein Beitrag für mehr Lebensqualität und ein besseres, erträglicheres Stadtklima.“ Alles nur ein Traum? „Es reicht ein Blick auf die U-Bahn-Baustelle U2 und U5. Wenn der Wille da ist, geht alles.“

2. Die graue Wahrheit

Österreich ist Versiegelungseuropameister. Pro Minute werden 80 Quadratmeter Boden versiegelt, das sind 11,5 Hektar pro Tag, 42 Quadratkilometer pro Jahr. Mit anderen Worten: Jahr für Jahr wird in Österreich Grünland in der Größe von Eisenstadt zubetoniert und mit Asphalt zugegossen. Die dringend benötigte Produktion von Wohnraum in städtischen Ballungsräumen lässt die Entwicklung nicht abflachen. Vom politischen Ziel, den Flächenverbrauch bis 2030 auf 2,5 Hektar pro Tag zu reduzieren, sind wir Lichtjahre entfernt. Was tun? In Anlehnung an das Wiener Baumschutzgesetz, demnach für jeden gefällten Baum ein Ersatzbaum zu pflanzen ist, könnte man einen Eins-zu-eins-Tausch für Versiegelung und Entsiegelung gesetzlich verankern. In Anbetracht der dramatisch zunehmenden Klimakrise fragt man sich, warum diese Diskussion nicht schon längst geführt wird.

3. Die Standortsuche

In mikroklimatischer Hinsicht ist jede einzelne Straße für eine Entsiegelung geeignet. Durch den Wegfall von massiven Baustoffen, durch die Verdunstungskälte der Pflanzen (Evapotranspiration) und nicht zuletzt durch die Verschattung mittels Bäumen würde selbst das kleinste Gasserl von einem Asphaltabbruch profitieren. In stadtklimatischer Hinsicht eignen sich für eine Entsiegelung vor allem größere, zusammenhängende Grünbänder, die im Idealfall in die heißesten Urban-Heat-Islands hineingeschlagen werden – im Falle von Wien also im Bereich der Innenbezirke und entlang des Westgürtels. Einen noch höheren Effekt erzielt man durch die Entsiegelung von West-Ost-Kaltluftschneisen: Auf diese Weise könnte die frische Wienerwald-Luft aus dem Westen durch begrünte Kanäle noch schneller, noch kühler, noch effizienter bis in die Innenstadt vordringen.

4. Das Entsiegelungs-Einmaleins

Ein klassischer Straßenaufbau misst rund 70 Zentimeter. In der historischen Stadt jedoch sind die historisch gewachsenen Aufbauten oft bis zu zwei, drei Meter dick. Hinzu kommen zahlreiche Einbauten für Strom, Telefon, Glasfaser, Gas, Wasser, Abwasser und Fernwärme, die im Falle einer Entsiegelung verlegt oder zumindest geschützt werden müssten. Anbieten würde sich dafür eine Bündelung aller Installationsleitungen in sogenannten Kollektorgängen, wie sie in einigen Städten weltweit bereits Standard sind. Nachdem der unter einer Versiegelung befindliche Boden biologisch und chemisch betrachtet tot ist, müsste der Bodenaufbau komplett neu komponiert werden. Denn: Nur ein gesunder, lebendiger Boden trägt zur Klimaregulierung bei und ist in der Lage, mit einer biodiversen Fauna und Flora Wärme zu puffern und Wasser zu speichern.

5. Die technischen Gefahren

Technisch betrachtet ist die Stadt – mit Ausnahme von grünen Plätzen und Parkanlagen – ein versiegeltes Bauwerk, das über ein komplexes, künstlich angelegtes Kanalsystem entwässert wird. Reißt man die Versiegelung an einer x-beliebigen Stelle auf, ist es, als würde man in der Badewanne den Stöpsel ziehen. Gar nicht gut. Damit die entsiegelte Fläche also nicht unkontrollierbare Regenwassermengen abbekommt, müssen Topografie und Beschaffenheit der angrenzenden Häuser und Dachflächen sowie die Retentions- und Entwässerungskonzepte genau überprüft werden. Die angrenzenden Hausfassaden und Kellerwände müssten – wie bei einem Einfamilienhaus auf der grünen Wiese – mit Abdichtungen und Drainagen ertüchtigt werden.

6. Die juristische Hürden

Die größte Herausforderung jedoch liegt nicht in der Bautechnik, sondern in den hochkomplexen magistratischen Strukturen: Um einen so starken Eingriff ins Straßensystem zu ermöglichen, müssten nach Auskunft von Experten rund 20 Wiener Magistratsabteilungen ihr Einverständnis geben – darunter etwa die Abteilungen für Stadtteilplanung und Flächennutzung (MA 21), Straßenverwaltung und Straßenbau (MA 28), Baupolizei (MA 37), Wiener Stadtgärten (MA 42) sowie Bau-, Energie-, Eisenbahn- und Luftfahrtrecht (MA 64). Hinzu kommen die Okays von weiteren Stellen wie etwa Wiener Netzen, Wien Kanal und Feuerwehr, vom jeweils zuständigen Bezirk sowie vom Wiener Planungsdirektor Thomas Madreiter, vom Stadtbaudirektor Bernhard Jarolim sowie von der amtierenden Planungsstadträtin Ulli Sima.

7. Die Moral von der Geschicht

Die Entsiegelung bereits versiegelter Verkehrsflächen ist technisch und juristisch möglich – wenn auch mit hohem baulichem Aufwand und einem Höllenritt durch die Magistrate. Zudem muss der tote, kontaminierte Boden – wie beim Rudolf-Bednar-Park (Nordbahnhof) oder Helmut-Zilk-Park (Sonnwendviertel) – abtransportiert und durch neues, gesundes Substrat ersetzt werden. Eine günstigere Alternative ist die punktuelle Begrünung und Bepflanzung mit Schwammstadtbäumen oder kompakten Street-Trees, die auf einer Fläche von nur einem Pkw-Stellplatz ihr Auslangen finden. Wasserreserven sind genug vorhanden. Aktuell versickern in Wien lediglich sieben Prozent des Regenwassers im Untergrund, 93 Prozent müssen über Kanäle abgeleitet werden. Das ist teuer, aufwendig und stadtklimatisch unvernünftig. Fakt ist: Die zubetonierte Stadt in ihrer heutigen Form ist nicht zukunftsfähig. Wir müssen unsere Zukunftsbilder neu malen.

Der Artikel entstand in enger Zusammenarbeit mit Christian Kircher, Philipp Buxbaum und Viola Habichel (Smartvoll Architekten), Daniel Zimmermann (3:0 Landschaftsarchitektur), Susanne Formanek (Innovationslabor Grün Statt Grau), Bernhard Scharf (Green 4 Cities), Simon Tschannett (Weatherpark), Renate Hammer (Institute of Building Research and Innovation), Thomas Hauck (Institut für Landschaftsarchitektur und Landschaftsplanung, TU Wien) und Markus Busta (HSP Rechtsanwälte).

Danke für Ihre Expertise!

Der Standard, Sa., 2022.12.03

Vor wenigen Tagen hat das neue Social-Business-Hotel Magdas in Wien seine Pforten geöffnet. Und nun öffnet es uns die Augen, was im Bereich von Pflege, Erhaltung und Kreislaufwirtschaft alles möglich ist.

Da, wo jetzt die Hugos, Aperol-Spritzer und Magdas-Habibi-Special-Gin-Drinks ausgeschenkt werden, wurde auch früher schon allerhand Sünde zutage gefördert, wenn auch dereinst ohne Alkoholeinfluss, tagein, tagaus, viele, viele Tausende Male über all die Jahrzehnte. „Was glauben Sie, woher das Holz hinter der Bar stammt? Das erraten Sie nie!“ Und recht hat sie, die Frau Sonnleitner. Denn die dunkle Holzvertäfelung mit ihren vertikalen, leicht genuteten Sprossen, die nun den Background für Mohammeds und Magdalenas Schanktat am Tresen bilden, war früher einmal Teil eines Beichtstuhls im sogenannten Waldkloster, Wien-Favoriten.

Die Zeiten der Rosenkränze sind vorbei. Heute führen die hochwertig gearbeiteten Holztafeln – so wie viele andere Möbel und Bauteile auch – ein Leben nach dem Materialtod, und zwar im neuen Magdas Hotel in der Ungargasse, das seit wenigen Tagen in Betrieb ist. Im Erdgeschoß gibt’s Drinks, Frühstücke, supergute Mittagsmenüs, regionale und levantinische Köstlichkeiten sowie ein eigenartiges, halbherzig interpretiertes Austrian Vitello Tonnato vom Mageren Meisel mit leider von Bord gegangenem Thunfisch. In den Etagen darüber kann man sich für 89 Euro aufwärts in ein Vintage-Paradies mit Omama-Kommoden und Großvaters Lounge-Fauteuils betten.

„2015 haben wir unser erstes Magdas Hotel im Prater eröffnet“, sagt Gabriela Sonnleitner, Hotelmanagerin und Geschäftsführerin von Magdas Social Business. „Wir haben dort mit wenig Aufwand ein ehemaliges Pflegehaus der Caritas in ein Hotel mit sozialem Schwerpunkt umgebaut, in dem wir vor allem Geflüchtete, Asylwerber und Langzeitarbeitslose beschäftigen konnten. Aufgrund des Nutzungsvertrags hatte das Projekt ein Ablaufdatum. Umso besser, dass das Konzept seitdem reifen konnte und wir nun in zentraler, städtischer Lage unser noch schöneres Nachfolgeprojekt in Angriff nehmen können.“

Errichtet wurde das Haus 1963 vom damaligen Dombaumeister Kurt Stögerer. Bis vor kurzem diente das schmucklose Gebäude in der Ungargasse 38 als Priesterwohnheim, alles sehr karg und wenig hedonistisch, eher nach innen gekehrt und auf die wortlose Begegnung mit Gott ausgerichtet, lediglich die Kapelle im sechsten Stock, die wie ein betonierter Schiffsbug durch die Fassade in den Straßenraum hinausbricht, machte schon von weitem auf die ungewöhnliche Funktion aufmerksam.

„Viele Häuser der Nachkriegszeit haben eine gewisse unaufgeregte Eleganz“, sagt Johann Moser, Partner bei BWM Architekten. „Doch dieses spezielle Haus ist eine Besonderheit, weil es irgendwie Fluch und Segen zugleich ist.“ Einerseits, so der Architekt, seien viele Bauteile wie etwa Wände, Decken und Oberflächenmaterialien sehr billig und zum Teil minderwertig gebaut worden. Andererseits aber sei das Haus aufgrund seiner semisakralen Nutzung so gut gepflegt und so wenig verändert worden, dass sich die asketische, spirituelle Atmosphäre bis zur Gegenwart erhalten habe. „Darauf konnten wir echt gut reagieren.“

Der Tisch war mal ein Schrank

Die Umbauarbeiten umfassen vor allem Reparaturen und Ertüchtigungen: Die Wände wurden aufgedoppelt und schallisoliert, die Deckenplatten, die an einigen Stellen gerade mal fünf Zentimeter dick waren, wurden statisch verstärkt und bekamen einen neuen Estrich, das Erdgeschoß wurde entkernt, ein barrierefreier Lift wurde eingebaut, der Parkplatz auf der Rückseite des Hauses wurde wegrationalisiert und in einen Gastgarten mit Salbei, Mangold und Pfefferminze umgestaltet.

„Die Außenfassade“, sagt Moser, „wurde erfreulicherweise schon in den 1980er-Jahren gedämmt und mit neuen Kunststoffisolierfenstern aufgepäppelt. Ist zwar alles nicht wirklich schön, aber absolut brauchbar und auch energetisch durchschnittlich gut. Das konnten wir unverändert belassen – was uns im Sinne der Kreislaufwirtschaft natürlich sehr freut.“ Die technisch größte Veränderung liegt in der Tiefe verborgen: Um das Haus mit geothermischer Energie zu versorgen, wurde darunter 18-mal in die Tiefe gebohrt. Zur Abdeckung der Winterspitzen gibt es einen neuen Fernwärmeanschluss. Gesamtinvestitionsvolumen: neun Millionen Euro, finanziert mit einem konditionsgünstigen Social-Business-Kredit der Bank Austria.

Platz nehmen, Fritz-Kola bestellen, in ein paar Minuten wird die Menüsuppe serviert. Die Tische im Restaurant, schönes Ulmenfurnier, wie man es heute kaum noch irgendwo findet, waren früher einmal Schranktüren, oben in den Priesterschlafzimmern. Irgendwo, sagt der Kellner, versteckt sich noch ein Schlüsselloch in der Tischplatte. Die Holzstühle, ein Entwurf des Architekten und Angewandte-Professors Franz Schuster, waren bereits im Prater-Hotel im Einsatz und wurden nun in der Caritas-Werkstatt in Retz einer Frischekur unterzogen. Und die Lampen stammen – wie auch schon die Beichtstuhlpaneele – aus besagtem Waldkloster in Favoriten. Amen.

„Wir wollen nicht nur sozial, sondern auch baulich, klimatisch und ökologisch nachhaltig agieren“, sagt Hotelchefin Gabriela Sonnleitner. „Das heißt: Wir wollten möglichst wenig von hier raustragen und wegschmeißen und möglichst viel Klumpert erhalten.“ Das kreislaufwirtschaftliche Konzept entstand in Zusammenarbeit mit den Materialnomaden, die Möbelumbauten, die in den Zimmern bisweilen lustige Formate annehmen und zum Schmunzeln anregen, sind ein Kunst-am-Bau-Projekt des Wiener Künstlers und Designers Daniel M. Büchel. Am Ende schaut’s aus, als wäre es nie anders gewesen, nur mit ein bissl mehr Humor.

Der Beweis ist gelungen, wieder einmal. Mit seinen 85 Zimmern und 171 Betten ist das Magdas Hotel ein wirklich entzückendes Exempel für Erhalt, für Weiterbauen, für Kreislaufwirtschaft. Jetzt liegt es an der Politik und Verwaltung, mit ihren Baugesetzen Projekte wieder diese nicht mehr zu erschweren, sondern zu fördern und Incentives für Investoren und Entwicklerinnen zu schaffen. Das Magdas darf keine exotische Orchidee bleiben, sondern muss zum neuen, normativen Baukulturstandard werden.

Aktuell arbeitet Wien gerade an einer Bauordnungsnovelle, die 2023 in Kraft treten soll. Diese Woche fand im Wiener Rathaus eine Enquete dazu statt. Experten und Expertinnen aus sämtlichen technischen Bereichen gaben Impulse, was in der Novellierung alles Niederschlag finden muss. Liebe Stadt, da geht die Reise hin! Bitte anschauen und Weichen stellen, dringender Handlungsbedarf.

Der Standard, Sa., 2022.11.12

Am Donnerstag wurde in Wien der Anotherviewture Award verliehen. Der Preis honoriert die Leistungen und Initiativen von Architektinnen und Ziviltechnikerinnen. Dahinter steckt eine unglaubliche Power.

Im Sommer, sagt sie, wurde hier ein Kinderbuch präsentiert. Kurz darauf hat der Kosmetikhersteller Maybelline New York mit Freiheitsstatuen aus Pappkarton seine neue Produktlinie Winter 2022 vorgestellt. Und erst kürzlich hat sich ein privates Unternehmen eingemietet, um mit seinen Kundinnen und Kunden auf die kommende Saison anzustoßen – mitsamt Showeinlage von Dragqueens und Akrobaten.

„Dieser Raum ist für alle“, sagt Sabina Grincevičiūtė. „Wir wollen diesen schönen, exotischen Ort bekannt machen und dafür sorgen, dass dieses bislang unsichtbare Eck von Vilnius, das die Leute meist nur mit Lagerhallen und Heizkraftwerk assoziieren, endlich auf der Mental Map landet, denn eigentlich ist es hier wirklich großartig.“

Grincevičiūtė, 35 Jahre alt, ist Partnerin im litauischen Büro Do Architects. Gemeinsam mit Algimantas Neniškis und ihren beiden Kolleginnen Andrė Baldišiūtė und Gilma Teodora Gylytė leitet sie ein Team mit knapp 60 Leuten – und zählt damit zu den drei größten Architekturbüros des Landes. Die Projekte umfassen sämtliche Bautypologien von Wohn-, Büro- und Bildungsbau über Quartiersentwicklungen und urbane Refurbishments bis hin zu rein kommerziellen Corporate-Projekten, mit deren lukrativen Planungshonoraren diverse Pro-bono-Projekte für NGOs und karitative Zwecke finanziert werden.

„Wir sind ein junger Haufen aus Architektinnen, Landschaftsarchitekten, Designern, Interior-Spezialisten, Projektmanagern, Soziologinnen und Rechtsexpertinnen, und in den neun Jahren seit unserer Gründung ist es uns gelungen, uns nicht nur als ein Büro unter zu drei Vierteln weiblicher Führung zu etablieren, sondern uns auch zu den wichtigsten Aktivistinnen im Stadt- und Kulturbereich zu entwickeln. Das ist eine unglaubliche Power, die wir nutzen wollen. Wir können was bewegen!“

Und Do Architects meinen es mit ihrem programmatischen Büronamen wirklich ernst: In regelmäßigen Abständen veranstalten sie im öffentlichen Raum und in irgendwelchen Innenhöfen Feste, Picknicks und Bauernmärkte. Sie nehmen Kontakt zu Fonds, Rechtsanwälten und Immobilienentwicklern auf und halten Workshops zum Thema Architektur und Stadtkultur ab – denn: „Wir müssen die Macherinnen und Macher in der Immobilienbranche dringend sensibilisieren – dahingehend, dass sie nicht nur Grundstücke verwerten, sondern die Stadt weiterbauen und damit eine große kulturelle und gesellschaftliche Verantwortung tragen.“

Und als wäre das alles nicht genug, hat sich das Büro bei seiner Gründung 2013 vorgenommen, alle drei Jahre zu übersiedeln und jeweils ein neues Stadtentwicklungsgebiet in Angriff zu nehmen oder eine vergessene, verwaiste Stadtbrache mit seiner Präsenz wachzuküssen. Die letzte Übersiedlung führte sie nach Vilkpėdė, rund fünf Kilometer außerhalb der Altstadt.

„Seit ein paar Monaten sind wir nun an unserem insgesamt vierten Standort“, sagt Grincevičiūtė, „und zwar in einer ehemaligen Betonfabrik im Südwesten der Stadt. Nachdem die Produktion aufgelassen wurde, war es hier still und leer. Wir waren die Ersten vor Ort, haben bereits einige Kreative anlocken können und betreiben auch einen Veranstaltungsraum, den wir zu diversen Zwecken an Externe weitervermieten.“ Mittlerweile ist Betono Fabrikas ein stadtbekannter Hotspot in der Kulturszene.

Unterrepräsentierte Frauen

Für ihre außergewöhnlichen Leistungen wurde Sabina Grincevičiūtė am Donnerstag in der Akademie der bildenden Künste Wien mit dem verbal-phonetischen nicht ganz einfachen Anotherviewture Award ausgezeichnet. Das bissl verkopfte Kofferwort birgt das englische „her view“ im Namen und hat es sich zur Aufgabe gemacht, nicht nur die weibliche Perspektive auf das Bauen anschaulich zu machen, sondern auch planerisch beeindruckende Leistungen von Architektinnen, Stadtplanerinnen und Ziviltechnikerinnen vor den Vorhang zu holen.

„Es gibt tolle Frauen, die im Bereich des Planens und Bauens viel bewegen, aber in vielen Ländern ist der Anteil weiblicher Architekturschaffenden in den Medien und in der Berufspraxis immer noch massiv unterrepräsentiert“, sagt Bettina Dreier, Architektin in Graz und innerhalb der Länder- und Bundeskammer Arch+Ing Vorsitzende des Ausschusses der Ziviltechnikerinnen – mit kleinem „i“, wie sie betont, denn dieser Ausschuss widmet sich ausschließlich den Anliegen und der Sichtbarmachung der Frauen.

Vor einigen Jahren startete Dreier mit ihrem Kolleginnenteam eine Initiative unter dem Titel Yes We Plan!. In Kooperation mit Deutschland, Frankreich, Spanien und Slowenien wurde die aktuelle Situation von Architektinnen und Ziviltechnikerinnen analysiert – mit einem erschreckenden Ergebnis: 52 Prozent aller Architektur- und Bauingenieur-Absolventen in Österreich sind weiblich (Stand 2019). Unter den insgesamt 5741 beeideten Architekturschaffenden jedoch beträgt der Frauenanteil dann nur noch 15,2 Prozent. Damit ist Österreich hinter Frankreich (28,6 %), Spanien (31,5 %), Deutschland (33,1 %) und Slowenien (45,2 %) trauriges Schlusslicht.

Ein ganzes Bündel an nationalen und internationalen Maßnahmen soll nun dafür sorgen, dass sich die Situation bessert: Ausstellungen, Publikationen, Symposien und nicht zuletzt der erstmals verliehene Anotherviewture Award, der in Anlehnung an den französischen, schon längst etablierten Prix des Femmes Architectes von der Arch+Ing-Kammer ins Leben gerufen wurde. Zu den österreichischen Preisträgerinnen, die sich ebenfalls über 5000 Euro Preisgeld freuen dürfen, zählen Barbara Poberschnigg, Catharina Maul und Carla Lo. Der ΔTANDARD gratuliert – und hofft, dass dieser Preis eines Tages absurd erscheinen wird.

Der Standard, Sa., 2022.10.22

Karl Schwanzers BMW-Hochhaus in München ist 50 Jahre alt. Filmemacher Max Gruber und Schauspieler Nicholas Ofczarek widmen dem Ausnahmearchitekten eine Hommage. Und was für eine!

Sobald wieder ein Stockwerk am Boden zusammengebaut war, zeiteffizient und auf den Millimeter genau, wurde es an den rund 80 Meter langen Stahlseilen um ein paar Meter nach oben gezogen und hydraulisch nach oben gepumpt, und die nächste Etage war dran. Damit hat Karl Schwanzer die Gesetzmäßigkeiten von Architektur und Schwerkraft komplett auf den Kopf gestellt: Der 22. Stock wurde zuallererst montiert, der erste zuallerletzt. Architektur ist ja nicht etwas Statisches, sondern wird erlebt.

Das 1972 fertiggestellte BMW-Hochhaus am Petuelring im Norden Münchens ist laut DIN-Norm kein Gebäude, sondern eine Hängebrücke. Um das Gewicht der einzelnen Bauteile zu reduzieren, hat Schwanzer ausschließlich mit Leichtbauelementen gearbeitet. So wurde für die 2304 Fassadenelemente etwa – erstmals in Europa – ein Alugussverfahren eingesetzt, das Schwanzer auf einer seiner Reisen nach Japan entdeckt hat. Ohne völlige Hingabe an ein Werk ist keine Optimierung einer Leistung denkbar.

Die charakteristische Schrägstellung der Fenster ist nicht etwa gestalterische Willkür, sondern hatte die Aufgabe, den Raumschall von Tippen und Telefonieren, aber auch den eindringenden Straßenlärm gegen die Akustikdecke zu lenken, ehe er abgedämpft auf die Arbeitsplätze zurückreflektiert wurde. Das Streben nach der besten Lösung, nach Vollkommenheit ist dem menschlichen Wesen zutiefst inhärent.

Sogar schon in der Wettbewerbsphase landete Schwanzer einen Coup. Um den damals noch skeptischen BMW-Vorstand vom Entwurf und vor allem von der runden Konstruktion zu überzeugen, ließ er in den Bavaria-Filmstudios auf eigene Kosten eine ganze Büroetage als 1:1-Modell aufbauen – mit Fassade, Möblierung, Schreibmaschinen, Münchner Fotopanorama und einer ganzen Crew an Schauspielerinnen und Statisten. Eine Million Schilling kostete ihn das taktische, wiewohl erfolgreiche Unterfangen. Die Architekturgeschichte zeigt, dass für großzügige Lösungen auch Opfer erbracht werden müssen.

Bis heute ist der „BMW-Vierzylinder“, seit 1999 unter Denkmalschutz stehend, eine der wichtigsten Ikonen europäischer Nachkriegsarchitektur – und zudem ein absoluter Pionier in Sachen Büroarbeit und Corporate Architecture. Aber hat ein Haus nur die Funktion, den Menschen drinnen zu dienen – und nicht auch den vielen, die es von außen erleben und anzusehen haben? Das Haus als Erscheinung, wie es die Umwelt bestimmt, gehört uns allen.

Rechtzeitig zum 50. Geburtstag des Vierzylinders hat der österreichische Filmemacher Max Gruber, der vor drei Jahren bereits mit seinem genialen Comic Schwanzer. Architekt aus Leidenschaft auf sich aufmerksam gemacht hatte, nun einen Dokumentarfilm gedreht, der den Wahnsinn dieses Projekts und die unendliche Passion Schwanzers anschaulich macht. Wenn man sich entschlossen hat, Architekt zu sein, muss man den Mut aufbringen, Visionen erfüllen zu wollen.

„Schwanzer steht für eine große künstlerische Kraft, für eine dramatische, aber undogmatische Suche nach tiefer Wahrhaftigkeit“, sagt Gruber. „Mich fasziniert, wie ganzheitlich er gedacht und gearbeitet hat. Auf der einen Seite war er ein Poet, hat Texte und Lyrik geschrieben, auf der anderen Seite war er ein grandioser Manager und hat damals schon ein Büro mit mehr als 100 Mitarbeitern geschupft. Er war ein Billy Wilder der Architektur!“ Oft werde ich gefragt: Was ist Ihre Spezialisierung? Meine Spezialisierung ist die Mehrgleisigkeit, die ins Weite führt.

Die 73-minütige Doku basiert auf aktuellen Bildern, historischem TV-Material und bislang unveröffentlichten Super-8-Filmen aus dem privaten Archiv. Zu Wort kommen ehemalige Studenten und Mitarbeiterinnen Schwanzers, aber auch BMW-Leute und zeitgenössische Kommentatoren. Und dann ist da noch ein nachdenklich dreinblickender Nicholas Ofczarek, Hornbrille und Stecktuch, in der Verkörperung des 1975 verstorbenen Ausnahmearchitekten. Dass niemand an die Denkmäler von morgen denkt! Das aber ist unser Auftrag, den wir von der Geschichte bekommen haben – dass wir Architekten Spuren hinterlassen.

„Ich bin kein Architekt, und ich nehme mir nicht das Recht, mir ein Urteil über seine Bauten zu bilden“, sagt Ofczarek im Interview mit dem ΔTANDARD. „Aber die Auseinandersetzung mit seiner Persönlichkeit entfaltet einen Sog, dem man nicht widerstehen kann. Wie dieser Mann gedacht hat und wie er formuliert hat, was Architektur, Kunst und Schönheit anbelangt, ist für jeden kreativen – und auch unkreativen – Menschen eine große Inspiration. Der Versuch, ins Unbekannte vorzustoßen, erfordert den Mut zur Unvollkommenheit – wie den zum Besseren.

„Ich kannte zwar das Philips-Haus und natürlich auch das 20er-Haus im Schweizergarten, aber wirklich kennengelernt habe ich Schwanzer letztendlich über seine Texte“, meint Ofczarek. „Der Charakter formt sich energetisch in dem, was der Mensch gesagt hat und was in Schrift und Sprache materialisiert ist. Wenn man auf diesen Inhalt vertraut, schafft man es, zum Wesen vorzudringen. Ich glaube, ich bin Schwanzer nähergekommen.“ Das Abtauchen in die eigene Tiefe, der Wahrheit auf den Grund gehen, das kann man nur selbst.

Max Gruber, Nicholas Ofczarek und den zu Wort kommenden Zeitgenossen ist es gelungen, Schwanzer in einer großen Vielschichtigkeit zu porträtieren – als Architekten, Manager, Lehrer, als leidenschaftlichen Visionär und unermüdlichen Workaholic, als einen, der es versteht, das Künstlerische und Programmatische mit dem Unternehmerischen und Pragmatischen zu verbinden. Nur wenige Menschen sind zu Spitzenleistungen prädestiniert. Diese Auswahl ist die Macht des Schicksals.

Der Film hilft zu verstehen, was früher einmal war und heute nicht mehr ist. Nämlich die Überzeugung, dass Architektur die Welt nicht nur zubaut, sondern sie auch ein Stückchen schöner und besser macht. Wie sagte doch Karl Schwanzer?Die Architekten besitzen ein Instrument, Menschen glücklich zu machen.

„Er flog voraus. Karl Schwanzer. Architektenpoem“. Premiere am Dienstag, 4. Oktober, im Gartenbau-Kino, 19.30 Uhr, in Anwesenheit von Max Gruber und Nicholas Ofczarek. Regulärer Kinostart in Österreich: 14. Oktober.

Der Standard, Sa., 2022.10.01

Diese Woche war Schulbeginn in Oberösterreich. Das Oberstufengymnasium Rose in der Tabakfabrik Linz ist ein exotischer, mit der Stadt vernetzter Ausreißer. Ein Lokalaugenschein.

Ich war früher in einer HTL für Hoch- und Tiefbau“, sagt Tobias Lammer, 18 Jahre alt, seit wenigen Tagen Schüler in der achten Klasse, „und da war das pädagogische Konzept ganz klar: „Ich Lehrer, ich bin der G’scheite, und ihr Schüler, ihr seids die Depperten.„ So macht Lernen doch keinen Spaß, oder?“ Tobias sitzt auf einer vorgestrig gemusterten Oma-Couch, neben ihm ein übermaltes Nachtkastl aus dem Vintageladen, vor ihm eine Vase mit einer Sonnenblume drin. „Doch dann wurde mir die Rose empfohlen, alles andere als eine klassische, konventionelle Regelschule. Es ist ein pädagogisches Konzept auf Augenhöhe. Und der Raum, der ist richtig cool.“

Rose – das ist die Abkürzung für „Reformpädagogisches Oberstufenrealgymnasium Steyr der Evangelischen Kirche“, und vom S wie Steyr darf man sich nicht irritieren lassen, denn da war die Privatschule bis vor kurzem beheimatet. Vor wenigen Monaten jedoch übersiedelte man nach Linz, genauer gesagt in die ehemalige Tabakfabrik von Peter Behrens und Alexander Popp, einen denkmalgeschützten Industriebau aus den frühen 1930er-Jahren, den ersten Stahlskelettbau Österreichs. Im Erdgeschoß des ehemaligen Zollwarenlagers, des heutigen Haus Havanna, hat sich die Rose auf nunmehr 675 Quadratmetern eingemietet. Und zwar so richtig cool.

Über ein paar Stufen gelangt man vom Innenhof der Tabakfabrik auf eine vorgelagerte Terrasse, von dort in ein riesiges Loft, das lediglich von ein paar gläsernen Trennwänden und simplen Tischlereinbauten aus Schichtsperrholz mehr atmosphärisch denn akustisch zoniert und gegliedert wird. Dazwischen immer wieder Bauernschränke, Ohrenfauteuils, Thonet-Sessel und diverse Kleinmöbel, die das Mid-Century-Herz höherschlagen lassen. Es ist, als würde man einen Coworking-Space oder eine abgerockte Berliner Werbeagentur durchschreiten.

Keine Sonderräume

Erster Schultag im neuen Wintersemester 2022: Rund hundert Schülerinnen und Schüler sind heute in die Rose gekommen, manche mit besonderen Bedürfnissen, andere mit besonderen Talenten. Sie lümmeln gemütlich in der Ecke, tragen Hoodies mit der Aufschrift „Out of space“, so wie Tobias, sitzen auf den Tischen, lesen, lernen, trinken, essen, erzählen sich Highlights aus den Sommerferien, besprechen die morgige Klassensprecherwahl, stimmen gerade über die Schulordnung fürs kommende Semester ab, und auch über die Lernaufträge, die bis Ende September erfüllt werden müssen. Man muss schon genauer hinschauen, um in der Menge der Jugendlichen den sogenannten Lehrkörper auszumachen.

Doch irgendetwas fehlt. Und bald wird man feststellen: Die Rose hat keine Aula, keine Direktion, kein Lehrerzimmer, keine Bibliothek, keinen Festsaal, keinen Musiksaal, keinen Zeichensaal, keinen Werkerziehungssaal, keinen Turnsaal, keinen Speisesaal, keinen Chemiesaal für gefährliche H2 SO4 -Experimente. „Und genau das ist der Grund“, meint Michael Zinner, Schulraumforscher und Vorstandsmitglied im Evangelischen Schulerhalterverein der Rose, „warum wir uns für diesen besonderen Standort in der Tabakfabrik entschieden haben.“

Denn anstatt die Schule mit all diesen kostspieligen und die überwiegende Zeit ungenutzten Sonderräumen auszustatten, was im Rahmen der monatlichen Schulgelder ohne Großsponsor auch gar nicht finanzierbar gewesen wäre, gibt es Nutzungsvereinbarungen und Vereinsmitgliedschaften mit den benachbarten, in die Tabakfabrik eingemieteten Start-ups, Maker-Spaces, Unternehmen, Institutionen und universitären Bildungseinrichtungen.

In der Grand Garage können die Jugendlichen auf Fotostudios, Werkstätten, Hightech-Labore, Computerarbeitsplätze und 3D-Drucker zurückgreifen. Größere Technologieprojekte gehen an der Johannes-Kepler-Universität und im Ars Electronica Center über die Bühne. Die Modeklasse der Kunstuniversität Linz stellt ihre Studios und Textilateliers zur Verfügung. Im Festsaal der Tabakfabrik und des benachbarten Kulturhofs können größere Veranstaltungen stattfinden. Das Mittagessen kommt auf Wunsch von einem der vielen Lokale am Areal im Riesenkochtopf angerollt. Und zum Turnen gehen die Jugendlichen ins Martial-Arts-Studio nebenan, in die Pädagogische Hochschule oder einfach nur über den Zebrastreifen an die Donau.

Omniloziertes Lernen

„Wir sind zwar eine kleine, einfache Schule“, sagt Zinner, der nebenbei das architektonische Herzstück geplant und die ökologiezertifizierten Holzmöbel und Raum-in-Raum-Module entworfen hat, Gesamtinvestitionsvolumen 240.000 Euro, ein absolutes Low-Budget-Projekt, das sich nur ausgegangen ist, weil ein paar Eltern Tische zusammengeschraubt und Holzoberflächen eingeölt haben. „Aber dafür sind wir umgeben vom schönsten Klassenzimmer, das man sich nur vorstellen kann, mit bester technischer Infrastruktur und vielen tollen Synergieeffekten. Aus dem dislozierten Unterrichten wird ein omniloziertes Lernen.“

In der heutigen Gesellschaft, sagt Ulrike Schmidt-Zachl, pädagogische Leiterin der Rose, die unter anderem von der Future-Wings-Privatstiftung unterstützt wird und die sich an der renommierten Evangelischen Schule Berlin Zentrum (ESBZ) orientiert, gebe es einen enormen Bedarf an Veränderung. „Mit unserem räumlichen, funktionalen und pädagogischen Konzept kriegen die Schülerinnen und Schüler jeden Tag hautnah mit, wie Vernetzung, wie Kooperation, wie Kollaboration, wie städtische Gesellschaft und wie Kommunikation auf Augenhöhe funktionieren. Wenn sie das lernen und in ihrem späteren Berufsleben umsetzen und weiterentwickeln, dann haben wir schon viel erreicht.“

Charlie, ein Labradormischling, einer von insgesamt drei Schulhunden, die hier den ganzen Schultag genüsslich auf und ab spazieren, hat es sich gerade gemütlich gemacht, will von Mirjam Katzensteiner, Maturaklasse, offenbar am Kopf gestreichelt werden. „Im Biologieunterricht“, sagt sie, „haben wir letztes Semester Augen seziert und wochenlang den Verschimmelungsprozess von Toastbrot analysiert und dokumentiert. Wo gibt es das schon! Dafür haben wir halt keine Klassenräume mit Tür, es kann ganz schön laut werden, und manchmal geht’s ein bissl chaotisch zu. Na und!“

Die Rose, ein dritter Pädagoge mit Schönheit und Stachel, irgendwie „out of space“. Besser kann man Schule nicht machen.

Der Standard, Sa., 2022.09.17

In Teil 3 unserer Sommerserie reisen wir nach Nancy: Das 1954 errichtete Privathaus des Architekten Jean Prouvé steht zwar unter Denkmalschutz, doch sein Zustand ist ein sehr trauriger.

Geht zum Regal und nimmt eine Ausgabe der Zeitschrift AMC Revue d’Architecture zur Hand, Juni 1984, 80 Franc das Heft. „Hier ist es, Seite 54, genau danach habe ich gesucht.“ Luc Bonaccini, 57 Jahre alt, zerzauste Haare wie ein Professor, blättert hin und her, mal zum Text, dann zum Interview, schließlich zu den Plänen und Schwarz-Weiß-Fotografien. „Auf den Artikel über dieses Haus hier bin ich während meines Architekturstudiums gestoßen: Maison Jean Prouvé in Nancy. Es war Liebe auf den ersten Blick. Eines Tages, dachte ich mir damals, will ich das Haus von innen sehen. Und jetzt das: Ich wohne hier!“

Bonaccini ist Architekt, genauer gesagt Mitarbeiter im regionalen Architektur-, Stadtplanungs- und Umweltberatungsamt CAUE im Département Meurthe-et-Moselle. Vor 17 Jahren ist er von Straßburg nach Nancy gezogen, nahm seinen neuen Job im öffentlichen Dienst an und bekam von der Stadt Nancy ausgerechnet die Maison Jean Prouvé, Rue Augustin Hacquard 4–6, zur Miete angeboten. „Ich und dieses Haus! Ich konnte es kaum glauben! Die einzige Auflage war, dass ich mich um das Haus kümmern und es bei Bedarf einmal pro Woche für Besucher zugänglich machen müsse. Nichts leichter als das!“

Das Privathaus von Jean Prouvé, 1954 im Nordwesten von Nancy errichtet, ist eines der wenigen, erhaltenen Gebäude des französischen Ausnahmearchitekten. Während im Europa der Nachkriegszeit vor allem mit Beton gebaut und mit Nierentischen und pastelligen Farbtönen eine Renaissance der Gute-Laune-Heimat zelebriert wurde, experimentierte Prouvé in seinen Haus- und Möbelentwürfen mit industrieller Vorfertigung und gezielter Einsparung von Gewicht, Baustoffen und energetischen Ressourcen. Je weniger Material, je weniger Handgriffe, je weniger Komplexität, desto besser.

Im Zeichen der Multiplikation

Zu Beginn befasste sich der ausgebildete Kunstschmied und Metallarbeiter mit Reparaturen und historischen Rekonstruktionen. Seinen Durchbruch erzielte der autodidaktische Architekt und Möbelbauer 1931 mit seinem Wettbewerbsentwurf für die Möblierung der Cité Universitaire de Nancy. Von da an ging es steil bergauf: Für die französischen Kolonialstaaten in Westafrika entwickelte er günstige, aber robuste Schulmöbel, hinzu kamen Betten für Sanatorien und Internate, die zu Zehntausenden produziert und exportiert wurden.

Auch seine modular aufgebauten Architekturprojekte standen im Zeichen der Multiplikation, etwa 100 Tankstellenhäuschen in Frankreich sowie 600 Schulklassen in Kamerun. Zeitweise hatten Les Ateliers Jean Prouvé bis zu 200 Mitarbeiter in der Produktion.

„Sein Vermächtnis ist gigantisch“, sagt Luc Bonaccini, in der Hand eine Tasse Tee, während er an seinem Wohnzimmertisch sitzt, ein Entwurf von Jean Prouvé, was sonst. „Er war ein Superstar, der sich aber stets in den Dienst des Produkts, der industriellen Fertigungstechnik und einer gewissen Demokratisierung der einst unerschwinglichen Möbel- und Architekturdisziplin gestellt hat. Es ist eine Ehre, hier wohnen zu dürfen. Aber nein, es ist nicht immer leicht.“

Am 1954 errichteten Haus, das von Prouvé und seiner Familie in nur wenigen Monaten ohne Unterkellerung und ohne umfassende Hangsicherung wie ein modulares Fertighaus zusammengeschraubt wurde, nagt der Zahn der Zeit. Die charakteristischen Bullaugenpaneele aus Aluminium sind verbeult und zum Teil undicht, die vertikalen Fensterläden, die sich in der Brüstung versenken lassen, stecken fest, an den Fenstern sammelt sich Kondensat.

„Doch das größte Problem“, sagt Bonaccini, „ist die sommerliche Hitze. Das Holz-Blech-Dach ist nur wenige Zentimeter dick und so leicht, dass Prouvé im Wohnzimmer eine Säule einbauen musste – und zwar nicht, um das Gewicht zu tragen, sondern um das Dach vor dem Wegfliegen zu sichern.“ Die Temperaturunterschiede haben dem Bauwerk, das seit 1987 unter Denkmalschutz steht, ordentlich zugesetzt. Durch das starke Schwinden und Dehnen sind die Türen, Paneele und Holzverkleidungen vielerorts gerissen.

„Wir sind uns der Schönheit und Besonderheit des Hauses sehr bewusst, umso mehr schmerzt uns der bedauerliche Zustand“, sagt Kenza-Marie Safraoui, Kuratorin für Kulturerbe und zuständig für die Museen der Stadt Nancy. „Leider sind uns in der Museumsverwaltung die Hände gebunden, denn das Haus befindet sich im Eigentum der Stadt. Das Haus wird vermietet, wir hätten viele gute Ideen, haben aber leider keinen Zugriff darauf. Die Situation ist vertrackt.“

Und was sagt Vitra zu alledem? Vor 20 Jahren hat das deutsche Nobelmöbelhaus mit Sitz in Weil am Rhein bei Basel die alten Entwürfe von Jean Prouvé aus den Archiven gehoben und mit Prouvés Erben Kontakt aufgenommen, um den Nachlass des radikalen Avantgardisten in die Vitra-Produktlinie aufzunehmen. Der Stuhl Standard , der Fauteuil Direction , der EM Table und die Wandleuchte Potence werden seit vielen Jahren erfolgreich verkauft. Erst kürzlich stellte Vitra im Rahmen einer Pressereise ein neues Produkt vor – den blitzblauen Lounge-Chair Kangourou , ein Entwurf aus dem Jahre 1948.

Das Herz blutet

„Die Wiederentdeckung des fast verschollenen Jean Prouvé im Jahr 2002 war der Beginn einer Lovestory“, sagt Christian Grosen, Head of Design bei Vitra. „Prouvés Arbeit hat viele Künstler, Designer und Architekten inspiriert. Er zählt ohne jeden Zweifel zu den größten und wichtigsten Pionieren des 20. Jahrhunderts. Uns blutet das Herz, dass ausgerechnet sein eigenes Privathaus in so einem schlechten Zustand ist. Es wäre toll, wenn man das Haus wieder in Schuss bringen könnte.“

Die einen sind Besitzer eines Kulturdenkmals und mit dem Erhalt des Objekts sichtlich überfordert. Die anderen haben einen großen Schatz geborgen und sind in den letzten 20 Jahren zu wahren Prouvé-Connaisseurs aufgestiegen.

Möge dieser Text als Anstoß dienen, die Kräfte und Budgets zu bündeln und das angedepschte Schmuckkästchen in der Rue Augustin Hacquard zu sanieren und einer öffentlichen Nutzung zuzuführen – ob als Museum, Artists-Residency oder Vitra-Hotel für Fans des nüchternen Strichs. Wie sagte doch Prouvé? „Partir du détail pour arriver à l’ensemble.“ Im Kleinen anfangen, um zu einem Ganzen zu gelangen.

Hinweis: Die Reise nach Nancy erfolgte auf Einladung von Vitra.

Der Standard, Sa., 2022.08.20

Im August begeben wir uns auf eine Reise durch Europa. Teil eins: Berlin, das in den letzten Jahren durch einen Architekten besonders stark geprägt wurde. Aber was macht David Chipperfield so deutsch? Und warum fügt sich seine Handschrift so gut in diese Stadt?

Über ihr ein alter, verrosteter Kran, an schweren Ketten von der Decke hängend, daneben eine ganze Batterie an Schläuchen und Spritzdüsen, die ehemalige Glasreinigungsanlage. „Sehen Sie die alten Mörtelfugen? Die gusseisernen Säulen? Die vielen Spuren von Fenstern, Gewölbedecken und Mauerdurchbrüchen, die man im Putz noch so wunderbar erkennen kann?“ Annette Hähn deutet durch die Glastür in die Halle. Die Zufriedenheit mit ihrem Arbeitsplatz ist ihr ins Gesicht geschrieben. „David Chipperfield hat schon das Neue Museum auf der Museumsinsel gebaut und die Neue Nationalgalerie saniert, und jetzt arbeiten auch wir in einem Chipperfield-Bau. Schon toll, oder?“

Nach der Wende stand die in den 1880er-Jahren errichtete Bötzow-Brauerei am Prenzlauer Berg, nur wenige Gehminuten vom Alexanderplatz entfernt, lange Zeit leer, ehe sie mehrere Male den Besitzer wechselte und schließlich 2010 in den Händen von Hans Georg Näder, Eigentümer der Ottobock SE, landete. Das niedersächsische Unternehmen ist auf die Herstellung von Prothesen, Orthesen, Exoskeletten und High-End-Rollstühlen spezialisiert – und hat beschlossen, das denkmalgeschützte Areal zu sanieren und sich hier mit Teilen der Verwaltung und einer Forschungsabteilung für Rollstühle anzusiedeln.

„Wir sind ein traditionsreiches Unternehmen, das seit über hundert Jahren besteht und sich seit seiner Gründung durch technische Innovation auszeichnet“, sagt Hähn, Assistentin am Berliner Standort von Ottobock, während sie den Journalisten durch die sanierte Brauerei begleitet und ihn auf eine kleine materialkundliche Entdeckungsreise entführt. Überall Stahl, Glas, nackter Beton, grober Reibputz an den Wänden, ockerfarbene, eigens für dieses Projekt gebrannte Ziegelklinker an der Fassade. „Auch in unsere Produkte kann man hineinblicken, ihnen die Funktionsweise ansehen und verstehen, wie sie beschaffen sind und welchen Zweck sie erfüllen. So gesehen, denke ich, passt die Architektur gut zu uns.“

In den kommen Jahren – die Grundplatten werden bereits betoniert – werden auf der noch unbebauten Freifläche, Prenzlauer Allee 242, drei Neubauten für Wohnen und Arbeiten errichtet, eingebettet in einen grünen Campus, geplante Fertigstellung Ende 2024. Damit ist die Bötzow-Brauerei – nach einem gefühlten Dutzend stadtprägender, gestaltgebender Chipperfield-Bauten in ganz Berlin – ein weiteres Riesenprojekt aus der Feder des britischen Neoklassizisten, der seit fast 25 Jahren ein Schwesternbüro in der deutschen Bundeshauptstadt betreibt. Mittlerweile ist die Berliner Dependance mit 140 Mitarbeitern phasenweise sogar größer als das Mutterbüro in London.

Der einzige Stararchitekt?

Gegründet wurde das Berliner Büro 1998 anlässlich des gewonnenen Architekturwettbewerbs für die Sanierung des Neuen Museums. In der Zwischenzeit wurden von hier aus bereits einige Hundert Projektplanungen in ganz Europa begleitet und betreut, ein Teil davon in und für Berlin – neben dem Neuen Museum beispielsweise die James-Simon-Galerie auf der Museumsinsel, die Galerie am Kupfergraben, das Gropius-Ensemble, der Umbau des Ullstein-Verlags in der Friedrichstraße, der eigene Bürocampus in der Oranienburger Vorstadt oder zuletzt die Generalsanierung der Neuen Nationalgalerie von Ludwig Mies van der Rohe.

„Er baut viel in Berlin, ist oft in der Zeitung und im TV zu sehen“, sagt Annette Hähn. „Ich habe sogar das Gefühl, dass Chipperfield unter den Berliner Architekten der prominenteste ist, derjenige, der auch in der breiten Bevölkerung am häufigsten in Erscheinung tritt. Mich freut seine Präsenz insofern, als ich ihn, soweit ich das als Nichtarchitektin überhaupt beurteilen kann, für einen sehr sensiblen Architekten halte. Er eckt nicht an, er provoziert nicht, er ist einfach nur bestrebt, Schönheit zu erschaffen.“

In Fachkreisen ist immer wieder das spitze Bonmot zu hören, dass Chipperfield, obwohl in London zu Hause und im Besitz eines britischen Reisepasses, der berühmteste, wenn nicht sogar einzige Stararchitekt Deutschlands sei – bekannter, schillernder und einzigartiger im Auftreten als ein Gunter Henn, ein Werner Sobek, ein Meinhard von Gerkan. Aber was macht ihn so deutsch? Warum fügt sich seine Handschrift so gut in diese Stadt?

Unkompromittierte Häuser

„Die Arbeit am Neuen Museum war mit Sicherheit ein wichtiger Beitrag zur Entwicklung einer eigenen Architekturhaltung des Berliner Büros“, sagt Alexander Schwarz, Partner bei David Chipperfield Architects und Leiter der deutschen Niederlassung. „Am Neuen Museum lässt sich beispielhaft ablesen, wie Berlin beschaffen ist. Es ist gebrochen, fragmentarisch, im stetigen Wandel, in einer bis heute noch immer nicht abgeschlossenen Transformation befindlich. Dieser Umgang mit Leerstellen, diese Sehnsucht nach dem Weiterschreiben der Stadt ist ohne Zweifel ein Motor unseres Schaffens. Das passt gut zu Berlin.“

Oft finden sich dort Ziegel, roher Beton und sandfarbener Stein. Häufiger zumindest als bei den Projekten in München, London, New York, Ottawa oder Shanghai. Auch in Wien befindet sich das dritte Chipperfield-Projekt – nach dem Peek-&-Cloppenburg-Gebäude auf der Kärntner Straße und einem Hotel in Margareten – in Bau. Es handelt sich um Luxusvillen in Hietzing.

„Nein, wir wollen keine Bildebene bedienen, und wir betreiben auch keine metaphorische Architektur“, meint Schwarz. „Was wir machen, ist hochwertiges, langlebiges Bauen, das sich gut ins Umfeld fügt. Das ist selten laut und meistens zeitlos elegant. Und als Reaktion auf den Charakter dieser Stadt ist unsere Architektursprache in Berlin wahrscheinlich klassischer und klassizistischer als anderswo.“

Die nächsten Projekte sind bereits in Bau, darunter etwa der Jannowitz-Tower an der Jannowitzbrücke in Berlin-Mitte, eine 75 Meter hohe Landmark direkt an der Spree. In der Berliner Öffentlichkeit ist das Projekt bereits weitgehend bekannt. Über weitere Bauvorhaben, die sich bereits in der Pipeline befinden, wird vorerst noch nicht gesprochen. Paris hatte seinen Baron Haussmann, Ljubljana seinen Plečnik, Barcelona seinen Gaudí. Sind wir nun Zeugen einer Berliner Verchipperfieldisierung?

„Das halte ich für übertrieben“, meint Alexander Schwarz. „Doch Fakt ist: Es ist schwierig, in Deutschland herausragende Bauten hinzustellen, denn die Gesetzeslage und Mentalität führt zwar zu einer Kultur der hohen Nivellierung – allerdings mit wenig Luft nach oben für Extravagantes. Dass es ausgerechnet uns gelungen ist, hier so viele unkompromittierte Häuser zu realisieren, steht für das radikale Understatement unserer Herangehensweise.“ Wie Berlin wohl in den kommenden 25 Jahren Gestalt annehmen wird? Abwarten und Tee trinken.

Der Standard, Sa., 2022.08.06

Der bayerische Architekt Max Otto Zitzelsberger macht zwar immer wieder auch richtig große Häuser, doch die meisten seiner Projekte baut er en miniature. Wie schön! Aber warum eigentlich?

Die Wände aus Wellpappe und Büttenpapier, vor dem Haus ein Kilo Sand und Kieselsteinchen, eine Vegetation aus Lavendel, Schafgarben und getrocknetem Lampenputzergras. „Meist stammen die Bäume und Sträucher von einem schönen Feldblumenstrauß, den meine Frau bekommen hat, manchmal sogar von mir. Nachdem der Strauß in der Vase nach Wochen komplett vertrocknet ist, heißt es kurz vor der Entsorgung: Schatz, kannst du damit noch was anfangen?“

Und ob er das kann! Für Max Otto Zitzelsberger, Architekt in der bayerischen Pampa, sind die kleinen Dinge und Reststoffe unseres täglichen Wohnens und Arbeitens wertvolle Baumaterialien. Aus Drähten, Eis-am-Stiel-Stäbchen und Papieren in allen erdenklichen Farben, Strukturen, Grammaturen entstehen Häuser, Anbauten, Umbauten, Schulen, Kindergärten, Bauernhöfe und Verkaufsschuppen für Metzger und Fleischereibetriebe. Bloß sind seine Bauwerke meist kleiner, als man es gewohnt ist, denn Zitzelsbergers Welt ist eine Welt im Maßstab 1:25.

„Ich mag das Kleine, das Winzige, und mein allererstes Projekt, das ich realisiert habe, war ein Hühnerstall mit drei Quadratmetern Grundfläche“, sagt der ausgebildete Architekt, der drei kleine Bürostandorte in Bayern leitet und an der TU Kaiserslautern eine Juniorprofessur für Tektonik im Holzbau innehat. Für seinen Schwiegervater, einen Bauern mit Hühnern und Puten, entwarf er 2011 einen hölzernen Massivbau mit zehn Zentimeter dicken Wänden, die aus Holzklötzchen wie in einem klassischen Ziegelverband aufgemauert wurden. Der Stall wurde in diversen Fachmedien veröffentlicht. „Ein kleines Projekt für den Menschen, ein großes Haus für das Huhn“, so Zitzelsberger.

Kleinheit dominiert

Und heute? „Das Kleine und Geschrumpfte ist in meinen Bauten immer noch ein dominanter Faktor, denn die Architektur im großen Maßstab stellt mich schon lange nicht mehr zufrieden“, sagt der 39-Jährige mit einer Mischung aus breitem Grinsen und tiefem Seufzen. „Der Beruf des Architekten hat sich stark gewandelt, es gibt kaum noch schöne Aufträge, in die man als junger Planer hineinwachsen kann. Wer heute als Architekt tätig ist, der ist eine Projektmaschine, die verhältnismäßig wenig kreativen Spielraum hat – dafür aber immer mehr über Normen, Haftung, Finanzierung, Kostengarantien und rechtliche Gefahren wissen und sich um Verträge kümmern muss. Das macht keinen Spaß.“

Stattdessen könne man dies als Chance sehen, um das Gebiet der Baukultur neu zu definieren. „Jedes Gebäude, das errichtet wird, ist immer nur das Modell einer ursprünglich perfekten Planungsidee, einer Utopie“, sagt Zitzelsberger – und stimmt damit in den Kanon nichtbauender Architekten wie etwa Yona Friedman, Raimund Abraham, Friedrich Kiesler, Lebbeus Woods, Paul Laffoley oder Wolfgang Tschapeller ein. „Mit dem Bauen muss man den Perfektionismus und Idealismus aufgeben und Kompromisse eingehen. Für mich aber sind diese vielen, vielen Kompromisse nicht mehr tragbar. In der Welt en miniature muss ich weniger Eingeständnisse machen, kann Baukultur betreiben, wie ich will.“

In dieser, seiner Welt, in der die Häuser meist nicht höher als 30 Zentimeter, die Grundstücke nicht größer als zwei Quadratmeter sind, entstanden in den letzten Jahren die Sanierung eines 60er-Jahre-Wohnhauses in Vötting, ein Wohnbau für einen gemeinnützigen Bauträger in Salzburg, die Erweiterung des historischen Rathauses in Sinzing bei Regensburg, das längst aus allen Nähten platzt, sowie die Umnutzung des ehemaligen Distlerhofs in Berngau, der in Zitzelsberger erfundenen Breitengraden nun als Gemeindebauhof mitsamt generationengerechtem Wohnen fungiert.

Eine seiner liebsten Utopien jedoch ist das Geschäftshaus für einen Metzger, das sogenannte Wurst-Haus in Floß in der Oberpfalz. Im Vordergrund stand die Errichtung eines „dekorierten Schuppens“ in der architekturhistorischen Definition von Robert Venturi und Denise Scott Brown – mit einem Dach aus Wellkarton, einer dekorierten Fassadenfront, überdimensionierten Buchstaben über der Attika und eigenwilligen Beschattungselementen, wie sie etwa in der Architektur von John Hejduk zu finden sind. Postmoderne pur, geschrumpft auf die Größe eines Wohnzimmercouchtischs.

Zauberwelt Modelleisenbahn

Manchmal finden die Projekte, die von Kommunen und Privatbauherren als Entwurfsideen und Bebauungsstudien in Auftrag gegeben werden, dann aber doch den Weg in den Maßstab 1:1, wenn auch nicht in überbordender Regelmäßigkeit. „Ich fühle mich in der fiktiven Miniaturwelt wohl“, sagt Zitzelsberger, dessen Minihäuser die schlichte Eleganz eines Architekturmodells und zugleich die Detailliebe einer Märklin-Modelleisenbahn aufweisen. „Doch wenn das Schicksal es will, dass ein Projekt groß gemacht werden soll, dann wehre ich mich nicht dagegen. Es ist schön, wenn sich das ab und zu ergibt.“

Zu diesen Zufällen zählen neben dem schwiegerväterlichen Hühnerstall auch eine kleine Pfarrgalerie, ein Wohnungsumbau, ein Buswartehäuschen, ein revitalisierter Stadl sowie die sogenannte Erkläranlage in Berngau, eine Art Ideenwerkstatt und Open-Air-Freiluftklasse für Kinder mit und ohne Behinderung, die auf dem Areal einer alten, mittlerweile ungenutzten Kläranlage realisiert wurde. Das Projekt – entstanden in Kooperation mit Nonconform, der Lebenshilfe Neumarkt und dem Sozialwissenschaftlichen Institut für regionale Entwicklung (SIREG) – wurde vielfach publiziert und war sogar für den DAM-Preis für Architektur 2021 nominiert.

Was also ist neben diesen wenigen, aber vielbeachteten Bauten der Motor fürs Nichtbauen? „Mit den politischen, wirtschaftlichen und klimatischen Krisen hat sich die Architektur radikal verändert“, sagt Max Otto Zitzelsberger mit einem verschmitzten Lächeln, in dem hie und da die Weisheit eines hochbetagten Architekturtheoretikers durchblitzt.

„Wir haben unser Gespür für Schönheit verloren, wir haben das Zepter an die Immobilienwirtschaft abgegeben, wir müssen erst wieder verstehen lernen, was uns Baukultur überhaupt noch wert ist. Solange wir die Antwort darauf nicht haben, gehe ich diesen Fragen in 25-facher Verkleinerung nach.“

Der Standard, Sa., 2022.07.23

Nach sieben Jahren Laufzeit erreicht die Internationale Bauausstellung Wien nun ihren Höhepunkt. Doch was ist die IBA Wien überhaupt? Und welches Vermächtnis wird sie uns hinterlassen haben?

Das Bettsofa Flottebo, 120 Zentimeter breit, gab es um wohlfeile 699 Euro, das Kommodensystem Bestå schlug mit 440 Euro zu Buche, und den kleinen, kompakten Esstisch Tommaryd konnten die Architekten aus dem Selbstbedienungslager um 219 Euro mit heimnehmen. Neben der Terrassentür hängt ein schwarz-weißes Rendering, so soll’s hier eines Tages mal ausschauen, glückliche Menschen sitzen auf einer Picknickdecke in der Wiese, umzingelt von Bäumen, an der Wand daneben sind ein paar Porträtfotos zu sehen, Kinderfotos aus dem historischen Fundus der hier involvierten Planerinnen und Architekten.

„Schon alles sehr weiß hier, ein bisschen zu weiß vielleicht, wenn man das mit einem realistischen Wohnalltag vergleicht, in dem es meist etwas wilder und chaotischer zugeht“, sagt Musterbewohnerin Klara, 26 Jahre alt, „aber durchaus schön und gemütlich. Und man kriegt eine Idee davon, wie diese Wohnung eines Tages aussehen könnte.“ Für Mustermitbewohner Bernhard (56) sind vor allem die Schiebewände ein Hit, denn mit einer einzigen Handbewegung, sagt er, wird man in der Lage sein, Wohn-, Schlaf- und Arbeitsbereiche je nach Bedürfnis, je nach Tageszeit zusammenzulegen oder akustisch und atmosphärisch voneinander zu trennen.

Die weiße Gerbera auf dem künstlich-klapsmühlig in Szene gesetzten Foto mag zwar echt sein, doch darüber hinaus ist hier – noch – nichts real. Denn die 52 Quadratmeter große Musterwohnung im Gemeindebau Neu in der Mela-Köhler-Straße 7, Baufeld H4B in der Seestadt Aspern, rundherum Bagger und behelmte Bauarbeiter unterwegs, geplante Fertigstellung Frühjahr 2023, ist lediglich ein erster früher Vorbote der flexiblen, experimentell erarbeiteten Grundrisse, die die WUP Architekten für den gemeinnützigen Bauträger Wigeba hier realisieren.

Mit seinen 74 Wohnungen – ein Drittel davon mit schiebbaren Wänden ausgestattet – ist der innovative Gemeindebau eines der Pilotprojekte, die im Rahmen der Internationalen Bauausstellung (IBA) Wien auf Schiene gebracht wurden und nun, von einem Qualitätsmonitoring begleitet, sukzessive umgesetzt werden. Nach sieben Jahren Projektzeit erreicht die IBA Wien damit ihren Höhepunkt. Seit vorgestern ist die finale IBA-Ausstellung Wie wohnen wir morgen? im IBA-Zentrum in der Nordwestbahnstraße, Brigittenau, zu sehen.

Vier-Zimmerchen-Wohnung

„Wohnen wird immer teurer, und wir stehen heute vor der immensen Herausforderung, dass sich viele Menschen – vor allem Alleinerziehende mit ein oder zwei Kindern – kaum noch eine ausreichend große Wohnung leisten können“, sagt Bernhard, Musterstatist in Weiß, Partner bei WUP Architekten, Weinberger mit Nachnamen. „Also haben wir im Prinzip eine Zwei-Zimmer-Wohnung entwickelt, die im Kreis begehbar und bei Bedarf mittels Schiebewänden im Nu in eine Vier-Zimmerchen-Wohnung umfunktioniert werden kann – mit einer kleinen Privatsphäre für jeden und für jede.“

Während selbst im günstigen, geförderten Wohnbau die Bestrebungen zunehmend in Richtung hoher Materialqualität gehen, begnügt sich der Gemeindebau in der Mela-Köhler-Straße mit Laminatböden, Kunststofffenstern und verzinkten Eisengeländern. Das materielle Hirnschmalz floss stattdessen in echt clevere Grundrisse, die mit Standardmöbeln und 60 Zentimeter tiefen Schrankwänden wohlfeil und intelligent einzurichten sind. „Im Fokus steht nicht die architektonische Ästhetik“, so Weinberger, „sondern das Raum- und Zimmerbedürfnis von Menschen in prekären Lebenssituationen.“ 7,50 Euro kostet die Miete pro Quadratmeter.

Die Entwicklung neuer, innovativer Lösungen auf Wohn- und Stadtteilebene – genau darum geht es bei der IBA Wien. Weniger handelt es sich dabei um eine Ausstellung im klassischen Sinne, wie der seit 1901 (!) gebräuchliche Titel vermuten lassen würde, als vielmehr um eine Initiative und einen experimentellen Prozessrahmen, in dem bislang unbekannte, unerprobte urbane Habitatmodelle und konkrete Pilotprojekte beispielhaft durchexerziert werden – mit dem Ziel, voneinander zu lernen, die Regelwerke und Standards zu überdenken und der eigenen, irgendwie zur Routine gewordenen Planungskultur wieder einen Schubs in Richtung Zukunft zu geben.

„Früher waren die IBAs tatsächlich eine Nabelschau von realisierten Projekten, im Vordergrund stand dabei meist die Exzellenz“, sagt Kurt Hofstetter, Leiter und Koordinator der IBA Wien. „Doch spätestens mit der IBA Hamburg 2013 hat sich der Fokus vom Projekt auf den Prozess verlagert. Heute geht es nicht mehr um exzellente Architektur im Sinne einer Einzelerscheinung, sondern um die Anhebung der Lebensqualität aller an einem Ort wohnenden, lebenden Menschen.“

Zwischen den Häusern

Die Argusaugen der IBA Wien, die Konzeption, Entwicklung, Planung, Errichtung und Wohnbetrieb gleichermaßen unter die Lupe nimmt, richten sich dabei zum einen auf singuläre Wohnbauten wie etwa den Gemeindebau Neu in der Seestadt Aspern, das Loft Living und den Grünen Markt im Sonnwendviertel oder das Holzbausystem Vivihouse, das als gebauter Prototyp derzeit am Donaufeld zu besichtigen ist.

Zum anderen aber hat sich die IBA Wien – mehr als die parallel stattfinden IBAs in Basel, Heidelberg, Stuttgart, Thüringen und in der Region Parkstad im südlichsten Zipfel der Niederlande – dem Quartiersmaßstab verschrieben, also dem Grätzel, der Nachbarschaft, der sozialen, technischen und gewerblichen Infrastruktur zwischen den Häusern.

„Als wir Anfang der 1990er-Jahre mit mehreren Bauträgern ein großes Wohnquartier in der Donaustadt entwickelt haben“, erinnert sich Hofstetter, „gab es keinen einzigen Plan, der die Erdgeschoßzone aller involvierten Bauträger abgebildet hat. Niemand wusste, was sein Nachbar für Pläne schmiedet. Also habe ich mich hingesetzt und mit Tusche einen quartiers- und bauträgerübergreifenden Erdgeschoßplan gezeichnet. Und zu meiner großen Verwunderung muss ich sagen: Bis heute ist das noch immer nicht Standard.“

In den letzten sieben Jahren ist es der IBA immerhin gelungen, dass im magistratsabteilungsparifizierten Wien die einzelnen Planungsstellen heute endlich miteinander reden und abteilungs- und kompetenzübergreifend im Kollektiv die Wohnquartiere der Zukunft planen. Die in der Ausstellung präsentierten und in vielen, vielen Stadttouren erkundbaren Quartiere – ob das nun im verdichteten, revitalisierten oder ganz neuen Wien ist – geben Einblick in die intensive Netzwerkarbeit, die schon fast zur Normalität geworden ist.

Damit ist das größte und wichtigste Exponat der Internationalen Bauausstellung Wien fast unsichtbar. Oder, wie Kurt Hofstetter meint, der gerade Merlin Sheldrakes Buch Verwobenes Leben über das Verhalten von Pilzen am Nachtkastl liegen hat: „Pilze, Schimmel und Myzelien sind hochintelligente Systeme, die sich untereinander austauschen und einander mit Nährstoffen versorgen. Wer grad hat, der gibt. Wer grad braucht, der nimmt. Wir alle, die wir Stadt bauen, können von Pilzen noch viel lernen.“

Schlusspräsentation IBA Wien im IBA-Zentrum, Nordwestbahnstraße 16, 1200 Wien. Zu sehen bis 18. November 2022. Mit einem sehr umfangreichen Veranstaltungs- und Exkursionsprogramm.

Der Standard, Sa., 2022.06.25

Das Nationalmuseum Oslo, vor kurzem eröffnet, ist optisch und programmatisch ein Kulturmonolith von enormen Dimensionen. Architektonisch kollidieren südliche Romantik und nordische Pragmatik.

Eigentlich hätte Klaus Schuwerk jeden Grund, glücklich zu sein. Der deutsche Architekt steht in dem von ihm entworfenen Nationalmuseum in Oslo, 6,05 Milliarden Kronen (rund 600 Millionen Euro) teuer und zwölf Jahre nachdem der weitgehend unbekannte Architekt im Team mit dem Berliner Büro Kleihues + Kleihues den Wettbewerb gewonnen hatte. Die Institution, 2003–2005 durch die Zusammenlegung von fünf Museen entstanden, hatte sich ein prestigeträchtiges Grundstück ausgewählt: auf dem Areal des ehemaligen Bahnhofs Oslo Vest am Ufer des Oslofjords, gegenüber dem monumentalen Rathaus.

Aber Klaus Schuwerk ist nicht glücklich. Dabei wurde sein Entwurf, der die gigantische Baumasse in ein gedrungenes Gebilde aus ineinandergeschobenen Quadern packte, plangemäß umgesetzt, und auch die Massen aus graugrünem norwegischem Quarzit an Fassade und im Foyer verbaut. Doch erstens, sagt er, sei es ein langer Kampf gewesen, einheimischen Stein und nicht billigeren Import zu verwenden, es hätten sich zu viele Beteiligte in seine Kernkompetenzen eingemischt, und überhaupt – er deutet resigniert in den Raum: Diese Möbel! Diese Mistkübel! Schrecklich! Für all das habe er eigene und schönere Entwürfe geliefert und sei ignoriert worden. Und das schwarze „Nm“-Logo auf der Fassade gefällt ihm auch nicht, das Museum sei schließlich auch so als solches erkennbar.

Nationale Identität

Es passiert nicht oft, dass man einen Architekten trösten möchte, sein neues Gebäude sei doch gar nicht so schlecht geworden, wie er sagt. Zugegeben, die tonnenschwere kantige Masse, in die wenige tiefe Fensterlöcher gestanzt wurden, empfängt die Besucher nicht gerade mit offenen Armen, doch ist man einmal drinnen, atmet das hohe, geräumige Foyer mit seinen schweren Eichenholztüren eine zeitlose Eleganz. Wer einmal durch Peter Zumthors berühmte Therme im Graubündner Ort Vals mit ihrer archaischen Steininszenierung wandelte, wird mit einem kleinen Déjà-vu belohnt.

Direktorin Karin Hindsbo wiederum ließ anlässlich der Eröffnung am 11. Juni mit nordisch-lockerer Sachlichkeit jedes Pathos vermissen, obwohl sie von nun an dem größten Museum der nordischen Länder vorsteht: 400.000 Objekte von Malerei über die Antike bis zum Designobjekt, davon 6500 in insgesamt 86 Räumen ausgestellt. Stattdessen betonte sie die gesellschaftliche Verpflichtung: „Das kulturelle Erbe einer Nation ist ihre Identität. Museen spielen hier eine wichtige Rolle, weil die Menschen ihnen vertrauen; mehr noch als Büchern oder Schulen. Diese Glaubwürdigkeit müssen wir erhalten.“

Für die erste Ausstellung I Call It Art wurden in einem Open Call 147 Werke von meist unbekannten Norwegern ausgewählt, um gleich von Beginn an zu vermitteln: Dieses Museum gehört euch allen. Das Ergebnis ist ein etwas anstrengendes Sammelsurium unbändigen Ausdruckswillens, das einen mit Dankbarkeit für die Existenz von Kunsthochschulen zurücklässt. Darüber hinaus lassen Eintrittspreise von 18 Euro diese Inklusionsgeste eher symbolisch erscheinen. Auch Architekt Klaus Schuwerk winkt ab. Er hätte sich stattdessen Werke gewünscht, die den Raum zur Geltung bringen. Vielleicht eine Stahlskulptur des (bei Architekten stets beliebten) Richard Serra.

Nun sind Unterschiede zwischen Bauherr und Architekt nichts Außergewöhnliches, hier jedoch sind sie Indiz für ein grundsätzliches kulturelles Missverständnis. Auf der einen Seite die romantisch-mediterrane Vorstellung des Architekten als Gesamtkünstler. Sein ideales Museum: hehr und heilig, erhaben und ewig, nobel und solide. Auf der anderen Seite die nordische Tradition der Offenheit, Teamarbeit und Inklusion. Hier elitäres 19. Jahrhundert, dort demokratisches 21. Jahrhundert. Hier Tempel, dort Sitzkreis. Selbst im düsteren Edvard-Munch-Saal laden didaktische bunte Bauklötze die kleinen Besucher ein, den Schrei nachzubauen.

Doch diese Widersprüche kann das Museum schon angesichts seiner schieren Größe gut aushalten, und die klassische Enfilade von Räumen lässt allen Exponaten der Dauerausstellung (Ausstellungsarchitektur: Guicciardini & Magni Architetti) genügend Raum. Gibt man den Anspruch auf, alles sehen zu wollen, hat das Megamuseum durchaus seinen Reiz. In der Malerei kann man sich ebenso verlieren wie in der fantastischen Design-Ausstellung und ihren großen Glaskabinetten, in denen Textilien, Möbel, Grafik und Objekte thematisch klug kombiniert werden und wo auch das berühmte Animationsvideo zu a-has Take on Me seinen Platz findet.

Quarzit-Gebirge

Mit einer nennenswerten Ausnahme: Das Quarzit-Gebirge bekam eine verglaste Halle aufgesetzt, die für Wechselausstellungen dient und nachts als horizontaler Leuchtturm aufglüht. Klaus Schuwerk nennt sie den „Alabaster Room“, doch die antike Erhabenheit, die dieser Name suggeriert, stellt sich nicht ein. Mit 130 Meter Länge ist die Halle im Inneren von ermüdender Endlosigkeit, die sieben Meter hohe transluzente Fassade drängt sich unruhig in den Raum und nimmt der Kunst die Freiheit zur Entfaltung. „Man kann an das Glas zwar keine Bilder hängen, aber es sieht gut aus“, sagt Sammlungsdirektorin Stina Högkvist lakonisch. Der nordische Pragmatismus wird es schon hinbekommen.

Möglicherweise sind die beiden Direktorinnen auch so entspannt, weil der größere Plan, in den sich das Nationalmuseum einordnet, mit Sicherheit aufgehen wird. Auch wenn es auf eine ikonische Großform verzichtet, mit der Stadt verschmilzt und seine kulturelle Bedeutung fast ausschließlich im Inneren zeigt, ist es ein Schlüsselelement in der Osloer Waterfront, deren Wiederentdeckung die Stadt komplett umkrempelt.

Ein Prozess, der 1993 mit Renzo Pianos leichtfüßigem Astrup-Fearnley-Museum begann und mit dem 2007 eröffneten, sofort zum Wahrzeichen gewordenen Opernhaus den Turbo einschaltete. 2020 kam die exzellente städtische Deichmann-Hauptbibliothek dazu, 2021 der recht emotionslos-anämisch geratene Stahl-Glas-Stapel des Munch-Museums. Das Nasjonalmuseet komplettiert diese Reihe und soll Oslo nun endgültig in die Königsklasse der globalen Kulturdestinationen katapultieren. Auch wenn der granitschwere Kunst-Leuchtturm, unter seinem eigenen Gewicht fast versinkt, dürfte er wie geplant Einheimische und Touristen an den Fjord locken. Und vielleicht macht auch der Architekt eines Tages seinen Frieden damit.

Die Reise nach Oslo erfolgte auf Einladung der norwegischen Botschaft Wien.

Der Standard, Sa., 2022.06.18

Viel Architektur auf wenig Raum im Horten-Museum

Constantin Luser bläst in seinen 6,22 Meter hohen Vibrosaurier . 25 Blasinstrumente erklingen in schrillen Tönen. Die Kakofonie füllt das ganze Haus. „Dieses Freispielen der Ecken und Durchbrechen der Decken war uns von Anfang an wichtig“, sagen Ernst J. Fuchs und Marie-Thérèse Harnoncourt vom Wiener Architekturbüro The Next Enterprise, die sich mit ihrem Entwurf im Wettbewerb 2019 gegen Kuehn Malvezzi und Ortner & Ortner durchsetzten. „Auf diese Weise gibt es kleine und große, gemütliche und dramatische Räume, und die Kunst kann sich optisch und akustisch ausbreiten.“

Mit nicht einmal 1500 Quadratmetern, verteilt auf drei Ausstellungsebenen und eine Büroetage im Dachgeschoß, ist das Haus deutlich kleiner, als man auf den ersten Blick glauben möchte. Das Foyer mit eingezogenen Ebenen und einer schluchtartigen Raumhöhe von über 17 Metern bis unters Dach verströmt beim Eintreten eine Weite, die man im Wiener Mumok etwa vergeblich sucht und im New Yorker MoMA erfolgreich findet. Die 240 Quadratmeter großen Lichtdecken und die frech in den Altbau eingeschriebene, um rund 45 Grad verdrehte Geometrie tun ihr Übriges.

Highlight sind die beiden Treppenläufe, die sich trotz ihres imposanten Gewichts von 6,5 Tonnen fast schwerelos an die schwebenden „Plateaus“ klammern. Die massiven Edelstahlskulpturen, die vor Ort zusammengeschweißt und in einem aufwendigen Verfahren glasperlengestrahlt wurden, animieren die Besucher zum Klopfen und Streicheln – und verraten nebenbei, dass die Auftraggeberin Heidi Horten weder Kosten noch Mühen gescheut hat.

Von 13 Millionen Euro Nettobaukosten war in der Wettbewerbsausschreibung die Rede. Zu den tatsächlichen Kosten will sich Museumsdirektorin Agnes Husslein-Arco nicht äußern.

„Das Wichtigste ist doch, dass dieses private Museum viele unterschiedliche Nutzungen und Bespielungen zulässt“, so Husslein-Arco. „Ich persönlich finde die Sequenz aus permanenten Überraschungen zwischen Altbau und Neubau am faszinierendsten.“ Ein solcher Überraschungsmoment ist auch der Tea Room in einem der Kabinette. Markus Schinwald entwickelte eine fast romantische Vitrinenwand mit gläsernen Bullaugen, und Hans Kupelwieser verschrottete mit einem Bagger 13 Alutafeln, die er in einem metallisch-samtigen Rot eloxieren ließ.

Fazit: Der 1914 errichtete, komplett entkernte und vanillesaucengelb gestrichene Altbau im Innenhof des Hanuschhofs ist von außen keine Wucht, aber das ist mit 29 Grundstückseigentümern an so einer Adresse auch kein Wunder. Doch in seinem Inneren entfaltet das Ding eine kleine, dramatische Museumslandschaft mit architektonischem Seltenheitswert.

Der Standard, Di., 2022.05.31

Kommenden Freitag wird in London der heiß begehrte Pritzker-Preis an den heurigen Laureaten Diébédo Francis Kéré vergeben. Ein Gespräch über Lehm, unbequeme Schulmöbel und rauschende Feste mit dem ganzen Dorf.

Wo sind Sie gerade? Berlin, Benin, Burkina Faso? „Alles gut, ich bin in meinem Büro in Berlin, die Baustellen laufen gerade gut, außerdem muss ich mich noch auf die Zeremonie nächste Woche vorbereiten“, sagt Diébedo Francis Kéré am Beginn des Zoom-Interviews. Er mag Zoom und Telefonate, sagt er, da passiere meist Gutes. Und dann erzählt er vom Anruf der Pritzker-Preis-Direktorin Manuela Lucá-Dazio irgendwann im Februar, er war gerade in Benin, die Verbindung war schlecht, er verstand nur Wortfetzen: Pritzker, 2022, Jury, Gratulation. Er konnte es nicht fassen!

STANDARD: Viele Leute haben schon seit längerer Zeit damit spekuliert, wann der Pritzker-Preis endlich an Diébédo Francis Kéré vergeben wird. Sie auch?

Diébédo Francis Kéré: Wow! Was? Echt? Wollen Sie mich veräppeln? Emotional, würde ich sagen, habe ich die Botschaft schon ein wenig verarbeiten können. Da war alles dabei, von Lachen bis Weinen. Intellektuell kann ich es noch immer nicht fassen.

STANDARD: Was bedeutet Ihnen der Preis?

Kéré: Einerseits eine persönliche Genugtuung, andererseits eine gewaltige Anerkennung für die Arbeit, die ich mit meinen Leuten seit über 20 Jahren leiste. Zu Beginn hat man als Architekturstudent ja überhaupt keine Ahnung, was einem der Job später abverlangen wird, und geht mit einer gewissen Naivität in den Beruf hinein. Diese Naivität hat mir Tür und Tor geöffnet. Und es macht mich überglücklich, dass sich diese naive Annäherung an die Materie im Laufe der Jahre als so erfolgreich herausgestellt hat.

STANDARD: Wie sind Sie zum Bauen gekommen?

Kéré: Über viele Umwege. Schon mit sechs, sieben Jahren musste ich an den Nachmittagen nach der Schule arbeiten, um ein bisschen Geld zu verdienen. Ich hatte die Aufgabe, mit einem Eselskarren Baumaterialien anzuschaffen. Die Baustellen haben mich fasziniert. Eine weitere Prägung war, dass ich mich eines Tages gefragt habe, warum es im Klassenzimmer immer so heiß war. Wir sind unter einem Blechdach gesessen, es gab kaum Licht oder Frischluft, es war dunkel und unfassbar heiß. Ach, und dann die Schultische! Das waren Holzbretter mit Beinen, einfach zusammengenagelt, nicht einmal verschraubt, alles hat gewackelt. Die Nägel haben sich in den Stoff gebohrt und meine Hosen und Unterhosen kaputtgemacht. Ich habe nicht verstanden, warum das Leben so unbequem sein muss. Ich wollte es schöner, heller und bequemer machen.

STANDARD: Sie haben eine Tischlerausbildung gemacht.

Kéré: Ja, mit neun bin ich zu einem Tischler gekommen, der mich als Lehrling aufgenommen hat. Danach habe ich in Fada N’Gourma eine professionelle Tischler- und Mechanikerlehre absolviert. Ich wollte nie als Mechaniker arbeiten, aber ich wollte so gut mit Metall umgehen können, dass ich selbst Dächer decken kann. Ich wollte bessere Dächer machen als die, die wir in der Schule hatten.

STANDARD: Mit 20 Jahren sind Sie nach Berlin gekommen. Was war Ihr erster Eindruck?

Kéré: Nach Berlin bin ich mit einem Stipendium der Carl-Duisberg-Gesellschaft und des Deutschen Entwicklungsdienstes gekommen. Es war ein Stipendium für eine Tischlerausbildung. Mein erstes Mal außerhalb von Afrika. Dieser kontinentale Winter! Ich wusste nicht, wie ich diese Kälte überleben soll. Doch was mich wirklich schockiert hat, war die Erkenntnis, dass in einer deutschen Großstadt alle Flächen komplett versiegelt, zubetoniert und -asphaltiert sind. Nirgendwo gibt es ein Stückchen natürlicher Erde, nirgendwo ist Natur, überall ist Mensch. Das war ein Schock.

STANDARD: Obwohl Sie seit 2004 ein Büro in Berlin betreiben, bauen Sie vor allem in Burkina Faso, aber auch in Mali, Kenia, Senegal, Mosambik sowie in Benin und im Sudan. Wie schaffen Sie es, diese großen Projekte von Deutschland aus zu leiten?

Kéré: Zum einen bin ich selbst viel auf den Baustellen unterwegs, zum anderen bemühen wir uns immer sehr, vor jedem Projekt ein paar Handwerker und Fachleute vor Ort auszubilden und mit ihnen eine Art Crashkurs für bestimmte Bauweisen oder technische Details zu machen. Das funktioniert eigentlich sehr gut.

STANDARD: Sie arbeiten oft mit lokalen Materialien wie Stein, Holz und Lehm. Gerade im Global South sind dies jedoch Baustoffe, die oft stigmatisiert sind und mit Armut konnotiert werden. Was setzen Sie dem entgegen?

Kéré: Das ist tatsächlich ein enormes Problem in vielen armen Ländern im globalen Süden. Die Elite ignoriert meist alle Logiken lokalen und regionalen Bauens und kopiert stattdessen den Westen, denn aus dem Westen – so hält sich die Legende – kommen die guten, perfekten, hoch entwickelten Dinge. Bloß achtet man leider nicht darauf, ob sich diese westlichen Dinge auch in südlichen Klimaregionen eignen. Die Vorbildwirkung dieser Elite ist leider katastrophal.

STANDARD: Wie schaffen Sie es, dass Ihre Lehmbauten dann doch realisiert werden?

Kéré: Mit Argumenten. Ich kläre die Leute auf und rechne ihnen vor, wie viel Geld, Zeit und Energie sie sparen, wenn sie so und nicht anders bauen. Es geht um Kosten, Effizienz und Langlebigkeit. Solche Faktoren versteht jeder.

STANDARD: Ihre aktuellen Projekte werden immer größer. Ich denke da nur an die Benin National Assembly in Porto-Novo. Wie gelingt es Ihnen, den Geist zu bewahren und die Idee lokalen und regionalen Handwerks auf die nächste Maßstabsebene zu transferieren?

Kéré: Das ist keine leichte Aufgabe! Der Maßstabssprung von einer lokalen, räumlich überschaubaren Größe auf eine politische, in gewisser Weise internationale Ebene braucht ein unglaubliches Transformationsmoment – und auch symbolische Gesten. Wir bezeichnen das Projekt nicht als National Assembly, sondern als „L’arbre à palabres“, als Palaverbaum. Man kennt den Palaverbaum ja als traditionellen Versammlungsort, in dessen Schatten sich die Menschen über Politik, Gesellschaft und das Zusammenleben im Dorf austauschen. Das Parlamentsgebäude ist nichts anderes, bloß größer. Außerdem wollen wir für die Böden im ganzen Haus Steine aus Steinbrüchen in ganz Benin zusammenzutragen. Auch das ist ein Beitrag zu einer lokalen, regionalen Ökonomie.

STANDARD: Haben Sie einen Wunsch für die Zukunft?

Kéré: Natürlich! Ich wünsche mir, dass ich fit bleibe, weiterhin inneren Frieden finde und mir meine Kraft, Energie und Inspiration behalte, um Projekte zu realisieren, die die Menschen glücklich machen.

STANDARD: Der Pritzker-Preis ist mit 100.000 US-Dollar dotiert. Was werden Sie damit tun?

Kéré: Ganz ehrlich? Der Pritzker-Preis ist eine enorme Sache für mich und meine gesamte Familie. Meine Mutter hat mich immer schon gepusht, ermuntert und zur Schule geschickt, und auch heute noch verfolgt sie die Arbeit ihres Sohnes mit Stolz und Interesse mit. Auch einige meiner Freunde und Geschwister freuen sich mit mir mit. Ich lade sie alle zur Preisverleihung nach London ein – Visumanträge, Flugkosten, Unterbringung, einfach alles. Wir sind eine große Familie, da bleibt nicht mehr viel übrig.

STANDARD: Was machen Sie mit dem Rest?

Kéré: Mein ganzes Leben besteht aus Effizienz, sinnstiftender Arbeit und sorgfältigem Umgang mit Geld. Jetzt will ich feiern und in meinem Dorf in Burkina Faso ein großes Fest schmeißen.

[ Diébédo Francis Kéré, geb. 1965 in Gando, Burkina Faso, betreibt seit 2004 sein Architekturbüro in Berlin. Als erster afrikanischer Architekt wurde er heuer mit dem Pritzker-Preis ausgezeichnet. Am 27. Mai findet in London die Verleihung statt. ]

Der Standard, Sa., 2022.05.21

Nichts ist unter Architekten verschmähter als das gute, alte Satteldach. Was wurde nicht schon gespottet und geschimpft! Das Wiener Architekturbüro Smartvoll macht das ungeliebte Ding wieder salonfähig.

Vom Haupteingang bis ins Büro des Bürgermeisters sind’s keine 30 Schritte. Immer nur gradaus, meist steht die Tür sperrangelweit offen, direkt in der Sichtachse sitzt er, alles gut im Blickfeld habend, zugleich einsichtig wie nur was, tippt grad irgendwas in den Computer. „Ah, da sind Sie ja!“ Alois Zetsch, laut Gemeinde-Homepage bei der ÖVP, aber irgendwie mehr schwarz-rotgrün als türkis, ist eigentlich gelernter Elektriker, leitet seit vielen Jahren ein eigenes Elektrounternehmen. Seit 2005 ist er Mitglied im Gemeinderat, 2014 wurde er – keine Kurzschlusshandlung, sondern mit ziemlich überzeugender Mehrheit – zum Bürgermeister gewählt.

„Eine der Agenden“, sagt der 62-Jährige, Flanellhemd und Fleece-Jacke, „war ein neues Rathaus, denn das alte Gebäude platzte aus allen Nähten, war in keinster Weise barrierefrei, und selbst wenn wir es mühsam saniert hätten, wäre es dennoch ein hermetisches, altmodisches Haus geblieben. Ich aber wollte, dass Großweikersdorf endlich ein offenes, einladendes Gemeindeamt bekommt.“ Zur Auswahl standen zwei Grundstücke im Eigentum der Gemeinde, eines direkt am historischen Hauptplatz, eines am Stadtrand neben dem Bauhof. Gut, dass man sich fürs richtige entschieden hat.

Vier Architekten wurden im Rahmen eines kleinen geladenen Wettbewerbs um einen Entwurf gebeten – drei Büros aus der Region sowie ein Wiener Büro, von dem der Elektriker Zetsch bei einem Projekt vor vielen Jahren mal einen Auftrag bekommen hatte und dessen freche, innovative Architektur ihm seitdem in Erinnerung geblieben war. Diesmal drehte sich der Spieß um, und die Architekten bekamen den Auftrag vom zum Statthalter aufgestiegenen Professionisten. Im Herbst 2021 wurde das neue Rathaus feierlich eröffnet.

Wie eine Scheune in Iowa

Die Straßenfront wurde durchbrochen, statt einer langweiligen, verputzten Fensterfassade wurde mit städtebaulichem Wagemut eine hölzerne Satteldachfront in die Baulücke gestellt, links und rechts davon zwei wilde, verwunschene Gehwege, ein Abstecher in die Wohnsiedlung dahinter, gelegentlich kann man die Gemeindemitarbeiterinnen hier bei einer Zigarette und einer Tasse Kaffee antreffen, dazwischen erstreckt sich das Gebäude – wie eine Scheune irgendwo in Iowa – 60 Meter weit nach hinten.

„Wir wollten ein wirklich offenes, öffentlich zugängliches Rathaus, das sich anfühlt wie ein Kumpel, dem man gern mal auf die Schulter klopft, weil man ihn so gern hat“, sagt Philipp Buxbaum, der gemeinsam mit seinem Partner Christian Kircher das Wiener Büro Smartvoll Architekten leitet. Das Ziel wurde erreicht: Während in einem klassischen Rathaus, wie Buxbaum vorrechnet, lediglich zehn bis 15 Prozent der Nutzfläche hausfremden Personen zur Verfügung stehen, sind in Großweikersdorf rund 55 Prozent des Gebäudes öffentlich begehbar – darunter auch eine Art Wohnzimmer-Lounge mit Bibliothek und Sitztribüne. Den schulterklopfenden Sympathiefaktor erreicht man über das gute alte Satteldach.

„Wir sind überhaupt keine Satteldach-Spezialisten und auch keine Satteldach-Liebhaber, aber wir haben auch keine Scheu davor, wie viele andere Architekten“, sagt Kircher. „In diesem Fall hat sich das Satteldach angeboten, weil es das optische Erscheinungsbild des Gebäudes reduziert und irgendwie handlicher und kompakter macht. Und auch, weil es eine aus dem eigenen Einfamilienhaus bekannte Architekturtypologie ist, die sich den Bürgerinnen und Bürgern als Willkommensgruß und freundliches Kommunikationsmittel präsentiert.“

Großstadtdschungel

Bürgermeister Alois Zetsch hat bislang nur beste Rückmeldungen bekommen. „Die Leute lieben das Haus, und sie haben das Gefühl, dass ihnen die Gemeinde hier ein zweites Wohnzimmer hingestellt hat. Wenn sie einen Termin auf der Gemeinde haben und ein bissl warten müssen, dann sitzen sie nicht auf einem Konferenzstuhl im Wartezimmer, sondern auf einem grünen Sofa unter einem riesengroßen Holzdachstuhl.“ Der Erfolg des 5,3 Millionen Euro teuren Projekts hat schon weite Kreise gezogen: Nominierung für den Holzbaupreis und den INA Award 2021, Anerkennung beim Holzbaupreis, Sieger beim Architizer A+Award.

Und die Satteldach-Euphorie in der digitalen Crowd ist noch lange nicht zu Ende: Erst letztes Wochenende veröffentliche der Architekturblog designboom eine Projektstudie von Smartvoll, die sich – abermals mit einem Satteldach gekrönt – mit städtischer Nachverdichtung und urbanem Wohnen mit Zugang ins Grüne beschäftigt. Zwischen zwei Feuermauern im dichtest verbauten Wien-Ottakring stellen Buxbaum und Kircher fiktiv einen hölzernen Leichtbau auf das Dach eines niedrigen Gründerzeithauses und verwandeln die Lücke zwischen den beiden Feuermauern solcherart in einen wilden Großstadtdschungel.

„Die hohe Schule der österreichischen Architektur lehrt einen, 80 Stunden pro Woche zu arbeiten, niemals zu lachen, stets ernst zu bleiben, dem Flachdach zu huldigen und in modernen Raumkontinua wie bei Mies van der Rohe zu denken“, sagt Philipp Buxbaum. „Solche Kisten zu bauen ist unter Architekten eine Art Modeerscheinung – ach was, Religion! Doch es gibt auch eine Architektur jenseits dieser monokulturellen Dogmatik. Wir nennen das Biodiversität.“

Der Standard, Sa., 2022.04.09

Die Kirche der Seligen Maria Restituta in Brünn ist eine Skulptur aus Licht und Beton. Architekt Marek Jan Štĕpán hat sich an Vorbildern des 20. Jahrhunderts orientiert und einen ambivalent großartigen Ort geschaffen, bei dessen Anblick die Reaktion zwischen Begeisterung und Enttäuschung oszilliert.

Kaum hat man die Banalität des Außenraums hinter sich gelassen, kaum ist die gläserne, mit Holzlatten verkleidete Brandschutztür mit Panikbeschlag wie aus dem Baumarktkatalog mit einem metallischen Klick zugefallen, überfällt einen eine Mischung aus Schock und zauberhafter Überraschung. Man steht plötzlich mitten in einer Raum-Zeit-Maschine, in Millisekunden reist man nach Ronchamp zu Le Corbusiers Notre-Dame du Haut. Nackter Beton in unterschiedlichen Qualitäten und Oberflächen, mal glatt, mal rau, mit Besenstrich gekratzt oder konzentrisch in kleinen, 8 cm breiten Holzlatten geschalt, und über genau jene Fläche, die sich mit einem magischen Licht-Schatten-Spiel in 18 m Höhe über den Kirchenraum stülpt, legt sich wie ein dematerialisierter Schleier aus Licht ein kreisrunder Regenbogen in allen Farben dieser Welt.

»Schon seit Jahrhunderten beschäftigen sich die Menschen damit, wie man höhere, spirituelle Kräfte darstellen kann, und auch Umberto Eco bezeichnete die Identität Gottes einst als einen Lichtstrom, der das ganze Universum durchdringt«, sagt Architekt Marek Jan Štěpán. »Genau darum geht es in dieser Kirche. Die eigentliche Lichtquelle ist von unten betrachtet unsichtbar, und doch dringt dieses wunderbare sphärische Licht in den Innenraum und breitet sich auf der gesamten, im Durchmesser 25 m großen Kuppel aus. Das ist meine ganz persönliche Art und Weise, Spiritualität und universelle Kraft darzustellen. Es geht um Immaterialität und um eine fast uterushafte Sanftheit und Sicherheit.« Štěpán, 54 Jahre alt, selbst praktizierender Christ und Professor für sakrale Räume an der Technischen Hochschule Brünn, beschäftigt sich schon seit geraumer Zeit mit Kirchenarchitektur. Sein Portfolio umfasst katholische, evangelische und jüdische Gotteshäuser sowie zahlreiche Entwürfe für Altäre, Tabernakel und diverse liturgische Geräte. Mit besagtem Standort in Lesná, einer modernen Wohnsiedlung im Norden Brünns, die in den 60er Jahren von František Zounek und Viktor Rudiš nach dem Prinzip einer Gartenstadt errichtet wurde, hatte er schon mal während seines Diplomstudiums 1991 zu tun. Damals wurde ein öffentlicher Wettbewerb für eine Kirche und ein Glaubens- und Gemeindezentrum ausgeschrieben, den er gemeinsam mit Zdeněk Bureš gewinnen konnte. Das Gemeindezentrum von Bureš wurde realisiert, der Entwurf für die Kirche der Seligen Maria Restituta allerdings blieb in den Akten.

»Es vergingen 25 Jahre mit weit über 30 Entwurfsvarianten vieler beteiligter Architekten, doch die Diözese von Brünn konnte sich auf keine Lösung einigen«, erinnert sich Štěpán. 2016, ein Vierteljahrhundert später, wurde daher ein zweiter Wettbewerb ausgeschrieben. Und: »Ich konnte es kaum glauben, aber den habe schon wieder ich gewonnen! Es gibt einige Analogien zu meinem Erstentwurf, vieles ist ähnlich, aber im Großen und Ganzen ist das Projekt wohl reifer und erwachsener geworden. Während ich mich als Student noch mit einer expressiven Holzkonstruktion verewigen wollte, die ein wenig an Moby Dicks Skelett erinnert, ist meine Sprache im Laufe der Jahre ruhiger und in gewisser Weise entmaterialisierter geworden. Es geht um Baustoff in seiner reinsten Form und um Licht – um viel Licht.«

Zu ebener Erde liegt glatter Granit, an den Wänden ist die archaische Sprache Štěpáns ablesbar, sei es in Form von bauüblichen Betonfertigteilen, sei es in Form von unterschiedlich behandelten Kratztexturen und Schalungsadrücken. An zwei Stellen, die einen vagen rechten Winkel markieren, ragen organische, konvex geformte Emporen in den Kirchenraum, und fast scheint es, als habe Štěpán die beiden charakteristischen Betonvordächer in Ronchamps Kapelle mit einem bildhauerischen Kunstkniff von außen nach innen gestülpt. Unter den Kratzstrukturen verbergen sich vorgespannte Balkonplatten mit einer schiffsbauartigen Unterkonstruktion aus Holzleichtbau. Da ist er also wieder, Moby Dicks Bauch. Die erste Empore dient als erweiterter Sitzbereich, falls die Messe mal mehr Besucher locken sollte, die zweite, leicht höhenversetzte Galerie gehört den Chören und Organisten. Das räumliche Angebot dürfte nicht übertrieben sein. Nach Auskunft des Architekten besuchen rund 500 bis 600 Gläubige regelmäßig die beiden Sonntagsmessen. »Zwar gibt es in Mähren bloß 4 % praktizierende Christen, und tatsächlich befinden sich in der Brünner Altstadt viele Kirchen, die oft leer stehen, aber gerade in so dicht besiedelten Wohnquartieren wie hier in Lesná ist der Bedarf an gotteshäusern meist nicht gedeckt.« Rund 20 000 Menschen leben hier, und der Blick auf die Häuser, Lokale und Geschäfte, auf die waghalsig konstruierte Schwimmhalle und auf das heterogene atmosphärische Straßenbild lässt vermuten, dass die Bewohnerschaft von Lesná eine sozial, kulturell und demografisch durchmischte ist.

So facettenreich wie das Lichtspiel an der Decke

Die Geometrie der gesamten Kuppelkonstruktion ist so gelöst, dass das Fensterband von unten unsichtbar bleibt. Vor den thermischen Fenstern – kleine, handelsübliche Kippflügel, mit denen der Raum entlüftet werden kann – befindet sich die farbgebende Fassadenebene aus 4 m hohen Verbundsicherheitsgläsern, 120 Stück an der Zahl, die mit durchgefärbten Klebe- und Verbindungsfolien ihr volles Regenbogenspektrum entfalten. Zwischen Fenster und Kuppelvolute gibt es eine schmale Galerie, die über Turm und Stahlbrücke zu Wartungs- und Reparaturzwecken der Beleuchtungsanlage erreicht werden kann. Welch Freude, dass sich diese irdischen Funktionen dem perfekt inszenierten, illusorischen Bild des Betrachters entziehen.

Anders sieht es leider aus, sobald man den Innenraum verlassen hat. Im Anschluss an Štěpáns Neubau der Seligen Maria Restituta – benannt zu Ehren der Ordensschwester und Widerstandskämpferin gegen das NS-Regime, die 1943 hingerichtet und 1998 seliggesprochen wurde – befindet sich das bestehende Gemeindezentrum von Zdeněk Bureš, das im Zuge der Kirchenbauarbeiten lediglich in einem unauffälligen Grauton überstrichen wurde. Errichtet wurde die kreisrunde Kirche daneben auf einem rechteckigen Betonpodest, in dessen Mitte kleine Bäumchen gepflanzt wurden. Darunter befindet sich eine Tiefgarage mit rund 40 Stellplätzen und mechanischer Belüftung. Flankiert wird der mit Granit verkleidete Vorplatz schließlich von einem 31 m hohen Glockenturm mit dreieckigem Grundriss. Die Wendeltreppe im Innern des Turms dient in den unteren Metern als Garagenzugang und im oberirdischen Bereich als Erschließung der Fenstergalerie und des 16-teiligen Glockenspiels.

Und leider, spätestens hier, kippt die Euphorie über dieses sinnliche, spirituelle, mit wenig Budget und viel Leidenschaft gestaltete Projekt ins Gegenteil. Die euklidische Mengenlehre aus kreisrundem Zylinder, rechteckiger Garagenschachtel und dreieckigem Turm, die banale Kombination aus weißer Putzfassade, buntem Glasband und gelb-roter Glockenloggia am höchsten Punkt des Turms entwickelt an dieser Stelle des Gebäudes banale, ja fast naive Momente pseudo-postmoderner Gestaltungslehre. Marek Jan Štěpáns Erläuterungstext zum Konzept und zur architektonischen und religiösen Bedeutung des Kreises als perfekter, ganzheitlicher, formvollendeter Körper macht die Sache auch nicht besser. Verstärkt wird das kindliche Erscheinungsbild durch ein zum Teil technisch bedingtes Kunstprojekt an der Kirchenaußenwand. Um auf klassische Dehnungsfugen zu verzichten, legte der Künstler Petr Kvíčala ein amorphes, sich immer wieder überschneidendes Liniengeflecht über die gesamte Vollwärmedämmsystemfassade. Die linearen Mulden dienen der 3 cm dicken Putzschicht bei Temperaturschwankungen als Dehn- und Sollbruchstelle. Dazwischen schweben hieroglyphenartige, ebenfalls in den Putz hineingekratzte Piktogramme, die Aufschluss über das Leben und die Vorlieben der Ordensfrau Maria Restituta Kafka geben sollen: Sonnen, Kerzen, ‧Fische, Weintrauben, Blumen, Bücher und sogar ein Glas Bier, das über dem Eingang zu entdecken ist. Man ist hin- und hergerissen zwischen Schmunzeln und Schnaufen. Eigentlich schade.

Seinen Frieden schließen kann man mit diesem Bauwerk erst wieder aus der Entfernung. Wenn man den Ort verlassen und sich in die Straßenbahn gesetzt hat, ragt über den Baumkronen von Lesná – in einer fast schon wieder Le-Corbusier-haften Weise – der Kirchturm der Seligen Maria Restituta empor. Die zwei gelben und roten, weit in die Ferne hinausleuchtenden Glockenloggien ganz oben sind ein schöner, sympathischer städtebaulicher Orientierungspunkt. Und so bleibt der letzte Eindruck eines Hauses, das im sehr Kleinen und sehr Großen überzeugt – und dazwischen Abbild eines einst klerikal-kommunistischen Dilemmas ist, in dem die Bautypologie Kirche jahrzehntelang architektonischen Entwicklungsstillstand erleiden musste. Das Projekt in drei Worten: Himmel, Hölle, Himmel.

db, Mo., 2022.03.07

Die Pariser Architektin Sophie Delhay hat es geschafft, mit den Richtlinien des geförderten Wohnbaus zu jonglieren. Ihre Häuser sind eine Anleitung zur Freiheit. Nächste Woche hält sie einen Vortrag beim Architekturfestival Turn On.

STANDARD: Wer ist die rote Frau auf den Fotos?

Delhay: Sie sind der Erste, der das fragt. Das bin ich!

STANDARD: Wie denn das?

Delhay: Es war alles organisiert. Die Wohnungen waren gereinigt, der Fotograf Bertrand Verney war mit seiner ganzen Ausrüstung vor Ort, und plötzlich haben wir gemerkt, dass es unmöglich ist, einen zweigeschoßigen, fünf Meter hohen Raum zu fotografieren, ohne dabei einen Größenbezug herzustellen. Es war sonst niemand da. Also haben wir mich als Maßstab inszeniert.

STANDARD: Die Fotos zeigen das Wohnhaus „32 Logements-Cathédrale“ in Dijon. Warum fünf Meter hohe Räume?

Delhay: Jedes Haus, das ich plane, hat seine eigene Religion. Dieses Wohnhaus in Dijon, das wir 2020 fertiggestellt haben, zeichnet sich dadurch aus, dass wir die Wohnzimmer zum Teil zweigeschoßig ausgeführt haben. Viel Raum, viel Licht, viel Großzügigkeit im Sein und Denken. Wir haben uns getraut, dem Wohnhaus den Namen „Cathédrale“ zu geben. Man fühlt sich irgendwie frei.

STANDARD: Sie sprechen von Religion. Wie kann sich diese Religion sonst noch bemerkbar machen?

Delhay: In unserem Projekt „Unité(s)“, ebenfalls in Dijon, sind wir von gleich großen Raumquadraten ausgegangen. Jedes Zimmer hat genau 13 Quadratmeter und ist über Schiebetüren mit den anderen Zimmern verbunden oder auch von ihnen getrennt. Wir geben keine Nutzung vor, sondern überlassen den Bewohnern, ob und wie sie die Räume zusammenlegen wollen. In wiederum einem anderen Projekt in Nantes haben wir uns getraut, jeweils ein Zimmer aus dem Wohnungsverband herauszulösen.

STANDARD: Das heißt?

Delhay: Man kann das Zimmer nur erreichen, indem man die Wohnung verlässt und im Garten oder auf der Terrasse ein paar Schritte durch den Außenraum schreitet. Es ist eine Art Exklave.

STANDARD: Wie reagieren die Bewohner darauf?

Delhay: Unsere Auftraggeber bitten uns meistens, zu jedem Projekt eine kleine Broschüre zu erstellen, in der wir in wenigen Worten das Konzept des Wohnprojekts erklären und niederschreiben, was wir uns dabei gedacht haben. Aber ich weiß ehrlich gesagt nicht, ob ich das so gut finde.

STANDARD: Warum nicht?

Delhay: Weil jede Erklärung die Fantasie wegnimmt, weil jede Regulierung etwas kaputtmacht. Uns Architektinnen wird immer nachgesagt, wir hätten ein gutes räumliches Vorstellungsvermögen. Nun, ich glaube auch an die Vorstellungskraft meiner Bewohnerinnen und Bewohner. Wir dürfen die Fantasie der Menschen nicht unterschätzen!

STANDARD: Sind Ihre Wohnkonzepte eine Herausforderung?

Delhay: Für manche wahrscheinlich schon. Für andere sind sie eine Anregung oder sogar eine Fantasiemaschine. In der Regel, wenn nicht gerade Covid ist, besuche ich nach circa zwei Jahren ein Projekt und frage die Bewohner, ob ich mir ihre Wohnungen anschauen darf. Und manchmal bin ich ganz schön überrascht.

STANDARD: Bitte ein Beispiel.

Delhay: In dem Projekt in Nantes, wo ein Zimmer der Wohnung nur über den Garten zu erreichen war, habe ich einen Mann getroffen, der diesen Extraraum als Wohnzimmer nutzt. Ich war ganz perplex. Und dann hat er mir erklärt, dass er seine Tochter nach der Scheidung nur selten sieht – doch wenn er sie bei sich hat, dann wohnen sie hier draußen, wo sie stundenlang spielen, reden und gemeinsame Momente teilen. Ist das nicht schön?

STANDARD: Was machen Sie, wenn ein Mieter mit Ihrer Wohnung überhaupt nichts anfangen kann?

Delhay: Im geförderten Wohnbau in Frankreich bekommt jeder Interessent genau drei Wohnungen präsentiert, aus denen er auswählen kann. Wer mit so einem Konzept nicht zurande kommt, kann auf zwei andere Wohnungen ausweichen. Die Vielfalt der Wohnkonzepte ist kein Problem, sondern eine Bereicherung.

STANDARD: Die meisten Ihrer Wohnprojekte sind sehr rough, haben Sichtbeton an den Wänden oder Metallgitter an der Fassade. Wieso denn das?

Delhay: Jede Entscheidung verändert das gesamte System. Wenn ich mich entscheide, hohe Räume zu machen, Schiebetüren einzubauen oder getrennte Wohnbereiche zu schaffen, dann kostet das Geld, dann muss ich das Geld an anderer Stelle wieder einsparen. Im Wohnhaus „32 Logements-Cathédrale“ mussten wir auf teure Böden und ausgemalte Wände verzichten, sonst wären wir mit dem Budget nicht ausgekommen. Es sind kommunizierende Gefäße.

STANDARD: Müssen Sie sich nicht an gewisse Mindeststandards im sozialen Wohnbau halten?

Delhay: Doch, und diese Mindeststandards definieren die Zimmergrößen, die Fußbodenoberflächen, weiß ausgemalte Wände und vieles mehr. Ich halte mich nicht daran. Aber ich halte mich daran, dass wir pro Quadratmeter Nutzfläche nur ein gewisses Budget verbauen dürfen. Wir verbauen es halt anders.

STANDARD: Das geht?

Delhay: Früher war ich jung und gutgläubig. Ich war eine „tête brûlée“, ein brennender Kopf, eine Art kompromissloser Geist. Und irgendwie hatte ich immer Glück, denn die Bauträger haben das Konzept verstanden – und erkannt, was sie an Mehrwert bekommen, wenn sie woanders auf gewisse Qualitäten verzichten. Heute ist das anders. Die Unternehmen wissen, worauf sie sich einlassen, wenn sie mich zu einem Bauträgerwettbewerb einladen.

STANDARD: Gewinnen Sie oft?

Delhay: Nein, die meisten Wettbewerbe verlieren wir. Aber wenn wir gewinnen, dann mit großer Euphorie unter allen Beteiligten.

STANDARD: Manchmal werden Sie als experimentell bezeichnet. Stimmen Sie dem zu?

Delhay: Nein. Ein Experiment hat immer mit Risiko und Laborversuch zu tun. Ich aber bemühe mich lediglich, ein architektonisches Vokabular für das zu finden, was schon längst da ist – und zwar für eine Gesellschaft, die sich verändert hat, die nach Freiheit und Offenheit verlangt, die nicht mehr in ein paar wenige Standards zu pressen ist. Unsere Wohnkultur braucht dringend eine neue Architektursprache.

STANDARD: Nächste Woche halten Sie einen Vortrag beim Architekturfestival Turn On. Worüber werden Sie sprechen?

Delhay: Über Freiheit – und darüber, dass es als Architekten, als Architektinnen unsere Aufgabe ist, diese Freiheit zu befreien.

[ Sophie Delhay (48) gründete das Architekturkollektiv Boskop in Lille und leitet seit 2008 ihr eigenes Architekturbüro in Paris. Sie unterrichtet an der École d’Architecture in Versailles. ]

Der Standard, Sa., 2022.02.26

In der Arktis wittern Nationen und Konzerne Rohstoffe und Schifffahrtsrouten. Das Interesse am Eis manifestiert sich auch in der Architektur. Fotograf Gregor Sailer hat sie eingefangen

Schaut aus, als würde von unten ein russisches U-Boot die Eisdecke aufbrechen und auftauchen wollen, daneben ein rotes Stahliglu, polygonal aus Fünf- und Sechsecken zusammengeschweißt, zwei Türen, der Eingang in die Bohrlochkammer, und dann kilometerweit nichts als Pipelines bis zum Horizont, bis in die Industriegebiete von Húsavík, Reykjavík und Reyðarfjörður, wo sich die größten Silizium- und Aluminiumwerke Islands befinden. „Der Wasserdampf aus den geothermischen Anlagen ist eine wertvolle Energiequelle“, sagt Gregor Sailer. „Heute schon werden in Island rund 575 Megawatt aus Erdwärme gewonnen. Ohne diese Anlagen hätte sich die isländische Schwerindustrie hier wohl niemals angesiedelt.“

Das Kraftwerk in Bjarnarflag neben dem Mývatn-See im Nordosten Islands, eingezäunt und bewacht wie so vieles im polaren Norden dieser Welt, ist nur eine von vielen Anlagen, die der Tiroler Fotograf in den Jahren zwischen 2017 und 2021 mit seiner Sinar-Laufbodenkamera auf die Filmplatte bannte. Die Begehrlichkeit des 42-Jährigen gilt dabei aber nicht so sehr dem Seltenen, Exotischen als vielmehr all jenen versteckten, in der Regel verborgenen Infrastrukturen, die Teil eines geopolitischen und globalwirtschaftlichen Netzwerks sind und hinter denen sich eine ebenso komplexe militärische Überwachungsmaschinerie verbirgt.

„Aufgrund der billigen und im Übermaß verfügbaren Energie ist Island ein strategisch wichtiger Industriestandort, zugleich aber müssen die Rohstoffe und veredelten Materialien über weite Strecken mit dem Schiff an- und abtransportiert werden“, sagt Sailer. „Viele Länder und Konzerne haben daran Interesse. Daher zählt Island zu den von der Nato am stärksten überwachten Regionen auf der Nordhalbkugel.“

Vier Jahre lang besuchte Sailer Kraftwerke, Produktionsstätten, Sendeanlagen, Radarstationen, Bohrinseln, Forschungscamps und ganzjährig eingeschneite Gewächshäuser in der Arktis – die meisten davon jenseits des nördlichen Polarkreises. Sie alle definieren eine rund 21 Millionen Quadratkilometer große Region, um die sich einige Weltmächte und Industrienationen prügeln wie bei einer Schlacht am vereisten Buffet. Im Fokus der Interessen von China, Russland und den USA stehen nicht nur begehrte Rohstoffe wie Öl, Gas und seltene Erden, die aufgrund der in der Klimakrise auftauenden Polkappen nun leichter zugänglich werden, sondern auch neue Schifffahrtsrouten.

„2018“, sagt Sailer, „hat die chinesische Regierung in ihrem Arctic White Paper erstmals die polare Seidenstraße erwähnt. Einerseits sollen die Frachtrouten dadurch um bis zu 40 Prozent verkürzt werden, was den globalen Schiffsverkehr billiger und effizienter machen wird, andererseits wäre diese Route eine attraktive Alternative zum längst überlasteten Suezkanal.“ Als im März 2021 die Ever Given die Sandböschung rammte und den Kanal verstopfte, stand der globale Frachtverkehr wochenlang still. Solche Super-GAUs möchte China mit der polaren Seidenstraße, die aufgrund der Erderwärmung bis spätestens 2050 eisfrei befahrbar sein wird, künftig vermeiden.

Fahne unter Wasser

„Tatsächlich gibt es viele Instanzen, die von der Klimakrise und Erderwärmung profitieren werden und die aus diesem Grund schon jetzt ihre Reviere in der Arktis markieren“, erzählt Sailer. Die politische und wirtschaftliche Machtgier nimmt bisweilen skurrile Züge an: Nachdem Russland seine Konkurrenten überlisten und die Grenzen des Festlandsockels und die daraus abgeleiteten Ansprüche auf Öl- und Gasvorräte geologisch korrekter verankern und dabei nicht nur auf vereistes Wasser setzen wollte, schickte es im Jahr 2007 ein U-Boot los und rammte auf dem Nordpol in über 4000 Meter Tiefe eine russische Fahne in den Meeresboden.

Für sein fotografisches Narrativ besuchte Gregor Sailer rund 20 Destinationen und Einrichtungen in Island, Grönland, Norwegen, Großbritannien und im eisigen Norden Kanadas. Einige andere Reisen wie etwa nach Russland wurden ihm verwehrt oder fielen den restriktiven Corona-Lockdowns zum Opfer.

Die meisten und visuell mit Abstand kältesten Fotos, die vor ein paar Monaten in seinem Buch The Polar Silk Road (Kehrer-Verlag) verewigt wurden, stammen aus dem Forschungscamp East Grip in der Einöde Grönlands, wo seit Jahren Eiskernbohrungen durchgeführt werden, um aus den rund 100.000 Jahresschichten Informationen über die Klimageschichte der Welt zu gewinnen, sowie von der militärischen Überwachungszentrale im kanadischen Tuktoyaktuk, wo sich direkt an der Beaufortsee eine Kontrollstation des North American Aerospace Defense Command (Norad) sowie eine von insgesamt 50 Radarstationen des North-Warning-System-Netzwerks (NWS) befinden.

„Ich finde die militärischen Einrichtungen faszinierend, weil sich aufgrund des Klimas und der in diesen Breitengraden verfügbaren Baustoffe ein typischer Farb- und Formenkanon entwickelt hat“, erzählt Sailer. „Meistens wird mit Stahl gebaut, die Kugeln und Polyeder sind allgegenwärtig, und die häufigste Farbe ist Weiß, gelegentlich findet man auch rote und schwarze Bauten.“ In den meisten Fällen, sagt der Fotograf, der bei minus 55 Grad Celsius fotografieren musste, verschmelzen die militärischen Einrichtungen mit der Landschaft oder verschwinden gleich ganz im Schneesturm.

Gespenstisch

Ein Objekt hier oben auf 69,4 Grad nördlicher Breite (kleines Foto) hat es ihm besonders angetan – und zwar die achteckige, rund 120 Meter breite Esso-Caisson-Bohrinsel, die 1982 in Japan gebaut und nach Beendigung ihrer fossilen Dienste vor einigen Jahren technisch ausgeweidet und in die Bucht von Tuktoyaktuk geschleppt wurde, wo sie seitdem im Wasser treibt und jeden Winter von meterdickem Eis eingefangen wird. Das Bild ist gespenstisch, irgendwie bedrohlich. Ein perfektes Setting für einen eiskalten Blade Runner-Film.

„Die Arktis ist geografisch zwar weit weg von uns“, sagt Gregor Sailer, „aber die territorialen Dispute, die sich hier oben abzeichnen und die in den nächsten 30 Jahren noch massiv zunehmen werden, betreffen uns alle. Ich hatte die Möglichkeit, diese versperrten Gebiete zu betreten und zu fotografieren. Und ich erachte es als meine Aufgabe, diese Geschichten sichtbar zu machen.“ Die eingeschneiten Architekturen sind Zeugen eines ziemlich kalten Krieges.

Der Standard, Sa., 2022.02.12

Mit dem Bau des Centre Pompidou hat er seinen Ruhm begründet – jetzt ist der britische Architekt 88-jährig gestorben

Februar 1977, Paris. Es regnet in Strömen. Richard Rogers steht vor dem kürzlich fertiggestellten Centre Pompidou und betrachtet sein vollendetes Werk, als plötzlich eine ältere Dame an ihn herantritt und ihm einen Platz unter ihrem Regenschirm anbietet. Was er denn von diesem Gebäude hielte, fragt sie. Und Rogers stolz: „Ich bin der Architekt.“ In der nächsten Sekunde bekam er mit dem Schirm eins über die Rübe gezogen.

Lange hatte es gedauert, bis die Pariser sein wohl berühmtestes Frühwerk zu schätzen gelernt haben. Die Presse bezeichnete es als Pompidoleum, als Erdölraffinerie, als Notre-Dame der Röhren. Die französische Tageszeitung Le Figaro sprach gar von einem „kulturellen King Kong“ und verglich das Haus auch mit jenem sagenumwobenen Monster im Loch Ness. Heute ist das Centre Pompidou, das Richard Rogers mit seinem damaligen Partner Renzo Piano plante, aus dem Pariser Stadtbild nicht mehr wegzudenken. In der Nacht von Samstag auf Sonntag ist Richard Rogers im Alter von 88 Jahren friedlich eingeschlafen, wie seine Familie der New York Times mitteilte.

Seine Kindheit und Jugend waren ein Horror. Geboren 1933 in Florenz, 1939 mit der Familie nach London übersiedelt, konnte er wegen einer nichtdiagnostizierten Legasthenie bis zu seinem elften Lebensjahr weder lesen noch schreiben. Er wurde regelmäßig gemobbt, „ich weinte mich jede Nacht in den Schlaf, Jahre der Traurigkeit“, schrieb er später in seiner Autobiografie A Place for all People . In den späten Fünfzigerjahren studierte der Schulabbrecher Architektur an der berühmten Architectural Association School of Architecture (AA) in London, hatte aber auch hier mit Misserfolgen zu kämpfen, flog in seinem vorletzten Studienjahr in fünf von sechs Fächern durch.

Mit einem Fulbright-Stipendium ging er 1962 nach Yale, wo er eine tiefe Freundschaft mit seiner späteren Frau Su Brumwell sowie mit Norman Foster und dessen Freundin Wendy Cheesman schloss. 1963 gründeten sie das sogenannte Team 4, das sich schon bald zu einem Nährboden für die britische Hightech-Bewegung herausstellen sollte. Inspiriert von den frühen Industriebauten in Nordengland entstanden die ersten realisierten Projekte in Vorfertigung und modularer Bauweise. Aus dieser Haltung heraus entstand schließlich das Centre Pompidou.

Die Saure-Gurken-Zeit war damit endgültig vorbei. Es folgten das Lloyd’s Building in London (1984), der Europäische Gerichtshof für Menschenrechte in Straßburg (1994), der Millennium Dome in London (1999), der fröhlich bunte Flughafen Madrid Barajas (2004), der Justizpalast in Antwerpen (2006), das Leadenhall Building in London (2014), aufgrund seiner Form auch besser bekannt als „Käsereibe“, und schließlich das Three World Trade Center in New York (2018) sowie etliche Konzepte für günstiges, leistbares Wohnen in ganz Großbritannien.

1991 wird Rogers von Queen Elizabeth II zum Ritter erhoben, 2007 erhält er den renommierten Pritzker-Preis, 2015 wird er vom Männermagazin GQ zu den „50 best-dressed British men“ gezählt. Der freundliche, sympathische Mann, der stets in grasgrünen und knallpinken Hemden auftrat, hat die Welt für die Schönheit einer technoiden, konstruktiven und zugleich hellen, bunten, verspielten Architektur sensibilisiert wie kein anderer.

Der Standard, Mo., 2021.12.20

In der Joseph-Lister-Gasse in Wien-Hietzing hat die Sozialbau eine weitestgehend CO2 -freie Mustersiedlung mit Wärmepumpen und Photovoltaik errichtet. Die Architektur dafür stammt von zwei bekannten Büros.

Auf der Rückseite der Klinik Hietzing, einst Krankenhaus Lainz, befand sich früher ein Personalwohnheim. Nachdem sich die Anforderungen an Wohnen und Arbeiten in den letzten Jahrzehnten massiv verändert haben und die kleinen, niedrigen Wohnungen keine sinnvolle Weiterverwertung zuließen, wurde die alte Wohnhausanlage abgerissen. Heute stehen hier, in unmittelbarer Nähe zum benachbarten Hörndlwald, zehn fröhliche Sozialbau-Stadtvillen, die von zwei der bekanntesten Architekturbüros Österreichs geplant wurden: Coop Himmelb(l)au und DMAA Delugan Meissl Associated Architects.

„Unsere Häuser sind eine Neuinterpretation der weißen Moderne“, sagt Wolf Prix von Coop Himmelb(l)au. „Einerseits lösen wir mit den großen, eleganten Balkonskulpturen die Grenze zwischen Innen- und Außenraum auf, weil wir darauf den Wohnraum in den Freiraum hinaus erweitern, andererseits lassen wir uns auch nicht die Kunst aus der Baukunst vertreiben.“ Konkret: In Anlehnung an die bildhauerische Herangehensweise von Louis Kahn, Le Corbusier und Erwin Wurm, die Prix als Referenz für dieses Projekt zitiert, gibt es über jedem Hauseingang eine dreidimensionale, adressbildende Plastik – mal ein Haus, mal ein Kegel, mal ein durchlöcherter Würfel. Zudem gibt es auf jedem Haus eine Fassadenzeichnung aus dem Hause Himmelb(l)au, mit Sonne, Wölkchen und Signatur: CHBL.

Optischer Kontrapunkt

Ganz anders präsentieren sich die fünf Häuser von Delugan Meissl. „Wir wollten einen Kontrapunkt zu Coop Himmelb(l)au setzen“, sagt Gerhard Göller, Projektleiter bei DMAA, „und haben uns daher für eine erdige, olivgrüne Tarnfarbe entschieden. Um die Fassadenfläche zusätzlich zu strukturieren, sind die Häuser rundum in einen vertikalen Kratzputz gehüllt.“ Die handwerklich aufwendige, fast schon in Vergessenheit geratene Putzmethode sorgt für eine besonders raue Oberfläche und verhindert aufgrund der tausenden kleinen Mikrorisse, dass die Putzfläche eines fernen Tages durch die großen Temperaturdifferenzen zwischen Sommer und Winter aufplatzt oder reißt.

„Durch den hohen Anteil an Bäumen auf dem Grundstück und durch die sehr großflächige Verwurzelung im Boden wäre eine geothermische Lösung technisch kaum durchführbar gewesen“, sagt Sozialbau-Chef Josef Ostermayer. Stattdessen werden die insgesamt 194 Mietwohnungen – die Hälfte gefördert, die andere Hälfte am freien Markt – mit Luftwärmepumpen beheizt. Über eine Fußbodenheizung gelangt die Wärme in die Wohnungen. Im Sommer dient die Anlage als Stützkühlung.

Die Warmwasseraufbereitung erfolgt mittels einer Hochtemperatur-Luft-Wasser-Wärmepumpe pro Stiege. Auf den Dächern sind Photovoltaikmodule installiert, die den nötigen Strom für den Betrieb aller Wärmepumpen liefern. „Überschüssige Stromspitzen werden wir für die Beleuchtung der öffentlichen und halböffentlicheren Bereiche nutzen“, sagt Ostermayer. „Unterm Strich sollte es uns auf diese Weise gelingen, weitestgehend emissionsfrei zu sein.“

Die Wohnungsgrößen variieren zwischen 53 und 112 Quadratmetern. Dass das örtliche, technische und architektonische Angebot den Nerv der Zeit getroffen hat, zeigt sich in der extrem hohen Nachfrage: Nach Auskunft der Sozialbau gab es knapp 10.000 Vormerkungen. Das sind durchschnittlich 50 Interessenten pro Wohnung. Vor zwei Wochen wurden die Schlüssel übergeben.

Der Standard, Mi., 2021.11.17

Zu ihrem 100. Geburtstag errichtet die Gesiba eine Wohnhausanlage, die komplett emissionsfrei beheizt werden soll

Vor hundert Jahren wurde die Gemeinwirtschaftliche Siedlungs- und Baustoffanstalt gegründet. Das daraus gebildete Akronym „Gesiba“ ist bis heute namensgebend. Was einst mit Siedlervereinen und Reihenhausstrukturen in dünn besiedelten Grätzeln begann, soll nun wieder aufgegriffen und auf neu interpretierte Weise zelebriert werden. „Nachdem wir bei der Siedlerbewegung sowie auf dem Gebiet von Niedrigenergie- und Passivhaustechnologien immer schon Vorreiter waren“, sagt Ewald Kirschner, Generaldirektor des gemeinnützigen Bauträgers, „haben wir diese CO2 -neutrale Wohnhausanlage zu unserem Jubiläumsprojekt auserkoren.“

Drei Architekturbüros sind daran beteiligt: Bauteil eins plant der alte Gesiba-Hase Rudolf Guttmann, Bauteil zwei das Studio Eder Krenn, Bauteil drei Herbert Binder in Kooperation mit dem Atelier Kaitna Smetana. Gemeinsamkeit aller drei Baulose: „Wir sind hier in einer sensiblen Gegend zwischen Oberem Mühlwasser und Asperner Siegesplatz umgeben von Einfamilienhäusern, Ackerflächen und Wäldern“, sagt Architekt Benni Eder, der hier 44 Wohnungen plant. „Daher wollen wir den Charakter dieses Ortes trotz wirtschaftlicher Ausnützung des Grundstücks auf jeden Fall beibehalten.“

Außen handelt es sich um 38 punktuelle Häuser in kubischer Form mit Balkonen, Dachterrassen und zum Teil ochsenblutrotem Anstrich. Ergänzt wird die Wohnhausanlage, die insgesamt 155 Wohnungen umfasst, von einem Kindergarten und einem übergreifenden Freiraumkonzept von DnD Landschaftsplanung. „Es wird hier nie eine urbane Atmosphäre mit hunderten urbanen Menschen vor ihren Häusern geben“, meint der Architekt, „daher wollten wir dieses Trugbild auch gar nicht in irgendwelchen fotorealistischen, sozialromantischen Darstellungen vortäuschen.“

Die Jubiläumsbesonderheit liegt im Technischen verborgen: Unter der Wohnhausanlage werden 200 Meter tiefe Sonden in den Boden gegraben, 80 Stück an der Zahl. Über Bauteilaktivierung sollen die Häuser im Winter beheizt und im Sommer immerhin um ein paar Grad nach unten temperiert werden. Die Stromversorgung für die Wärmepumpen erfolgt durch eine PV-Anlage auf dem Dach. Der gesamte Heizwärmebedarf soll auf diese Weise emissionsfrei abgedeckt werden.

„Während des Baubewilligungsverfahrens gab es ein paar Einsprüche“, erinnert sich Gesiba-Chef Kirschner. „Daher haben wir das Projekt ein bisschen redimensioniert und auf die volle Ausnützbarkeit verzichtet.“ Zwischen den Häusern ist Urban Farming geplant. Alle Wohnungen werden im Rahmen der Wiener Wohnbauinitiative errichtet – also mit Wohnkosten in geförderter Höhe zu freifinanzierten Konditionen. Die Miete beläuft sich auf 11,50 Euro, der Eigenmittelanteil auf 150 Euro pro Quadratmeter. Bauzeit: Mitte 2022 bis Mitte 2024.

Der Standard, Mi., 2021.11.17

Die Wientalterrassen der WBV-GPA bauen auf dem Prinzip von CO2 -Neutralität und Kreislaufwirtschaft auf. Geheizt wird mit Geothermie und Wärmerückgewinnung. Die Haushaltsgeräte können im Haus angemietet werden.

Eingeklemmt zwischen Westbahngleisen und Hadikgasse, die kurz darauf zur Wientalautobahn mutiert, errichtet die Wohnbauvereinigung für Privatangestellte (WBV-GPA) auf einem ehemaligen ÖBB-Grundstück in der Käthe-Dorsch-Gasse eine Wohnhausanlage mit 196 klassisch geförderten Mietwohnungen und 99 Smart-Wohnungen. Die Bebauung ist recht kompakt, eine kammartige Struktur mit fünf Höfen, doch dafür gibt es – quasi als Kompensation für die hohe Dichte und die räumlich eng gesteckten Grenzen – drei riesige Dachterrassen im fünften, sechsten und siebten Stock mit Blick auf Wienfluss, Wienerwald und Lainzer Tiergarten.

Doch die wahren Vorzüge der sogenannten Wientalterrassen liegen nicht oben am Himmel, sondern tief verborgen unter der Erde. Über 60 Erdsonden, die bis zu 150 Meter in die Tiefe reichen, wird genug geothermische Energie gewonnen, um damit alle Wohnungen beheizen zu können. Mithilfe von Wärmepumpen und Bauteilaktivierung in den massiven Deckenplatten gelangt die Wärme schließlich in die Wohnbereiche. Unterstützt wird das Niedrigenergiekonzept durch Solarthermie auf dem Dach und ein in Österreich in diesem Maßstab erstmals angewandtes Wärmerückgewinnungssystem, das die Restwärme aus dem Abwasser der gesamten Wohnhausanlage entnimmt und über Wärmetauscher wieder ins Netz zurückspeist.

„Auf diese Weise können wir auf fossile Brennstoffe komplett verzichten“, sagt Michael Gehbauer, Geschäftsführer der WBV-GPA, die das Konzept in Zusammenarbeit mit Ingenieuren des Austrian Institute of Technology (AIT) entwickelte. „Für uns gemeinnützige Bauträger in Österreich ist dieses System neu, in der Schweiz allerdings sind derartige Abwasserwärmerückgewinnungskreisläufe bereits gang und gäbe. Daher haben wir uns im Rahmen einer Exkursion einige Projekte live angeschaut – und uns mit den verantwortlichen Bauträgern und Genossenschaften über ihre Erfahrungswerte im alltäglichen Betrieb ausgetauscht.“

Das physikalische Gleichgewicht der Kräfte sorgt für einen buchstäblich coolen Nebeneffekt: „Wenn die Erdbatterien am Ende des Winters leer und ausgekühlt sind“, sagt Architekt Alfred Berger, der gemeinsam mit seiner Partnerin Tiina Parkkinen das Büro Berger+Parkkinen leitet und das Projekt in Kooperation mit Architekt Christoph Lechner (CEHL) geplant und umgesetzt hat, „müssen wir sie für die kommende Saison wieder mit Energie auffüllen. Daher nutzen wir die Geothermie, um die Wohnungen im Sommer um ein paar Grad zu kühlen. Das ist ein überaus komfortables Angebot, das im geförderten Wohnbau Seltenheitswert hat.“

Eine weitere Besonderheit ist das gemeinsam mit dem Verein Rusz (Reparatur- und Servicezentrum) betriebene Reparaturcafé, in dem die Bewohner mit der Instandsetzung von Haushaltsgeräten vertraut gemacht werden sollen. Weiters wird die WBV-GPA die Haushaltsgeräte in den Waschküchen und in den bereits möblierten Wohneinheiten von Rusz anmieten. Auf Wunsch soll das nachhaltige Kreislaufwirtschaftskonzept auch auf die Wohnungen übertragen werden. Wer möchte, kann – statt in neue Elektrogeräte zu investieren – eine Art Nutzungsvertrag mit dem Verein Rusz abschließen und seine Elektrogeräte über eine monatliche Gebühr anmieten, servicieren und bei Bedarf auch kostenlos reparieren und erneuern lassen.

„All in Penzing“

Der Eigenmittelanteil beläuft sich auf 298 Euro pro Quadratmeter, die monatliche Miete auf 7,97 Euro pro Quadratmeter. In den Smart-Wohnungen reduzieren sich die Kosten ganz klassisch auf 60 Euro Eigenmittelanteil und 7,50 Euro Miete. Hinzu kommen diverse Verbandswohnungen für Alleinerziehende, Garçonnierenverbünde, eine WG für Kinder und Jugendliche, Werkstätten und Büros für den Verein Balance sowie ein Intergenerationenzentrum unter dem Namen „All in Penzing“, das vom Kuratorium Wiener Pensionistenwohnheime betrieben wird und die lokale Nachbarschaft von Jung und Alt stärken soll. Geplante Fertigstellung: November 2022.

Der Standard, Mi., 2021.11.17

The Villages, ein schwer profitables Sozialexperiment mitten in Florida, ist die größte Rentnersiedlung der Welt. Der Dokumentarfilm „The Bubble“ holt das Leben der 150.000 Einwohner vor die Linse. Seit gestern im Kino.

Fokussierter Blick nach vorn, Augen zusammengekniffen, auf dem Kopf ein schwarzes Baseball-Käppi, Aufnäher von der National Rifle Association, „NRA Instructor“, darüber schwarze Ohrenschützer – und dann Schuss, und noch einer, Volltreffer ins Schwarze. „Ich habe heute fast mehr zu tun als in meinen Berufsjahren“, sagt Terry Marksberry in der zehnten Minute. „Bei mir ist fast jeden Tag etwas los. Dieser aktive Lebensstil hält einen jung. Hier sitzt man nicht auf seiner Veranda im Schaukelstuhl. Oh nein, so funktioniert das hier nicht.“

The Villages ist die größte Rentnersiedlung der Welt und zugleich das schnellstwachsende Stadtgebiet der USA. Mehr als 150.000 Pensionistinnen und Pensionisten haben hier, im Herzen Floridas, eine Autostunde nordwestlich von Orlando, ein Zuhause gefunden, in dem sie nun ihren Lebensherbst verbringen. Wohnberechtigt ist, wer zumindest das 55. Lebensjahr abgeschlossen hat. Die meisten bleiben hier bis zu ihrem Tod. „Sowieso. Ich wüsste gar nicht, wo ich sonst hingehen sollte“, sagt Terry schulterzuckend, 80 Jahre alt, jung geblieben wie nur was. Und Schnitt.

Aneinander vorbeileben

„Streng genommen ist The Villages aber nicht einmal eine Stadt, geschweige denn eine politische Gemeinde“, sagt Valerie Blankenbyl, „sondern ein Entwicklungsgebiet eines mittlerweile sehr großen und sehr mächtigen Familienunternehmens. The Villages Incorporated kauft seit den 1980er-Jahren permanent Land an und hat sich auf diese Weise auf die beinahe doppelte Fläche von Manhattan vergrößert.“ 142 Quadratkilometer privates Firmengelände, öffentlich ist hier nur eine Handvoll Straßen und Plätze.

Seit 2014 forscht die 37-jährige Filmemacherin bereits an urbanen Strukturen, in denen alte und junge Generationen aneinander vorbeileben. 2017 nahm das Projekt konkrete Formen an, 2019 haben nach jahrelanger Recherche die Dreharbeiten begonnen. Immer wieder wurden dem Filmteam seitens The Villages Inc. Steine in den Weg gelegt, mitsamt Drohungen und Rufschädigung in der ganzen Stadt. Nun ist der 950.000 Euro teure Dokumentarfilm endlich fertig. Am Dienstag war Premiere im Wiener Votiv-Kino. Seit Freitag läuft The Bubble österreichweit in den Kinos.

Die Expansion stoppen

„Wir wissen, wir sind hier in einer Bubble“, sagt Toni Hyde, eine fesche alte, mehrfach auf dem OP-Tisch verjüngte Frau, die mit ihrem BMW-Cabrio in die Disco fährt, um dort live zu singen. „I want a little sugar in my bowl. I want a little sweetness down in my soul.“ „Aber es ist eine schöne Blase.“ Später im Film wird man sie mal ohne Perücke sehen, die melierte Schönheit in der Hand haltend, mit der Bürste durchkämmend. „Es ist eine wunderbare Sache. Man geht in den Supermarkt, in den Nachtclub oder auf den Golfplatz, und alle sind in unserem Alter. Wir denken also gar nicht an das Alter. Wir sind alle gleich.“

The Villages bietet 54 Golfplätze, 70 Swimmingpools, 96 Freizeitzentren und mehr als 3000 Klubs und Vereine. Auch der Vorspann des Films, in dem nach einer strengen Choreografie sieben Golfcarts plötzlich gleichzeitig auf die Straße hinausrollen und – von einer Drohne gefilmt – im Gänsemarsch durch die Stadt fahren, wurde in Zusammenarbeit mit dem örtlichen Golf Cart Precision Drill Team gedreht, erzählt die Regisseurin. Man lacht, man schüttelt den Kopf, man erwischt sich selbst dabei, wie man die hier lebenden Menschen – wie so oft im etwas strangen Make-it-great-again-America – verächtlich bemitleidet. Alles sehr lustig. Eh klar.

Doch die größte Qualität von The Bubble besteht darin, dass der Film die vordergründige, oberflächlich humorvolle Sozialblase nach nicht einmal einer Viertelstunde erstmals zum Platzen bringt. Seit geraumer Zeit betreibt das von Harold S. Schwartz gegründete und nun in dritter Generation geführte Familienunternehmen The Villages Inc. eine aggressive Expansionspolitik, bei der mit Scheinfirmen und versteckten Tochterunternehmen den Großgrundbesitzern das Land abkauft und die für Florida typischen Sumpfgebiete unter Umgehung von Bauvorschriften und Widmungsvorgaben mehr und mehr in Siedlungsretorten verwandelt werden.

Und die Strategie wird von Jahr zu Jahr unappetitlicher: Grundbesitzer, die sich weigern, ihr Land und ihre Häuser zu verkaufen, und das oft unter Wert, werden von The Village einfach wie ein Krebsgeschwür eingekesselt und mit Mauern und Zufahrtsschranken zugebaut. In den nächsten zehn Jahren, so der Plan, soll sich das Rentnerparadies auf die Fläche von Orlando verdoppelt haben. Rund um The Villages haben sich zahlreiche Bürgerinitiativen gebildet, die mit allen Mitteln versuchen, die Expansion zu stoppen. Zum Teil vergeblich. Manche Grundstücke haben längst die Besitzer gewechselt.

„Was The Villages ausmacht? Sie wollen alles kontrollieren“, sagt Lauren Ritchie, Journalistin und Kolumnistin für den Orlando Sentinal, eine der wenigen kritischen Stimmen, die sich trauen, namentlich aufzutreten. „Das ist ein wirklich seltsames soziales Experiment.“ Andere, die im Film anonym bleiben, wurden von The Villages Inc. bereits erpresst und mehrfach bedroht. Die lokale Tageszeitung Daily Sun liegt fest in der Hand des Vorstands. Und aus den öffentlichen Lautsprechern auf Straßen und Plätzen dringen rund um die Uhr Musik, Werbung und Nachrichten von WVLG, FM 102,7, einem Partner von Fox News.

Surreale Wucht

„Künstliche Konstrukte wie The Villages sind eine Bedrohung für den Menschen und die Natur“, sagt Valerie Blankenbyl. „Die Sümpfe verschwinden, die Moskitos werden mit Pestiziden ausgerottet, und aufgrund des hohen Wasserverbrauchs für die 54 Golfplätze ist der lokale Grundwasserspiegel rund um den Ort um bis zu drei Meter gesunken.“ Die Bilder von Kameramann Joe Berger, die diese Phänomene einfangen, sind eine surreale Wucht.

Gefahr sieht die Filmemacherin, die von den Anwälten von The Villages regelmäßig unter Druck gesetzt wurde, aber auch für die Gesellschaft: „Jeder von uns lebt in einer Bubble. Den Wunsch nach dieser Idylle kann man den Bewohnerinnen und Bewohnern von The Villages nicht vorwerfen. Die Kritik richtet sich an die Bau- und Immobilienwirtschaft, die diese monokulturellen und sozial radikalen, kaum durchmischten Strukturen fördert und als Sehnsuchtsort bewirbt.“ Am Anfang Lachen, am Ende Trauer und Wut. Ein Meisterwerk.

Der Standard, Sa., 2021.10.09

Vor 20 Jahren wurde das Wiener Museumsquartier eröffnet, die Geburtsstunde eines der größten Kulturbezirke Europas. Doch wie hat sich das MQ in zwei Jahrzehnten gemausert?

Plus
Wojciech Czaja

600Pferde und 200 Karossen, sagt Wikipedia, sollen in den ehemaligen Hofstallungen, errichtet 1713 nach Plänen des Barockbaumeisters Johann Bernhard Fischer von Erlach, Platz gefunden haben. In den letzten Jahrzehnten des 20. Jahrhunderts jedoch war von der einstigen Pracht nicht mehr viel zu spüren. Der sogenannte Messepalast verlor zusehends an Charme, und auch die letzten Ausstellungen Wunderblock oder Von der Natur in der Kunst , die wir mit unseren Vätern gesehen haben, glichen mehr einem Hindernisparcours durchs Gruselkabinett als einer kunst- und kulturwürdigen Ausstellungsstätte.

Im September 2001, vor genau zwei Jahrzehnten, wurde das Areal als saniertes und erweitertes Museumsquartier wiederbelebt – mit Mumok, Kunsthalle, Leopold-Museum, Architekturzentrum Wien, Zoom Kindermuseum, Tanzquartier Wien und ohne 67 Meter hohen Leseturm. Zugegeben, die Architektur im gesamten MQ ist mäßig spannend und endenwollend innovativ. Alles ist zu plump, zu niedrig, zu nichtssagend. Und die mindermittelmäßigen Kompromisse zwischen Kronen Zeitung , Bürgermeister Helmut Zilk und Denkmalschutzexperte Manfred Wehdorn haben mehr politischen als baukulturellen Aussagewert. Ja eh.

Und doch ist das Museumsquartier selbst nach 20 Jahren einer der spannendsten Orte Wiens. Wer weiß, vielleicht gerade deshalb – weil es keinen Leseturm gibt, weil der Fischer-von-Erlach-Trakt nie aufgerissen und zur Stadt hin geöffnet wurde, weil das MQ als architektonisch dermaßen langweilige Insel inmitten einer dichtbebauten Stadt schlummert, die außerhalb der MQ-Konturen einem stetigen stadtpolitischen und marktwirtschaftlichen Wandel unterworfen ist.

Michel Foucault hat in den 1960er-Jahren den Begriff der „Heterotopie“ geprägt, eines Ortes also, der in seiner Abgeschiedenheit nach speziellen gesellschaftlichen Codes funktioniert. „Die Heterotopie vermag an einem einzigen Ort mehrere Räume, mehrere Platzierungen zusammenzulegen, die an sich unvereinbar sind“, schrieb der französische Philosoph 1967. „Die Heterotopien setzen immer ein System von Öffnungen und Schließungen voraus, das sie gleichzeitig isoliert und durchdringlich macht.“

Das MQ als isolierte und doch durchdringliche urbane Heterotopie ist zu einem unverzichtbaren öffentlichen Freiraum Wiens geworden – mit bunten Enzis, die in ihrer Kleinheit und Genialität die Welt erobert haben, von Bayreuth über Moskau bis ins ferne Kanada, mit komischen Libellen, die unlängst auf dem Leopold-Dach gelandet sind, um doch noch einen neuen Society-Ort zu schaffen, und einem Unterhaltungsprogramm samt Stinkepunsch, Eisstockschießen und prokrastinativem Enzi-Bobolümmeln. Wien ohne MQ?

Unvorstellbar.

Minus
Maik Novotny

Vielleicht ist es eines der Geheimrezepte für Wiens Spitzenplatz in den Lebensqualitätsrankings, dass man in dieser Stadt das Sich-Arrangieren mit dem Kompromiss perfektioniert hat. Jede Empörung gleitet nach einer Zeit zuverlässig in einen Zustand des „Passt eh“ hinüber, ab dann ist jede Kritik ein Sudern, das die Gemütlichkeit stört. Ja, das gilt auch für das Museumsquartier. Sicher, 20 Jahre nach seiner Eröffnung gilt es als Erfolgsgeschichte, und das nicht ohne Grund. Der Innenhof funktioniert als Stadtraum perfekt für Einheimische und Touristen. Die kulturellen Highlights sind beeindruckend.

Aber dabei wird vergessen, dass der Kulturbezirk sich mit bleiernen Schuhen von der Startlinie schleppte: Er war im Stadtraum unsichtbar. So verzweifelt waren die Macher, dass der damalige Mumok-Direktor Edelbert Köb 2002 vorschlug, einen gigantischen Spiegel an einen Heißluftballon zu hängen, um den Hof von außen sichtbar zu machen.

Das lag daran, dass das MQ dank gewisser Kräfte (Gott habe Hans Dichand selig) gar nicht im Stadtraum sichtbar sein sollte. Der Leseturm wurde geculturecancelt, die Museen Leopold und Mumok mussten sich hinter die niedrigen Hofstallungen ducken, der Vorplatz an der Zweierlinie erinnert mit seinen Wiesen und Hecken an einen leblosen Kleingarten. An diesen Kinderkrankheiten laboriert man bis heute.

Der Weg zur Kunst ist ein Hindernislauf. Hat man es durch die maulwurfsartigen Durchschlupfe endlich in den Hof geschafft, heißt es, steile Stiegen emporzuklettern und sich durch niedrige Portale zu quetschen, bis man das Museumsinnere erreicht, das ebenfalls von drückender Enge ist, was immer wieder für kuratorisches Kopfzerbrechen sorgte. Die Kunsthalle mit ihrem Klinkerfassaden-Look à la Stadtbücherei Wolfenbüttel wurde gleich komplett in den Lieferantenhof verräumt, ihr labyrinthisches Foyer ist eine Farce. Die Höfe seitlich der weißen und schwarzen Würfel sind in ihrer Übriggebliebenheit bis heute leblose Quasi-Sackgassen, an deren Ende Muschelkalk und Basaltlava unmotiviert mit der sakrosankten barocken Putzfassade kollidieren.

Es musste viel nachgebessert werden (die Rampe zum nicht auffindbaren Restaurant im Mumok, das Wegeleitsystem), die Rettung des MQ kam mit den Sitzmöbeln der Enzis, weil man vergessen hatte, dass sich Menschen im öffentlichen Raum gerne hinsetzen. Schöne Kulisse und hochkarätiges Kulturprogramm – das konnte Wien schon immer. Aber das verdeckt bis heute die Tatsache, dass die Architektur und die Zugänglichkeit immer noch nicht funktionieren. Es hätte so viel besser sein können, wenn man es von Anfang an zugelassen hätte und den Kräften der Kulturlosigkeit nicht nachgegeben hätte. So bleibt ein schön scheinender Kompromiss.

Der Standard, Sa., 2021.09.18

Die Wohnanlage in der Oleandergasse hätte ein wunderbares Pilotprojekt für die Sharing Economy werden sollen. Doch es kam anders. Heute sind die Wohnungen im Norden der Donaustadt vor allem eine wertvolle Quelle der Erkenntnis.

Wenn die Straßen nach Ginster, Herzblumen und Pelargonien benannt sind, dann weiß man, dass die Stadtgrenze nicht mehr fern ist. Im Falle der Wohnsiedlung Oleandergasse, errichtet von der Wohnbauvereinigung für Privatangestellte (WBV-GPA), sind es keine 2000 Schritte quer durch den Acker, bis man Wien verlassen hat und mit beiden Beinen in Niederösterreich steht. Und doch hat sich der gemeinnützige Bauträger für dieses Projekt ein besonderes Mobilitätskonzept einfallen lassen – ohne Tiefgarage, dafür aber mit einem flexibel befahrbaren und beparkbaren Anger sowie einem elektrischen Fuhrpark auf Sharing-Basis. So viel zur Theorie. Die Praxis sieht ein wenig anders aus.

Am Anfang stand die Idee im Raum, hier oben im Wiener Norden die Bebauungs- und Besiedelungskultur der letzten Jahrhunderte zu respektieren und ein Wohnprojekt zu errichten, dass sich ganz in die Tradition dieses Ortes fügt. Breitenlee zeichnet sich durch Ackerbau, landwirtschaftlich geprägte Dörfer und historische Angerstrukturen mit Hakenhöfen aus. Und so entstand die Idee, auf eine kostspielige Tiefgarage zu verzichten und stattdessen in einen hochwertigen Holzbau und eine bis dahin einzigartige Freiraumgestaltung zu investieren, in der Mensch und Auto je nach Bedarf einmal mehr, einmal weniger Platz einnehmen.

Wer unbedingt ein eigenes Fahrzeug benötigt, so der Plan von Querkraft Architekten und Architekt Thomas Moosmann, der soll am Rande des Angers parken und die Mitte zum Spielen und Spazierengehen frei lassen. Je weniger Menschen parken, desto größer der unverparkte Dorfplatz im Zentrum der Anlage. Um den Umstieg auf Sharing Economy zu versüßen, wurde ein Mobility-Point mit E-Bikes, E-Scootern und Elektroautos samt Steckdose errichtet. 2018 wurden die Wohnungen übergeben.

Allein, nach zwei Jahren mäßig geglückten Betriebs musste das Mobility-Konzept mangels Nachfrage aufgegeben werden. „Im Grunde genommen bietet eine Wohnhausanlage mit 133 Wohnungen ausreichend kritische Masse für so ein innovatives Mobilitätskonzept“, sagt Cilli Wiltschko, Leiterin der Projektentwicklung in der WBV-GPA. „Allerdings haben wir uns als Bauträger in einem Punkt verkalkuliert. Denn für Sharing Mobility liegt die Oleandergasse erstens zu weit am Stadtrand und ist zweitens nicht gut genug an den öffentlichen Verkehr angebunden. Die meisten Leute, die hier eingezogen sind, haben ein eigenes Auto. In der Seestadt Aspern oder in der Nähe einer U-Bahn-Station hätte das Konzept wahrscheinlich wunderbar funktioniert.“ Nun stehen so viele Autos auf dem Anger, dass die freie Mitte auf ein Minimum geschrumpft ist, berichtet Wiltschko. „Das ist schade, aber auch Teil des Freiraum- und Mobilitätskonzepts.“
Das Stadtrandproblem

Was ist das Learning für die Zukunft? „Ich mag dieses Projekt, weil hier tolle Ideen und auch wichtige Erkenntnisse drinstecken“, sagt Wiltschko und appelliert daran, in Zukunft nicht alle Bauträgerwettbewerbe über einen Kamm zu scheren. „Ein innovatives Mobilitätskonzept hat durchaus Sinn in der Stadt, entlang der U-Bahn oder in Stadterweiterungsgebieten mit einer bestimmten, von den Bewohnerinnen und Bewohnern mitgetragenen Identität. Am Stadtrand aber ist so ein Konzept – zumindest aus heutiger Sicht – nicht zielführend.“

Die Hoffnung ist noch lange nicht verloren. „Wir können davon ausgehen“, sagt Architekt Jakob Dunkl von Querkraft, „dass sich die individuelle Mobilität in den nächsten zehn bis 20 Jahren dramatisch verändern wird – weg vom Auto als Eigentumsobjekt hin zur Bewegung als Dienstleistung. Die Wohnhausanlage in der Oleandergasse wird darauf rasch reagieren und sich im Nu in einen Dorfplatz zum Spielen und Spazierengehen verwandeln.“

Der Standard, Mi., 2021.09.08

Ein radikales Möbelhaus mit Symbolwirkung am Wiener Westbahnhof: Der neue City-Ikea von Querkraft Architekten hat nicht nur 160 Bäume auf dem Dach und an der Fassade, sondern auch keine Autos in keiner Garage.

Das Haus, die Fassade, die Offenheit, die vielen Bäume, und dann erst die Bienen, die kommendes Frühjahr einziehen werden“, sagt Marie, gelbes T-Shirt, am Rücken ein „Hej!“, wir sind per du, „also ich finde dieses Konzept absolut überwältigend. Für mich ist das der schönste und außergewöhnlichste Ikea, in dem ich je war.“ Seit sechs Monaten ist Marie Hofmann Customer Experience and Event Manager, so nennt sich ihr Job, am neuen City-Standort neben dem Wiener Westbahnhof. Sie hat das Projekt in der letzten Bauphase begleitet und ihre Expertise eingebracht, damit das Einkaufserlebnis im kleinsten Schwedenmöbelhaus Österreichs zum Abenteuer wird.

Erster Eindruck nach einem Minieinkauf mit selbst eingescannten und kontaktlos bezahlten Jubla, Fantastisk und Sommardröm: Viel Arbeit wird Marie damit nicht haben, denn die ersten Kundinnen und Kunden, die sich für die Einkaufspremiere online registrieren mussten, sind ganz verzückt beim Durchwandern der Etagen, ohne dass sie zwischen potemkinschen Schlafzimmerkojen irgendwelchen blöden Pfeilen auf dem Boden folgen müssen. Und auch das architektonische Auge ist bisweilen ungehalten baff ob der Tatsache, dass dieses Konzept eines autolosen Blumentopfhauses – wie zu Beginn in tollkühner Manier direkt aus dem Hirn herausskizziert – den Weg in die Realität gefunden hat.

„Das war von Anfang an eine sehr einzigartige Zusammenarbeit“, sagt Jakob Dunkl, Querkraft Architekten, „denn wir wurden gebeten, einen radikalen Entwurf zu machen und uns ruhig etwas zu trauen. Also haben wir uns getraut.“ Neun Architekturbüros aus ganz Europa wurden 2017 zu einem zweistufigen Wettbewerb eingeladen, darunter auch so alte Retailhasen wie BWM, BEHF und Snøhetta. Aufgrund eines Kopf-an-Kopf-Rennens wurde kurzerhand noch eine dritte Stufe einberufen, die Querkraft für sich beanspruchen konnte.

„Ikea hat viel weniger Nutzfläche gefordert als laut Bauordnung und Flächenwidmung auf das Grundstück draufgepasst hätte, also haben wir uns entschieden, auf allen Seiten um mehr als vier Meter zurückzuspringen und der Stadt ein Stück Natur zurückzugeben“, so Dunkl. Rund um das eigentliche Gebäude, das in Stahlbeton-Skelettbauweise errichtet wurde und während der Bauphase noch ein mäßig famoses Bild abgegeben hat, steht nun ein weißes, sechsgeschoßiges Stahlregal aus 30 Zentimeter fetten I-Trägern und bildet damit eine Matrix für Erker, Terrassen und Dutzende Laub- und Nadelbäume, die ausschauen, als hätte ein Riese Bonsaibäumchen und kleine Sukkulenten in sein Billy-Regal hineingestellt.

Zu den an der Fassade eingetopften Pflanzen zählen Ahorne, Kiefern, Birken, Buchen, Eichen, Eschen, Weidenbäume sowie diverse Gräser, Stauden und Beeren. Die Artenvielfalt spiegelt jene Flora wider, die in der südschwedischen Provinz Småland – der Heimat des Ikea-Gründers Ingvar Kamprad – zu finden ist. Entwickelt wurde die Freiraumplanung von Green for Cities und Kräftner Landschaftsarchitektur. Den beiden Büros ist auch die unsichtbare Gartentechnik zu verdanken, denn jeder einzelne der insgesamt 160 Blumentöpfe, die an vier Fassaden und auf der öffentlich zugänglichen Dachterrasse montiert sind, ist mit Feuchtigkeitssensoren und automatischer Be- und Entwässerung ausgestattet.

„Die Lieferung und Montage der Bäume war sehr spannend, denn aufgrund des großen Gewichts mussten die Töpfe, die Bäume und das Erdreich voneinander getrennt auf das Haus gehoben werden“, sagt Sandra Sindler-Larsson, Market Establishment Manager beziehungsweise, weniger du-ikea-deutsch, technische Projektleiterin auf Bauherrenseite. Immerhin wiegen die gefüllten und bewässerten Behältnisse, eine Ingefära-Kopie, Blumenabteilung, vier Euro das Stück, je nach Größe und Baumsorte zwischen 1,5 und sieben Tonnen. „Natürlich wären eckige Tröge billiger gewesen als diese runde Version aus gebogenem, zusammengeschweißtem Stahlblech, aber Blumentöpfe sind nun einmal rund.“

Im Inneren gleicht der Ikea, dessen Fassade mit Glas und Sandwich-Paneelen verkleidet und der an das Wiener Fernwärmenetz angeschlossen wurde, auf den ersten Blick einem normalen, viergeschoßigen Möbelhaus. Mit nur 20 nachgestellten Showrooms liegt der Fokus weniger auf dem häuslichen Einlullen wie in jeder anderen blaugelben Kiste am Stadtrand als vielmehr auf dem Spaziergehen und Stöbern.

Auch das Sortiment unterscheidet sich deutlich: Kaufen kann man alles, bis hin zur maßgeschneiderten Küche, allerdings liegen im unterirdischen, vollautomatisierten Regallager lediglich 3000 Cash-and-Carry-Produkte bereit. Mitnehmen kann man nur, was man in einer Tragtasche in der U-Bahn transportieren kann. Alles andere wird mit einem der 30 neu angeschafften Elektro-Trucks bis vor die Wiener Wohnungstür geliefert.

Aus genau diesem Grund gibt es auch keine Pkw-Garage. Es ist das erste Mal weltweit, dass Ikea dieses radikale Mobilitätskonzept umsetzt. Zu verdanken ist dies vor allem zwei querdenkenden Personen, die 2012 die Initiative ergriffen und die Spielregeln für eine innerstädtische Ansiedlung des schwedischen Unternehmens definiert haben – der damaligen Wiener Planungsstadträtin Maria Vassilakou und dem ehemaligen Wiener Planungssprecher Christoph Chorherr (beide Grüne).

In den obersten zwei Stockwerken gibt es ein Hostel mit 345 Betten, das von der Accor-Tochter Jo&Joe betrieben wird und das sowohl von der Straße per Lift als auch direkt vom Ikea-Restaurant aus betreten werden kann. Durch begrünte Atrien, die von oben ins Haus hineingedrückt wurden, werden alle Zimmer und Dorms mit Tageslicht erschlossen. Das Dachgeschoß schließlich ist, wie dies im städtebaulichen Vertrag vorgeschrieben war, täglich von acht bis 24 Uhr öffentlich zugänglich. Mit zig Bäumen, weißen Container-Bars und betonierten Klippan-Sofas mit Blick auf die Stadt.

Seit wenigen Tagen ist das neue Haus (Gesamtinvestitionsvolumen 140 Millionen Euro) in Betrieb. Seit wenigen Tagen hat Wien endlich eine zeitgenössische, sehenswerte Architekturikone. Hej!

Der Standard, Sa., 2021.08.28

Eisenhüttenstadt ist die erste sozialistische Planstadt der DDR. In einer Ausstellung werden nun Geschichte, Gegenwart und Zukunft beleuchtet. Lernfaktor enorm.

Der Hochofen ist das höchste Bauwerk der Stadt. So etwas wie der Kirchturm auf dem Dorfplatz. Bloß halt wichtiger, praktischer, effizienter. „19. September 1951 in Betrieb genommen“, steht auf einer Metalltafel am Fundament. Und damit nahm Eisenhüttenstadt an der ostdeutsch-polnischen Grenze, knapp 100 Straßenkilometer von Berlin entfernt, seinen Anfang. Heute zählt die sozialistische Planstadt, die aussieht, als hätte ein SED-Funktionär mit der Modelleisenbahn gespielt und zwischen all den Häusern, Laternen und Moosgummibäumen vor lauter Euphorie auf die Zuggleise vergessen, zu den außergewöhnlichsten Stadtutopien des 20. Jahrhunderts.

„Eisenhüttenstadt ist die erste sozialistische Planstadt der DDR und war damals der gebaute, manifest gewordene Ausdruck eines neuen gesellschaftlichen Modells“, sagt Florentine Nadolni. „Tatsächlich steht diese Stadt für Euphorie und Optimismus, denn sie war das Produkt einer jungen, tatkräftigen und technisch gebildeten Bevölkerung, die dem kriegszerstörten Deutschland den Rücken kehrte und in dieser neuen Stadtutopie ihre Träume ausleben konnte. Schon der erste Eindruck auf der Leninallee mit ihren weiten Plätzen, ihren Blumenbeeten und all ihren Lokalen und Feinkostläden war für die Ankommenden ein Erlebnis.“

Nadolni, 40 Jahre alt, selbst ein Kind der DDR, ist ausgebildete Soziologin und Kulturwissenschafterin und beschäftigt sich mit dem kulturellen Erbe der Deutschen Demokratischen Republik. Seit 2017 leitet sie das Museum Utopie und Alltag mit Sitz in Eisenhüttenstadt. Die rund 500 Quadratmeter kleine Institution ist in einem ehemaligen Kindergarten beheimatet und widmet sich der wissenschaftlichen Aufbereitung und Dokumentation der DDR-Alltagskultur.

„Ohne Ende Anfang“

„Und Teil dieser Kultur“, sagt Nadolni, die die Ausstellung gemeinsam mit Axel Drieschner kuratierte, „ist auch die Art und Weise, wie in der DDR gelebt und gewohnt wurde und wie wir mit diesem Erbe heute umgehen.“ Diesen Fragestellungen widmet sich die Ausstellung Ohne Ende Anfang , die neben dem prominenten Protagonisten Eisenhüttenstadt auch Querverbindungen zu Schwedt/Oder (Erdölverarbeitung) und zum polnischen Pendant Nowa Huta bei Krakau (Stahlindustrie) schafft.

Im Gegensatz zu bestehenden Städten, die in den DDR-Jahrzehnten lediglich überformt und erweitert wurden, konnten in Eisenhüttenstadt jene 16 Grundsätze des Städtebaus , die im April 1950 in der Sowjetunion verfasst und im Juli 1950 vom Ministerrat der DDR verabschiedet wurden, vom Fundament auf als perfektes Ideal realisiert werden. Dazu zählen etwa die „harmonische Befriedigung des menschlichen Anspruchs auf Arbeit, Wohnung, Kultur und Erholung“ (2. Grundsatz) sowie ein adäquates „Antlitz der Stadt“, eine „individuelle künstlerische Gestalt“ und Plätze als „strukturelle Grundlage der Planung der Stadt und ihrer architektonischen Gesamtkomposition“ (9. Grundsatz).

„Das Zentrum von Eisenhüttenstadt wurde zu Beginn errichtet und ist in einem historisierenden, sozialistischen Klassizismus gehalten“, sagt Nadolni. „Mit dem Tod Stalins 1953 ändert sich die Architektursprache, und die weiteren Bauten werden schlichter, nüchterner, industrieller. In den äußeren Wohnkomplexen wurden dann nur noch günstige und schnell zu errichtende Plattenbauten realisiert. Was sich jedoch als Qualität durch ganz Eisenhüttenstadt durchzieht: Platz, Weite, Licht, Luft und viel Grün.“

Zudem wurden die Straßen und Wohnhäuser so positioniert, dass die Menschen von daheim in die Arbeit zu Fuß gehen und dabei den Straßenverkehr meiden konnten. „Die Innenhöfe sind miteinander verbunden, sodass sie nicht nur ein Ort der Freizeit, sondern auch eine attraktive Verkehrsfläche für Passantinnen und Passanten sind.“ Aufgrund der Architektur und der besonderen städtebaulichen Anlage steht Eisenhüttenstadt heute unter Denkmalschutz. Teile dieses größten Flächendenkmals Deutschlands sogar schon seit den 1980er-Jahren.

Wie geht es weiter?

Um die dramatisch schrumpfende Stadt – die Hälfte der einst 50.000 Einwohner ist bereits weg – vor dem Verfall zu schützen, hat sich Eisenhüttenstadt für einen einzigartigen Weg entschieden: Die Stadtränder mit ihren Plattenbau-Wohnkomplexen wurden in den letzten Jahren sukzessive abgerissen, das Zentrum der Stadt jedoch zum Teil aufwendig und behutsam saniert – zumindest dort, wo die Handhabe noch möglich ist. Nadolni: „Einige Schlüsselbauwerke wie etwa das Hotel Lunik befinden sich in privater Hand und sind reine Spekulationsobjekte. Die Investoren halten sich bedeckt, man kann den Häusern beim Einsturz zusehen.“

Wie geht es weiter? Bis 2026 soll die Stahlhütte – einst Eisenhüttenkombinat Ost (EKO), heute ArcelorMittal – auf grüne Energie umgestellt werden. Fragwürdig, ob das Werk, das statt der einst 16.000 heute nur noch 2500 Menschen beschäftigt, eine weitere Wende überleben wird. „Aus denkmalpflegerischer Sicht ist Eisenhüttenstadt ein richtiges Juwel, aber das Gesellschaftsmodell, das diese Stadt verkörpert, ist bereits Geschichte“, sagt Thomas Drachenberg, Landeskonservator in Brandenburg, dem ΔTANDARD. „Es braucht ein Existenzkonzept für die Zukunft, auch ohne die Schwerindustrie.“

Wie dieses Konzept aussehen könnte, ist Teil der Ausstellung. Die Besucher sind eingeladen, ihre Ideen zu teilen. Und Kuratorin Florentine Nadolni träumt davon, sich mit anderen Planstädten wie etwa Nowa Huta, Dunaújváros (Ungarn), Dimitrowgrad (Bulgarien) und Magnitogorsk (Russland) zu vernetzen. „Bei aller Liebe zu diesem Denkmal, aber wir sind auch von Rückbau und Depression betroffen. Umso wichtiger sind eine gesamteuropäische Offenheit und eine internationale Vision für uns alle.“

[ „Ohne Ende Anfang. Zur Transformation der sozialistischen Stadt“, Museum Utopie und Alltag in Eisenhüttenstadt. Bis 29. Mai 2022 ]

Der Standard, Sa., 2021.07.24

Gestern, Freitag, wurde in Frankfurt der Europäische Architekturfotografie-Preis vergeben. An der Schnittstelle von arm und reich, von schön und hässlich, von städtisch und ländlich gibt es eine Bewegungsunschärfe.

Wohnblöcke, Plattenbauten, austauschbare Hochhäuser bis zum Horizont. Und nicht selten sind auf seinen Fotos noch Rohbauten und dutzende Baukräne zu sehen, die sich im Kreis drehen und Fenster und Betonfertigteile in den zehnten oder 20. Stock hinaufziehen. Doch eine Gemeinsamkeit haben sie alle, die rund 30 dezentralen Stadtlagen in der Türkei, die der deutsche Architekturfotograf Norman Behrendt in den letzten Jahren mit seiner Linse eingefangen hat: Irgendwo dazwischen findet sich immer eine Moschee mit unzähligen Kuppeln und Minaretten, anachronistisch in Gold, Silber und Kupfer schimmernd, und man kennt sich nicht aus: Was ist alt, und was ist neu?

Passend zu Corona-Zeiten

„Der Zuzug der ländlichen Bevölkerung in die Städte ist enorm, und so wird an den Stadträndern im Eiltempo gebaut, um Wohnraum für Tausende von Menschen zu schaffen“, sagt Behrendt, der regelmäßig in der Türkei ist und 2015 seine Fotoserie Brave New Turkey gestartet hat. „Der Bau von Moscheen ist Teil dieser Stadtentwicklung, dabei gibt es zwischen der modernen, zeitgenössischen Architektursprache der Wohnblöcke und der historistischen Anmutung der Gebetshäuser einen stilistischen Clash, der mitunter sehr befremdlich wirkt und mich darüber nachdenklich stimmt, welchen Stellenwert die Religion in der derzeit konservativ regierten Türkei einnimmt. Viele Aleviten, mit denen ich gesprochen habe, halten diese Entwicklung für fragwürdig und beängstigend.“

So wie am Beispiel der Yaşamkent-Nur-Moschee in Ankara. Die gezeigte Aufnahme mit der gülden glitzernden Dachlandschaft stammt aus dem Jahr 2017 und findet sich unter jenen Preisträgern und Auszeichnungen, die gestern, Freitag, im Deutschen Architekturmuseum (DAM) in Frankfurt am Main mit dem Europäischen Architekturfotografie-Preis ausgezeichnet wurden. Die Ausschreibung stand heuer unter dem Motto „Das Urbane im Peripheren“ und widmete sich jenen Tendenzen und Entwicklungen, in denen die uns bekannten Stadt- und Landbilder mal sanft, mal heftig, mal poetisch irritierend aufeinanderprallen.

„Wir haben den Preis vor Beginn der Pandemie ausgeschrieben, aber es ist fast unheimlich zu sehen, wie passend die Thematik auch in Zeiten von Corona erscheint, wenn man bedenkt, wie viele Menschen plötzlich auf das Land geflüchtet sind und wie menschenleer und gespenstisch dörflich die Stadt an manchen Tagen gewirkt hat“, sagt Christina Gräwe, Vorsitzende des Vereins Architekturbild e. V. mit Sitz in Berlin und Heidelberg. „Ja, die urbanen Spuren im ländlichen Raum sind unübersehbar.“

So auch bei Torsten Andreas Hoffmann. Der deutsche Fotograf reist regelmäßig nach Indien und erforscht mit seinen beiden Kameras, Canon 5DS R und Leica CL, die rasant wachsende Metropole Mumbai. „Es gibt wenige Städte, in denen die Kluft zwischen Arm und Reich, zwischen Upperclass und Abgrund so groß und so tief ist wie in Mumbai. Aufgrund ihrer begrenzten Lage auf einer Halbinsel treffen die unterschiedlichen Facetten dieser Stadt hier besonders chaotisch aufeinander.“

Soziale Reibung

Mit seiner Serie Peripherie für die Armen hielt er das weltberühmte Slumviertel Dharavi fest, in dem laut Schätzungen rund 600.000 Menschen leben sollen. „Früher lag Dharavi am Stadtrand, und man fuhr auf dem Weg zum Flughafen daran vorbei“, sagt Hoffmann. „Heute aber hat sich die Stadt so weit in den Norden ausgedehnt, dass Dharavi geografisch gesehen in der Mitte der Stadt liegt. Die wichtigsten Verkehrswege führen mittendurch, die Reibung ist spürbar.“

Um genau diese soziale Reibung darzustellen, und zwar in einem Viertel, in dem die Menschen vor allem als Masse wahrgenommen werden und kaum ein individuelles Gesicht haben, fotografiert Hoffmann mit speziellen Neutraldichtefiltern, was – auch untertags – zu Bewegungsunschärfen und Belichtungszeiten von fünf bis zehn Sekunden führt.

Mit ungewöhnlich langen Belichtungszeiten arbeitet auch Oliver Heinl. Seine Fotos, die er mit bis zu 15 Sekunden lang geöffneter Blende einfängt, wurden gestern mit dem ersten Preis ausgezeichnet. „Die Stadt wird nie unsichtbar, auch nicht hier draußen im Umland von Nürnberg“, sagt der 55-Jährige. Sein Motiv: kein Gewitter, keine Polarlichter, sondern einzig und allein die nächtliche Lichtverschmutzung, die in der urbanen Peripherie die Nacht zum Tag macht. Damit gewinnt der menschliche Eingriff an der Schnittstelle Stadt und Land an sozialpolitischer und ökologischer Brisanz. Stadt ist immer und überall, auch wenn es nur ein optisches Echo am Himmel ist.

Der Standard, Sa., 2021.07.17

Das Gemeinschaftswohnprojekt B.R.O.T. in Pressbaum ist eines der auf den ersten Blick unscheinbarsten und bei näherer Betrachtung wohl schönsten Baugruppen-Projekte Österreichs. Das Wiener Büro nonconform zimmerte ein nachhaltiges Dorf aus zehn vorgefertigten Holzhäusern.

Die Kleinen laufen nackt durch die Botanik und richten wassergefüllte Spritzpistolen aufeinander. Fangenspielen, Räuber und Gendarm, Käferbegutachtungen auf der ausgebreiteten Handfläche. »Spinnst du? Das ist doch kein Marienkäfer! Der ist ja nicht mal rot!« – »Oh ja, die sind nicht alle rot! Du hast ja keine Ahnung …« Die ersten Minuten vor Ort fühlen sich an, als wäre man in eine Zeitmaschine ein- und in irgendeiner smartphone- und applosen Parallelwelt wieder ausgestiegen. Wie ein Wald- und Wiesenspaziergang durch Bullerbü, mit Pippi Langstrumpf , Tommy und Annika an der Hand.

»Die meisten von uns kommen aus Wien und haben sich nach einem ruhigen, nachhaltigen Leben mit geringem CO2-Fußabdruck gesehnt«, sagt Johanna Leutgöb. »Es gibt sehr viele Kinder, sehr viel Natur und auch ein gewisses Bewusstsein für die Gestaltung des Wohn- und Lebensalltags, das uns alle verbindet. Und trotzdem wohnen hier ganz viele unterschiedliche Leute aus unterschiedlichen beruflichen Backgrounds mit unterschiedlichen Lebensvorstellungen.« Johanna, 64 Jahre alt, ist Coach und Organisationsberaterin und lebt hier gemeinsam mit ihrem Partner Peter, seines Zeichens Landschaftsplaner und Landschaftsökologe. Er steht gerade in der Küche und mischt den Teig für Rosinenbrot und gebackene Mäuse.

»Mit 22 Jahren bin ich in mein erstes ökotopisches Wohnprojekt eingezogen, und ich würde sagen, mit Baugruppen und gemeinschaftlichen Wohnmodellen mit all ihren Vor- und Nachteilen kenne ich mich mittlerweile ziemlich gut aus«, so Johanna. »Viele Fehler, die man zu Beginn macht, haben wir hier versucht zu vermeiden.« Soziale Homogenität sucht man vergeblich. Die Bewohnerinnen und Bewohner stammen aus mehreren Generationen, Einkommensschichten und kulturellen Backgrounds. Es wurde sogar eine Crowdfunding-Kampagne gemacht, um einer jungen Flüchtlingsfamilie aus Afghanistan eine 50 m² große Wohnung zur Verfügung zu stellen. Mehr als 40 000 € konnten auf diese Weise zusammengetragen werden.

All diese Wärme und Lebendigkeit dieses ungewöhnlichen Projekts scheint in der niederösterreichischen Frühlingsluft zu liegen, sobald man zwischen den vorgefertigten Holzhäusern durchmarschiert und hinter den großen, ungemähten Flockenblumen, Schafgarben und Kamillen in den Fenstern das soziale Durcheinander beobachtet. Die Initiative geht zurück auf Helmuth Schattovits (1939-2015), der bereits in den 90er Jahren in Wien das erste Wohnprojekt unter der Dachmarke B.R.O.T. errichtete. Hinter dem etwas eigenwillig kohlehydrathaltigen Akronym verbergen sich die Worte und Werte »Begegnen, Reden, Offensein, Teilen«.

Nach mehreren Wohnprojekten dieser Art innerhalb der Wiener Stadtgrenzen stieß Schattovits 2011 durch Zufall auf dieses Grundstück am Haitzawinkel, 20 km westlich von Wien, das von der Pfarre Pressbaum zur Bebauung im Baurecht angeboten wurde. B.R.O.T. griff zu und sicherte sich das Areal für 99 Jahre. Eine weitere Fügung sorgte dafür, dass Schattovits bei einer Straßenbahnfahrt auf Architekt Peter Nageler, Partner im Wiener Architekturbüro nonconform, stieß, und so nahm das Projekt seinen Lauf. Einreichplanung 2015, Spatenstich 2017, Fertigstellung 2018. Jetzt stehen wir also da, die Rotzlöffel und ich, die Spritzpistole auf den Journalisten gerichtet. »Wer bist du? Was machst du da?«

Aufgeteilt ist das ursprünglich 14 000 m² große Hanggrundstück, das von der höchsten bis zur tiefsten Stelle um rund 10 m abfällt, auf elf Parzellen mit insgesamt zehn Wohnhäusern und einem Gemeinschaftshaus im Zentrum. Außerdem gibt es einen Sportplatz und eine E-Ladestation im Süden sowie Spielplatz, Schwimmteich, Gewächshaus, Parkplatz und in den Hang eingegrabene Stauraumboxen im nördlichen Teil des Areals. Einer der Bewohner betreibt sogar eine Bienenfarm mit etlichen Stöcken. Aktuell wird ein Haus der Stille errichtet. Das Fundament steht schon.

»Partizipationsprojekte haben wir schon viele gemacht, aber in diesem Fall war der Prozess besonders reibungslos und unkompliziert«, sagt Johanna Steinhäusler, Projektleiterin bei nonconform. »Die Baugruppe zeichnete sich von Anfang an durch ein hohes Engagement aus – und durch eine gewisse Sturheit, weil sie auf manche Dinge auf keinen Fall verzichten wollte. Der starke gemeinschaftliche Zusammenhalt funktioniert bis heute.« Zu den unumstößlichen Entscheidungen der Gruppe zählen v. a. Bauweise und Haustechnik. Bis auf das Gemeinschaftshaus und die Treppenhauskerne, die in Stahlbeton errichtet wurden, handelt es sich beim gesamten Projekt um Holzleichtbau mit kreuzlagenverleimten Deckenplatten.

Die vorgefertigten Fassadenelemente sind geschoßhoch und bis zu 8 m lang und bestehen aus einer Fichtenkonstruktion mit vertikaler Lärchenlattung und innen liegender, eingeblasener Zellulosedämmung mit 30 cm Dicke. Innenbeplankung und nichttragende Wände sind ganz klassisch im Trockenleichtbau errichtet worden. Auffällig ist die Raumhöhe von 2,70 m in den Wohnräumen sowie die KLH-Decke mit belassener Sichtoberfläche in den Aufenthaltsräumen. Die meisten Bewohner haben eine unbehandelte Deckenuntersicht, einige wenige haben das Holz eingeölt oder lackiert. Lediglich in den Vorzimmern sowie in den Sanitärräumen wurde eine abgehängte Gipskartondecke eingezogen. In den Hohlräumen befindet sich die Installation für die kontrollierte Wohnraumlüftung.

»Ein großes Anliegen«, sagt Architektin Steinhäusler, »war uns die Positionierung der Fenster und Fenstertüren. Wo immer dies mit Rücksicht auf die Möblierung möglich war, haben wir die Fensteröffnungen ganz in die Ecke gerückt. Durch den flächenbündigen Anschluss an die angrenzende Innenwand ergibt sich auf der Oberfläche ein sehr schönes Licht- und Schattenspiel. Zudem sorgt das flach einfallende Streulicht durch die Reflexion für zusätzliche Helligkeit in den Innenräumen.« Sämtliche Fenster – auch jene in den OGs – sind französisch ausgeführt und verlaufen fast bis zum Boden. Die Absturzsicherung besteht aus verzinkten Stabgeländern. Sehr easy, sehr rough, sehr passend zum hier innewohnenden Geist.

Geheizt wird mit Biomasse. Neben dem Gemeinschaftshaus wurde eine kleine Hackschnitzelanlage errichtet, die mit Holzabfällen aus dem lokalen Maschinenring gespeist wird. Zudem wurden auf den Gebäuden 50 m² Sonnenkollektoren mit 4 000 l Pufferspeicher sowie sechs PV-Anlagen im Gesamtausmaß von 97 kW Peak-Nennleistung angebracht. Übers Jahr gerechnet können damit rund 75 % des Strombedarfs gedeckt werden. Kleiner Wermutstropfen: Während der Großteil des Wohnprojekts aussieht wie eine Mischung aus Bullerbü und Biene Majas Klatschmohnwiese mit einem Hauch Woodstock, dominiert auf der Technikzentrale mit ihren schräg aufgeklappten Kollektorflächen der Eindruck eines etwas aus den Fugen geratenen Sonnenkraftwerks. Der visuelle Schmerz ist verkraftbar.

Umso schöner die Tatsache, dass sich die Baugruppe vom Kärntner Holzproduzenten Weissenseer, der sich auf dem innovativen Holzbausektor mittlerweile einen über die Branche hinaus bekannten Namen gemacht hat, die Holz- und KLH-Reststücke hat anliefern lassen. Einige davon fristen nun ein Dasein als Klettergerüst oder Küchenarbeitsplatte im Gemeinschaftshaus. Neben der Werkstatttür lehnt ein unförmiges Holzstück mit etwa 1,50 m Länge. Mit Bleistift hat jemand die Absichtserklärung auf die Oberfläche geschrieben: »Reserviert Rutsche!!!«

»Wir wohnen hier jetzt seit über drei Jahren«, sagt Stefan Fittner, Kassier der Vereins B.R.O.T. Pressbaum. »Über eine eigens eingerichtete Signal-Gruppe stehen wir permanent in Kontakt. Wer auch immer etwas braucht, ob das nun Hilfe in der Werkstatt oder Unterstützung in der Food-Coop ist, schreibt einfach eine kurze Nachricht in die Gruppe.« Und Anita Scharl, die beruflich in der Umweltanwaltschaft tätig ist und den Verein eine Zeit lang als Pressesprecherin repräsentierte, freut sich v. a. über das gute Raumklima in den Wohnungen und über das insgesamt gute Preis-Leistungs-Verhältnis des Projekts. »Es gab viele Aufs und Abs mit der Kirche, mit den Kreditvereinbarungen, mit den Kostenangeboten bei den Baufirmen, aber letztendlich ist das Projekt verhältnismäßig gut über die Bühne gegangen. Es ist super, hier zu wohnen.«

Auf ihrer Terrasse wird gerade eine Pergola errichtet. Der Bruder, Zimmermann von Beruf, ist zur Stelle, die Mutter zupft das Unkraut aus den Gemüsebeeten, der 80-jährige Vater, der dem Autor dieses Artikels schnell noch einen Crash-Kurs im Sensenmähen gibt, kümmert sich um das viel zu hohe Gras auf der Böschung zwischen Wohnhaus und Sportplatz. »Es ist nicht immer alles so harmonisch wie heute«, sagt Anita. »Aber fast immer. Ich mein’, schau dich mal um! Ich persönlich hätte mir zwar ein klassisches Satteldach gewünscht, aber in diesem Punkt bin ich halt von der Baugruppe und den Architekten überstimmt worden. Abgesehen davon ist unser kleines Dorf hier einfach nur großartig.«

db, Di., 2021.07.06

Auf dem Nordbahnhof-Areal entsteht ein ungewöhnliches gefördertes Projekt: Die Hauswirtschaft besteht zur Hälfte aus Wohnen und zur Hälfte aus Gewerbe. Diese Bündelung ist nicht leicht – aber machbar.

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Die in Ghana und New York lebende Architekturforscherin Mae-ling Lokko beschäftigt sich mit Abfallprodukten aus der Landwirtschaft. In ihren Projekten arbeitet sie mit Kokosfasern und Pilzsporen. Eine Anleitung zum Träumen.

Die machen Schaffelle aus Plastikflaschen. Die machen Lampen aus Seegras. Die machen Schüsseln aus Mais.“ So lautet die aktuelle Ikea-Werbekampagne, die seit einigen Wochen im österreichischen und deutschen Fernsehen ausgestrahlt wird. Am Ende schließlich, mit schwedischem Akzent: „Ideen sind unsere wertvollste Ressource.“

Allein das Experimentieren mit innovativen Materialien beschränkt sich nicht nur auf die Möbel- und Haushaltsindustrie. Architektinnen und Architekten beschäftigen sich schon seit geraumer Zeit mit der Entwicklung von Baustoffen aus nachwachsenden Rohstoffen wie etwa Palmenfasern, Myzelien und Hanf. Eine davon ist die New Yorker Architekturforscherin Mae-ling Lokko, die kommende Woche an der Universität für angewandte Kunst einen Vortrag halten wird.

Seit rund 15 Jahren erforscht die gebürtige Saudi-Araberin, die in Ghana und auf den Philippinen aufgewachsen ist, die Potenziale jener Abfallstoffe, die als Nebenprodukt der globalen Nahrungsmittelproduktion anfallen – des sogenannten Agrowaste. Weltweit fabrizieren wir, während wir unsere Schnitzel und Pommes frites heranzüchten, rund 350 Milliarden Tonnen Müll pro Jahr, Tendenz steigend.

Organische Müllberge

„Immer mehr Menschen brauchen immer mehr Nahrung“, sagt Lokko. „Daher sehe ich hier einen wachsenden Rohstoffmarkt, der zwar unglaubliches Potenzial hat, dessen Möglichkeiten wir heute aber nur marginal nutzen. Der überwiegende Teil der hier anfallenden Fasern und organischen Müllberge landet auf der Deponie oder wird verbrannt.“ An den Stadträndern der ghanaischen Hauptstadt Accra, erzählt die Forscherin, werden jede Nacht illegal Tonnen von Kokosfasern und Kokosnussschalen abgeladen und angezündet, auf diese Weise werden – anstatt im Kreislauf zu bleiben – Unmengen von CO2 in die Atmosphäre geschleudert.

Dummes Downcycling

„Klar kann man Kokosfasern verbrennen und damit Energie produzieren“, sagt die Forscherin. „Aber das ist nichts anderes als dummes Downcycling, mit dem der potenzielle Lebenszyklus dieses Werkstoffs drastisch verkürzt wird.“ Lokkos Antwort auf das Problem: In Zusammenarbeit mit dem Rensselaer Polytechnic Institute in Troy, Upstate New York, und dem von ihr gegründeten Forschungsunternehmen Willow Technologies in Ghana trennte sie die Spelzen vom Kokosfasermark, häckselte das Ganze zu feinen Fasern und verpresste die Gemengelage unter Einwirkung von Hitze und Druck – ganz nach den Fertigungsprinzipien von Sperrholz – schließlich zu dreidimensionalen Modulen, die als Raumteiler oder Schallschutzelemente eingesetzt werden können.

„Leider ist der Fertigungsprozess sehr aufwendig und energieintensiv und eher für die Produktion und den Verkauf in hochentwickelten Industrieländern geeignet, während der Rohstoff selbst im Global South in meist sehr armen Regionen anfällt“, resümiert Lokko. „Die geografischen, wirtschaftlichen und geopolitischen Hürden sind kaum zu überwinden. Daher kann man dieses Projekt wohl als gescheitert betrachten.“ Im Rahmen der Vienna Biennale for Change 2021 sind die Platten zurzeit im Angewandte Innovation Lab (AIL) in der Otto-Wagner-Postsparkasse zu sehen.

Weitaus aussichtsreicher ist Lokkos aktuelle Vision, mit der sie keineswegs allein dasteht, sondern sich in eine ganze Riege von innovativen Schwammerlutopisten aus dem Kunst- und Designbereich einreiht: Sie entwickelt Geschirr, Möbelstücke und Bausteine aus Pilzsporen in der noch vegetativen Phase, aus sogenannten Myzelien. Mit diversen Fasern aus der Reis-, Mais-, Kokos- oder Getreideproduktion vermengt und in entsprechende Schalungen gepresst, können die Myzelien – die richtige Temperatur und Luftfeuchtigkeit vorausgesetzt – innerhalb von ein paar Tagen zu harten, dichten Formstücken heranwachsen, die anschließend nur noch getrocknet werden müssen.

Kein Sick-Building-Syndrome

In den letzten drei Jahren wurde das von ihr entwickelte Agrowaste-Biokomposit auf zahlreichen Festivals und Ausstellungen ausgestellt, das unter anderem mit dem Visible Award 2019 und dem Royal Academy Dorfman Award 2020 ausgezeichnet wurde. Unter dem Titel Agricologies schafften es die von ihr gepflanzten Tassen, Teller, Schüsseln, Schalen und Vasen, die im täglichen Umgang mit der gleichen Sorgfalt wie etwa unlackiertes, naturbelassenes Holz behandelt werden müssen, sogar ins Reich der Lifestylemagazine. Nun soll das bis jetzt gewonnene Know-how im Rahmen von Schulworkshops an Kinder und Jugendliche weitergegeben werden.

„Wir träumen heute davon, unsere Häuser in Zukunft im 3D-Drucker hochzuziehen“, sagt Mae-ling Lokko, die soeben einen Job als Professorin an der Yale University angenommen hat und dort ab 2022 unterrichten wird. „Aber wer weiß, vielleicht werden unsere Gebäude eines Tages von allein wachsen und sich verfestigen.“ Im Gegensatz zu vielen Produkten, an denen heute geforscht wird, kommt die fungale Myzelienarchitektur ganz ohne Weichmacher oder künstliche und mineralische Bindemittel aus. „Der nächste Schritt“, so Lokko, „sind Langzeitstudien, die etwaige Auswirkungen auf die Gesundheit der darin lebenden Menschen untersuchen. Aus heutiger Sicht aber gibt es keinerlei Anzeichen für ein Sick-Building-Syndrome.“

Noch ein langer Weg

Bis zum Einsatz im Baubereich sei es noch ein langer Weg. Es brauche noch jahrelange Arbeit, um die biologischen, chemischen und physikalischen Eigenschaften von Myzelien zu erforschen und zu optimieren. Doch realisierte Pilotprojekte wie etwa der 13 Meter hohe Hy Fi Tower aus reinen Myzelziegelsteinen, den der New Yorker Architekt David Benjamin vor drei Jahren im MoMA PS1 in Brooklyn in den Himmel hochgeschlichtet hat, lassen die Spekulation zu, dass diese Utopie in nicht allzu ferner Zukunft eintreten könnte.

Wenn einem auf der Architektur-Biennale in Venedig das Träumen schon vermiest und vermieft wurde, so darf man sich in Zeiten, in denen schwedische Möbelhäuser Bettwäsche aus Holz machen, zumindest auf der Vienna Biennale for Change ein wenig vom Idealismus verleiten lassen. Solche Köpfe braucht die Welt.

[ Mae-ling Lokko, Vortrag im Rahmen der Sliver Lectures an der Universität für angewandte Kunst: Donnerstag, 10. Juni, 19 Uhr ]

Der Standard, Sa., 2021.06.05

Heute, Samstag, wird die Architektur-Biennale in Venedig eröffnet. Das Motto des Kurators Hashim Sarkis lautet „How will we live together?“. Doch die Beantwortung dieser Frage ist so verstörend und dystopisch, dass es im Hirn wehtut.

Eine riesiges Trumm aus Edelstahl. Eine abstoßende, chirurgische Kälte. Alle paar Sekunden öffnen sich irgendwelche Laden, rollen hinaus wie in einem Leichenschauhaus, bleiben kurz stehen zur Betrachtung, werden mit einem blechernen Surren wieder eingezogen. Zwar liegen darauf keine toten Menschen, immerhin aber jede Menge ausgestopfter oder in Formaldehyd eingelegter Tiere: Wildschweine, Schwarzziegen, Bären, Reiher und Taranteln. Es sind jene Spezies, die in Israel in den letzten Jahrzehnten aus ihrem natürlichen Habitat verdrängt, ja manchmal sogar nahezu ausgerottet wurden.

„Die politische Situation in Israel ist dieser Tage besonders angespannt“, sagt Rachel Gottesmann. „Doch in diesem Land fügen nicht nur wir Menschen uns gegenseitig Schaden zu, unser Verhalten hat auch immense Auswirkungen auf Fauna und Flora.“ Eine der größten ökologischen Katastrophen mit weitreichenden Folgen für die Biodiversität Israels war die Trockenlegung des Hule-Sees und der umliegenden Sümpfe in den 1950er-Jahren, um damit Wasser für die Landwirtschaft zu gewinnen.

„Außerdem haben wir den Kampf zwischen den weißen und den schwarzen Ziegen erforscht“, erzählt die Kuratorin des israelischen Pavillons. „Die schwarzen, von jeher einheimischen Ziegen waren für die Palästinenser von Anbeginn an eine wichtige Quelle für Milch und Fleisch. Doch als die europäischen Juden nach Israel kamen, waren sie entsetzt, ein so karges, felsiges Land vorzufinden – und gaben kurzerhand den schwarzen Ziegen die Schuld daran.“

Schwarz und weiß

1934 wurde die Haltung von schwarzen Ziegen – ohne wissenschaftliche Fundierung und Verifizierung wohlgemerkt – stark reguliert, 1950 wurde sogar eine eigene Tötungsverordnung verabschiedet, die viele arabische Bauern in den existenziellen Ruin trieb. Stattdessen ließen die neu angesiedelten Juden weiße Ziegen aus Europa importieren. Erst 2018, nach knapp 70 Jahren, wurde das nicht nur absurde, sondern auch sozial und ökologisch desaströse Gesetz wieder rückgängig gemacht. „In diesem Land ist alles schwarz und weiß, voller Angst und voller Hass“, sagt Gottesmann. „Daher stellt sich unweigerlich die Frage: Werden wird es jemals schaffen, friedlich miteinander auszukommen?“

Der politisch zutiefst selbstkritische israelische Pavillon unter dem Titel „Land Milk Honey“ zählt zu den schrägsten und zugleich besten und einprägsamsten Beiträgen der Architektur-Biennale 2021. Zwar hatte der diesjährige Biennale-Kurator Hashim Sarkis, seines Zeichens Dekan der School of Architecture and Planning am Massachusetts Institute of Technology (MIT), mit der Frage „How will we live together?“ ein wirklich eindeutiges, unmissverständliches Motto vorgegeben, doch mit deren Beantwortung haben sich die Architekturschaffenden aller Frauen und Herren Länder sichtlich schwergetan.

Einige Kunst- und Architekturbeiträge fliehen statt in die Zukunft schnurstracks in die Vergangenheit und reproduzieren verklärte und romantische Bilder von Häuslichkeit, Gemütlichkeit und harmonischem Miteinander in Form von Großfamilien, Co-Housing-Modellen und ästhetisch durchorchestrierten Nachbarschaften. Andere Länder wiederum machen das Gegenteil, widmen sich der zunehmenden Digitalisierung und Virtualisierung unserer Umwelt und verzetteln sich – wie etwa Österreich, Uruguay und die Niederlande – in Theorien und Philosophien mit aberhunderten Film- und Soundinstallationen, bis einem die Augen tränen und die Ohren glühen. Das virtuelle Geschwurbel geht so weit, dass Kanada und Deutschland auf Materialität und bauliche Manifestation sogar komplett verzichten und ihre Pavillons mit QR-Codes tapezieren. Das stellt jede physische Präsenz in der Lagunenstadt infrage. Wirklich mühsam.

Echt jetzt?

Doch die größte Kritik muss man an jenen Kommissären und Kuratorinnen üben, die der aktuellen Covid-Pandemie verfallen sind und ihre Kernkompetenz hinter sich gelassen haben. Statt Wohnkonzepte, Zusammenlebensmodelle und innovative Architekturtypologien für morgen zu liefern, mutieren sie zu großen Kindern und überbieten sich in der Reproduktion von Aliens, Avataren, prothetischen Künstlichkeiten, in Schläuchen und Bubbles eingeschweißten Naturen und so dystopischen Bildern, dass man bisweilen das Gefühl hat, in einem Sci-Fi-Museum zu Matrix, Brazil und HR Giger zu stehen. How will we live together? Echt jetzt? Für Menschen, deren Job es ist, unsere bauliche Zukunft zu gestalten, ist diese Weltuntergangsmodenschau ein mehr als jämmerliches Armutszeugnis.

Umso erfreulicher, dass in dieser Biennale der kapitalen Themenverfehlungen einige Preziosen umso besser zur Geltung kommen. Irland beispielsweise zeigt sich auf dieser Biennale von einer in der Öffentlichkeit wenig bekannten Seite. Mit 63 Serverfarmen und Datenzentren allein in Dublin zählt die Insel zwischen Europa und Nordamerika zu den Data-Hotspots dieser Welt.

„Das sind mehr Einrichtungen als in jeder anderen Stadt in Europa“, sagen die beiden Kuratoren David Capener und Fiona McDermott. Viele weitere sind bereits in Bau. 2027, so die Prognose, werden die Serverfarmen ein Drittel der gesamten Energie Irlands verbrauchen.

„Das sind gigantische Mengen. Bis heute haben wir dafür kein Klimakonzept. Wenn wir von Klimaschutz und der Reduktion von CO₂ sprechen, dann müssen wir in Zukunft auch über Facebook, Twitter und Tiktok sprechen.“

Ökologisch desaströs

Eine superkonkrete Lösung für ein supergroßes CO₂-Problem liefern – Überraschung – ausgerechnet die Vereinigten Arabischen Emirate (VAE). Der in Dubai stationierte Architekt und Kurator Wael Al Awar hat mit der University of Tokyo, der New York University in Abu Dhabi und der American University of Sharjah in den letzten drei Jahren einen neuen Beton entwickelt, bei dem statt Portlandzement zum Binden eine spezielle Salzverbindung, nämlich Magnesiumoxid (MgO), verwendet wird.

„Die Emirate sind der drittgrößte Entsalzer der Erde“, sagt Al Awar. „Bis heute wird die hochkonzentrierte Salzlösung, die am Ende des Prozesses übrig bleibt, ins Meer zurückgeschüttet. An einigen Stellen im Persischen Golf liegt die Salzkonzentration mittlerweile bei zehn Projekt. Das ist ökologisch desaströs. Stattdessen kommt das Abfallprodukt nun auf konstruktive Weise zum Einsatz.“ MgO bindet im Aushärtungsprozess nicht nur Kohlendioxid, sondern ersetzt zugleich klassischen Portlandzement, der wiederum zu den größten CO₂-Emittenten unserer denaturierten Zivilisation zählt.

„Das Projekt steckt noch in den Kinderschuhen“, so Al Awar. „Aber ich bin optimistisch, wir sind dran.“ In Tests weist der MgO-Beton eine ähnliche Druckfestigkeit auf wie klassischer Beton. Wenn alles gutgeht, könnte damit ein Drittel der Bautätigkeit in den VAE abgefedert werden, so der Kurator. Zukunftsmusik? Ja. Utopisch? Ja. How will we live together? Dafür aber liefert der Beitrag einen der wenigen konstruktiven Lösungsansätze dieser Biennale.

Der Standard, Sa., 2021.05.22

Im Rekordtempo wurde an der Kaiserbadschleuse des ­Donaukanals der öffentliche Freiraum durch die »Schwimmenden Gärten« erweitert. Das Projekt ist nicht nur Resultat eines etwas provinziell wirkenden Wahlkampfs, sondern glücklicherweise auch einer strengen und zugleich überaus erfrischenden Handschrift der Wiener ­Landschaftsarchitektin Carla Lo. Der urbane Benefit ist enorm.

Ein sonniger Freitag Ende März. Der erste heiße Nachmittag dieses Jahres. Im gefühlt zehnten Corona-Lockdown wird die Kaiserbadschleuse, die bis vor Kurzem ungenutzte Betoninsel im Wiener Donaukanal, von Dutzenden ­Menschen belagert. Ohne T-Shirt, ohne Schuhe und ohne jede Hast, dafür aber mit dunklen Sonnenbrillen, in denen sich der wolkenblaue Frühlingshimmel spiegelt.

Carla Lo ist eine von ihnen. Die 44-jährige Landschaftsarchitektin, weites ­Leinenhemd, zerrissene Patchwork-Jeans, liegt inkognito inmitten der sich sonnenden Menge und freut sich über den sozialen Erfolg ihrer »Schwimmenden Gärten«. Nie hätte sie gedacht, dass ihr Büro dieses Projekt eines ­Tages wirklich realisieren würde, und meint: »Nun sitzen wir da, und ich bin froh darüber, dass dieser städtische Raum von den Wienerinnen und Wienern so gut angenommen wird.«

Angefangen hat alles im Jahr 2016. Kurz vor der Wiener Gemeinderatswahl wünschte sich die damalige Umweltstadträtin Ulli Sima als »Wahlzuckerl« ein paar coole Renderings, die auf stadtromantische Weise darstellen, wie man die Kaiserbadschleuse aus ihrem mehr als 100-jährigen Dornröschenschlaf reißen und endlich einer urbanen Nutzung zuführen könnte. Errichtet wurde das massive Bollwerk mit 125 m Länge und 10 m Breite ursprünglich anstelle des ehemaligen Kaiserbads in den Jahren 1904 bis1908 für die Schiffbarmachung und Regulierung des Donaukanals. In Betrieb genommen wurde die Schleuse, die sich gegenüber von Otto Wagners (1841-1918) berühmtem Schützenhaus befindet, allerdings nie.

»Also haben wir einen Entwurf gemacht und uns überlegt, wie wir die Insel mit Plattformen zugänglich machen und mit Pflanzentrögen und großen Holzdecks zum Sitzen und Liegen aufwerten würden«, erinnert sich Carla Lo. Mit einer Handvoll attraktiv gerenderter Visionen ging die Wiener SPÖ dann tatsächlich ins Rennen. Nach dem Wahlsonntag war dann allerdings jahrelang Funkstille. Das Projekt wurde auf Eis gelegt, bis wenige Monate vor der darauffolgenden Gemeinderatswahl. Aus den Medien erfuhr die Landschaftsarchitektin, dass die Schwimmenden Gärten nun tatsächlich umgesetzt werden sollten. Vom verbindlichen Anruf der Stadträtin bis zur geplanten Fertigstellung blieben wiederum genau sechs Monate. Ein straffer Zeitplan. Damit wurde das fiktive Wahlzuckerl von 2016 zu einem konkreten Wahlversprechen für 2020 aufgewertet.

Am Holzdeck neben uns liegt eine Gruppe Jugendlicher. Ein paar Dosen Bier werden gerade »aufgepoppt«. Es wird gelacht, getrunken, foto­grafiert. In den Mülleimern nebenan manifestiert sich der hohe Stellenwert des Projekts als buchstäbliche Zufluchtsinsel vor dem Virus und den damit verbundenen ­Sicherheitsmaßnahmen: Prosecco-Flaschen und Pizzakartons. »Es funk­tioniert«, sagt die aus Heidelberg stammende Landschaftsarchitektin, die in der Regel v. a. öffentliche und halböffentliche Freiräume im geförderten ­Wohnungsbau plant. »Mehr kann man sich nicht wünschen, oder?«

Kräftig dimensioniert

Im Zuge der Neugestaltung wurde die denkmalgeschützte Schleuseninsel über zwei breite Brückenbauwerke mit massiven T-Trägern aus Stahlbeton an den Uferweg des Donaukanals angebunden. Die Tragwerksplanung des ­Wiener Ingenieurbüros Gmeiner Haferl hat es mit der statischen Sicherheit dabei sehr genau genommen und orientiert sich weniger an sommerlicher Leichtigkeit als leider vielmehr an den brutalistischen Dimensionen talüberspannender Autobahnbrücken. Gut, dass sich die Blicke der Flaneure nur ­selten unterhalb des Wegeniveaus verirren.

Viel ansprechender ist da schon das urbane Leben darüber. Auf beiden Verbindungsplattformen eröffnet sich eine Gehlandschaft aus Beton mit Besenstrich-Oberfläche und daran angrenzenden Holzdecks, die sich mit eckig ­eingefassten Böschungen zu einer polygonalen Sitz- und Liegelandschaft auf zwei Ebenen hochentwickelt. Die Neigungen mit mal 45°, mal 60° sind ergonomisch gut gewählt, die Sitzhöhen könnten kaum komfortabler sein.

Mit 55 mm Dicke weisen die Eichenbohlen, die auf einer Unterkonstruktion aus Holz und Stahl montiert sind, einen im Zeitalter steigenden ökonomischen Drucks ungewöhnlich hohen Materialeinsatz auf. Dies ist der Lang­lebigkeit geschuldet: Bei Vandalismus durch Graffiti und motorische Beschädigungen, so der Plan, lässt sich das Holzpodest diverse Male abschleifen und sogar -hobeln.

Auf Kopfhöhe der Sitzenden, Liegenden und Lümmelnden entspinnt sich ein kleiner grüner Dschungel mit heterogener Bepflanzung. 15 verschiedene Pflanzenarten – darunter Gräser, Kräuter und Blumen – werden mit den nun ins Land ziehenden Sommermonaten dank automatischer Bewässerung stattliche Höhen erreichen und prächtige Farben entfalten. Dazwischen tauchen immer wieder mehrstämmige Bäume auf: Wildäpfel, Felsenbirnen und zart­rosafarbene Zierkirschen.

Grüner als entworfen

Carla Lo wirkt glücklich. Doch dann verändert sich die Laune ein wenig. In ihrem mitgebrachten Aktenordner finden sich Pläne, die dokumentieren, wie alles hätte aussehen sollen, bevor es so wurde, wie es heute ist. »Meine Vision war, dass wir die Schleuseninsel revitalisieren, sie aber in ihrer archaischen, nutzungsoffenen Erscheinung erhalten«, sagt Lo. Geplant war, die Kaianlage lediglich mit ein paar Ulmen zu bepflanzen und mit schlichten Stahlplatten, die die Kontur der historischen Insel säumen, zu belegen. Die restliche Fläche zwischen den riesigen »Vorlegeplatten« sollte ungeordnet gepflastert werden.

Doch die Wiener Umweltstadträtin wollte es grüner. Mehr Bäume, mehr Grasbeete, mehr bewachsene Pflanzentröge an den Kaimauern. Ein paar ­Bänke und punktuelle Sitzelemente mussten auch noch her. Und gusseiserne Einfassungen der grünen Grasrabatte, wie sie vom Stadtgartenamt klassischerweise in ganz Wien eingesetzt werden. Und selbstredend Mülleimer sowie gepflasterte Segmentbögen, um noch ein bisschen mehr italienischen Romantizismus hineinzubringen. Und am Ende ist alles so vollgestellt und vollgegrünt und mit notwendigen Verkehrswegen vor­definiert, dass kaum noch Platz bleibt, um in den warmen Sommermonaten irgendwo eine Picknick-Decke auszubreiten.

»Es hört sich eigenartig an, dass ausgerechnet ich als Landschaftsarchitektin so viele Monate gegen Grün gekämpft habe«, erklärt Carla Lo. »Aber tatsächlich ist die zur Verfügung stehende Sitz- und Liegefläche für die Menschen auf ein Minimum geschrumpft. Die alte Schleuseninsel ist nutzungstechnisch bis zum letzten Quadratmeter durchgeplant und durchmöbliert. Innovative Freiraumplanung sieht für mich anders aus.«

Absturzgesichert

Während der gesamte Donaukanal an seinen beiden Uferkanten auf vielen ­Kilometern Länge ohne Geländer auskommt, mussten die Schwimmenden Gärten rundherum auch noch eingezäunt werden. Der Grund – und damit erreicht der politische Zynismus seinen Höhepunkt: Aufgrund der vielen ­definierten Sitzelemente sei die Insel keine nutzungsoffene Verkehrsfläche mehr, sondern ein möblierter Stadtplatz, für den man nun entsprechende ­Absturzsicherungen vorsehen müsse. Glücklicherweise fand sich mit den schlanken Holmen und dem kaum sichtbaren Edelstahl-Netz eine sensible, ortsverträgliche Lösung.

Die Schwimmenden Gärten (Baukosten 3,5 Mio. Euro) sind ein durch und durch politisches Projekt. Sie zeigen auf, wie die Gestaltung öffentlichen Freiraums in dieser Stadt funktioniert. Für die meisten Menschen jedoch sind ­diese Anekdötchen und Provinzpossen unsichtbar und irrelevant. Übrig bleibt ein Projekt, das trotz aller Querelen und trotz des immensen Zeitdrucks zu den gelungensten und sym­pathischsten Freiraum-Oasen Wiens zählt. Zu verdanken ist dies wohl der krisenerprobten Handschrift einer Landschaftsarchitektin, die gelernt hat, selbst im ­geförderten Wohnbau unter enormem Kostendruck überaus ­passable Freiraumkonzepte zu realisieren.

»Ich glaube, das war die stressigste und zugleich schönste Baustelle meines Lebens«, sagt Carla Lo. „Die Stimmung vor Ort war ausgelassen, und die ­Brückenbauer, die üblicherweise Autobahnbrücken an irgendwelchen schwer erreichbaren Unorten errichten, haben sich gefreut, dass sich ihr Arbeitsplatz erstmals inmitten der Wiener Innenstadt befindet.« Die Freude am Prozess überträgt sich auf das Resultat. Die Sonne wird immer wärmer. Die Menschen werden mehr. Die Selfies nehmen zu.

db, Di., 2021.05.11

Für die einen sind begrünte Fassaden ein wunderbares, innovatives Bauelement im Großstadtdschungel, für die anderen ist der Saum an der Wand nicht nur Chlorophyllkosmetik, sondern auch Architekturhölle. Auch wir sind uns nicht wirklich einig.

Wojciech Czaja: Pro

Mit dem Glauben an das Automobil und neuen Entwicklungen in der Beton-, Glas-, Stahlindustrie hat die späte Moderne unsere Städte komplett verändert. Und jetzt haben wir den Salat. Oder auch nicht, denn genau dieser ist aus den Betonwüsten zum überwiegenden Teil völlig verschwunden. Die Folgen davon sind fatal: Überhitzung der Städte, katastrophale Luftqualität und in vielen grünlosen Vierteln noch dazu kalorische Anti-Oasen unter dem fast schon euphemistischen Titel Urban-Heat-Islands. Die einzig konsequente Möglichkeit, um aus diesem betonierten Schlamassel wieder rauszukommen, ist die offensive, ja fast schon aggressive Begrünung unserer Städte. Die einen machen das mit Parks, Wiesen, Blumenbeeten, Gemüserabatten und Urban-Gardening-Flächen, die anderen greifen dazu auf die etwas dichtere Variante mit Büschen, Stauden, Sträuchern und Bäumen aller Art zurück. Wenn es sein muss, nicht nur der horizontalen Fläche.

Einer der Meister der vertikalen Begrünung ist der Pariser Botanikkünstler Patrick Blanc, der unter anderen auch Jean Nouvels preisgekröntes Hochhaus One Central Park in Sydney begrünte (siehe Foto) . Auch andere vertikale Flächen wie Feuermauern, Innenhöfe, Altbaufassaden, Tunneleinfahrten und meterhohe Mauern sind vor seinem grünen Daumen nicht sicher – ob das nun Madrid, Miami oder Kuala Lumpur ist. Und dann gibt es ja noch den vertikalen Waldmeister Stefano Boeri mit seinen millionenfach geinstagramten Türmen in Mailand.

Ja klar, vieles davon ist Fassadenkosmetik und Behübschung von eigentlich naturkatastrophalen Problemen. Außerdem braucht man Metallkonstruktionen, Bewässerungsanlagen und manchmal auch allerlei sensorische Hard- und Software. Doch der mikroklimatische Effekt infolge von Verschattung, Verdunstungskälte, Feinstaubabsorption und nicht zuletzt CO2 -Speicherung ist enorm. Studien haben ergeben, rechnet die niederländische Stadtplanerin Helga Fassbinder vor, dass man mit zehn Prozent mehr Grün die sommerlichen Höchsttemperaturen in der Stadt um bis zu drei Grad Celsius senken kann. Mit der Wiener Klimakarte, die die ehemalige Planungsstadträtin Birgit Hebein im September letzten Jahres vorgestellt hat, gibt es nun auch hierzustadt eine echt heiße Planungs- und Nichtverbauungsgrundlage.

Ganz ehrlich? Viele Fassadenbegrünungen zwischen Sydney, Biotope-City und MA 48 am Margaretengürtel sind klimatischer und ökologischer Schmonzes. Muss das wirklich sein? Ja, es muss! Auf rationaler und wissenschaftlicher Ebene wissen wir schon viel, aber damit erreicht man weder Otto Normalverbraucher und Monika Mustermann noch irgendwelche ökonomisch getriebenen Investorenherzen. Bis der Baustoff Grün in der Stadtplanung und im Städtebau nicht wieder absolute Selbstverständlichkeit wird, ist jedes grüne Mittel recht. Her mit den grünen Fassaden!

Maik Novotny: Kontra

Über nichts reden die Wiener lieber als über Fassaden jeder Art. Die Stadt ist eine Bühne, jedes Haus eine Kulisse, alles ist schöner Schein, alles ist Oberfläche. Darüber lässt sich auch viel schöner streiten als über banale Fakten und über die Mechanismen hinter den Kulissen. Kein Wunder also, dass auch der Kampf gegen die Überhitzung und für die klimagerechte Stadt recht schnell zu einem zweidimensionalen Fassadenthema wurde.

Um es gleich klarzustellen: Der Kampf gegen die Klimakatastrophe ist der wichtigste, den es gibt, und hier ist jedes Mittel recht. Wenn es der Kühlung dient, dass es hier und da vertikal emporrankt: Nur her damit! Es wird schon nicht, wie von vielen befürchtet, der ganze kulturelle Reichtum der Architektur hinter Efeu und Knöterich verschwinden.

Aber die Fassadenbegrünung kaschiert mehr als erwärmtes Gemäuer, sie ist eine Ablenkungsstrategie. Sie verlagert das Schlachtfeld der Klimakatastrophe vom Öffentlichen ins Private, von der Ebene in die Senkrechte. Fragt man Landschaftsplaner nach den besten Mitteln gegen urbane Hitzeinseln, bekommt man fast immer dieselbe Antwort: Nichts ist besser als der richtige Baum am richtigen Ort. Bäume sind nahezu perfekt. Sie sind langlebig, kümmern sich weitgehend um sich selbst, spenden im Sommer Schatten und im Winter nicht. Es gäbe noch reichlich Platz für mehr Bäume, doch an diesem Platz stehen heute tonnenschwere Klumpen aus Metall dumm herum. Weil man sich – von homöopathischen Pflanzprojekterln und kurzen „Kühlen Meilen“ abgesehen – nicht traut, hier jemandem etwas wegzunehmen, weicht man aus. Sollen sich die Hausbesitzer ums Klima kümmern! Während Paris, Amsterdam und New York die Autos radikal verbannen, bleibt in Wien alles beim Alten, im scheinheilig schönen Schein des „Genug gestritten!“.

Doch nicht nur in Wien werden Ränkespiele mit dem Geranke getrieben. Seit Architekt Stefano Boeri 2014 in Mailand die baumbestandenen Doppeltürme seines Bosco Verticale einpflanzte, übertrumpfen sich Investoren weltweit in der Begrünung ihrer Wolkenkratzer. Wurscht, wenn für den Beton ganze Sandstrände über Nacht verschwinden: Was von außen so schön grün aussieht, kann nur ökologisch sein! Ist es nur eben fast nie.

Von Fallwinden gerüttelt und von Böen zerzaust, kämpft das zum Symbol überhöhte bemitleidenswerte Gestrüpp im 29. Stockwerk einen aussichtslosen Kampf, dabei möchte es doch so gerne einfach nur in Ruhe zwischen seinen Artgenossen am Boden stehen. Zwar macht die Bewässerungstechnik große Fortschritte, und es verdorrt nicht mehr alles sofort, wenn der Hausbesorger im Sommerurlaub ist, doch der Aufwand steht ab einer gewissen Höhe in keinem Verhältnis zum energetischen Ergebnis. Also: Vorsicht bei den grünen Tapeten und Fassaden: Oft steckt nicht mehr dahinter als Chlorophyllkosmetik.

Der Standard, Sa., 2021.04.10

Die Pläne für den Umbau des ehemaligen Wiener Otto-Wagner-Spitals sind enthüllt. Die Central European University wird in die denkmalgeschützten Pavillons einziehen

Das Konzept für Pavillon 4 auf dem Wiener Otto-Wagner-Areal in den Steinhofgründen: Die Pläne dafür stammen überraschenderweise vom global agierenden US-Architektenbüro Kohn Pedersen Fox Associates.
Das Konzept für Pavillon 4 auf dem Wiener Otto-Wagner-Areal in den Steinhofgründen: Die Pläne dafür stammen überraschenderweise vom global agierenden US-Architektenbüro Kohn Pedersen Fox Associates.

Schwarz-weiß gekachelte Böden, holzvertäfelte Wände in den Besprechungszimmern und Sitzbänke aus Bugholz ganz im Stile der Wiener Werkstätte. Im Freien geht das Lernen hurtig weiter: Vor einem der denkmalgeschützten Pavillons, im Halbschatten der ausgewachsenen Bäume, sitzen glückliche Studierende mit aufgeklapptem Laptop und unterhalten sich über die Zukunft zentraleuropäischer Bildungspolitik.

Gestern, Mittwoch, stellte die Central European University (CEU) ihre Pläne für die Sanierung und Revitalisierung des Otto-Wagner-Areals – besser bekannt unter dem Namen Steinhofgründe – der Öffentlichkeit vor. Geplant ist, zehn historische, denkmalgeschützte Pavillons, die früher Teil des weitläufigen Otto-Wagner-Spitals waren, für die Zwecke der CEU umzubauen. Das Jugendstiltheater, wahrscheinlich eines der schönsten und außergewöhnlichsten Häuser auf dem Areal, wird in Zukunft als Auditorium und Konferenzzentrum dienen.

Die größte Überraschung im bisherigen Prozedere ist die Auswahl der Architekten. Aus einem kleinen Wettbewerb unter insgesamt sieben internationalen Büros ging das weltweit agierende Büro Kohn Pedersen Fox Associates (KPF) mit 650 Mitarbeitern und Hauptsitz in New York als Sieger hervor. Zwar findet sich im Portfolio von KPF so manche historische Sanierung, und auch im Bildungsbereich in London, Oxford und Ann Arbor hat sich das Büro mittlerweile eine gute Expertise angeeignet, doch wirklich bekannt ist KPF für ein ganz anderes Kaliber – für die unzähligen Headquarters von Samsung, Amazon und Unilever sowie für seine 400 bis 600 Meter hohen Supertürme in New York, Seoul, Peking, Hongkong, Guangzhou und Schanghai.

„Die CEU hat bei der Gestaltung des neuen Campus nach einem innovativen Team gesucht, das die einzigartige architektonische Vision Otto Wagners erhalten, aber auch Antworten auf die Anforderungen einer Universität der Zukunft geben kann“, sagt Michael Ignatieff, Rektor der CEU. „Der neue Campus muss flexibel nutzbar sein, um auf die Bedürfnisse verschiedenster Disziplinen und Formen des Zusammenarbeitens und Lernens eingehen zu können, die die Zeit nach der Pandemie sicherlich prägen werden.“

Und James von Klemperer, Chefdesigner von KPF, zitiert seine österreichischen Vorfahren herbei und will Geschichte mit zeitgenössischer Architektur verbinden. Die Familie Kuffner war im Wiener Westen kulturell und wirtschaftlich umtriebig. Die Kuffner-Sternwarte zeugt davon. „Mit Gebäuden zu arbeiten, die von Otto Wagner, dem Meister der Protomoderne, und seinen Zeitgenossen entworfen wurden, ist eine immense Herausforderung, die viel Einfühlungsvermögen erfordert. Durch meinen familiären Hintergrund fühle ich mich motiviert, diese Verbindung herzustellen.“

Die Indoor- und Outdoor-Visualisierungen, die ein bisschen künstlich amerikanisch und Computerspiel-animiert wirken, machen zwar neugierig, dennoch ist die Wahl in Bezug auf KPF Associates aus baukultureller Sicht nur schwer nachvollziehbar. Die CEU selbst, die heute noch in einem Interimsquartier in der Quellenstraße in Wien-Favoriten untergebracht ist, begründet den Zuschlag für das 35.000-Quadratmeter-Projekt mit einem mehrstufigen Auswahlprozess, in den sogar Studierende und Fakultätsmitglieder eingebunden waren.

„Kein Grund zur Sorge“

Michaela Schüchner (SP), Bezirksvorsteherin von Penzing, und Selma Arapović, Sprecherin für Stadtplanung und Stadterneuerung bei den Neos, die sich schon seit Jahren für den Erhalt des Otto-Wagner-Areals einsetzt, zeigen sich mit dem Projektfortschritt zufrieden. Mit der CEU werde das ehemalige Krankenhaus revitalisiert und einer zeitgemäßen Nutzung zugeführt, sagen beide: „Wir haben auf einen Flächenwidmungsplan gepocht, der im Juni 2020 im Gemeinderat beschlossen wurde und ganz genau festsetzt, welche Änderungen erlaubt sind und welche nicht.“ Man werde das Projekt im Auge behalten, sehe allerdings keinen Grund zur Sorge.

Die CEU beziffert die Baukosten mit rund 180 Millionen Euro. Eigentümerin des künftigen Uni-Kerngebiets ist und bleibt die Wiener Wirtschaftsagentur, die der CEU im Juni letzten Jahres ein 100-jähriges Baurecht mit Verlängerungsoption eingeräumt hat. Im Jänner 2023 sollen die ersten Bagger anrollen. Geplante Fertigstellung: 2025.

Der Standard, Do., 2021.04.08

Seit ein paar Wochen wirbt das Königreich Saudi-Arabien im deutschen Privatfernsehen recht aggressiv für seine utopische Stadt „Neom The Line“. Was ist dran an dem Versprechen? Ist es ein theokratischer Tagtraum? Oder gar eine Sackgasse?

Ein langsam sich ausdehnender Balken mit Windrädern, Palmenhainen, Onyx-Gazellen, bunten Korallenfischen und atemberaubenden Wadi-Steinformationen. Dazu eine rauchige, seriöse Stimme, die von Mensch, Natur und Revolution spricht. „It’s time. It’s time to draw the line. Neom.“

Doch was steckt hinter der visuell anregenden Werbung, die seit einigen Wochen in sämtlichen Foren und TV-Kanälen – darunter auch im deutschen Privatfernsehen – mit scheinbar unpackbarem Werbeetat in den besten Hauptabendstunden ausgestrahlt wird? Die Orient-Expedition eines Reiseveranstalters? Ein neues Online-Strategiespiel à la Sim City oder Forge of Empires , bei dem es gilt, eine futuristische Stadt zu errichten? Oder vielleicht ein Science-Fiction-Film wie dereinst Michael Bays Die Insel (2005) mit Scarlett Johansson und Ewan McGregor in den Hauptrollen?

Von Zukunft ist in der Tat die Rede, und zwar von jener, wie sie sich das Königreich Saudi-Arabien ausmalt. Im Nordwesten des Landes, Provinz Tabuk, will Seine Hoheit Mohammed bin Salman, Kronprinz von Saudi-Arabien und praktischerweise zugleich Vorstandspräsident der mit dem Bau befassten Neom Company, eine 170 Kilometer lange Idealstadt errichten, die sich vom Golf von Akaba über das 2500 Meter hohe Hedschas-Gebirge bis zu den im Binnenland vorzufindenden Wadis erstreckt. Der Name des Megaprojekts: „Neom The Line“. Im Jänner war Baubeginn.

„Wir wollen das Konzept einer konventionellen Stadt in das einer futuristischen Stadtvision verwandeln“, sagt bin Salman bei einem seiner vielen Konferenzauftritte. „Neom The Line besteht zu 95 Prozent aus Natur, eine Stadt ohne Autos, ohne Straßen, ohne CO2 -Emissionen, eine Stadt für eine Million Einwohner, die hier mit Hochgeschwindigkeitszügen, künstlicher Intelligenz und nachhaltiger Energiegewinnung aus Windkraft, Sonnenenergie und Wasserstoff-Kraftwerken ein Zuhause finden sollen.“

Wie eine Perlenkette

Neom The Line – der Name ist ein Kompositum aus dem lateinischen „neu“ und dem Initial von „mustaqbal“ (Zukunft) – ist ein einziger langer Strich, der in einem hochmodernen Hafen-Hub am Roten Meer seinen Anfang nimmt, ungeachtet von Berg und Tal schnurstracks durch die saudi-arabische Landschaft durchgaloppiert, um schließlich in einem neu zu errichtenden internationalen Flughafen abrupt zu enden. Angestrebt wird, so heißt es in den offiziellen Presseaussendungen, eine Mischung aus Dubai, Singapur und Silicon Valley.

Auf einer Breite von rund zwei Kilometern sollen an den wichtigsten neuralgischen Punkten Subzentren mit Wohnen, Büros, Schulen, Kindergärten, Geschäften, Apotheken und Freizeiteinrichtungen entstehen, die nach dem Konzept einer Fünf-Minuten-Stadt zu Fuß erreicht werden können. Die gesamte Infrastruktur wie Müllablagerung, Energie und Lieferlogistik liegt unterirdisch. Verbunden werden die wie Perlen an einer Perlenkette aufgefädelten Subzentren über eine High-Speed-Zugverbindung. Angestrebte Fahrzeit von Ost nach West: 20 Minuten. Das entspricht zwar einer Durchschnittsgeschwindigkeit von 510 km/h, aber das ist schon okay.

So weit die wunderbaren Eckpunkte. Die Zukunft darf kommen. Was die Entwickler allerdings verschweigen: Für den Bau der neuen Linienstadt müssen laut The Guardian rund 20.000 Beduinen, die hier leben, vertrieben werden. Abdul Rahim al-Huwaiti, Mitglied des Howaitat-Stammes, machte in einem Video darauf aufmerksam, dass die saudischen Sicherheitskräfte ihn und seine Familie mit Gewalt verjagen wollen, und wurde kurz darauf ermordet aufgefunden. Eine Kugel im Kopf. Mit dem Attentat im April letzten Jahres legten Architekt Norman Foster und Daniel L. Doctoroff, CEO von Google Sidewalk Labs, ihre Funktion im wissenschaftlichen Neom-Beirat nieder.

Doch die künstliche Traumstadt, mit der die konservative und menschenrechtlich rückständige Monarchie (Platz 159 von 167 im globalen Demokratie-Ranking des Economist , Platz 170 von 180 im Pressefreiheit-Ranking von Reporter ohne Grenzen) ihr internationales Image aufpolieren und sich für die Zeit nach der Ölschwemme wappnen will, wirft nicht nur einen politischen Schlagschatten auf das Gesamtprojekt. Auch architektonisch, stadtplanerisch und in Hinsicht auf Nachhaltigkeit tauchen viele kritische Fragen auf.

„Die Idee der Bandstadt ist nicht neu, sondern wurde in der Architekturtheorie schon oft aufgegriffen“, sagt Vittorio Magnago Lampugnani, Professor für Städtebaugeschichte an der ETH Zürich sowie Autor der fast fünf Kilo schweren Urbanismusbibel Die Stadt im 20. Jahrhundert . „Aufgrund der langen Distanzen und der damit verbundenen Abhängigkeit von schnellem Verkehr jedoch hatten das Modell und die wenigen realisierten Beispiele wie etwa in Madrid keinerlei Auswirkung auf den heutigen Städtebau. Träume und Visionen sind wichtig, keine Frage. Aber die reale Verräumlichung der Bandstadt-Idee ist geschichtlich betrachtet nutzlos.“

„Biopolitische Sehnsucht“

Im konkreten Fall, meint Lampugnani, sei die Situation sogar um einiges absurder. „Das Projekt Neom The Line liegt mitten in der Wüste und verbindet nicht einmal zwei bestehende Punkte A und B, sondern endet nach 170 Kilometern im Nichts. Ich erkenne keine Legitimation für diese Stadt, sondern sehe nur das Kopieren eines historisch erfolglosen Modells. Das ist eine Sackgasse.“

Auch Charlotte Malterre-Barthes, Assistenzprofessorin für Stadtplanung an der Harvard Graduate School of Design in Boston, die sich schwerpunktmäßig mit Siedlungsstrukturen in Wüstengebieten beschäftigt, äußert sich im Gespräch mit dem ΔTANDARD überaus skeptisch: „Nachhaltigkeit wird bei diesem Projekt großgeschrieben, aber wie nachhaltig ist es, die Wüste mit einer U-Bahn zu untertunneln, Millionen Tonnen Beton durch die Natur zu transportieren und zigtausende Bauarbeiter auszubeuten?“

Die Linearstadt Neom, für die Saudi-Arabien in der ersten Tranche 500 Milliarden US-Dollar (412 Milliarden Euro) in die Hand nehmen will, ist für die Stadtforscherin eine „biopolitische Sehnsucht“, um – wie so oft bei autokratischen Top-down-Fantasien – über eigentliche Missstände und Probleme eines Systems hinwegzutäuschen. „Man könnte vermuten, dass sich hinter dem Projekt in erster Linie nationale und internationale wirtschaftliche Interessen verbergen.“

Nach Auskunft von Florian Lennert, Head of Mobility bei Neom, die ihr Headquarter vor wenigen Wochen von der Hauptstadt Riad in die Region Tabuk verlegte, sei man bereits mit namhaften Verkehrstechnologie-Unternehmen wie etwa Siemens, Alstom und Hyperloop im Gespräch. Auch andere Stakeholder wie beispielsweise der 5G-Anbieter stc oder der US-amerikanische Anlagenbauer Bechtel sind mit an Bord. Um weitere Investoren und Entwickler zu gewinnen, plant Kronprinz Mohammed bin Salman, die Provinz Tabuk – ähnlich wie etwa bei Hongkong, Shenzhen und Macau – zu einer autonomen Region mit eigener Verfassung und eigenen Steuer- und Wirtschaftsgesetzen zu erklären. Ob das reicht?

Neom ist das vielbeworbene Versprechen, eine neue Zukunft zu bauen. Aktuell deutet vieles darauf hin, alte, missglückte Vergangenheiten zu kopieren. Fertigstellung des ersten Bauabschnitts: 2025.

Der Standard, Sa., 2021.02.20

Die Welt steht kopf: Dank Lockdowns und Onlinehandels verschwinden die klassischen Handelsstrukturen aus dem Stadtbild. Was tun? Ein Gespräch mit der Wiener Erdgeschoßforscherin Angelika Psenner.

Standard: Frau Psenner, wann war das letzte Mal, dass Sie an einem Erdgeschoß vorbeigegangen sind und sich bei dessen Anblick erfreut haben?

Psenner: In meiner Gasse gibt es einen Künstler, der im Erdgeschoß wohnt, in einer ehemaligen Tischlerei, und ich bin jedes Mal erfreut, wie er den Wohnort nutzt, wie er in Nicht-Corona-Zeiten Leute einlädt und kleine Ausstellungen veranstaltet.

Standard: Und wann waren Sie das letzte Mal so richtig entsetzt?

Psenner: Das passiert leider regelmäßig, mehrmals am Tag. Grund dafür sind die vielen Garagen und Storage-Räumlichkeiten, die dort entstehen, wo einst eine florierende Handelsstruktur war. Bei alledem, was wir heute schon über Erdgeschoße wissen, wundert es mich, dass diese gravierenden Fehler immer noch begangen werden.

Standard: Am Beispiel einer typischen innerstädtischen Wohngasse haben Sie erforscht, dass die Gastro- und Gewerbeflächen zwischen 1910 und 2018 – also in etwas mehr als 100 Jahren – um zwei Drittel geschrumpft sind. Gibt es ähnliche Zahlen für ganz Wien?

Psenner: Wie die Zahlen in Wien aussehen, müsste man erforschen. Aber ja, in unserem Forschungsgebiet, das wir untersucht haben, sind die Gewerbe- und Gastronomieflächen um fast 70 Prozent zurückgegangen. Spannend finde ich persönlich, dass es damals sehr viel produzierendes Gewerbe inmitten der Wohnviertel gab – beispielsweise Tischlereien, Waschwarenerzeuger, Korkwarenerzeugungsgewerbe, Krawattennäherinnen und Hemdennähereien, sogenannte Pfaidlerinnen. Vor allem aber gab es überraschend viele Gastronomiebetriebe, also etwa Zuckerbäckereien, Fleischereien, Brandweiner, Kaffeehäuser und Essensauspeisungen. Das Straßenbild war ein diametral anderes als heute.

Standard: Wie kann man sich das konkret vorstellen?

Psenner: Die meisten Geschäfte und Essensausspeisungen waren klein und hatten direkte Zugänge von der Straße aus. Das heißt: Überall dort, wo wir heute im Erdgeschoß bestenfalls Fenster vorfinden, wenn diese nicht schon längst zugemauert und Garageneinfahrten zum Opfer gefallen sind, gab es große, gläserne Portale – oft sogar mit Markisen und Baldachinen. Die Stadt der Fußgängerinnen und Fußgänger war einst voller Türen!

Standard: Gab es in den letzten 100 Jahren einschneidende Ereignisse, die zum Geschäftssterben besonders beigetragen haben?

Psenner: Ich denke da vor allem an die Einführung der Straßenverkehrsordnung 1938 im Nationalsozialismus. Man kann es ja kaum fassen, aber in vielen Punkten geht die heutige StVO immer noch darauf zurück. In § 78 ist festgehalten, dass das unbegründete Stehenbleiben auf dem Gehsteig verboten ist. Ich bin mit jeder Novelle aufs Neue erstaunt, dass dieser Passus noch immer nicht gefallen ist. Genau diesem Aufenthaltsverbot auf Gehsteigen ist zu verdanken, dass ein Gassenverkauf heute oft verunmöglicht wird. Viele Anrainer und Anrainerinnen fühlen sich durch herumstehende Menschen belästigt und reichen, indem sie sich auf § 78 beziehen, Klage ein. Meistens mit Erfolg. Solange wir diesen Passus haben, bleibt das urbane, quirlige Stadtparterre, das wir regelmäßig auf Renderings neuer Stadterweiterungsgebieten präsentiert bekommen, eine Utopie.

Standard: Stadtparterre? Den Begriff haben Sie 2012 geprägt. Was verstehen Sie darunter?

Psenner: Der Begriff Stadtparterre umschreibt das Zusammenspiel von Erdgeschoßzonen, Fassaden, Portalen, Gehsteigen und Diffundierungsräumen zwischen drinnen und draußen. Das Stadtparterre umfasst auch die Innenhöfe der Gebäude, es ist also das Parterre der gesamten, öffentlichen Stadt.

Standard: Wie nehmen Sie das Stadtparterre im 21. Jahrhundert wahr?

Psenner: In vielen Fällen als eine Aneinanderreihung von Garageneinfahrten und folienbeklebten Schaufenstern, hinter denen sich neuerdings Self-Storage-Räume befinden. Urbane Vielfalt sieht anders aus.

Standard: Im Publikumsjargon hat sich der Begriff „Tote Augen“ etabliert. Stimmen Sie dem zu?

Psenner: Ja.

Standard: Mit dem zunehmenden Onlinehandel und den Pleiten im Zuge des Corona-Lockdowns wird das Geschäftssterben weiter zunehmen. Kann man diesen Prozess noch aufhalten?

Psenner: Nur mit sehr rigiden und mutigen Eingriffen seitens der Politik. Es gab in der jüngeren Vergangenheit schon zwei Wellen, die zum Geschäftssterben beigetragen haben – zum einen die Einführung des Euro 2002, zum anderen die Registrierkassenverpflichtung 2016. Mit dem zunehmenden Onlinehandel und der derzeitigen Corona-Krise überlagert sich nun ein langsamer, schleichender Prozess mit einem sehr akuten, dramatischen Phänomen. Der Einzelhandel wird unter den herrschenden Prämissen der globalen Wachstumswirtschaft definitiv noch weiter zurückgehen.

Standard: Was schlagen Sie vor?

Psenner: Das österreichische Mietrechtsgesetz veranlasst viele Hauseigentümer dazu, lieber einen Geschäftsleerstand im Erdgeschoß in Kauf zu nehmen und den Verlust durch alle anderen Mieteinnahmen zu kompensieren – anstatt sich ernsthaft nach einem passenden, vielleicht auch temporären Mieter umzuschauen. Eine Abhilfe wäre beispielsweise die Einführung einer Leerstandsabgabe. Unsere Studie zeigt zudem einen klaren Zusammenhang zwischen Leerstand, zu engen Gehsteigen und zugeparktem Straßenraum.

Standard: Wie können wir das Erdgeschoß in Zukunft effektiv nutzen?

Psenner: Es gibt so viele Ideen! Einerseits sehe ich eine gewisse Sehnsucht nach Kleinhandel, nach Repariergewerbe, nach Bäckereien, Gemüsegeschäften, Bio-Fleischereien. Andererseits ist es an der Zeit, das Stadtparterre neu zu denken und das klassische Erdgeschoß zugunsten neuer Funktionen zu öffnen. Infrage kommen Ateliers, temporäre Nutzungen, Wohnen oder etwa Kombinutzungen mit Wohnen und Gewerbe – wie dies in der Gründerzeit in den sogenannten G’wölben üblich war. Aber dazu müssen sich Politik, Kultur und Mentalität ändern. Und es bräuchte neue Gesetze – und zwar solche, die das 1938 induzierte Vorrecht des motorisierten Individualverkehrs wieder in stadtverträgliche Dimensionen zurückdrängen. Die in den Nullerjahren initiierte Restitution von Kunst- und Kulturgütern sollte nun endlich auch zur Restitution des öffentlichen Raums führen.

Standard: Wovon träumen Sie?

Psenner: Ich träume davon, dass Wien zu Tokio wird – dass das Parken von Autos aus dem öffentlichen Raum verschwindet. Und dass sich Wiens Gassen wieder mit Menschen füllen.

Angelika Psenner (53) studierte Architektur und Soziologie und ist im Bereich Stadtforschung tätig. Sie ist Associate Professor for Urban Structure Studies und lehrt an der TU Wien. Einer ihrer Forschungsschwerpunkte ist die Auseinandersetzung mit Erdgeschoßzonen und öffentlichen Räumen.

Der Standard, Sa., 2021.01.30

Mit dem Weingut Lahofer in Dobšice u Znojma ist den tschechischen Architekten Chybík + Krištof die nahezu perfekte Welle gelungen. Das hyperbolisch geformte Dach, aufwendig in der Konstruktion, hält das heterogene Ensemble zusammen und taugt überraschenderweise sogar für so manch »maritimen« Moment.

»Komm, hier lang!«, sagt Ondřej Chybík, eilt voraus, die Stufen hochlaufend, nimmt eine starke Rechtskurve und begibt sich schließlich flotten Schritts ans Ende des Dachs. »Lehn dich an die Reling, und jetzt musst du die Arme ausbreiten, ja, genau so! Ist das nicht wunderbar? Man kann von hier oben sogar das Meer riechen. Wir nennen das den Titanic-Moment.« Allein, unter mir findet sich kein Salzwasser, sondern süßer Rebensaft in Tanks und Fässern, und ringsum grüne, streng durchlinierte Weingärten, so weit das Auge reicht. »Das macht nichts«, sagt Ondřej, und auch, dass er ja nicht Leonardo sei, sondern dass es um die Fantasie im Kopf ginge, die anzuregen seine Aufgabe als Architekt schließlich sei.

In Dobšice u Znojma, tiefstes Südmähren unweit der österreichischen Grenze, ist diese gedankliche Anregung auf dramatisch inszenierte Weise gelungen. Keine 5 km Luftlinie von der mittelalterlichen Kleinstadt Znaim entfernt, befindet sich das traditionelle Anwesen des in Tschechien landesweit bekannten Winzers Lahofer. Zu den besten Tropfen des Weinguts zählen Sauvignon Blanc, Müller-Thurgau und der so wunderbar im Ohr widerhallende Ryzlink rýnský. Der alte Produktionsstandort war vor geraumer Zeit schon zu klein geworden, und so hatte Lahofer an der Architekturfakultät in Brno (Brünn) einen Studentenwettbewerb ausgeschrieben, der dem Unternehmen jedoch nicht die erhofften Resultate bescherte.
»Wir haben davon in der Zeitung gelesen«, erinnert sich Ondřej. »Das hat uns neugierig gemacht. Wenn die Studenten nicht das abgeliefert haben, was Lahofer glücklich gemacht hätte, dann könnte uns das doch vielleicht gelingen! Also haben wir Lahofer angerufen und ihm direkt angeboten, dass wir das Projekt übernehmen könnten.« Gemeinsam mit seinem Partner Michal Krištof, mit dem er seit 2010 das Brünner Architekturbüro Chybík + Krištof leitet, untersuchte er diverse Logistik- und Produktionsabläufe und präsentierte dem Bauherrn in spe aus dem erarbeiteten Kompendium schließlich sieben verschiedene Varianten. Nach zwölf Stunden Besprechungsmarathon einigte man sich schließlich auf den letztlich nun auch realisierten Entwurf.

Vorne Chipperfield und hinten Hadid

Das architektonische Konzept ist in mehrfacher Hinsicht janusköpfig. Nach Süden hin, sichtbar von der Bundesstraße 53, präsentiert sich das Weingut wie eine flache, elegante Vitrine aus Glas und Beton. Mit den schlanken Pfeilern, den großen Glasflächen und der weit hinausragenden Dachkrempe, die für ein Minimum an Verschattung der Fassade darunter sorgt, wirkt das Haus auf den ersten Blick wie ein etwas geschrumpfter Flughafen-Terminal. Erst im maßstäblichen Vergleich mit den Weinstöcken vor der Fassade verflüchtigt sich dieses Bild, und übrig bleibt eine edle Anmutung mit warmen, schimmernden, aus dem Inneren herausleuchtenden Farben.

Im Bereich des Haupteingangs im Westen mutiert der streng rhythmisierte Glasriegel zu einer Art gerahmten Roulade, die im Gelände platziert ist, als hätte jemand eine Rehrücken-Backform aus fest gewordenem Stahlbeton über einen gläsernen Teig gestülpt. In der Achse des Eingangs entfaltet sich dann ein Bild mit fortlaufend hintereinanderliegenden, halbkreisförmigen Rundbögen, die den Eindruck erwecken, als würde das eben noch luftige Bauwerk – nun, nach einer Drehung des Betrachtungswinkels um 90 ° – etwas zunehmend Erdiges und Bodenständiges annehmen.

Gleichsam tonnenschwer und satt in die Topografie hineingeschmiegt, offenbart sich auf der Nordseite des Besuchereingangs eine flache, organisch modulierte Stufenlandschaft, die in weichen Kurven und mit Thermo-Wood bekleidet bis zum Dach hinauf ansteigt und dem Haus schon wieder eine neue Assoziation verleiht: Unweigerlich muss man an das 1995 fertiggestellte Yokohama Passenger Terminal von Foreign Office Architects (FOA) denken.
Und schließlich sind auf der Rückseite im Norden alle dienenden Bereiche des Weinguts untergebracht. Die Produktions- und Logistikflächen bieten zwar wenig Raum für Ästhetik, doch dafür umso mehr Flächeneffizienz und Funktionalität. Während die repräsentativen Bereiche wie Shop, Verkostungsraum und der Verwaltungstrakt mit raffiniert geformten, thermisch aktivierten Bauteilen aus perfektem Sichtbeton aufwarten, dominiert im technischen Kernstück des Weinguts eine rigide Fertigbauweise mit Betonpfeilern und -trägern, gedämmten Sandwich-Fassadenelementen sowie einem leichten Kaltdachaufbau mit Trapezblech und kiesbeschwerter Dämmung aus extrudiertem Polystyrol. Alles sehr praktisch. Die Sinnlichkeit liegt hier in den Stahltanks und Barrique-Fässern verborgen.

»Das Weingut hat zwar etwas Heterogenes und Fragmentarisches«, sagt Ondřej, »doch denke ich, dass wir den Auftrag und den Erfolg des Projekts genau diesem Umstand verdanken. Wir haben nichts im klassischen Sinne entworfen, sondern haben in jedem einzelnen Bauteil auf Basis der vielen, vielen Parameter die jeweils perfekte Lösung gefunden.« Oder, anders ausgedrückt: Lahofer, das ist vorne Chipperfield und hinten Hadid, im Abgang ein Hauch von Ando und Sejima.

Worüber Ondřej Chybík und Michal Krištof nicht sprechen: Durch die heterogene Ausgestaltung des Projekts ergeben sich natürlich auch entsprechend vielfältige fotogene Perspektiven auf das Gebäude. Der Verdacht liegt also nahe, dass hier nicht nur die funktionalen Parameter als formende Faktoren des Entwurfs dienten, sondern sehr wohl auch ein Gespräch zweier Marketing-Experten über Sexiness und Instagramability: Das Kate-Winslet-Deck auf dem Dach ist nur einer von vielen Hotspots, die in Blogs und sozialen Medien immer wieder auftauchen.

Der Reiz des Ungeplanten

»Die maritime Assoziation ist uns eigentlich bloß passiert«, sagt Ondřej, »aber das passt schon, denn mit den Brüchen und den unvorhersehbaren Entwicklungen kommt erst der Reiz.« Überraschend war auch die Entstehung der Innenraumgestaltung: Ursprünglich war geplant, das gesamte Interieur schlicht und ohne jegliche künstliche Verfremdung in den natürlichen Materialfarben von Holz, Beton und Terrazzo zu belassen. Doch als die Bagger zum ersten Mal anrollten und ihre Schaufeln in den fruchtbaren Boden gruben, wurden die asketischen Pläne wieder verworfen.

Die Farbe und Textur des Bodens empfanden die Architekten als so reizvoll, dass sie beschlossen, die ungewöhnliche Ästhetik auf den innen liegenden Ortbetonflächen zu zitieren. Der tschechische Künstler Patrik Hábl hat die zweiachsig gekrümmten Dachunterseiten zwischen den insgesamt 25 Querschotten als Leinwand verwendet und darauf seine Interpretation des lehmigen Weinbodens verewigt. Das Kunst-am-Bau-Projekt ist so subtil wie raffiniert und erinnert mit seinem ungleichmäßigen Farbauftrag und seinen teils bronzefarben glitzernden Camouflage-Flächen an eine aufgeschnittene und vielfach vergrößerte Korkplatte.

»Schön, wenn die Anstrengungen des Baus heute hinter der Oberfläche der Kunst verschwinden«, meint Michal Krištof, »doch tatsächlich war die Schalung und Ausbetonierung der zweiachsig gekrümmten Flächen, die Wand und Dach nahtlos miteinander verbinden, ein ziemlicher Kraftakt.« Um den flüssigen Beton daran zu hindern, sich im Schalungshohlraum unregelmäßig zu verteilen, konnte dieser in nur 20 bis 30 cm hohen Schichten eingefüllt werden, was sich als deutlich aufwendiger als angenommen herausstellte. Glücklicherweise war der Bauherr, der im Gesamtprojekt so viel Effizienz und Wirtschaftlichkeit erkannte, überzeugt, dass sich auch dieser technische und künstlerische Mehraufwand lohnen würde.

Fast alles an diesem Bauwerk scheint perfekt durchkomponiert und minutiös orchestriert. Über ein paar ganz wenige Ausnahmen, wie z. B. bei den Details an der Schnittstelle zwischen der wogenden Dachwelle und dem Innenausbau, kann man nach einer ausgiebigen Weinverkostung sicherlich getrost hinwegsehen. Stattdessen gibt es aufregende Wellenvariationen, veredelten Beton sowie schicke Eames- und Prouvé-Sessel zu entdecken. Davon können die deutschen und österreichischen Winzer mit ihrer zu Tode kopierten Cortenstahl- und Zigarrenclub-Ästhetik noch was lernen.

db, Mo., 2021.01.11

Wollten Sie immer schon mal auf einen Sitz 16.000 Prozent Gewinn machen? Oder wollen Sie lieber nachhaltig agieren und g’scheite Bodenpolitik machen? Eine Ausstellung im AzW zeigt, wie es gehen kann.

Der 1970 errichtete Seoul-Station-Overpass überbrückt die zentralen Gleisanlagen, sodass man früher mit dem Auto vom Bahnhof aus bequem den traditionellen Namdaemun-Markt erreichen konnte. Nachdem Sicherheitsinspektionen im Jahr 2006 gravierende konstruktive Mängel aufzeigten, musste die Autobahnbrücke jedoch von einem Tag auf den anderen gesperrt werden – und löste damit einen jahrelangen Nachdenk- und Diskussionsprozess aus. Statt Abriss und Neubau entschied sich die Stadt dazu, das Bauwerk zu erhalten, die Betonstruktur zu sanieren und darauf einen tausend Meter langen Skygarden für Jogger und Flaneure anzulegen.

„Wo vor einigen Jahren noch pro Stunde tausende Autos über den Asphalt gefahren sind“, sagt Winy Maas vom niederländischen Architekturbüro MRVDV, „haben wir nun 24.000 Blumen, Büsche und Bäume gepflanzt – darunter mehr als 250 verschiedene Arten, die in diesen Breitengraden typischerweise zu Hause sind.“ Der Aufbau einer natürlichen Humusschicht war aus statischen Gründen nicht möglich. Daher entschied sich MVRDV, aus der Not eine Tugend zu machen und die Flora in 645 zylindrische Betontröge mit unterschiedlichen Durchmessern zu setzen. „Das Verständnis von städtischem Grund und Boden hat sich in den letzten Jahren und Jahrzehnten radikal verändert“, so Maas. „Auf diese Weise konnten wir den Menschen einen wertvollen öffentlichen Freiraum zurückgeben.“

Best-Practice-Projekte

Die Entstehungsgeschichte des Seoullo 7017 Skygarden , seit rund drei Jahren in Betrieb, ist eines von rund 20 positiven, ja fast schon euphorischen Fallbeispielen, die zurzeit im Architekturzentrum Wien (AzW) zu sehen sind. Unter den weiteren Best-Practice-Projekten finden sich Kunstprojekte, Forschungsbauernhöfe, Initiativen zur Rettung von Grünland, Konzepte für ein schönes Leben ohne Rendite, gemeinschaftliche Quartiersentwicklungen, politische und steuerrechtliche Werkzeuge aus Kolumbien oder etwa die ENCI-Kalkgrube in Maastricht, die 2008 stillgelegt wurde und in den letzten Jahren in ein Naturreservat umgewandelt wurde. Ein Paradies für Badende, während im Hintergrund als Relikt einer vergangenen Zeit patinierte Kessel und Schornsteine in den Himmel ragen.

In diesem Teil der kürzlich eröffneten Ausstellung Boden für Alle empfiehlt es sich, länger zu verweilen und gute Energie zu tanken. Denn abgesehen davon wird man in den übrigen sechs Stationen der Ausstellung – eine Art österreichisches Bodenpolitik-Einmaleins für Gestalter und Entscheiderinnen – mit Zahlen, Daten, Fakten konfrontiert, die zum Teil so schockierend sind, dass man nicht weiß, ob man lachen oder weinen soll. Die comichafte Gestaltung der Ausstellung (genial gelöst: Planet Architects, LWZ und Manuel Radde), die das Unfassbare in Sprechblasen, Denk-Bubbles und Krachbumm-Gewitterwolken packt, hilft einem, ob der recherchierten Statistiken nicht schreiend davonzulaufen.

Pro Minute werden in Österreich zehn Quadratmeter Straße gebaut. Im gleichen Zeitraum gehen 30 Quadratmeter Ackerfläche verloren. Allein in der Steiermark gibt es 157,5 Quadratkilometer gewidmete, unbebaute Baulandreserven. Das ist mehr als die gesamte Stadtfläche von Graz. Dadurch steigt der Wert von Bauland in Österreich um durchschnittlich 750 Euro pro Sekunde. Am stärksten ist der Wertzuwachs in Kitzbühel. Durch die Umwidmung von Grünland zu Bauland können Grundstückseigentümer im Tiroler Nobelsportort bis zu 16.000 Prozent Gewinn machen.

Aussicht auf Lösungen

„Raumplanung und Bodenpolitik sind ein sehr komplexes Thema, bei dem Bauwirtschaft, Gemeindepolitik und Immobilienspekulation eng miteinander verflochten sind“, sagt Katharina Ritter, die die auf den ersten Blick so sympathisch wirkende Ausstellung (außen hui, innen heftig) gemeinsam mit Karoline Mayer kuratierte. „Unser Ziel ist es, diese Verknüpfungen sichtbar zu machen und auch darzustellen, welche Rolle jeder Einzelne, jede Einzelne von uns in diesem großen Monopoly-Spiel einnimmt.“

Der klassische Traum des Österreichers ist immer noch das eigene Häuschen auf der grünen Wiese. Dass dieser Wunsch nicht ohne raumplanerischen Super-GAU in Sachen Versiegelung, Zersiedelung, Individualverkehr, Erschließungskosten und CO2-Belastung realisierbar ist, dürfte sich schon herumgesprochen haben. Neu ist die Erkenntnis, dass dieser Wunsch Herrn Otto Normalverbraucher und Frau Monika Mustermann unter den bestehenden Bedingungen mehr als leicht zu erfüllen wäre: Wollte man die städtischen Wohnungen entleeren und die gesamte österreichische Bevölkerung auf die in diesem Land bestehenden Ein- und Zweifamilienhäuser aufteilen, dann würde das einen Schlüssel von 4,16 Bewohnern pro Wohneinheit ergeben. Es ist also schon alles gebaut, was wir brauchen. Was wollen wir mehr?

Vorausgesetzt, man bringt die Zeit und Energie mit, sich durch das Kompendium durchzuarbeiten, bietet die Ausstellung Boden für Alle am Ende allen Frustes wunderbare Aussicht auf Lösungen: Da ist die Rede von der Mehrwertabgabe im Schweizer Kanton Basel-Stadt. Da ist die Rede von der überaus innovativen Contribución de Valorización in Manizales, Kolumbien. Und da ist die Rede vom Südtiroler Bauleitplan, demnach neues Bauland stets an bestehendes Bauland angrenzen muss. Es würde ja so leicht gehen!

Dieser Artikel ist ein Appell an die Bundes-, Landes- und Gemeindepolitik: Pflichtexkursion ins AzW! Dann erfährt man auch, warum Bayern einer der größten Bodenbesitzer in Österreich ist.

Der Standard, Sa., 2020.12.19

Dieser Tage jährt sich der 150. Geburtstag von Adolf Loos. Architekt, Designer, Theoretiker, Dandy, aber auch Verurteilter in einem Sexualprozess. Wir haben sechs Experten gebeten, die umstrittene Persönlichkeit unter die Lupe zu nehmen.

Sehnsucht nach Sinnlichkeit

Man muss sich lediglich in die Raumwelten des Adolf Loos hineindenken. Man nimmt in seinen Sofas Platz und sitzt an seinen Tischen. Man bestaunt die fließend ineinander übergehenden Räume und Zonen. Man ist versucht, den kühlen Marmor zu betasten, edle Hölzer zu befühlen und den Flausch seiner Teppiche unter nackten Füßen zu spüren. Alles wird angemessen sein. Gemütlich, doch edel. Praktisch, doch schön.
Was Adolf Loos seiner überladenen Epoche entgegengesetzt hat – nämlich die entschlackte Symbiose aus den drei elementaren Zutaten Qualität, Komfort und Eleganz –, macht heute ebenso Sinn wie zu seiner Zeit und ist geradezu wegweisend. Er arbeitete mit Sinnlichkeit, Raffinesse und Emotionen, nach denen wir uns heute heimlich sehnen. Seine Interieurs geben die richtigen Anstöße in einer Welt des unsinnlich Glatten und rein Funktionalen, in der kaum je ist, was es zu sein scheint.
Billiger Nachbau oder Original? Letztlich egal. Adolf Loos’ Idee der warmen, wohnlichen Räume, kleidsam in jeder Situation, doch nicht zu gefällig, sodass man eine Zeit braucht, um sie für sich zu erobern, wären einfach ins Heute zu transponieren. Wir müssen wieder wohnen lernen. (Gregor Eichinger, Architekt und Interiorgestalter, Büro für Benutzeroberfläche)

Sexueller Klassenkampf

Der Beschuldigte darf vor Gericht alles zu seiner Verteidigung Dienliche vorbringen. Wahr muss es nicht sein. Er darf daher behaupten, dass „verderbte“ Mädchen von sexuellen Übergriffen fantasieren – oder sich das sogar wünschen, entsprechend Sigmund Freuds Zurücknahme seiner Inzestentdeckungen, dass Symptome oft sexuelle Traumata symbolisieren. Wenn er ein „nobler Herr“ war wie Adolf Loos, wurde ihm geglaubt, wurde er doch a priori als moralisch höherstehend bewertet. Und es wurde ihm verziehen, selbst wenn die Beweislast und die Absurdität seiner abenteuerlichen Rechtfertigungsargumente unübersehbar waren.
Diese Denkweise wird noch immer propagiert: Noch immer sehen sich solche Sozialdarwinisten mit finanziellem, künstlerischem, wissenschaftlichem, network-basiertem oder nur medialem Prestige als Wohltäter à la „Sie hat durch mich doch Vorteile gehabt!“. Der Skandal des Marquis de Sade bestand nicht in den „perversen“ Aktivitäten, die er seiner Klägerin zumutete, sondern darin, dass eine Bürgerliche einen Adeligen vor Gericht brachte. Und eine „Unter-Frau“ einen „Ober-Mann“. (Rotraud A. Perner, Juristin, Psychotherapeutin und evangelische Theologin)

im himmel mit loos

ich wollte immer in den architektenhimmel, auch um mit adolf loos über einige dinge zu sprechen. aber seit der neuen moralisierung von kunst und architektur bin ich mir nicht mehr sicher, ob sich das ausgeht oder was ich tun müsste, um auch gewiss in die hölle zu kommen. adolf loos scheint einen zentralen nerv des wiener kulturverständnisses getroffen zu haben, bis heute. ginge es nur um ästhetische empfindungen, würde darüber amüsiert und kennerhaft diskutiert werden. es scheint aber mehr zu sein, was dem zum barock-dekorativen, zu gefälligkeit neigenden wiener architekturverständnis so widerstrebt. wenige kennen die texte von loos oder haben seine bauwerke erlebt und begriffen. architektur ist in wien nur verdaulich, wenn sie spektakulär inszeniert oder geschmacklich aufgeladen oder als politisches mittel, befreit von anspruch und substanz, mit infantilität und niederschwelligkeit als „sozial“ inszeniert wird.
architektur bleibt in wien verdächtig. meine hoffnung: es gibt im architektenhimmel auch eine abteilung für moralisch zweifelhafte architekten, sonst könnte es dort einsam werden. bis dahin gibt es zum trost die texte und bauwerke von adolf loos. (Werner Neuwirth, Architekt)

Moderne Moden für freie Menschen

Die Mode befindet sich hoffentlich gerade in einem Paradigmenwechsel, für dessen Gelingen eine Besinnung auf den modernen Standpunkt von Loos definitiv nützlich wäre. Wenn Modeunternehmen von Philistern geleitet werden, die im Rausch von Kosteneffizienz und Margenerhöhung die Qualität ihrer Produkte zugrunde richten, wenn durch eine Wohlstandskluft dem von Klein- und Mittelbetrieben getragenen Handwerk die Lebensgrundlage entzogen wird, während einem besinnungslosen Luxuspöbel jegliche Sensibilität und geschmackliche Kompetenz fehlt, dann ist die Rückbesinnung auf handwerkliche Tradition nicht konservativ – sondern progressiv.
Modernes Design heißt letztlich, dass seine Formensprache Sinn machen muss und dass ästhetische Qualität auf dem soliden Fundament einer lebendigen Handwerkskultur stehen sollte, die jene Sensibilität für Material und Form hervorbringt, die Loos vorexerziert hat. Seine einfache, aber gute Kleidung entspricht dem bürgerlichen Ethos. Ihre Rolle ist aber nicht das Bewahren einer erstarrten Gesellschaft, vielmehr schafft sie durch subtile Perfektion den Rahmen für souveräne und freie Individuen. (Wilfried Mayer, Modedesigner)

Respekt vor der Tradition

Eine Auseinandersetzung mit Adolf Loos ist kunsthistorisch in vielerlei Hinsicht lohnend. Seine pointierten Essays zeugen von einem umfassenden Kulturbegriff, dem ein profundes Wissen der Kunst- und Baugeschichte zugrunde liegt. Bekanntlich ließ er nur zwei Bauaufgaben als Kunst gelten – das Grabmal und das Denkmal. Alle anderen, auch das Haus, seien zweckgebunden und deshalb aus dem Bereich der Kunst auszuschließen. In seinen Interieurs bezieht sich Loos auf verschiedene Quellen, antike oder angelsächsische, die er in die Moderne transferiert und modifiziert.Der Respekt vor der Tradition und die Ablehnung des Modischen oder des Imitats sind auch aus heutiger Sicht mehr als zeitgemäß. Seine Wegeführungen, die Verwendung edler Materialien, die raffinierte Lichtregie und Farbgebung begeistern nicht nur Studierende der Architekturgeschichte. Retrospektiv betrachtet besteht die internationale Relevanz von Loos in der Entwicklung des „Raumplans“, womit er einen revolutionären, alternativen Beitrag zu den Raumkonzepten der Moderne leistete. (Sabine Plakolm-Forsthuber, Professorin an der TU Wien, Institut für Kunstgeschichte, Bauforschung und Denkmalpflege)

Seid ja nicht groß wie Loos!

Unsere Aufregung über den Fall Adolf Loos verrät mehr über uns selbst als über Loos. Von Loos werden wir wohl nie wissen, ob er tatsächlich schwerere Vergehen begangen hat als die nachweislichen, für die er verurteilt wurde. Bezeichnend für unsere Gegenwart aber ist, dass wir dazu neigen, es zu glauben und allein darum schon Konsequenzen zu fordern. Jede Anschuldigung erscheint uns wahr, und jeder Verdacht begründet.
Denn wir möchten die Großen fallen sehen – insbesondere diejenigen, die es gewagt haben, aufzubegehren. Ihnen wollen wir sofort, wie Matthias Dusini im Falter gefordert hat, eine „Abgleichung“ im Namen von – uns auffällig willkommenen – Ohnmächtigen entgegenhalten. Größe, so meinen wir nämlich, kann immer nur auf Kosten von Kleinen erkauft worden sein. Diese Wunschfantasie bildet die aktuelle Schwundstufe einer einst antiautoritären politischen Haltung. Die Guten können nun nur noch die Kleinen sein. In ihnen sehen wir unser ideales Selbst. „Klein bleiben!“, lautet darum die Maxime postmoderner Selbstverzwergung. (Robert Pfaller, Professor für Philosophie und Kulturwissenschaft an der Kunstuniversität Linz)

Der Standard, Sa., 2020.12.12

So viel wie in den vergangenen Wochen wurde noch nie über Re-Use und Recycle diskutiert. Ein Best-Practice-Beispiel ist das Umar von Werner Sobek. Es besteht zu einem großen Teil aus, genau, Müll.

Badezimmerfliesen aus eingeschmolzenen Schneidbrettern? Ziegelsteine aus zertrümmerten Kloschüsseln? Trockenbauwände aus gepressten Tetra-Packs? Und Wärmedämmung aus geschredderten Jeans? „Ja, das geht, und es war ein unglaublich großer Aufwand, all diese Produkte am Markt zu finden beziehungsweise mit den Produzenten gemeinsam zu entwickeln“, sagt Roland Bechmann. „Aber die Recherche, die uns monatelang auf Trab gehalten hat, beweist, dass die Baubranche reif dafür ist.“

Auf dem Gelände der ETH Zürich in Dübendorf, ein paar Tramstationen von der Innenstadt entfernt, wurde vor einigen Jahren ein recht schmuckloses Betonhaus errichtet, das sich selbst als eine Art XXL-Regal für bautechnische Innovationen versteht und sukzessive mit neuentwickelten Modulen und neuen Elementen nachhaltigen Bauens gefüllt wird. Der jüngste Baustein, der im zweiten Obergeschoß mit einem Autokran zwischen die beiden Betondeckeln hineingeschoben wurde, hört auf den Namen Umar – das Akronym steht für „Urban Mining and Recycling“ – und ist ein Exempel für Bauen mit wiederverwendeten und wiederverwerteten Materialien aus der Bau- und Konsumgüterindustrie.

„Das Schöne an diesem Bau“, sagt Bechmann, Partner im Stuttgarter Architektur- und Ingenieurbüro Werner Sobek, der das Projekt in Zusammenarbeit mit dem Karlsruher Institute of Technology (KIT) entwickelte, „ist zu sehen, dass man im nachhaltigen Bauen längst keine ästhetischen Kompromisse mehr eingehen muss. Früher war ökologische Architektur meist ein Synonym für Entsagung und Verzicht. Doch das ist vorbei. Re-Use und Recycling können richtig chic sein!“

Genutzt wird die rund 125 Quadratmeter große Showcase-Box am ETH-Campus übrigens als Studenten-WG für bis zu vier Personen. Bei Interesse müssen die hier Wohnenden die neugierigen Gäste in Empfang nehmen und ihnen eine Führung durch die Räumlichkeiten geben. Manche Dinge erklären sich ganz von allein, für die etwas versteckteren Werte hinter Wänden und Bodenaufbauten kann eine Broschüre zurate gezogen werden. 152 Seiten voller Aha-Erlebnisse.

Symposien und Konferenzen

Vielleicht liegt es an der mit Corona verbundenen Besinnung auf Natürliches, vielleicht auch auf unserer gesteigerten Sensibilität für die fortschreitende Klimakrise, dennoch ist es überraschend, dass in den letzten Wochen das Thema in Symposien und Konferenzen hierzulande gleich mehrfach beleuchtet wurde – beim Symposium Circular Strategies an der Universität für angewandte Kunst, beim Jahreskongress der IG Lebenszyklus Bau, beim ÖGFA-Symposium „Stoffwechsel“ sowie vorgestern, Donnerstag, beim ORTE-Online-Symposium „Von der Wegwerfgesellschaft zur Kreislaufwirtschaft“. Und ja, Werner Sobeks Umar-Kiste flimmerte dabei nicht bloß einmal über die Zoom-Monitore.

„Wir beschäftigen uns schon lange mit der Triple-Zero-Thematik, also null fossile Energien, null Emissionen, null Müll“, sagt Bechmann. „In Bezug auf Müllvermeidung und Schonung materieller Ressourcen jedoch ist dies mit Abstand unser radikalstes und konsequentestes Projekt.“ Die Reise in die Welt des Recyclings war eine horizonterweiternde, bloß in einem Punkt, erinnert sich der Architekt, stoße die Kreislaufwirtschaft fast an Grenzen – im Bereich Elektro und Sanitär.

„So gut wie überall kann man Kleben durch Schrauben und Klemmen ersetzen, und so gut wie überall kann man auf Verbundbaustoffe verzichten, wenn man sich mit der Materie ein bisschen auseinandersetzt und die gewohnten Pfade verlässt. Doch bei elektrischen Verkabelungen und gedämmten, verklebt ummantelten muss man entweder aufgeben oder aber sich noch mehr anstrengen.“

Letztere Taktik jedenfalls hat sich gelohnt. Laut eigenen Angaben ist das zum überwiegenden Teil im Holzwerk vorgefertigte Umar nach Ablauf seiner Lebenszeit zu 98 Prozent wiederverwertbar. Der Sondermüll, der üblicherweise den Großteil der Baggerschaufel ausfüllt, beläuft sich auf zwei Prozent. Das ist – abgesehen von Lehmbauten, Blockhäusern und traditionellen Bautypologien – im zeitgenössischen Bauen Weltrekord.

Nicht mehr Utopie, sondern Alltag

Nicht nur in den Baustoffen, auch bei den Details erzählt das Umar eine schöne Geschichte von Vergänglichkeit und Ewigkeit: Die Kupferbleche an der Fassade, mit denen das Panoramafenster eingerahmt wurde, stammen von verschiedenen Bauwerken in der Umgebung und weisen daher auch unterschiedliche Oxidationsgrade auf. Und die Türknäufe, ein Entwurf des belgischen Designers Jules Wabbes, stammen aus einem Bankgebäude in Brüssel und kommen als leicht zerkratzte Vintageprodukte zum Einsatz.

„Bauen mit Recyclingbaustoffen und daher auch eine Eindämmung von Energieverbräuchen und CO₂-Emissionen“, sagt Roland Bechmann, „das ist ohne jeden Zweifel die Zukunft der Baubranche. Vielleicht dauert es noch acht, vielleicht zehn, vielleicht zwölf Jahre, bis die Bauindustrie das kapiert und reagiert und in die eigene Philosophie integriert hat. Aber es wird kommen.“ Noch bewegen sich Recyclingprojekte rund 15 Prozent über den üblichen Baukosten, was sowohl der aufwendigen Baustoff- und Produktherstellung als auch dem dünnen Vertriebsnetz geschuldet ist. Doch die Preisdifferenz hat ein Ablaufdatum.

„Mit 25 Euro pro Tonne ist die CO₂-Steuer derzeit noch ein nettes Feigenblatt“, sagt der Architekt. Das deutsche Umweltbundesamt beziffert einen ehrlichen CO₂-Preis, bei dem die Folgekosten nicht auf die Gesellschaft umgewälzt werden, mit 180 bis 205 Euro pro Tonne. „Spätestens dann wäre ein Haus wie das Umar mit einer konventionellen Bauweise kostengleich. Es ist eine Frage der Zeit und der Politik, bis dieses Projekt nicht mehr utopisch, sondern alltäglich ist.“

Der Standard, Sa., 2020.11.21

Bis 2040 muss Österreich CO₂-neutral werden. So sieht es der Green Deal vor. Um das zu schaffen, sagt die Bauforscherin Renate Hammer, braucht es auch die Renaturierung städtischer Flächen.

Bis jetzt hat Österreich – wie viele andere Länder auch – die in sämtlichen Klimaprotokollen festgehaltenen Emissionsziele meilenweit verfehlt. Viel Spielraum bleibt jetzt nicht mehr. Doch die Energieexpertin Renate Hammer ist davon überzeugt: Wenn es wo gelingt, aus der Trias von Gas, Öl und Kohle auszusteigen, dann im Betrieb unserer Wohn- und Bürohäuser. Mit ihrem Forschungsinstitut, das Ministerien, Behörden, Industrie, Privatwirtschaft und internationale Organisationen berät, untersucht sie, wie wir unsere gebaute Umwelt adaptieren und den Planeten retten können.

Standard: Der Green Deal sieht vor, dass Österreich bis 2040 CO₂-neutral werden muss. Ist das möglich?

Hammer: Im Gegensatz zum Verkehr oder zur Industrie beispielsweise, die zum Teil mit sehr hohen Temperaturen arbeitet, kommt der Gebäudebereich mit vergleichsweise geringen Energiedichten aus. Im Betreiben unserer Wohngebäude oder Büros brauchen wir selten mehr als 45 Grad Celsius für eine Niedertemperaturheizung und kaum mehr als 60 Grad Celsius für die Warmwasseraufbereitung. Und kochen tun wir mittlerweile mit Induktion. Wenn es uns hier nicht gelingt, die Ziele des Green Deal zu erreichen, dann ist uns eh nicht mehr zu helfen.

Standard: Aktuell werden in Österreich 142.000 Wohnungen mit Öl und 665.000 Wohnungen mit Gas betrieben. Die fossilen Brennstoffe sind noch sehr präsent in diesem Land.

Hammer: Das stimmt, aber unsere Studie „Raus aus Gas“, die wir im Auftrag der MA 20 erstellt haben, stimmt mich optimistisch. Wir haben sämtliche bestehenden Gebäudeformen unter die Lupe genommen, vom Einfamilienhaus über die Wohnbauten der Sechziger- und Siebzigerjahre und die Gemeindebauten des Roten Wien bis hin zum gründerzeitlichen Gebäudebestand in der dichtverbauten Stadt. Technisch ist die Umstellung auf erneuerbare Energien immer möglich. Wir konnten keine Konstellation finden, wo Gas, Öl oder Kohle alternativlos waren.

Standard: Gibt es Alternativen?

Hammer: Zum Beispiel Fernwärme, Solartechnik, Biomasse oder Wärmepumpen. In Gebäuden mit mehreren Wohneinheiten kann man im Keller oder auf dem Dach eine zentrale Wärmepumpe installieren, von der aus die Energie direkt in die Wohnungen weiterverteilt wird – idealerweise über die Kaminstränge, die dann ja nicht mehr benötigt werden. Man kann aber auch wohnungsweise umstellen, etwa mit Kleinstwärmepumpen, die der klassischen Gastherme optisch nicht unähnlich sind – was den Umstieg in gewisser Weise psychologisch erleichtert.

Standard: Welchen Stellenwert hat Geothermie?

Hammer: Geothermie zur Energiebereitstellung zu nutzen ist sinnvoll und zumeist auch machbar, aber mit erhöhtem technischem Aufwand verbunden. In vielen Häusern in dichtverbauten Gebieten kann man schwer in die Tiefe bohren – weil Tiefgarage, weil Abwasserkanal, weil U-Bahn-Schacht. Eine denkbare Alternative ist, diagonal dorthin zu bohren, wo grad kein Hindernis im Weg ist. Im Stadtentwicklungsgebiet Eurogate II im dritten Bezirk soll nun erstmals eine öffentliche Grünfläche für Geothermie genutzt werden. Das alles wirft allerdings Fragen sozialer und rechtlicher Natur auf, die im Rahmen des Green Deal diskutiert werden.

Standard: Die Handlungsspielräume in Bezug auf den Green Deal liegen nicht nur im Gebäudebereich, sondern auch auf städtebaulicher Ebene.

Hammer: Es geht darum, die zunehmend extremen klimatischen Bedingungen in der Stadt in den Griff zu bekommen. Im September hat die Stadt Wien eine neue Klimaanalysekarte vorgestellt, die sowohl die Urban-Heat-Islands definiert als auch die wichtigen Kaltluftschneisen ausweist, die zur natürlichen Kühlung genützt werden können. Die Karte ist sehr fein gerastert und bietet sehr detaillierte Informationen. Weitere Themen für die kommenden Jahre sind flexible Beschattung, die Entsiegelung von Straßen, Gassen und Plätzen sowie ein Neudenken von Natur in der Stadt – durch Bepflanzungen und Wasser.

Standard: Wasser ist ein gutes Kühlmedium mit einer hohen Wärmekapazität. Welche Rolle könnte es in der Stadtplanung spielen?

Hammer: Eine wichtige! Fließgewässer liefern kühle Massen ins städtische Gefüge. Verdunstungskälte, Begleitgrün und nicht zuletzt die Möglichkeit, an einem heißen Sommertag die Füße hineinzuhalten, zeigen deutliche Wirkung. Es gibt in Wien eine Vielzahl an Wienerwald-Bächen, deren ursprüngliche Verläufe durch dichtverbaute Gebiete führen. Wir befassen uns gerade mit der Frage, ob und wie die natürlichen Kühlpotenziale der ehemaligen Bäche als „nature-based solutions“ für die Stadt wieder nutzbar gemacht werden können.

Standard: Gibt es ein Beispiel?

Hammer: Unser Institut liegt am Tiefen Graben in der Wiener Innenstadt. Genau hier verläuft das ursprüngliche Bett des Ottakringer Bachs, was sich stadtmorphologisch noch sehr gut nachvollziehen lässt. Eine wesentliche Forschungsfrage für uns ist, welche klimatischen und stadträumlichen Vorteile sich aus einer Reaktivierung und Reintegration von Bachläufen für das urbane Mikroklima ergeben könnten. Eine Kombination mit dem Schwammstadtprinzip wäre sinnvoll.

Standard: Eines Tages könnte ein Bach durch die Innenstadt fließen?

Hammer: Warum nicht! Eine Renaturierung und damit völlige Umgestaltung von versiegelten Straßen klingt exotisch, aber wenn man sich den Cheonggyecheon-Kanal in Seoul oder die Wiederherstellung des Zhangjiagang in Suzhou, China, anschaut, wird man feststellen, wie viel Lebensqualität so entsteht.

Standard: Ins Hotel Orient wird man künftig mit der Gondel fahren? Hammer: Das wäre doch romantisch! Wir brauchen Utopien.

Standard: Welchen Zeithorizont gibt es?

Hammer: Mit einem erfolgreichen Pilotprojekt kann es schnell gehen. Ich nenne als Beispiel gern den Liesingbach. Die erfolgreiche Renaturierung eines Teilabschnitts hat zur Folge gehabt, dass aus einem ehemals wenig attraktiven, kanalähnlichen Gerinne heute ein belebter Erholungsraum geworden ist.

Standard: Was sind die drei wichtigsten politischen Handlungen in Hinsicht auf den Green Deal?

Hammer: Erstens: ein konsequenter Ausstieg aus der fossilen Abhängigkeit. Zweitens: eine Kostenwahrheitsverordnung für lokale und regionale Ressourcen. Mangos aus Übersee und chinesischen Marmor soll man nicht verbieten, aber sie müssen real und sozial gerecht bepreist und damit teurer sein als österreichische Birnen und heimischer Granit. Und drittens: ein Flächenverbrauchsnettonullgesetz. Das heißt: Jede Fläche, die wir heute neu in Anspruch nehmen, muss an anderer Stelle in gleichem Ausmaß wieder entsiegelt und renaturiert werden.

[ Renate Hammer (51) studierte Architektur, Solararchitektur und Urban Engineering in Wien, Krems und Tokio. Sie ist Vorstandsmitglied der Plattform für Baukulturpolitik. Seit 2013 ist sie Geschäftsführerin des Institute of Building, Research & Innovation ZT-GmbH., lehrt an der FH Campus Wien und an der Kunst-Uni Linz. ]

Der Standard, Mi., 2020.11.18

Sinkende Temperaturen, steigende Ansteckungszahlen: Wie wollen wir den städtischen Freiraum für die kommenden Monate wintertauglich machen? An welchen Städten können wir uns ein kulturelles Beispiel nehmen? Und wie können wir technisch nachhelfen? Viele Fragen, zwei Meinungen.

Wojciech Czaja: Grölendes Singen und Saufen, man riecht den Jägermeister, der mit Bier, Schweiß und teuersten Champagner-Jahrgängen vermischt die Ischgler Après-Ski-Hütte in ein strapazierendes Aerosolgewitter hüllt, förmlich aus dem Foto aufsteigen. 26 Jahre lang hat Lois Hechenblaikner das Postwedel-Treiben im Skigebiet Ischgl festgehalten und damit den visuellen Beweis zum lokalen Tourismus-Slogan geliefert: „Relax. If you can ...“ Im Juni, wenige Monate nach dem Tiroler Wintergate in 1400 Meter Seehöhe, erschien im Steidl-Verlag sein schockierendes Fotobuch Ischgl.

„Das alpine Geschäftsmodell des Après-Ski ist ein schlitzohrig diabolisches, denn es baut darauf auf, dass jemand nicht mehr ganz bei sich ist, sondern ganz außer sich, um in diesem Zustand die Tourismusmaschine am Laufen zu halten“, sagt der Tiroler Fotograf, der selbst im Gastgewerbe aufgewachsen ist. „Man darf aber auch den Gast nicht aus der Verantwortung entlassen. Er ist ein Komplize, den man ins Kitzloch oder in die Schatzi Bar nicht erst mit einer Peitsche eintreiben muss.“

Nun ist die Großstadt mitnichten eine Piste. Dennoch darf man sich davon inspirieren lassen, dass der Homo sapiens offensichtlich kein Problem damit hat, sich der sozialen Interaktion in winterlicher Frische hinzugeben. Die Verlängerung der Schanigartensaison ist ein guter erster Schritt, um den uns bevorstehenden Corona-Winter gesundheitlich und volkswirtschaftlich möglichst unbeschadet zu überstehen. Fragt sich nur: Was tun, wenn die erste Schneeflocke fällt?

Dass wir, wenn die urbane und gesellschaftliche Kultur nur entsprechend gepflegt wird, kein Problem damit haben, bei winterlichen Minustemperaturen auszuharren, beweist ein Blick in traditionell kalte Gefilde: In Berlin, Oslo, Stockholm, Edinburgh und Tromsø sind Gastgärten seit Jahren schon ganzjährig in Betrieb. In Warschau, Moskau und St. Petersburg gibt es selbst bei minus 30 Grad Flohmärkte, auf denen man vereiste Würstel und eingeschneite Transistorradios kaufen kann. Und in Detroit hat sich nach dem Zusammenfall der Automobilindustrie und der städtischen Verkehrsinfrastruktur eine neue urbane Fahrradkultur entwickelt, die sogar den eisigen Winden des Lake Erie trotzt.

Ja eh, trotz Klimakrise und immer milder werdender Winter ist’s auch in Wien bisweilen etwas ungemütlich an der frischen Luft. Und ja eh, Heizschwammerln sind böse, böse, böse. Aber vielleicht kann man im Krisenjahr 2020, in dem CO2 - und Stickstoffdioxid-Emissionen deutlich geringer ausfallen als sonst, ja ausnahmsweise einmal die Stadtluft mitheizen und uns auf diese Weise dazu anspornen, Menschengruppen in Innenräumen zu meiden. Und Woll- und Polyesterdecken austeilen. Ganz viele Decken.

Appell an die Stadtplanungspolitik: In Zukunft in Masterplänen und Fachkonzepten nicht nur auf sommerliche Faktoren wie Urban Heat Islands, Frischluftschneisen, Coole Straßen, Verschattungskonzepte und plätschernde Brunnen setzen, sondern auch die Eiszapfenzeit mitdenken!

Maik Novotny: Das Unangenehme zuerst: Weihnachtsmärkte sind das Letzte. Sie blockieren wochenlang Gassen und Plätze mit Bretterbarrikaden und mit Menschen, die von einem Bein aufs andere treten und Tassen mit klebrig-süßen Heißgetränken umklammern wie kleine Kinder, die nach Hause wollen. Weihnachtsmärkte sind eine Fehlentwicklung. Kühle Getränke in warmen Räumen sind heißen Getränken bei eisigen Temperaturen immer vorzuziehen.

Einerseits. Andererseits heißt das nicht, dass sich die Stadtbevölkerung im Winter komplett nach innen verziehen sollte. Erst recht nicht in diesem kommenden, mit Bangen und Sorge erwarteten Winter. Wenn im Innenraum Infektionsgefahr und Vereinsamung drohen, muss der Außenraum einen Ausgleich schaffen, und das nicht nur zu Konsumzwecken. Die Verlängerung der Schanigartensaison ist eine gute Sache, denn sie besetzt den Straßenraum auf Dauer und macht ihn zum Möglichkeitsraum. Bedauerlich allerdings, dass die Wiener Grätzeloasen, also Schanigärten ohne gastronomischen Bezahlzwang, nicht in die Wintersaison verlängert wurden. Hier hätte sich die Gelegenheit für Experimente geboten. Straße und Platz im Winter sollten mehr anbieten können als Schnitzel unterm Heizpilz.

Warum nicht von anderen Städten lernen, die den öffentlichen Raum winterfest gemacht haben? Das kanadische Edmonton (Durchschnittstemperatur im Jänner: stramme 10,4 Grad unter null) fragte sich vor zehn Jahren: Warum immer übers kalte Wetter sudern? Warum nicht stolz sein auf Schnee, Eis und Wind? Anstatt sich in beheizte Shoppingmalls zurückzuziehen, wurde eine Winter City Strategy aufgestellt und seitdem draußen das Beste aus der Saison gemacht. Eislaufen, Schlittenfahren, Festivals, auch Modetipps für den Unter-null-Dresscode liefert die Stadtverwaltung. Sogar das Radfahren im Winter wird gefördert. Nicht nur in Kanada: Rotterdam richtete 2015 Schlechtwetterampeln für Radfahrer ein, die bei Regen schneller grün werden.

Skandinavische Städte machen das Draußen winterfest: Kopenhagen verlängert unter dem Marketing-Label CopenHot mit Outdoor-Badewannen die Freizeitsaison, in Helsinki sind die öffentlichen Saunas ganz ohne Wellness-Sprech schon immer rund ums Jahr in Betrieb, und das Meer gibt es fürs Winterschwimmen gratis dazu. „Die Temperatur ist egal, wenn die Sonne scheint und der Wind zahm ist, gilt das in nordischen Ländern als schöner Tag,“ schrieb der dänische Stadtplaner Jan Gehl.

Was die nordischen Breitengrade können, sollte auch im wintermilden Wien kein Problem sein. Warum nicht aus der Not eine Chance machen, aus dem Winter ein Experiment, aus dem Stadtraum ein Ideenlabor? Wer weiß, vielleicht haben wir im März Lösungen, die mehr bieten als Party und Punschkonsum und auf Distanz zum grölenden Ischglismus gehen? Zwischen den Heizpilzen ist noch viel Platz für ein stilles Winter Wonderland in kühler Frischluft. Denn die Weihnachtsmärkte allein werden uns nicht trösten.

Der Standard, Sa., 2020.10.17

Am Mittwoch wurde in Wien der Brick Award 2020 vergeben. Der Hauptpreis ging an ein Projekt, das es geschafft hat, die Identität eines Ortes zu retten und Scham in Stolz zu verwandeln. Zu Besuch in Schlesien.

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Das Salzburger Architekturbüro Studio Precht pfeift auf Wettbewerbe. Dafür investieren Chris und Fei Tang Precht in fiktive Projekte, die sie in Blogs und Onlineportalen veröffentlichen – und kommen so an ihre Auftraggeber. Ein Besuch in den Bergen.

Um zehn Uhr fährt der Bauer aufs Feld raus, in seinem Anhängertank das konzentrierte Glück seiner ganzen Kuh- und Ziegensippschaft. Sobald der Hahn aufgedreht wird und die Düsen ihre Arbeit aufnehmen, wälzt sich der säuerlich duftende Sprühnebel über die Maierwiesen bis direkt vor die Haustür von Studio Precht, und manchmal sogar hinein bis zum Besprechungstisch. „Wenn wir Besuch von Bauherren und Investoren bekommen, die bei uns mit Münchner oder Berliner Kennzeichen vorfahren“, sagt Chris Precht, „dann lieben die diesen Moment, dann sind die plötzlich ganz verzückt über die unmittelbare Authentizität des Salzburger Landlebens.“

Gemeinsam mit seiner Frau Fei Tang betriebt der 36-Jährige ein Architekturbüro, irgendwo oben auf den Hängen über der Salzach, dessen Vornamen und Gesichter in der Öffentlichkeit fast gänzlich unbekannt sind, doch dafür wird der Name Studio Precht von sämtlichen Blogs und Onlinemagazinen zwischen New York und Schanghai im regelmäßigen Rhythmus auf- und abdekliniert. Auf Dezeen, Designboom, Archdaily, Architizer, Archolivers, aber auch auf asiatischen Plattformen wie etwa Gooood oder Designwire sind dutzende Einträge und hunderte schöne Bilder zu sehen. Manchmal handelt es sich um realisierte Bauwerke, meist jedoch um fiktive Projekte an fiktiven Standorten für fiktive Kunden. Die Renderings sind eine Wucht.

Ein Baumhaus namens Bert

„Die meisten Architekten buttern wertvolle Arbeitszeit in offene, internationale Architekturwettbewerbe, und wenn man sich anschaut, wie viele Teilnehmer es bei so manchem Projekt gibt, dann grenzt die Arbeit mit hoher Wahrscheinlichkeit an Gratiskreativität mit null Aussicht auf Realisierung“, sagt Precht. So wie damals im Juni 2014, als beim Wettbewerb für das Guggenheim in Helsinki plötzlich mehr als 1700 Projektentwürfe eintrudelten. Das Projekt wurde gestoppt, das finnische Guggenheim in den historischen Äther verbannt.

„Wir machen es anders. Wir investieren unsere Gratisarbeit stattdessen in fiktive Bauaufgaben, von denen wir überzeugt sind, dass sie einen wertvollen baulichen, konstruktiven, konzeptionellen Beitrag für die Welt von morgen liefern können.“ Ein Bausystem aus Bambus beispielsweise, an dem man zwei Jahre lang entworfen, getüftelt und mit Experten aus Bali Workshops gemacht hat, bei dem man 700 Bambusrohre bestellt und im Garten anschließend dreidimensionale Verbindungen zusammengeknotet hat. Ein Baumhaus namens Bert etwa, das ausschaut, als hätte jemand einen 15 Meter hohen Baumstamm mit ein paar abgesägten Ästen in den Wald gestellt. Eine vertikale Farm aus dreidimensionalen Holzmodulen, die je nach Belieben zu einem grün wuchernden Skyscraper hochgestapelt werden kann.

„Wir veröffentlichen diese Projekte, die zwar keinen Bauherren und keinen Standort haben, dafür aber bis zur letzten Schraube durchkonzipiert und millimetergenau durchgeplant sind, auf Instagram und beschicken damit einige auserwählte Redaktionen“, sagt der Herr mit dem breiten Grinser, „und dann nimmt alles seinen Lauf.“ Eine Viertelmillion Abonnenten hat @chrisprecht auf seinem Instagram-Account, meist kommen innerhalb weniger Stunden Anfragen von Blogs und Magazinen aus aller Welt. Und wozu das Ganze? „Um potenzielle Kunden anzusprechen.“

Mit Erfolg. Gegründet wurde Studio Precht 2010 in Peking. Chris und Fei Tang lernten einander in der chinesischen Büroniederlassung von Graft Architects kennen, jenen Sonnyboys, die für Brad Pritt und andere Stars und Sternchen tätig sind, und machten sich mit einer 5000 Quadratmeter großen, temporären Installation in Xiangyang, Provinz Hubei, selbstständig. In den sieben Jahren bis zu ihrem Umzug nach Österreich bauten sie sich ein Büro mit 20 Mitarbeitern auf und wickelten rund 100 Projekte ab, ein Drittel davon wurde realisiert.

„Doch wir haben festgestellt, dass Glück nicht skalierbar ist, dass mit dem immer größer werdenden Büro lediglich die Bürokratie und die kaufmännischen Herausforderungen zunehmen, nicht aber unsere persönliche Zufriedenheit“, sagt Precht. „Also haben wir das Büro aufgelöst, haben die Koffer gepackt und sind nach Österreich gezogen.“ Zwei Festangestellte haben die beiden heute – und die Qual der Wahl, welchen Projekten sie eine Abfuhr erteilen. „Im Leben als Architekt gibt es zwei Phasen. Jene, in der man immer Ja sagen muss, und jene, in der man beginnt, Nein zu sagen.“ Aufgrund der großen internationalen Publicity ist Studio Precht seit einigen bereits Jahren in Phase zwei.

Offene Wettbewerbe? Nix da!

Viele, viele Bauherren haben sich von der Magie der gerenderten Bilder und feinsäuberlich durchdetaillierten Projekte verzaubern lassen – darunter etwa ein Berliner Investor, der in Toronto ein Wohnhochhaus errichten will, ein indischer Hotelier, der in Hyderabad ein grünes Hilton bauen mag, Familie Reitbauer, die im Steirereck am Pogusch sechs Baumhäuser hinstellen möchte. Toronto ist on hold, Spatenstich Hyderabad ist im kommenden Frühjahr, am Pogusch sollen die Bauarbeiten im Oktober starten. Hinzu kommen diverse Shops, Lokale und Interiorprojekte, etwa ein Farm-to-Table-Restaurant in Riad, Saudi-Arabien, oder mobile Kiosks für die japanische Kette % Arabica in Schanghai, Hongkong, Bangkok, Dubai und Sofia.

„Unser Portfolio ist ganz klar strukturiert“, sagt Precht. „Auf der einen Seite haben wir klassische Auftragsarbeiten wie etwa Einfamilienhäuser, Wohnbauten und Hotelprojekte in der Umgebung. Auf der anderen Seite haben wir unsere selbst initiierten Träume und Visionen, die wir als Forschungs- und Vermarktungsmittel einsetzen. Das ist unser Kapital. Und ja, nicht alle, aber manche davon schaffen den Weg in die Realität.“ Nur eines ist im Studio Precht ein rotes Tuch. Offene Wettbewerbe. „Nie wieder!“

Elf Uhr. Das Telefon läutet. Das Interview muss für ein paar Minuten unterbrochen werden. „Entschuldige bitte, das muss ich annehmen.“ Am anderen Ende ist Edi Rama, Ministerpräsident von Albanien, eine Anfrage für ein Projekt in der Nähe von Tirana. Vielleicht wird Herr Rama ja bald Salzburger Berg- und Kuhluft schnuppern.

Der Standard, Sa., 2020.09.05

Wie plant man ein TV-Studio? Welche Regeln gelten im virtuellen Raum? Und warum dreht sich im neuen Studio von Servus TV die Moderatorin im Kreis? Zu Besuch im jüngsten Projekt der Wiener Architekten Veech X Veech.

Es ist 19.20 Uhr. Der News-Jingle wie jeden Abend. Die Einspielung der wichtigsten Themen aus aller Welt. Reisewarnung für Kroatien, Urlauber sollen heimkommen, US-Außenminister Pompeo in Wien. Und dann die Kamerafahrt quer durchs Studio, von rechts nach links im Uhrzeigersinn, beginnend mit einer Totalen, Servus Nachrichten , eine digitale Einblendung in leuchtenden Versalien, scheinbar über dem Rednerpult schwebend, ein Zoom in die Mitte des Studios, und dann in einer Einstellung von Kopf bis Knie endend, in einer sogenannten Amerikanischen, der Schwenk auf die heutige Moderatorin, Katrin Prähauser: „Schönen guten Abend!“

In den nächsten 15 Minuten bleibt nichts dem Zufall überlassen. Jede Anmoderation, jeder Kommentar, jede Begrüßung potenzieller Studiogäste, die Übergabe an Wetterfrosch Matthias Merkel zwölf Minuten nach Sendungsbeginn, ja sogar das Ende der Sendung mit dem scheinbar informellen Verlassen des Moderationsplatzes ist optisch und technisch perfekt durchchoreografiert. Dass sich im neuen TV-Studio von Servus TV in Mateschitz’ Medienimperium kein einziger Kameramann mehr aufhält und die Moderatorin in einem fast menschenleeren Raum arbeitet, ist für den Zuschauer im Wohnzimmer nicht zu erfassen.

Per Knopfdruck auf Sendung

„Früher stand hinter jeder Kamera ein Kameramann, und man war in ständigem Blickkontakt zueinander“, sagt Katrin Prähauser im Interview mit dem ΔTANDARD „Heute fahren die Kameras von alleine, und der Kameramann sitzt im Regieraum, wo er nur noch Feinjustierungen aus der Ferne vornimmt. Die einzigen Leute im Studio sind der Lichttechniker, der Aufnahmeleiter und die Visagistin. Es war eine vollkommen neue Studiosituation, auf die man sich erst einstellen musste. Aber dafür können wir – quasi per Knopfdruck – jederzeit auf Sendung gehen und liefern gleichbleibende Qualität.“

Hinter dem neuen Studio neben der Salzburger Red-Bull-Arena, das nach Auskunft von Servus TV und seiner Planer zu den derzeit modernsten TV-Studios der Welt zählt, steckt das Wiener Architekturbüro Veech X Veech. In der allgemeinen Öffentlichkeit kaum bekannt, zählen Stuart A. Veech aus Chicago und Mascha Veech-Kosmatschof aus Moskau zu den wenigen Experten weltweit, die sich auf die Gestaltung von Newsrooms und ganzer Rundfunk-Zentralen spezialisiert haben. Broadcast-Enviromnent nennt sich das im Fachjargon. Das neue Studio von Servus TV, das im Februar, nur wenige Wochen vor dem Corona-Lockdown, in Betrieb genommen wurde, ist nach Projekten für den ORF und für den arabischen Sender Al Jazeera mit Studios in Doha und im Londoner Shard Tower der jüngste Wurf von Veech X Veech.

„Klassisch betrachtet ist Architektur die Gestaltung unserer realen Wohn- und Lebensräume“, sagen die beiden. „Doch im Zeitalter der Digitalisierung und immer neuerer Kommunikationstechnologien verlagert sich unser Aufgabenfeld mehr und mehr in die virtuelle Welt.“ Die Gestaltung von Medienräumen ist dabei eine besonders komplexe Bauaufgabe – gilt es doch, Licht, Akustik und Medientechnik unter zeitlich und räumlich beengten Verhältnissen aufeinander abzustimmen und in eine architektonisch passende und für die breite Masse ansprechende Form zu gießen.

„Wie verhalten sich matte und glänzende Oberflächen im digital übertragenen Bild? Welche Spiegelungen sind visuell anregend, und welche sollte man lieber vermeiden? Und wie stimmt man Licht, Geometrien und Oberflächenmaterialien aufeinander ab, sodass es in der Wiedergabe der Bilder bei Spiegelungen und Überlagerungen gewisser Strukturen nicht zu Verfremdungen von Lichtfarbe und Lichttemperatur kommt? „All das“, sagt Stuart A. Veech, „müssen wir in der Planung millimetergenau berücksichtigen.“

Globus, Auto, Hohensalzburg

Dass es sich tatsächlich um Arbeit im Millimeterbereich handelt, beweist ein Blick auf die beiden LED-Videowalls im Hintergrund der Moderatorin, auf denen in den Sport- und Nachrichten-Sendungen sowie in den unterschiedlichen Talk-Formaten in den Abendstunden sogenannte Hintersetzerbilder gezeigt werden – mal ein dramatischer Globus, mal ein verschwommenes Formel-1-Auto, mal ein mozartkugelsüßer Blick auf die Festung Hohensalzburg. Damit es zwischen den beiden mobilen LED-Walls im Vordergrund und der großen, gekrümmten LED-Wall im Hintergrund aufgrund der Spiegelungen nicht zu ungewollten Moiré-Effekten kommt, wurden die LED-Pixel mit 1,2 und 1,5 Millimeter Durchmesser unterschiedlich groß dimensioniert.

„Woher man so was weiß? Harte Arbeit, viele Simulationen und jahrelange Erfahrungswerte“, sagt Veech. Für das 130 Quadratmeter große TV-Studio in Salzburg wurde zwischen Planungsende und Baubeginn sogar ein Mock-up im Maßstab 1:1 aufgebaut, um die räumliche Wirkung und die Geisterfahrten der vollautomatischen Robocams auf Herz und Nieren zu prüfen – bevor es finanziell ernst wird, aber darüber spricht man im Hause Red Bull nicht. Positives Ergebnis, grünes Licht für die Realisierung.

„Eine absolute Neuerung, die es in dieser Form noch nirgendwo gibt“, meint Alexander Guntersdorfer, Regisseur im neuen Studio, „ist das drehbare Moderationspult in der Mitte des Raumes. Die Kameras haben vorgegebene Fahrwege, durch die Drehung aber können wir den Moderator und die Studiogäste mal näher an die Linse bringen, mal etwas weiter in den Hintergrund drehen. Vor allem aber erlaubt uns die drehbare Bühne, mit nur einem Studio sehr viele unterschiedliche Konstellationen abzudecken.“ Das Spektrum reicht von Moderationen über Experteninterviews bis hin zu kleinen Talkrunden, sitzend, stehend, langsam sich im Kreise drehend.

„Der neueste Trend“, sagt Stuart A. Veech, der bereits an neuen TV-Projekten für TV Nova in Prag, für die BTV Media Group in Sofia sowie für einen deutschen Privatsender arbeitet, „sind TV-Studios mit Tageslicht und Bezug zum Außenraum. Hier kommen wegen der unterschiedlichen Wellenlängen zwischen künstlichem und natürlichem Licht noch riesige Herausforderungen auf uns zu.“ Doch auch diese technischen Probleme, sagt der Architekt, von Betriebsgeheimnissen sprechend, sind in den Griff zu kriegen. Es ist 19.34 Uhr. Katrin Prähauser: „Ihnen noch einen schönen Abend und auf Wiedersehen!“

Der Standard, Sa., 2020.08.22

Mit dem Film-Dekathlon „Homo Urbanus“ ist den französischen Filmemachern Ila Bêka und Louise Lemoine ein wortloses Meisterwerk gelungen. Einblicke in die Alltagskultur zehn global bekannter Städte.

Perücke, Elfenohren, düster geschminkte Augen, Peace bis in die Fingerspitzen und über den Schultern ein textiles Hybrid aus Schulmädchen und Marineoffizier. So sieht er aus, der Homo Urbanus Tokyoitus. Der Homo Urbanus Shanghaianus wiederum sitzt auf einem Stuhl auf dem Gehsteig, vor ihm ein Spiegel um den Laternenmast gebunden, und bekommt gerade die Haare geschoren. Und der Homo Urbanus Rabatius liegt mit seinen Menschenkollegen mit Vorliebe auf der Hafenmole und trocknet seinen Körper, bevor er von anderen, weniger freundlichen Menschenkollegen ein paar Minuten später an Armen und Beinen geschnappt und in den Atlantik geschmissen wird.

Die Filmserie Homo Urbanus der beiden französischen Filmemacher Ila Bêka und Louise Lemoine ist alles andere als eine didaktische Analyse über die globale Lebenskultur im urbanen Raum. Sie ist vielmehr eine emotionale, feinstoffliche Collage aus Blicken und Momenten, eingefangen in zehn Städten weltweit, die mit großem Schmunzeln und herzerwärmender Neugier unterschiedliche Charakteristika urbaner Koexistenz sichtbar macht – vom grauen St. Petersburg im klirrend kalten Winter bis zum hitzebrütenden Doha, wo die im Film porträtierten Protagonisten mit größter Anstrengung die Lebensdauer jedes einzelnen Grashalms zu verlängern trachten.

Eine Ode an die Differenz

„Wir haben keinerlei wissenschaftlichen Anspruch, wir wollen die Dinge einfach nur so zeigen, wie sie sind“, sagt Louise Lemoine im Interview mit dem Standard, „charmant, chaotisch und manchmal auch haarsträubend irrational.“ Unter den bislang 30 Architektur- und Stadtdokumentationen finden vor allem ungeahnte, zum Teil liebevoll voyeuristische Blicke hinter die Kulissen des Bauens und Benützens von Bauwerken, dargestellt aus der Sicht von Putzfrauen, Kanalarbeitern und Feuerwehrmännern. „Unsere Filme sind niederschwellige Liebeserklärungen an die Differenz von Mensch, Stadt und Kultur. Sie richten sich an jeden, der gerne beobachtet und Details entdeckt.“

Zwischen Sakura und Vespa

Homo Urbanus, Resultat von drei Jahren Dreharbeit auf vier Kontinenten, nahm seinen Lauf auf der Agora-Biennale 2017 in Bordeaux. Seit letztem Monat, mit allen sichtbaren Spuren der globalen Corona-Pandemie gespickt, ist der letzte Film im Kasten. Aktuell ist das rund zehnstündige Werk – eine reine Videoausstellung ohne Plan, ohne Fotografie, ohne Architekturmodell – im Architekturzentrum Arc en Rêve in Bordeaux zu sehen. Im Herbst wird man die Filmserie im Rahmen der Ausstellung Living the City im ehemaligen Flughafen Berlin-Tempelhof genießen können.

Manche der insgesamt 571 Minuten sind dokumentarische Bestätigungen bereits bekannter Bilder. Etwa wenn der Homo Venetianus mit Koffern, Einkaufstaschen und neonpinken Überschuhen gegen die Acqua Alta am Markusplatz ankämpft. Wenn der Homo Kyotoitus inmitten von zartrosa Kirschblüten seine Picknickdecke ausbreitet und die alljährliche Sakura feiert. Oder wenn der Homo Neapolitanus mit der Vespa zwischen Kinderwagen hindurchmanövriert und wenig später die Füße einer traurigen Marienstatue küsst.

Andere Bildstrecken wiederum – und das macht Homo Urbanus zum sowohl wertvollen Filmdokument als auch sinnvollen Substitut für die heuer definitiv nicht stattfindende Fernreise – erzählen neue Details an der Schnittstelle zwischen Habitus und Mentalität: Wie geht man in Bogotá mitten in der Rushhour mit einem fehlenden Gullydeckel auf der Straßenkreuzung um? Wie werden in Seoul riesige Mengen von Schuhen und Klamotten durch die Gänge enger Indoormärkte transportiert? Und wie schafft man es in Schanghai, frischgewaschene Bettlaken zwischen parkenden Autos zum Trocknen auszubreiten?

„Es ist faszinierend, wie die Menschheit imstande ist, sich unterschiedlichen Kulturen und unterzuordnen und ihre ganz eigenen urbanen Codes zu entwickeln“, sagt Louise Lemoine, die mit ihrem Partner Ila Bêka an der Architectural Association (AA) in London unterrichtet. „Man ist kreativ, passt sich an und erfindet sich von Ort zu Ort neu.“ In den Filmen, die keinerlei Dialoge oder Off-Kommentare beinhalten, sucht man vergeblich nach Wertungen. Im Fokus liegt die „Poesie des Alltags“, wie dies die beiden Filmemacher ausdrücken.

Der andere Canal Grande

Einzig in Doha, Hauptstadt von Katar, sommerliche Höchstwerte jenseits der 45 Grad Celsius, schwingt zwischen den Szenen eine nonverbale, fast schon zermürbend zynische Kritik mit. Asiatische und afrikanische Gastarbeiter wässern den Rasen und reinigen die Straßen von herbeigewehtem Sand, als wollte man die Launen der Natur besiegen können. Wenn im künstlich angeschütteten Venedig und Pseudo-Murano wenig später italienische Klänge aus den Lautsprechern dringen, hier die Rialto-Brücke, dort eine elektrische Gondel, keine Menschenseele weit und breit, dann möchte man lachen und weinen zugleich. Louise Lemoine: „Die soziale Bühne namens Stadt hat eben viele Facetten.“

„Homo Urbanus. 10 films et 10 villes du monde“, im Architekturzentrum Arc en Rêve, Bordeaux. Zu sehen bis 11. Oktober 2020.

Der Standard, Sa., 2020.08.01

Raimund Abraham war ein Zerrissener zwischen dem Willen zu bauen und dem Wunsch zu träumen. Letzterem widmet das Museum für angewandte Kunst eine Ausstellung: Architektur in Skizzen und Collagen.

Er setzte sich in den Fauteuil, blickte etwas schroff unter seiner Hutkrempe hervor und machte einen paffenden Zug mit seiner Zigarre. „Also, dann stellen Sie halt Ihre Fragen!“ Nach ein paar Minuten dann der erste große Widerspruch. „Nein, das sehe ich nicht so. Ich behaupte, dass Architektur nicht unbedingt gebaut werden muss. Papier, Bleistift und die reine Sehnsucht nach dem Raum reichen vollkommen aus, um Architektur zu machen. Das Bauen ist eigentlich nur der letzte Schritt im Prozess, das Gezeichnete zu übersetzen und die physische Benutzbarkeit zu ermöglichen. Man kann darauf aber auch gut verzichten.“

Genau diesem Herrn, der sich in der Öffentlichkeit mit stets grantigem Blick zeigte und nicht davor zurückscheute, die Architektenschaft lauthals zu beschimpfen und zu verfluchen, widmet das Museum für angewandte Kunst (Mak) nun seine erste Post-Corona-Ausstellung. Angles and Angels, wie die von Bärbel Vischer kuratierte Schau im Kunstblättersaal so eckig und engelhaft zugleich genannt wird, lässt die wenigen realisierten Bauwerke von Raimund Abraham nahezu links liegen, verzichtet auf Fotos und realistische Darstellungen und konzentriert sich stattdessen voll und ganz auf Abrahams wichtigstes Kommunikationswerkzeug – auf die Skizze, auf die Collage, auf die mitunter mannshohe, akribisch durchaxonometrierte Schnittzeichnung.

Abraham, 1933 in Lienz geboren, 2010 bei einem Verkehrsunfall in Los Angeles tödlich verunglückt, gehört trotz seiner wenigen realisierten Bauwerke zu den wichtigsten österreichischen Architekten des 20. Jahrhunderts. Gemeinsam mit Rudolf M. Schindler, Richard Neutra und Friedrich Kiesler zählt er zu jener Generation, die Österreich den Rücken kehrte, um sich im Amerika der Sechzigerjahre, im Land der unbegrenzten Möglichkeiten, eine Existenz ohne Zwänge und Einschränkungen aufzubauen. Er leitete ein eigenes Architekturbüro, unterrichtete an mehreren Hochschulen und führte ein hedonistisches Leben in New York, Los Angeles und Mazunte am mexikanischen Pazifik.

Demut vor der Natur

Was sofort auffällt: Während Abrahams spätes Werk vor allem eine Huldigung an Metrik, Materialität und Maschinenästhetik ist, die 2001 im 85 Meter hohen Austrian Cultural Forum in New York gipfelte, wirken seine frühen Skizzen, die den Schwerpunkt der Mak-Ausstellung bilden, wie die utopischen Träume von Hans Hollein, Archigram und Coop Himmelb(l)au. Da werden Bälle in der Landschaft platziert, da werden städtische Infrastrukturen in einer schlauchartig um sich greifenden Megabridge gebündelt, da werden die Funktionen des Bauens und Wohnens prototypisch auf ein einziges, kugelrundes Universal House reduziert.

„Nur die Augen sind in der Lage, unbekannte Landschaften zu durchdringen, Täler von verwundeten Bergen, trockene Ebenen, Wasserfälle aus flüssigem Erz, versteinerte Träume, die den Albträumen des Erbauers von bröckelnden, zu Staub zerfallenen Mauern zu entfliehen suchen“, schreibt Raimund Abraham 2001 in seinem Manifest Eyes Digging, als würden seine Augen das Vorgefundene durchsuchen und durchgraben wollen. „Kann ich jemals die Fesseln meines Schicksals aufbrechen, der ich zerrissen bin zwischen dem Willen zu bauen und dem Wunsch zu träumen?“

Genau in diesen träumenden Worten, sagt Christoph Thun-Hohenstein, einst Bauherr und Leiter des Austrian Cultural Forum in New York, heute Direktor des Mak, merke man Abrahams Philosophie und Demut vor der Natur. „Für Abraham ist jedes Gebäude ein gewaltiger Eingriff in die Natur. Er war der Meinung: Wenn man die Landschaft schon verletzt, dann muss das Gebaute umso besser, umso stärker sein, denn nur dann könne sich das Gebäude mit der Landschaft wieder versöhnen. Diese Balance herzustellen, meinte er, ist die Verantwortung jedes Architekten.“

Mit diesem Überbau versteht man nicht nur Abrahams Thesen und Manifeste, sondern begreift auch seine mal eckig aggressiven, mal vorsichtigen Striche. Im House with Curtains (1971) überlässt der Architekt die ultimative Formgestaltung dem Wind. Das House with Two Halves (1972), das er seinem Freund Walter Pichler widmete, ähnelt einem entzweiten Brotlaib, der sich respektvoll in die Erde gräbt. Und vor dem House with Flower Walls (1972) ist man als Betrachter ganz überrascht, wie dünn und fein die Bleichstrichskizze der Architektur ausfällt, wohingegen die kräftig rot kolorierten Blumenstränge und Wurzeln die Mauern wie blutdurchströmte Venen und Adern penetrieren.

Architekturen als Feste

Doch nicht alle teilen die Ansicht, dass Abraham stets mit Respekt und Vorsicht gegenüber der Natur gearbeitet habe. „Das war ein eigensinniger und manchmal auch ziemlich brutaler Architekt, den ich gerne zu den österreichischen Beton-Fundamentalisten zähle“, sagt Wolf Prix, Mastermind von Coop Himmelb(l)au, der 2005 anlässlich der Verleihung des Goldenen Ehrenzeichens für Verdienste um das Land Wien die Laudatio auf seinen Freund und Kollegen Raimund Abraham hielt. „Ich schätze sein Talent, er war formal sehr begabt, aber mit Vorsicht hat das alles nicht viel zu tun.“ Wie brutal Abraham in Gedanken baute, zeigen seine in der Ausstellung präsentierten Entwürfe für städtebauliche Wohnquartiere in Venedig – ein Projekt, das glücklicherweise nie zur Realisierung angedacht war.

Und so scheiden sich, auch noch zehn Jahre nach Abrahams Tod, die Geister. In seiner Laudatio bezeichnete ihn Wolf Prix als „nicht den Architekten der schnellen Zukunft, sondern jenen einer dauerhaften Zukunft. Seine Architekturen sind Feste!“ Die Kuratorin Bärbel Vischer entdeckt in seinen Zeichnungen eine Sensibilität und Individualität des Bauens und Entwerfens, die in der heutigen CAD-Kultur längst verlorengegangen ist. Und Mak-Direktor Christoph Thun-Hohenstein sieht im Studium von Abrahams Werk eine Rückbesinnung auf wertvolle Fragen: „Wo stehen wir? Wovon träumen wir? Und welche Form von Fortschritt wollen wir haben?“ Gerade jetzt könnten die Antworten anders ausfallen als noch vor wenigen Wochen.

„Raimund Abraham. Angles and Angels“, zu sehen bis 18. Oktober 2020 im Mak. Im Rahmen der Ausstellung wird auch der Film „Scenes from the Life of Raimund Abraham“ (USA 2013, 365 Min.) von Jonas Mekas gezeigt: 25. August sowie 5., 22. und 26. September.

Der Standard, Sa., 2020.06.20

Hinter dem neuen Wiener Hauptbahnhof stehen viele uninspirierte Wohnkisten von gemeinnützigen und freifinanzierten Bauträgern. Im einheitlichen Häusermeer fällt ein Wohnprojekt jedoch erfreulich aus der Reihe: Das »Gleis 21« von einszueins architektur setzt Lebenslust eins zu eins in Baukultur um. Unser Wien-Korrespondent hat es bei einem seiner Stadtspaziergänge eingehend für uns erkundet.

Die Cafés und Restaurants sind seit Wochen geschlossen, auch hier im Sonnwendviertel hinter dem neuen Wiener Hauptbahnhof, wo in den letzten Jahren auf dem Areal der ehemaligen Fracht- und Verschubgleise ein ganzes Stadtviertel für fast 20 000 Einwohner aus dem Boden gestampft wurde. Die Gassen, Straßen, Fußgängerzonen wirken ausgestorben, wie dieser Tage fast überall auf der Welt. »Hinsetzen darfst dich nicht, aber zum Mitnehmen und Spazierengehen kann ich Dir gern ein frisches Semmerl mit Ziegenkäse ­machen, wennst magst«, sagt Sabine Anreiter, vor ihr eine Theke voller Köstlichkeiten aus Tirol, Kärnten, Oberösterreich. Der Greißlerladen »Bio Mio« in der Bloch-Bauer-Promenade ist nicht nur ein schönes, wohlriechendes Geschäftchen, sondern auch ein Ersatz für den Kaffeehaus-Tratsch, für das sogenannte Plauscherl.

»Weißt, ich wohne und arbeite im gleichen Bezirk, zehn Gehminuten voneinander entfernt«, sagt die 58-Jährige, »aber zwischen meinem Wohnort und meiner Arbeitsstätte liegen Welten. Man geht ein paar Blocks und ist plötzlich in einer vollkommen neuen Stadt. Im alten Favoriten leben viele Migranten, es geht wild und chaotisch zu. Im neuen Favoriten aber verwirklicht sich die gehobene Mittelschicht, bestehend aus Lehrern, Journalisten und Akademikern, und baut sich ihr kleines, feines Paradies. Noch fehlt mir die Lebendigkeit. Aber dafür bin ich beeindruckt, wie gut sich die Menschen hier vernetzen. Es ist, als würde über der Stadt, wie in einem kleinen Dorf, ein unsichtbares Spinnennetz von privaten und beruflichen Kooperationen liegen.«

Erfreulicher Einzelgänger

Ein Produkt genau solch feinmaschiger Netzwerkarbeit liegt wenige Meter weiter stadtauswärts. Am Nachbargrundstück befindet sich ein für diese Gegend untypisches Wohnhaus, das aus dem Häusermeer aus schicken, reduzierten, minimalistischen Einheitswohnbauten in Architekturweiß und Architekturgrau heraussticht: Das sogenannte Gleis 21, Produkt einer 66-köpfigen Baugruppe, macht mit seinem kanariengelben Sockel, seiner warmen Holzfassade, seinen blauen und türkisen Fenstern und seinem irgendwie zusammengestrickten Laubengang aus Sichtbeton und verzinktem Stahl auf den ersten Blick schon gute Laune.

»Der offene Laubengang ist wirklich etwas rough«, sagt Patrick Herold, der mit seiner Frau Birgit und dem zweijährigen Sohn Leo im ersten Stock wohnt, eine Eckwohnung am freistehenden Treppenhaus, ein Gespräch zwischen Straße und Balkon wie dereinst zwischen Romeo und Julia. »Aber dafür bietet er viel Fläche und Flexibilität. Der Gang ist so breit, dass man ihn selbst fast schon als eine Form solidarischen Wohnens bezeichnen könnte. Manche ­Bewohner parken hier ihre Kinderwagen, andere haben ein kleines Sofa draußen stehen, und es gibt sogar Leute, die am Abend ihren Esstisch hinausstellen und ihre Nachbarn auf ein paar Tapas einladen.« Nach einer Weile dann, keine Essenseinladung zwar, aber immerhin: »Magst raufkommen und dich etwas umschauen? Ich mach dir auf!« ›

Planen in der Baugruppe

Gleis 21, ein Kooperationsprojekt des Bauträgers Schwarzatal, des Kärntner Holzbauunternehmens Weissenseer und des auf Baugruppen und Partizipationsprojekte spezialisierten Wiener Architekturbüros einszueins, ist ein Holzhybridbau mit 34 Wohnungen auf insgesamt 4 000 m² Nutzfläche. Außerdem gibt es Bibliothek, Werkstatt, Saunahaus, Fitnessraum, eine großzügig verglaste Waschküche, eine Gemeinschaftsküche auf dem Dach, eine private Musikschule im Souterrain, ein paar anmietbare Mini-Apartments für Gäste und Flüchtlinge sowie ein leider noch schlummerndes Restaurant, für das man noch einen Betreiber sucht. Besonders stolz sind die Bewohner – 46 Erwachsene, 20 Kinder – auf den großen Veranstaltungssaal im EG, der u. a. vom Wiener Stadtkino bespielt und vom berühmten Burgtheater als Dependance und Off-Space genutzt wird. Vor der Corona-Krise gab es Lesungen, Filmvorführungen, Tanzveranstaltungen, zuletzt ein komplett ausverkauftes Jazzkonzert.

»Sowohl in der Planungsphase als auch jetzt im Betrieb«, sagt Patrick, »war die gesamte Baugruppe in kleine Projektgruppen unterteilt. Die einen haben sich um die Farben und Materialien gekümmert, die anderen um die Konzeption der Gemeinschaftsflächen, wiederum andere um das wirtschaftliche Finanzierungs- und Betriebsmodell.« Auch heute noch ist jeder erwachsene Hausbewohner angehalten, zehn bis 15 Stunden pro Monat in die Hausgemeinschaft zu investieren – so z. B. in die Vermietung und Bespielung des Veranstaltungssaals sowie in die Pflege der projekteigenen Webseite.

»Arbeitsstunde, haben wir uns gedacht, würde so ernst und mühsam klingen. Daher sprechen wir lieber von Happy Hour. Das passt gut zum Happy Feeling dieses Hauses.«
Auch die Architekten selbst, inzwischen zu regelrechten Meistern soziokratischer Baugruppen-Moderation herangereift, erinnern sich mit größtem Vergnügen an die Planungszeit zurück. »Der Aufwand ist enorm, und manchmal braucht man Nerven wie Stahlseile«, sagt Projektleiterin Annegret Haider. »Aber am Ende kriegt man mehr Energie zurück als man investiert hat. Die Zufriedenheit derer, für die man plant, ist eine der schönsten Befriedigungen, die man als Architektin erleben kann.« Die langjährige Erfahrung zeigt, dass die Wohnzufriedenheit in Baugruppenhäusern deutlich höher ist als in klassischen Miet- und Eigentumswohnungen, die am Markt erhältlich sind. Für die Projekte von einszueins, so hört man, so liest man, trifft das insbesondere zu.

»Das Schöne ist«, sagt Architekt Markus Zilker, einer von insgesamt drei Partnern im Büro, »dass wir mit Menschen arbeiten, die Wohnen nicht nur als Ware, sondern in erster Linie als sozialen Raum und als Lebenskultur verstehen. Das schlägt sich natürlich auch in der architektonischen Gestaltung, in den unterschiedlichen Nutzungselementen sowie im Einsatz von materiellen Ressourcen nieder. Einer der wichtigsten Eckpfeiler dieses Projekts von der allerersten Stunde an war die Entscheidung, dass das Haus konstruktiv und atmosphärisch als Holzbau bzw. Holzhybridbau errichtet werden soll.«
Die Wahl fiel auf einen massiven, vertikalen Betonkern, in dem die Küchen, Sanitärräume und aussteifenden Scheiben untergebracht sind sowie auf Geschossdecken und Fassaden aus vorgefertigten Holzmodulen. Das Anschlussdetail von Holzverbunddecke und Betonlaubengang mittels Isokorb, erzählt Zilker, war eine technische Entwicklung von einszueins und Weissenseer und kam in dieser Form weltweit erstmals zum Einsatz. Andere konstruktive Details hingegen, so wie etwa die Anschlusspunkte zwischen Unterzug, Geländer und Entwässerungsmaßnahmen würden eher den Weg in die Fibel der Herzen als ins Bauhandbuch für Ingenieure finden.

Noch einmal drei Stockwerke in die Höhe. Die luftige Erschließung macht die Begehung nicht nur coronatauglich, sondern sorgt auch für ein gewisses Urlaubsflair: Fahrräder, Blumenkästen, hölzerne Kisten mit selbstgenähten Sitzkissen. Und immer wieder stehen die Fenster offen, die Menschen in ihren Küchen, ein Hallo aus der Tiefe des Raums. Im letzten Stock, direkt unter der kollektiven Dachbibliothek wohnt der Wiener Radio- und Zeitungsjournalist Michael Kerbler.

»Das Gleis 21 wird nicht jedem gefallen«, sagt er. »Muss es aber auch nicht. Diejenigen, die genauer hinsehen, werden darin nicht nur ein fröhliches, berührendes Wohnhaus für 64 Individualisten und Gemeinschaftsmenschen erkennen, sondern auch die Erkenntnis haben, dass Architektur gleichermaßen aus materieller Hardware und sozialer Software besteht. Das Gleichgewicht der Kräfte in diesem Projekt ist einfach perfekt. Kann schon sein, dass sie mich hier im Holzpyjama raustragen werden. Aber jetzt geht es mal darum anzukommen, sich ein neues Grätzel anzueignen und ein Stückerl Stadt in den nächsten Jahren ordentlich zu beleben. Es ist viel zu tun. Warst schon ­unten beim Bio Mio?«

db, Mo., 2020.06.08

Die Baustelle ist fast abgeschlossen, seit letzter Woche ist der Wasserzoo wieder in Betrieb. Der Zubau zum Haus des Meeres ist ein Produkt von Beratungsresistenz und unsensibler Bestellqualität auf Bauherrenseite.

Der Lophius piscatorius, auch Seeteufel genannt, ist keineswegs schön anzusehen. Er hat einen flachen, aalglatten, schuppenlosen Körper und einen breiten Kopf mit weit aufgerissenem Maul. Und er ist groß, ziemlich groß sogar. Ausgewachsene Exemplare können bis zu zwei Meter lang und 50 Kilogramm schwer werden. Ein ziemliches Trumm also. Kommende Woche, sagt Daniel Abed-Navandi, leitender Meeresbiologie am Haus des Meeres (HdM), werde man einen Seeteufel aus Valencia erhalten. Der Aqua-Terra-Zoo im Flakturm Esterházypark bekommt eine neue Attraktion.

Der sechste Bezirk, mitten im Herzen Mariahilfs, hat seine Attraktion bereits in den letzten Monaten verpasst bekommen. Seit den Fünfzigerjahren schon, damals noch als Provisorium gedacht, wird der ehemalige Feuerleitturm als Meeresmuseum genutzt. Mit dem gläsernen Rucksack-Zubau von Wilhelm Holzbauer, im HdM-Jargon liebevoll „Nase“ genannt, nahm der Untergang seinen Lauf. Es folgten eine Nasenkopie an der Ostseite, eine Boulderwand, ein Fluchtstiegenhaus, eine Restaurant-Aufstockung sowie nun, in den letzten Monaten errichtet, ein turmhoher Zubau, der sich „wie einst der Uhrturmschatten an den Grazer Uhrturm“ (O-Ton Stadt Wien) an den Flakturm schmiegt.

Nach knapp zwei Jahren Bauzeit entpuppt sich das um 3500 Quadratmeter erweiterte Haus des Meeres, was Architektur, Ortsbildverträglichkeit und vor allem den Umgang mit dem historischen Bestand betrifft, als baukulturelle Katastrophe. Journalistenkollegen anderer Medien haben das HdM mit einem „Autohaus in Bukarest“ und mit einer „Faschingsmaske mit Ohren“ verglichen und sprechen von einem „monströsen Körper“, der sich so massiv vor den Bestand schiebt, „dass man glauben könnte, der Flakturm hätte sich in Luft aufgelöst“. Doch um Eckhäuser tragischer noch als das Resultat dieser Baubegebenheit ist der Prozess. Der Seeteufel steckt im Detail.

„Nachdem es sich um ein so wichtiges Gebäude in so prominenter Lage handelt, haben wir dem Bauherrn gleich zu Beginn empfohlen, einen Wettbewerb auszuschreiben“, erinnern sich Andreas Machalek von Pumar Architekten und Ludwig Starz von Looping Architecture. „Das hat er abgelehnt. Zudem war das Korsett so eng, das Raum- und Funktionsprogramm so umfassend und die Schnittstellen mit anderen Planern und Gewerken in den Ausstellungsräumen, im Veranstaltungssaal und im Restaurant so undurchsichtig, dass wir ehrlich gesagt nur wenig Spielraum hatten. Das ist gewiss nicht unser stärkstes Projekt, aber im Rahmen der Möglichkeiten haben wir beste Arbeit geleistet.“

Auch die Stadt Wien, Abteilung Architektur und Stadtgestaltung, hat dem Bauherrn des Öfteren einen Wettbewerb ans Herz gelegt. „Jahrelang wurde das Haus des Meeres stückchenweise erweitert“, erklärt Abteilungsleiter Franz Kobermaier. „Jetzt wäre es an der Zeit gewesen, das Bauwerk in einem kompetitiven Prozess einem Gesamtkonzept zu unterziehen und eine optimale architektonische und stadträumliche Lösung zu finden. Bei aller Liebe zur Baukultur, aber ohne Umwidmungsverfahren können wir niemanden zu einem Wettbewerb zwingen.“

Eine enge Freundschaft

Dazu muss man wissen: Der Flakturm im Esterházypark steht nicht unter Denkmal- oder Ensembleschutz, hinter der Bauherrenschaft verbirgt sich keine öffentliche Institution, sondern ein privater Betreiber, und seitdem das Haus 2015 von der Stadt Wien für einen symbolischen Euro an ebenjenen verkauft wurde, hat auch die öffentliche Hand jedes Mitspracherecht daran verloren. Eine unglückliche Verkettung unglücklicher Umstände.

Nicht einmal der Fachbeirat für Stadtplanung und Stadtentwicklung konnte sich mit seiner Expertise und seiner wiederholten Forderung nach einem Wettbewerbsverfahren einbringen, denn als er die letztgültigen Pläne 2018 zur Begutachtung vorgelegt bekam, war das Projekt im Bezirksausschuss längst schon positiv beurteilt und befand sich bereits in der Einreichphase. „Wir sind ein empfehlendes Gremium, das sehr darum bemüht war, die für uns essenziellen Qualitäten einzufordern“, sagt Beiratsvorsitzende Elke Delugan-Meissl. „Doch leider haben die Rahmenbedingungen dies kurz vor Baustart nicht mehr zugelassen. Bei einem Projekt mit dieser Präsenz im Stadtgefüge ist das doppelt schmerzlich. Eine vergebene Chance!“ Friedrich Dahm indes, Wiener Landeskonservator im Österreichischen Bundesdenkmalamt und ebenfalls Mitglied der Jury, in seiner Stimme sickert ein Hauch Verzweiflung durch: „Ich kann und will mich zu diesem Projekt nicht äußern.“

Aus mehreren Quellen, die anonym bleiben möchten, ist zu vernehmen, dass das Haus des Meeres sämtliche Anbauten und Erweiterungen mehr oder weniger selbst entworfen haben soll, dass es zwischen dem HdM und einem ehemaligen hochrangigen Wiener Politiker eine enge Freundschaft geben soll und dass diese Bindung womöglich auch dazu benützt worden sein könnte, um auf die Projektrealisierung einen gewissen Druck auszuüben – nicht zuletzt auch mit den Geschützen des mit der SPÖ sympathisierenden Boulevards. Die Recherche zur Genese des HdM besteht aus zahlreichen Gesprächen off the record, die nur mit ausgeschaltetem Mikrofon zustande kommen.

Und was sagt das Haus des Meeres selbst zu alledem? „Mich wundern die Vorwürfe, denn wir stehen mit der Stadt Wien seit vielen Jahren permanent im Gespräch“, sagt Hans Köppen, Geschäftsführer der Haus des Meeres Betriebs GmbH, die in den Zubau rund 18 Millionen Euro investierte. „Wir haben das Projekt wie empfohlen realisiert. Natürlich gab es gewisse Freiheiten in der Umsetzung, aber die Grundvorstellung erfolgte immer in enger Abstimmung. Architektur ist und bleibt eine Geschmacksfrage. Das merkt man auch, wenn man sich anschaut, was an den Wiener Ausfallstraßen alles hingebaut wird.“

Der Vergleich hinkt. Weder liegt der Esterházypark in der Wiener Pampa, noch handelt es sich beim Flakturm um eine Möbelix-Kiste im Gewerbepark Stadlau. Doch genauso schaut er heute aus. Das Haus des Meeres, seit letzter Woche post Corona wieder in Betrieb, ist ein Beispiel dafür, was passiert, wenn erstens zu viele Kräfte und Mächte in einem Projekt mitmischen und zweitens der Bauherr eines so prominenten Bauwerks sich weigert, baukulturelle Verantwortung wahrzunehmen.

Der Standard, Sa., 2020.05.30

Der Pritzker-Preisträger Balkrishna Doshi ist ein Kenner der Seele und Seismograf für gesellschaftliche Entwicklungen. Zu Besuch in der ersten Ausstellung nach Corona im Architekturzentrum Wien.

Wie ein Reptil mit gläsernen Glupschaugen und schimmernden Keramikschuppen ragen die panzergleichen Kuppeln in die Höhe und machen neugierig auf das, was sich wohl im Inneren verbergen mag. Umgeben von Büschen und Bäumen, eingebettet in den grünen Park der CEPT University im Westen Ahmedabads, steigt man sodann hinab in die Tiefen der Anlage und findet sich plötzlich in einer warmen, bunt ausgemalten, weitverzweigten Betonhöhle wieder. Dramatische Lichtkegel fallen von oben in den Raum.

„Wahre Architektur muss uns freudig und feierlich stimmen, sie muss uns im Innersten berühren“, sagt der indische Architekt Balkrishna Doshi, der für seinen Freund Maqbul Fida Husain, einen in Indien berühmten Bildhauer, die unterirdische Galerie Gufa aus 18 kreisrunden und elliptischen, miteinander verschnittenen Kuppeln und windschief im Raum stehenden Säulen entwarf. „Ein gutes Haus lässt sich nicht in Einzelelemente wie Licht, Flächen oder Tragstruktur zergliedern. Ganz im Gegenteil: Es lässt Böden, Wände und Decken zu einem zusammenhängenden Ganzen verschmelzen und erzeugt einen organischen Raum fast wie ein lebendes Wesen.“

Ein riesiges Drahtmodell dieses beeindruckenden Wesens im Maßstab 1:2 sowie viele weitere Projekte Doshis, der 2018 als erster indischer Architekt überhaupt mit dem renommierten Pritzker-Preis ausgezeichnet wurde, sind nun als Post-Corona-Premiere im Architekturzentrum Wien (AzW) zu sehen. Kommenden Freitag wird die Wanderausstellung eröffnet. Aufgrund des verspäteten Starts ist die Ausstellungsdauer diesmal auf einen Monat beschränkt, bevor die Exponate nach Chicago weiterverschifft werden müssen.

„Für Balkrishna Doshi ist Architektur die Feier des Lebens“, sagt Angelika Fitz, Direktorin des AzW, die die Ausstellung mit dem programmatischen Untertitel Architektur für den Menschen von der Vastushilpa Foundation und vom Vitra-Design-Museum übernommen hat. „Seine Bauten sind von der Überzeugung getragen, dass die gebaute Umwelt einen entscheidenden Einfluss auf das Wohlergehen, auf das Zugehörigkeitsgefühl und auf den gesellschaftlichen Gemeinsinn hat. Zudem vereint seine Vorstellung von Nachhaltigkeit die soziale, kulturelle, ökologische und wirtschaftliche Dimension.“ Schon 1956, als er sein eigenes Architekturbüro gründete, nannte er dieses Vastushilpa. Der Sanskrit-Begriff lässt sich am ehesten mit „Umwelt gestalten“ übersetzen.

Umwelt gestalten

Bis heute richtet der inzwischen 92-jährige Balkrishna Doshi – neben perfekter Lichtchoreografie, der Verwendung regionaler Materialien und der Einbeziehung lokaler Man- und Woman-Power – genau darauf den Fokus. Seine Bauten kommen ohne Klimatisierung aus, arbeiten mit natürlicher Belüftung und thermischen Strömungen im Innenraum und nutzen altbewährte Methoden stromloser Kühlung mittels gesammelten Regenwassers. Ins Tonnengewölbe seines 1980 errichteten Architekturstudios Sangath ließ er wie in vielen anderen Projekten Tonröhren einbauen, die bei Bedarf mit kaltem Wasser gefüllt werden und das Haus auf diese Weise kühlen. Damit hat er die heute in Europa gebräuchliche Bauteilaktivierung als Lowtech-Variante um Jahrzehnte vorweggenommen.

Doshi, der zu Beginn seiner Karriere für Le Corbusier, später auch mit Louis Kahn und Kenzo Tange arbeitete, war immer schon eine Art Seismograf für gesellschaftliche Entwicklungen. Für einkommensschwache Menschen, die in Indien als Economically Weaker Sections (EWS) bezeichnet werden, errichtete er 1989 in Indore, Zentralindien, die superkompakte Wohnsiedlung Aranya mit jeweils 30 Quadratmeter großen Einzelparzellen, die in einer Regierungslotterie an bedürftige EWS-Familien verlost wurden. Fundament, Grundmodul, Sanitärblock sowie Strom- und Kanalanschluss waren bereits fertiggestellt, den Rest der Häuser konnten die Bewohner nach eigenen Wünschen erweitern. Die möglichen Bebauungsvarianten stellte Doshi den Bewohnern in einem Formenkatalog sowie in 60 Musterhäusern zur Ansicht.

Flexibel, organisch, nah an der Natur

„Doshi hat hier sehr früh realisiert, was auf diversen Architektur-Biennalen in Venedig mit einigen Jahren Verspätung oft untersucht und durchdacht wurde“, sagt Fitz. „Das mit dem Menschen mitwachsende Minimalhaus ist aufgrund der knapper werden Grundstücksressourcen und den damit verbundenen hohen Bau- und Wohnkosten in den Großstädten heute aktueller denn je.“ Doch im Gegensatz zu den meisten Selbstbau-Projekten, die früher oder später wie eine Schrebergartensiedlung aussehen, gelingt es Doshi, die selbstbestimmten Überformungen so zu choreografieren, dass sie tatsächlich eine gestalterische, dörfliche Einheit bilden.

„Das Leben ist im Fluss“, sagt Doshi, der in der westindischen Stadt Ahmedabad lebt und arbeitet. „Ich wurde in eine Großfamilie mit 17 Menschen hineingeboren, die sich ständig wandelte und weiterentwickelte, und so kam mir in den Sinn, dass ein festes, statisches Gebäude diesen Veränderungen niemals gerecht werden kann. In meinem Leben ist Architektur etwas Flexibles, etwas Organisches, ganz nah an der Natur.“

Als Balkrishna Doshi vor zwei Jahren mit dem mit 100.00 US-Dollar dotierten Pritzker-Preis ausgezeichnet wurde, war sein sehnlichster Wunsch die Befähigung und Bevollmächtigung der Menschen. „Das geht nicht mit Ziegel und Beton. Das geht nur mit Bildung, Technologien und einem freien Geist in der Gesellschaft. Und vielleicht mit einem internationalen Preis, der mir nun eine gewisse kulturelle Macht verleiht – und die möchte ich als Werkzeug nutzen, um die indische Regierung zum Umdenken zu bewegen.“

[ „Balkrishna Doshi. Architektur für den Menschen“ im AzW im Museumsquartier. Zu sehen von 29. Mai bis 29. Juni 2020. ]

Der Standard, Sa., 2020.05.23

Als Gründer und langjähriger Leiter des Architekturzentrums Wien prägte Steiner die Art, wie in Österreich über Architektur nachgedacht wird

Auf dem Cover seines 2016 erschienenen Buchs „Steiner’s Diary“ ist er, auf einem Holzgestell sitzend, direkt in die Kamera blickend, mit einer Zigarette im Mundwinkel zu sehen. Das Bild ist mehr als paradox, denn einerseits war „der Steiner“, wie ihn alle nannten, kaum eine Minute ohne sein Tabakmarkenzeichen zu sehen, andererseits jedoch hatte der zeitlebens Getriebene kaum je eine Minute Zeit, Ruhe und Muße zu finden. Am Freitag ist der in und für die Architektur lebende Dietmar Steiner an den Folgen einer Herzoperation, von der er sich in den letzten Monaten nicht mehr erholte, 68-jährig in Wien verstorben.

Steiner, 1951 in Wels geboren, träumte als Kind davon, Konstrukteur von Formel-1-Autos zu werden, studierte Architektur an der Akademie der bildenden Künste in Wien und arbeitete viele Jahre bei Friedrich Achleitner und Rob Krier. Er leitete ein Büro für Architekturberatung und war Redakteur des internationalen Designmagazins „Domus“ in Mailand, bei dem er sich die Skills für eine sowohl scharfsinnige Beobachtung als auch scharfe Zunge aneignete, die auch seine späteren Texte im STANDARD, im „Profil“ sowie in zahlreichen Ausstellungskatalogen und Büchern prägte.

Pionier in heutigem Museumsquartier

Seine für Wien und Österreich größte Vermachenschaft jedoch geht auf das Jahr 1993 zurück. Gemeinsam mit der damaligen Kulturstadträtin Ursula Pasterk erarbeitete er ein Viersäulenmodell aus Präsentieren, Diskutieren, Publizieren und Archivieren, mietete sich im damals noch unsanierten Messepalast, dem heutigen Museumsquartier, ein und gründete das Architekturzentrum Wien. Bis heute ist das AzW, nunmehr unter der Führung von Angelika Fitz, die größte und wichtigste Architekturinstitution Österreichs.

„Es ist ein unglaubliches Glück, dass dieser Job und meine Person sich gefunden haben“, sagte Steiner 2016 in seinem Abschiedsinterview mit dem STANDARD. „Ich bin wirklich dankbar dafür, dass mir damals die Chance geboten wurde, dieses Haus zu gründen und ein Wissenszentrum mit einer umfangreichen Sammlung und einem mittlerweile wirklich fundierten Archiv zu etablieren, das mittlerweile weit über Österreich hinaus bekannt ist und sich internationale Reputation erarbeitet hat.“

„Wer heute Architektur macht, muss Jus studieren“

Steiner, der sich selbst als Fatalisten bezeichnete, erkannte in der österreichischen Baukultur der 90er-Jahre eine regelrechte Aufbruchstimmung, deren Rückenwind er sich als AzW-Direktor zunutze machte, während er die aktuelle Situation streng kommentierte: „Wer heute Architektur macht, muss von Jus und Wirtschaft mittlerweile mehr Ahnung haben als vom Bauen. Mit Architektur im klassischen Sinne hat das alles bald nicht mehr viel zu tun. Wo sind die Rebellen gegen das Imperium? Es braucht bitte mehr davon!“

„Steiner’s Diary“, eine Art 400-seitiger Rückblick auf die österreichische Architektur sowie auf seine Rolle als baukultureller Mentor und Katalysator, ist in „sieben Tage“ unterteilt. Vom Ruhen am siebenten Tag, an dem er in seiner Pensionierung sein Archiv sortierte und seinen umfassenden Vorlass vorbereitete, konnte keine Rede sein. Diese findet er nun, Rebell, wie er war, am achten Tag.

Der Standard, Fr., 2020.05.15

In den letzten Wochen haben wir uns an dieser Stelle dem Thema Wohnen gewidmet. Doch wie wollen wir morgen und übermorgen eigentlich arbeiten? Das oberösterreichische Unternehmen Grüne Erde zeigt vor, wie es gehen könnte. Ein Besuch vor Ort.

Im Winter, wenn die erste Schneeflocke fällt“, sagt Maria Kainrad, „starren wir alle wie gebannt in unser bewaldetes Atrium, und jetzt in der Corona-Krise, wo wir in der Produktion ausnahmsweise Schichtbetrieb eingeführt haben, damit wir uns aus dem Weg gehen können und nicht so nah beisammensitzen müssen, sehen wir, wie sich die Laub- und Nadelbäume in den Abendstunden orangerot färben und wie die Sonnenstrahlen in den Glasscheiben reflektiert werden. Schaut einfach nur wunderschön aus.“

Kainrad, 55 Jahre alt, ist Teamleiterin in der Schneiderei. Gemeinsam mit ihren 20 Mitarbeiterinnen in der Abteilung sitzt sie zwischen Nähmaschinen, Dampfbügelgeräten und schrankgroßen, radgetriebenen Spulen, auf die Fäden, Garne und naturfarbene Baumwollstoffe aufgewickelt sind. Doch anders als in anderen Fabriken ist sie nicht Gefangene in irgendeiner gesichtslosen Industriehalle mit Dämmpaneelfassade und Trapezblechdecke, die einzig und allein dem Prinzip der Kosteneffizienz folgt, sondern arbeitet in einem mittlerweile preisgekrönten Holzbau – mit Blick auf eines von insgesamt 13 begrünten Atrien, die wie sinnliche Luft- und Pflanzenwürfel aus dem rund 9000 Quadratmeter großen Gebäude ausgestanzt sind.

Die Rede ist vom neuen Schauraum und Produktionsstandort des oberösterreichischen Unternehmens Grüne Erde. Hier, im abgeschiedenen Almtal, eine spazierende Viertelstunde vom Bahnhof Viechtwang entfernt, kann man nicht nur Möbel und Wohnaccessoires kaufen und nebenbei in der Geschichte der 1983 gegründeten Firma schmökern, sondern auch den insgesamt 50 Arbeiterinnen und Arbeitern in der Polster- und Matratzenproduktion bei ihren einmal feinstofflichen, einmal kräftezehrenden Handgriffen über die Schulter schauen.

„Der alte Produktionsstandort war viel zu klein und seit Jahren schon veraltet“, erinnert sich Reinhard Kepplinger, Geschäftsführer und Co-Eigentümer der Grünen Erde. „Daher war klar, dass wir früher oder später expandieren müssen. Auf diesem Grundstück in Pettenbach, auf dem sich einst die Fabrikationshalle eines Küchenherstellers befand und wo wir daher keinen einzigen Quadratmeter Land zusätzlich versiegeln mussten, fand sich die perfekte Gelegenheit. Das war die Geburtsstunde unserer neuen Homebase, die wir nun Grüne-Erde-Welt nennen.“

Daniel-Düsentrieb-Wahnsinn

Kepplinger, ein Gentleman-Lächeln im Gesicht, sieht aus, als wäre er einem Zegna- oder Jil-Sander-Katalog entsprungen, doch unter den edlen Tüchern schlägt sein Herz für Filz, Wolle, Ökolatex, bienengewachstes Holz und eigens gezüchtetes Kapok, dessen wolkig-flaumige Samenfasern als vegane Alternative zu Federn und Daunen verwendet werden. Hinzu kommt eine Portion Daniel-Düsentrieb-Wahnsinn, denn das gesamte Möbelprogramm von Grüne Erde kommt ohne ein einziges Stück Metall aus, ohne Schraube und ohne Scharnier, und besteht daher aus teils traditionellen, teils selbstentwickelten Steckverbindungen und mechanisch beweglichen Details.

„Diesen Geist“, sagt Architekt Klaus Klaas Loenhart, „galt es, in das Gebäude zu übersetzen.“ Loenharts Herz ist nicht minder grün beschaffen, ist er mit seinem Grazer und Münchner Büro Terrain doch derjenige, der auf der Expo 2015 in Mailand den mit 56 Bäumen und fast 13.000 Stauden bewaldeten Österreich-Pavillon Breathe.Austria entwarf und in Anlehnung daran das Grüne-Erde-Haus als Breathing Headquarters bezeichnet.

„Auf Metall kann man auf der Baustelle freilich schwer verzichten“, so Loenhart, „daher haben wir uns die Frage gestellt, wie wir die Radikalität und ökologische Kompromisslosigkeit dieses Unternehmens auf den Maßstab der Architektur übertragen können – und haben beschlossen, auf erdölbasierte Produkte zu 98 Prozent zu verzichten.“ Die einzigen zwei Ausnahmen sind die Heizschläuche im Boden und die Gummidichtungen in den Fenstern und Türen.

Das Resultat dieser ressourcenschonenden Bemühungen ist ein Holzbau mit hohen, aussteifenden und zugleich schallschluckenden Holzkassetten an der Decke sowie tragenden, weiß lasierten Fichtenstützen, die einem eigens entwickelten Algorithmus folgen und daher wie zufällig verteilt im Raum stehen. Die ehemalige Betonhalle des Küchenproduzenten wurde zermalmt und zermahlen und führt nun als recycelter Zuschlagstoff in der Fundamentplatte ein Weiterleben nach dem Tod. Das Dach ist mit einer Kautschukdichtung abgeschlossen, darüber befindet sich eine fast flächendeckende Fotovoltaikanlage, gekühlt und geheizt wird mittels Geothermie.

Die Zukunft der Arbeit

Die 13 Lichtatrien schließlich, die 13-mal unterschiedlich bestückt und bepflanzt sind und auf diese Weise die verschiedensten Rohstoffquellen der Grünen Erde sichtbar machen, sind nicht nur Lichtspender, sondern dienen auch zur sommerlichen Querlüftung. Große Öffnungsflügel machen die winzigen Miniaturwälder spür- und riechbar. „Es ist ein schöner Job an einem tollen Ort, aber den ganzen Tag lang zu arbeiten hat trotzdem etwas Ermüdendes“, sagt Maria Kainrad. „Wenn man dann plötzlich den Nadelwald und die blühenden Sträucher riecht, sobald man die Fenster aufmacht, ist das schon ziemlich lässig.“

Die Grüne-Erde-Welt, ein Kooperationsprojekt von Klaus Klaas Loenhart und dem Linzer Architekturbüro Arkade, wurde mit dem Oberösterreichischen Holzbaupreis 2019 ausgezeichnet. Mit einem Baubudget von rund 1100 Euro pro Quadratmeter ist es nicht nur gelungen, die Werte des Unternehmens, die sich sonst in flauschigen Alpakadecken, kirschkerngefüllten Kissen und handgestreichelten Massivholzmöbeln manifestieren, auf den Maßstab XXL zu übertragen (alles gutes Marketing, keine Frage), sondern auch Wertschätzung gegenüber Mensch und Natur zur Geltung und zum Ausdruck zu bringen.

„Wissen Sie, wir sind Arbeiterinnen. Und ich kann Ihnen ehrlich sagen, dass uns in der Gesellschaft da draußen nicht immer der größte Respekt entgegengebracht wird“, sagt Kainrad. „Hier arbeiten zu dürfen fühlt sich an, als würden wir in einem hellen Wohnzimmer mit Terrazzoboden und grünen Balkonen sitzen. Die Corona-Krise macht die anstrengenden Jobs, die die Gesellschaft am Laufen halten, plötzlich sichtbar – ob das nun Supermarktkassierinnen, Straßenarbeiter oder Fachkräfte in einem regionalen oberösterreichischen Unternehmen sind.“

Die aktuelle Ausnahmesituation auf der ganzen Welt bietet Gelegenheit, innezuhalten und die Werte unserer zum Teil uninspirierten und unmenschlichen Bauproduktion, die statt des Menschen oft nur die Moneten in den Mittelpunkt stellt, zu überdenken. Wie wollen wir in Zukunft wohnen, wie wollen wir lernen, wie wollen wir arbeiten? Zum Beispiel so.

Der Standard, Sa., 2020.04.25

In einem offenen Brief werden Vermieterinnen und Hauseigentümer zur Verantwortung gezogen. Sie sollen in Härtefällen Mietern unter die Arme greifen. Auch langfristige Wohnrechtsreformen werden gefordert. Ein Aufruf.

Die Corona-Krise konfrontiert uns mit einer Realität, die wir in dieser Form noch nie zuvor erlebt haben“, sagt Simon Andreas Güntner. Der deutsche Soziologe ist Professor an der TU Wien und beschäftigt sich schwerpunktmäßig mit Raumsoziologie und Fragen des urbanen Zusammenlebens. „Entsprechend neu und ungewohnt ist die derzeitige Definition des Wohnens, das sich durch die Überlappung mit zusätzlichen Funktionen wie etwa Schule und Arbeit vollkommen verändert. Wir müssen uns damit arrangieren, dass die Wohnung nun mehr ist als bloß der Ort des persönlichen Rückzugs. Wir müssen das Wohnen neu lernen.“

Doch während die einen damit beschäftigt sind, ihre Wohnung umzubauen und coronatauglich zu machen (das Architekturzentrum Wien hat dazu sogar einen Instagram-Aufruf unter dem Hashtag #WieWirCoronaWohnen gestartet), fürchten die anderen schlichtweg um ihre Existenz. Kurzarbeit, Arbeitslosigkeit und der plötzliche Entfall von Umsätzen und selbstständigen Lebensgrundlagen führen in tausenden Fällen zu prekären Situationen.

Die Folge sind Mietrückstände, finanzielle Mittellosigkeit und manchmal sogar auslaufende Mietverträge, die laut dem viertem Covid-19-Bundesgesetz zwar in beiderseitigem Einvernehmen zwischen Mieter und Vermieter verlängert werden „können“ – aber eben nicht müssen. In Härtefällen kann der Vermieter den befristeten Vertrag beenden – und das in einer Zeit, in der Wohnungssuche, Übersiedelung und Möbelbeschaffung de facto unmöglich durchzuführen sind.

„Die kurzfristigen Maßnahmen und wirtschaftlichen Konsequenzen rund um die Corona-Krise machen die schon seit langem bestehende Problematik Wohnen jetzt umso deutlicher“, sagt die Wiener Architektin Gabu Heindl, die an der Architectural Association (AA) in London unterrichtet. „Mit den 1994 eingeführten Lagezuschlägen und Befristungen, die heute gang und gäbe sind und die die Mieterinnen alle drei Jahre vor potenzielle Wohnungslosigkeit stellen, wenn sie nicht den Mund halten und laufende Mieterhöhungen in Kauf nehmen, was wiederum zu Mietexplosionen am privaten Wohnungsmarkt führt, wurde das Mietrechtsgesetz mehr und mehr prekarisiert.“ Und das Problem ist kein geringes: Allein 2017 wurden 70 Prozent aller privaten Wiener Mietverträge befristet abgeschlossen.

Um auf die bestehenden Missstände hinzuweisen, die in der Corona-Krise mitunter zu Ausweglosigkeiten führen, verfasste Heindl gemeinsam mit Bettina Köhler, Stadtforscherin und Sozialwissenschafterin an der Universität Wien, einen offenen Brief mit dem Titel Wer zahlt die Krise? , der dieser Tage über mehrere Print- und Onlinemedien publikgemacht wurde. Mehr als hundert Wissenschafter, Architekturschaffende und Universitätsprofessorinnen haben sich dem Brief mit ihrer Unterschrift angeschlossen.

Problem Befristungen

Zu den darin geäußerten Forderungen zählen unter anderem die Stärkung der Mittel und Kapazitäten von Frauenhäusern, die Öffnung von Hotels, Airbnb-Apartments und leerstehenden Wohnungen für Wohnungs- und Obdachlose, die Aussetzung von Kündigungen und Mieterhöhungen während der Corona-Krise sowie klare Regelungen zu Mietzinsreduktionen und Mietenerlässen als Alternative zu den im Bundesgesetz dargestellten Mietstundungen, die mit bis zu vier Prozent verzinst werden dürfen und die die Mieter mittelfristig sogar noch stärker belasten.

„Wohnen ist wie Bildung, Arbeit und Gesundheit ein Menschenrecht, doch in der Corona-Krise ist dieses Menschenrecht noch stärker gefährdet“, sagen Heindl und Köhler. „Der Umstand, dass wir immer mehr Wohnraum in die Hände von Fonds, internationalen Konsortien und institutionalisierten, gewinnorientierten Großbesitzverwaltern übergeben, macht das Einfordern dieses Grundrechts nicht gerade einfacher, aber umso wichtiger.“

Auch Martin Orner, Obmann und Geschäftsführer des gemeinnützigen Bauträgers EBG, selbst Mitunterzeichner des Briefs, meint: „Wir haben in der Corona-Krise mit Ausfällen zu rechnen, und es stellt sich die Frage, wie wir diese finanziellen Lasten fair verteilen. Es kann nicht sein, dass die Verluste von den Schwächsten in der Gesellschaft getragen werden müssen, während die Gewinne bei den Reichsten unangetastet bleiben. Daher braucht es eine Regelung, wie auch Vermieterinnen und Grundstückseigentümer ihre soziale Verantwortung wahrnehmen.“ Für in Not geratene Vermieter schlagen die Autorinnen im offenen Brief die Errichtung eines Härtefonds vor.

„Die Corona-Krise macht nichts anderes, als schon lang bestehende Problemlagen zuzuspitzen“, kontert Barbara Ruhsmann, Obfrau des Forums Wohn-Bau-Politik. „Ich glaube allerdings nicht, dass es hilft, wenn jetzt alle in denselben Debattenmustern verbleiben wie in den letzten Jahrzehnten auch schon. Fruchtbarer wäre es, unsere Wohnpolitik überhaupt gründlich zu überdenken, das Mietrechtsgesetz zu reformieren und – wie im türkis-grünen Regierungsprogramm angekündigt – die Expertise der Bevölkerung in Form von Enqueten und Bürgerkonvents einzubeziehen.“

Selbstredend, dass der offene Brief auch in der Immobilienwirtschaft nicht nur auf Zustimmung stößt. „Gerade die privaten Immobilieneigentümer haben schon im Zuge der Regelungen der Gewerbemieten eine immense Belastung zu spüren bekommen“, sagt Sandra Bauernfeind, Vorstand des Österreichischen Verbands der Immobilienwirtschaft (ÖVI). „Daher sind wir um einen offenen Dialog zwischen Vermieter und Mieter bemüht – allerdings ohne weitere zusätzliche legistische Regelungen.“ Martin Prunbauer, Präsident des Österreichischen Haus- und Grundbesitzerbundes (ÖHGB), meint: „Private Immobilieneigentümer leisten einen großen Anteil an der Gesamtinvestitionssumme im Bau- und Baunebengewerbe und erweisen sich als stabiler Konjunkturmotor für die heimische Wirtschaft. Diesen Menschen jetzt noch mehr wegzunehmen ist eindeutig der falsche Weg.“

Die Diskussion ist eröffnet

Und Kaspar Erath, Obmann des Vereins zur Revitalisierung und architektonischen Aufwertung der Wiener Gründerzeithäuser, äußert sich auf Anfrage des ΔTANDARD: „Ernährung und Gesundheit sind auch ein Grundrecht. Niemand kommt auf die Idee, die Supermärkte und Apotheker zu attackieren und zu fordern, Lebensmittel und Arzneien im Härtefall kostenfrei zur Verfügung zu stellen. Warum also beim Wohnen? Wenn das so weitergeht, dann können wir am besten gleich alle enteignen und eine riesengroße österreichische Kommune machen!“

Die Diskussion ist eröffnet. Der offene Brief mit Forderungen an die private Immobilienwirtschaft und längst überfälligen Fragen der Risikoverantwortung und Verteilung auf der einen Seite sowie die Ängste und Gegenwehrmechanismen der privaten Wohnungsvermieter und ihrer Interessensvertretungen auf der anderen Seite zeigen vor allem eines auf – dass die Bundesregierung in Sachen Wohnrecht und Mietrechtsgesetz in und nach Corona einige dringend anstehende Hausaufgaben zu erledigen hat.

„Wir müssen verstehen“, sagt Bernd Rießland, Vorstandsmitglied der Sozialbau AG und Obmann des Österreichischen Verbands gemeinnütziger Bauvereinigungen (GBV), „dass der österreichische Staat in der Corona-Krise kein Bösewicht ist, sondern lediglich in unser aller Interesse als Organisator und Manager mit entsprechenden Corona-Maßnahmen agiert, weil es ja auch unser aller Interesse ist, diese Pandemie so gut wie möglich zu überstehen. Daher ist es auch nötig, dass sich jeder mit seinen zur Verfügung stehenden Ressourcen in dieser Krise beteiligt – die Armen wie die Reichen, die Mieter wie die Vermieter, die Privaten wie die Gemeinnützigen.“

Wie lautet der so oft gehörte Corona-Slogan? „Gemeinsam schaffen wir das!“ Aus dieser notgedrungenen Arbeitsgemeinschaft ist niemand ausgenommen.

Der Standard, Sa., 2020.04.18

Die rigorosen Maßnahmen gegen die Corona-Krise beweisen, dass wir in der Lage sind, unser Verhalten zu ändern. Was wäre, wenn sich die Bundesregierung der Klimakrise mit der gleichen Konsequenz entgegenstellte wie dem Coronavirus? Was, wenn eines Tages ähnliche Maßnahmen im Bauen und Wohnen getroffen würden? Ein Bericht aus der Zukunft.

Wien, 21. März 2021 – Heute zu Mittag haben Bundeskanzler Sebastian Kurz (ÖVP), Wirtschaftsministerin Margarete Schramböck (ÖVP) und die grüne Umweltministerin und CO2-Ausschuss-Vorsitzende Leonore Gewessler in einer kurzfristig einberufenen Pressekonferenz die Klimaschutznotverordnung 2021 (KliNo) bekanntgegeben, die am 1. April 2021 in Kraft treten soll. Das Paket der türkis-grünen Regierung geht mit aller nötigen Konsequenz gegen die fortschreitende globale Klimakrise vor und erinnert mit seinen zum Teil harten Maßnahmen, die von Bund, Land, Gemeinde, Baupolizei, Klimamiliz und CO2-Ausschuss rigoros umgesetzt werden sollen, an das temporäre „Corona-Gesetz“, das vor genau einem Jahr als Reaktion auf die sich ausbreitende Krankheit Covid-19 vom Nationalrat verabschiedet wurde.

Neben diversen Konsumkontingentierungen von nicht täglich benötigten Gebrauchsgütern pro Kopf, drastischen Einschränkungen im privaten und beruflichen Luftverkehr sowie verschärften Vorschriften für Industrie und Logistik, die anhand eines 24-monatigen Stufenplans mithilfe von EU-Geldern aus dem kürzlich beschlossenen Förderpaket „ProClimActive“ Schritt für Schritt umgesetzt werden, betrifft eine ganze Reihe von Maßnahmen den Wohn- und Bausektor.

Vorbild für das Maßnahmenpaket ist unter anderem die sogenannte 2000-Watt-Gesellschaft – ein interdisziplinäres, energiepolitisches Modell der ETH Zürich, das in der Schweiz bereits seit mehreren Jahren Anwendung findet und das den Lebensstil und die durchschnittliche Pro-Kopf-Leistung bis 2050 von derzeit 2500 Watt (globaler Mittelwert) bzw. 6000 Watt (EU-Durchschnitt) auf 2000 Watt reduzieren soll. Hier die wichtigsten branchenbezogenen Punkte der KliNo 2021 im Überblick: –

Wirtschaftsumbau

Die Umstellung der österreichischen Betriebe der Baubranche auf Klimaneutralität verlangt eine umfassende Adaptierung von Sortimenten, Lieferketten, Produktionsprozessen, Arbeitsabläufen und eine alternative Schwerpunktsetzung bei den zu bewältigenden Bauaufgaben. Die Bundesregierung unterstützt diese Umstellung mit einer Milliarde Euro, die zusätzlich zu den Geldern aus dem EU-Fonds ProClimActive zur Verfügung gestellt werden.

Memorandum für Baulandwidmung

Mit sofortiger Wirkung werden in den nächsten zehn Jahren keine Baulandwidmungen mehr vorgenommen. Die Versiegelung in bestehenden Siedlungsgebieten ist auf das absolut notwendige Minimum zu reduzieren. Siedlungsgrenzen sind einzuhalten. Über Widmungen entscheidet ab sofort nicht mehr die bürgermeisterliche Instanz, sondern Bund und Land.

Versiegelungsstopp

Sofortiger Versiegelungsstopp im ländlichen Raum und in städtischen Grünzonen. Systemerhaltend notwendige Versiegelungen dürfen nur noch mit einer entsprechenden Ersatz-Entsiegelung in zumindest gleichem Flächenausmaß vorgenommen werden. Zur Bewertung von Ver- und Entsiegelungsansuchen wird ein unabhängiger Flächenbeirat eingerichtet.

Sanierung und Rückbau

Brachliegende Immobilien sind vom Grundeigentümer entweder zu sanieren und in Nutzung zu bringen oder aber bis zur Bodenentsiegelung rückzubauen. Rückbau- und Entsorgungskosten müssen bei Planung, Errichtung und Verkauf transparent kommuniziert und in die Lebenszyklusberechnung ohne Ausnahme miteinbezogen werden.

Reduktion von Neubau

Neubau ist auf das nachweislich Notwendige zu beschränken. Eine potenzielle Gebäudemindestnutzungsdauer von 100 Jahren sowie ein flexibles Nachnutzungskonzept sind nachzuweisen. Zugunsten künftiger Sanierungszyklen sind Gebäudestruktur, Fassade, Haustechnik und Interieur modular bzw. voneinander leicht trennbar auszuführen.

Verbot von Verbundbaustoffen

Sofern materielle und technische Alternativen am Markt verfügbar sind, ist der Einsatz von nichttrennbaren und nichtrecyclingfähigen Verbundbaustoffen im Hochbau verboten. Lokalen und ökologischen Baustoffen mit regionaler Wertschöpfungskette und leichter Demontage sowie Rezyklierbarkeit ist der Vorrang zu geben.

Vereinheitlichung der Bauordnung

Zugunsten der Praktikabilität der Umsetzung werden alle neun Landesbauordnungen – mit Ausnahme von boden-, wind- und niederschlagsrelevanten Faktoren – zu einer österreichischen Bauordnung (ÖBO) zusammengeführt.

Novelle Stellplatznachweis

Die Notwendigkeit der Errichtung eines Pkw-Stellplatzes ist nachzuweisen. Ohne entsprechenden Nachweis dürfen nur noch Stellplätze für einspurige Fahrzeuge und/oder Elektrofahrzeuge samt E-Ladeanschluss errichtet werden. Nichtbenötigte Stellplätze sind rückzubauen.

Grüne Infrastruktur

Im Sinne des Mikro- und Kommunalklimas (Kühlung, Luftqualität, Entlastung des öffentlichen Kanalnetzes etc.) sind Neubauten und neue Siedlungsquartiere mit grüner Infrastruktur auszustatten (grüne Fassaden, Dachbegrünung, „Schwammstadt“ etc.). Der Gebäudebestand ist dementsprechend nachzurüsten.

Verschattung

Je nach Bedarf und örtlicher Gegebenheit sind bauliche und/oder mechanische Verschattungsmaßnahmen vorzusehen. Bestehende Gebäude sollen im Zuge kommender Sanierungsmaßnahmen nachgerüstet werden. Bei gründerzeitlichen und denkmalgeschützten Bauten ist ein Schattengutachten bezüglich der Erhaltungswürde und des Verschattungsbedarfs nachzuweisen.

Heizen und Kühlen

Der gesamte Wärme-, Kühl- und Lüftungsbedarf für die Nutzung von Wohnen, Büro und Gewerbe ist im Niedertemperaturbereich bzw. verbrennungsfrei zu decken. Der elektrische Energiebedarf für diese Nutzungen ist erneuerbar und nach Möglichkeit lokal herzustellen.

Smart Grids

Um Bedarfsspitzen abzudecken und die Netze zu entlasten, wird die Errichtung von Smart Grids mit Mitteln von ProClimActive gefördert. Heterogene Nutzungszusammenschlüsse aus unterschiedlichen Assetklassen (Wohnung, Büro, Hotel, Gastgewerbe, Bildungsbau, Industrie, Infrastruktur) sind aus Effizienzgründen zu bevorzugen. Öffentliche und private Energieversorger müssen Einspeise- und Entnahmetarife angleichen.

CO2-Steuer

Wie im Bereich Konsum und Mobilität wird auch das Bauen und Wohnen CO2-versteuert. Fällig wird die CO2-Steuer (gestaffelte Steuerklassen) bei Neubaumaßnahmen, nichtklassifizierten und/ oder fossilen Energiequellen, bei über den festgesetzten Maximalwert hinausgehenden Energieverbrauchsmengen sowie im Erwerb und/oder Bewohnen von neu erbauten Einfamilienhäusern.

Energieverbrauch

Der jährliche Normenergieverbrauch wird abhängig von Haushaltsgröße, Warmwasseraufbereitung und Heiz- und Kühlbedarf auf einen entsprechenden Maximalwert festgesetzt. Darüber hinausgehende Verbrauchsmengen werden CO2-besteuert. Bis Jahresende müssen alle Haushalte und sonstige Miet- und Eigentumsverbände mit Smart Metern ausgestattet werden.

Miet- und Eigentumsrecht

Die Mietzinsrücklagenbildung umfasst ab sofort auch Maßnahmen zur thermischen und klimagerechten Sanierung. Eine qualifizierte Mehrheit an Gemeinschaftseigentümern reicht aus, um Verbesserungsmaßnahmen im Sinne des Klimaschutzes umzusetzen. Bei langfristigem Leerstand im Mietwohnbau (ab sechs Monaten) und lokalem Wohnbedarf fällt eine Leerstandsabgabe in der Höhe von 20 Prozent der marktüblichen Miete an. Die Leerstandsabgabe erhöht sich alle sechs Monate um weitere 20 Prozent.

Der Autor hat sich beim Verfassen der fiktiven Klimaschutznotverordnung von Expertinnen und Experten beraten lassen.

Der Standard, Sa., 2020.03.21

„Architektur-Nobelpreis“ für Yvonne Farrell und Shelley McNamara

Chicago – Na endlich! 1979 wurde der renommierte Pritzker-Preis, der jährlich mit 100.000 US-Dollar dotiert ist, ins Leben gerufen. In den ersten 40 Jahren seines Bestehens wurden erst drei Frauen damit ausgezeichnet, wobei Zaha Hadid 2004 die Einzige war, die den sogenannten „Nobelpreis der Architektur“ ohne männlichen Büropartner entgegennehmen durfte.

Nachdem die Kritik an der männlichen Dominanz des Preises immer lauter wurde, ist es umso logischer, dass mit Yvonne Farrell (69) und Shelley McNamara (68), die gemeinsam das Büro Grafton leiten, gleich zwei Chefarchitektinnen vor den Vorhang geholt werden. Nach ihrem Architekturstudium gründeten die beiden Irinnen 1978 in Dublin ihr eigenes Architekturbüro. Sie realisierten bereits Bildungsbauten und diverse Institutsbauten in Irland. 2008 stellten sie ihren ersten internationalen Auftrag fertig, der kurz darauf zum World Building of the Year 2008 erkoren wurde – die Università Luigi Bocconi in Mailand.

Es folgten weitere ausgezeichnete Universitätsbauten in Lima (Peru, 2015) und Toulouse (Frankreich, 2019) sowie großmaßstäbliche Projekte in Frankreich und Großbritannien. Derzeit in Bau befindet sich die London School of Economics and Political Science. Internationale Bekanntheit erlangten Farrell und McNamara vor zwei Jahren, als sie die Direktion der Architektur-Biennale 2018 in Venedig übernahmen. Am 6. 3. hält Farrell beim Turn-On-Festival in Wien den Festvortrag.

Der Standard, Mi., 2020.03.04

Eine Ausstellung des Wien-Museums wirft einen neuen Blick auf die kalifornischen Wohnhäuser des österreichischen Exilarchitekten Richard Neutra.

Für die fünf Kinder waren die beiden großen Granitblöcke im Garten „die zwei großen Zehen“. Richard Neutras Frau Dione hingegen bezeichnete die 90 Millionen Jahre alten Felstrümmer gerne auch als jene zwei Hände, die die Aufgabe hätten, das Haus und seine Bewohner, die Oylers, zu segnen und zu beschützen. Das Oyler House in Lone Pine, rund dreieinhalb Autostunden nördlich von Los Angeles gelegen, zählt zu den wenig bekannten und auch entsprechend selten publizierten Werken des österreichisch-kalifornischen Exilarchitekten Richard Neutra (1892–1970). Nun ist es als eines von insgesamt neun Neutra-Häusern – am liebsten möchte man in die himmelblau-salbeigrün-silbrig schimmernden Fotos hineinkippen und durch sie hindurchwandern – in einer Ausstellung im Wien-Museum zu sehen.

„Richard Neutra und Rudolph Schindler sind jene beiden Wiener Architekten, die gemeinsam mit John Lautner, Craig Ellwood, Gregory Ain und einigen anderen die kalifornische Moderne der 1930er- bis 1960er-Jahre maßgeblich geprägt haben“, sagt Andreas Nierhaus, Architekturthistoriker am Wien-Museum. „Doch während Schindler in Österreich regelmäßig publiziert und ausgestellt wird, gab es zu Neutra hierzulande vor knapp 40 Jahren die letzte Ausstellung. Es gibt also ordentlich Nachholbedarf.“

Gemeinsam mit dem Tiroler Architekturfotografen David Schreyer, seines Zeichens selbst ausgebildeter Architekt, machte sich Nierhaus im Sommer 2017 nach L.A. auf, um sich dort auf die Spuren jener Wohnhäuser zu begeben, die vor wenigen Jahrzehnten noch für 25.000 bis 100.000 US-Dollar in den Maklerbüros und Zeitungsinseraten erfolglos angeboten wurden. Mit dem Mid-Century-Hype, der rund um 2000 eingesetzt hat, und der Wiederentdeckung des kalifornischen Architekturfotografen Julius Shulman (1910–2009) durch den deutschen Taschen-Verlag, der seine Schwarz-Weiß-Fotografien zu riesigen Coffee-Table-Books zusammengebunden hat, die seitdem in keinem Kulturhaushalt mehr fehlen dürfen, sind auch die Bauten Richard Neutras in den Architektur- und Immobilien-Olymp aufgestiegen. „Das Spannende aber ist, dass Neutras Häuser bis heute vor allem in den Schwarz-Weiß-Fotos von Julius Shulman sichtbar sind“, sagt David Schreyer. „Die meisten Gebäude befinden sich in Privatbesitz, sind in der Zwischenzeit hinter Hecken, Büschen und Palmen verschwunden und wurden seit Shulman nie wieder professionell fotografiert.“ Mit den nun vorliegenden Farbfotos Schreyers, die innerhalb von vier Wochen zwischen Kakteen und Klapperschlangen geschossen wurden, wird erstmals ein zeitgenössischer Blick auf Neutras Architektur ermöglicht.

Zum Selberbauen

Zurück nach Lone Pine, die Sierra Nevada im Westen, den Death-Valley-Nationalpark im Osten. Ende der 1950er-Jahre kaufte der Beamte und Versicherungsmakler Richard F. Oyler genau hier ein Grundstück, um für sich und seine Familie ein Haus zu errichten. In der Ortsbibliothek stieß er auf Bücher über Richard Neutra und schrieb dem Architekten daraufhin einen Brief mit der Einladung zur Zusammenarbeit. Die beiden Grundvoraussetzungen waren die Einhaltung eines knappen Budgets sowie die Realisierung des Holzbaus in Selbstbauweise.

„Im Gegensatz zum medial überlieferten Bild, dass Neutra ein Star sei, hat er eigentlich sehr gerne für Klienten mit niedrigem Budget geplant“, sagen die beiden Kuratoren Nierhaus und Schreyer. „Er war beeindruckt von der urzeitlichen Landschaft des Ortes, wo später auch einige Hollywood-Western gedreht wurden, und entwarf ein Haus, das durch seine große Glasfassade im Osten die Natur in den Innenraum holte.“ Ein ausladendes Vordach spendet Schatten und schützt das Haus vor sommerlicher Überhitzung. Die tragenden Balken sind so dimensioniert, dass Oyler sie in seiner Freizeit eigenhändig zusägen und in Position bringen konnte.

Heute wird das 1959 errichtete Haus von der Schauspielerin Kelly Lynch und dem Filmproduzenten Mitch Glazer bewohnt. „Dieses Haus ist ein Kunstwerk und zugleich der beste Beweis dafür, dass so ein Kunstwerk nicht viel kosten muss“, sagt Lynch. „Mit seinem kompakten Grundriss, der Platz für eine siebenköpfige Familie bereitstellte, aber auch durch die natürlichen Baumaterialien könnte es zum Vorbild für heutige Wohnhäuser werden.“

Antwort auf die Klimakrise

Neben dem neuen Blick auf die kalifornische Moderne und der umwerfenden Schönheit der Häuser und ihrer Bilder erklärt sich damit auch eine nicht unwesentliche Mission dieser in Anlehnung an die Balloon-Frame-Bauweise in Szene gesetzten Ausstellung: „Neutra hat gerne experimentiert und sich für neue, innovative Konstruktionen interessiert“, so Nierhaus und Schreyer. „Seinem behutsamen Umgang mit dem lokalen Wüstenklima ist zu verdanken, dass die meisten seiner Häuser auch bei 50 Grad Celsius ohne Klimaanlage auskommen.“

Die kleine Größe der Bauwerke, die Selbstzufriedenheit des Low-Techs und die Langlebigkeit der hier gebauten Materie stellen den heutigen amerikanischen XXL-Lebensstil drastisch infrage und bieten eine nicht nur lokale Antwort auf die globale Klimakrise.

[ „Richard Neutra. Wohnhäuser für Kalifornien“, Wien-Museum Musa, Felderstraße 6–8, 1010 Wien. Bis 20. September 2020 ]

Der Standard, Sa., 2020.02.15

Wann wurde der Spielplatz erfunden? Wie hat sich dessen Architektur im Laufe der Zeit verändert? Warum schauen heute alle Spielgeräte gleich aus? Die Ausstellung „The Playground Project“ widmet sich diesem zu wenig beachteten Kulturthema.

Eine Höhle, eine Raumkapsel, ein kleiner Piratenschlupfwinkel: „Diese Volumina“, schreibt Xavier de la Salle, „sollten keine Abfolge von Raumkörpern mit festgelegten Funktionen sein, sondern eigenständige Räume mit einer eigenen plastischen und ästhetischen Wirkung. Da ihnen keine Gebrauchsanweisung beigefügt war, konnten die Kinder sie nutzen, wie sie wollten, entweder um sich zu bewegen oder unter dem Gesichtspunkt von Imagination und Projektion.“ Und manchmal, erinnert sich der französische Maler und Bildhauer zurück, wurden die Räume nicht nur von Kindern genutzt, sondern „zu anderen Stunden“ auch von Erwachsenen.

Gemeinsam mit dem polnischen Architekten Simon Koszel und dem britischen Designer David Roditi gründet Xavier de la Salle 1967 die Group Ludic. Die interdisziplinäre Truppe beschäftigt sich mit der Planung und Errichtung von Spielskulpturen aus Polyurethan und Polyester. Die weißen und bunten Kunststoffkugeln balancieren meist auf bekletterbaren Stahlkonstruktionen. Auf diese Weise entstehen Spielplätze in Paris, Le Havre, Biarritz, Korsika, Rotterdam, Eindhoven, Den Haag sowie in diversen französischen Feriencamps. 1969 wird eine solche Spielskulptur auch im Quartier de la Chapelle im Norden von Paris (Foto rechts) in Betrieb genommen.

„Das echte Terrain bestand für uns aus schwierigen Quartieren und Schlafstädten, aus Städten, wo das lebendige Straßentreiben dem Monofunktionalismus geopfert worden war, den viele Planer im Namen der Charta von Athen stumpfsinnig umgesetzt haben“, sagt de la Salle. „Es ging uns darum, in den Raum einzugreifen, um die Art, wie man ihn konstruiert, besetzt und für Kinder zugänglich macht. Dabei wurde das Warum zu einer der entscheidenden Komponenten – egal ob es um Bildung, Entwicklung, Erziehung, Wohlbefinden, Komfort, Entdecken oder etwas anderes ging.“

Spielplätze als kreatives Labor

Genau dieser in der Architekturdiskussion bislang wenig beachteten Thematik widmet sich die Wanderausstellung The Playground Project, die derzeit im Deutschen Architekturmuseum (DAM) in Frankfurt am Main haltmacht. „Zwischen 1950 und 1980 war der Spielplatz ein kreatives Labor, es gab eine sehr aktive Spielplatzbewegung, und in den Städten der Industrienationen sind viele innovative und verrückte Projekte entstanden, an denen sich Architekten, Künstlerinnen, Landschaftsarchitekten, aber auch Bürger, Aktivisten und Pädagoginnen beteiligt haben“, sagt die Kuratorin, Raumplanerin und Politikwissenschafterin Gabriela Burkhalter.

Die Bandbreite an Spielplätzen aus dieser Ära, das zeigt der fast 300-seitige Ausstellungskatalog mehr als deutlich, reicht vom naturbelassenen Robinson-Abenteuerspielplatz über mond- und kapselartige Zitate auf Raumfahrt, Futurismus und Metabolismus bis hin zu aktionistischen Interventionen, die auf semichoreografierte Weise Open-Air-Bühnenbilder mit dem spielenden Kind im Mittelpunkt in Szene setzten. Die Projekte der deutschen Gruppe KEKS (Kunst, Erziehung, Kybernetik, Soziologie), die in der Ausstellung dokumentiert sind, machen neidisch. Man will noch einmal Kind sein.

„Es war eine tolle, lebendige, mit vielen Konventionen brechende Zeit, in der vor allem die mitteleuropäische Architektenschaft ein neues Betätigungsfeld für sich entdeckt hat“, so Burkhalter. „Die Typologie war nicht nur eine Spielwiese für Kinder, sondern auch für planende Erwachsene, die hier ihre ersten beruflichen Gehversuche gemacht haben und zu einem Experimentierthema beigetragen haben.“ Oft schlossen sich Künstler, Museen und industrielle Betriebe dieser Bewegung an. Eines der populärsten Beispiele ist der orangefarbene Lozzi-Wurm (in Anlehnung an den Erfinder und Künstler Yvan Pestalozzi, Foto Mitte), der in Serienproduktion ging und die Schweiz eroberte.

Ersatz für Wald und Wiese

Doch die Ursprünge des Spielplatzes liegen viel weiter zurück. Als in der Mitte des 19. Jahrhunderts die zunehmende Industrialisierung in Deutschland, Großbritannien und Nordamerika das Grün aus der Stadt mehr und mehr verdrängte, suchten Privatpersonen und Philanthropen nach einem möglichen Ersatz für Wald und Wiese und schufen so die ersten urbanen Sandspielflächen. Bis zum Ausbruch des Ersten Weltkriegs entwickelte sich die städtische Spielkultur rasant und gipfelte um 1910 in ausladenden, oft abenteuerlich hohen Holzkonstruktionen.

Ob Industrialisierung, Arbeiterbewegung, zerbombte und kriegszerstörte Innenstädte, die Sehnsucht nach einem neuen Heimatgefühl in den Jahren nach dem Zweiten Weltkrieg, die sozialen Reformen in den Sechzigern oder der ungebremste Traum der Eroberung der Zukunft und des Weltalls: All diese gesellschaftlichen und politischen Tendenzen schlugen sich in formaler, stilistischer und nicht zuletzt pädagogischer Hinsicht in der Gestaltung von Spielplätzen nieder. Anfang der Achtzigerjahre jedoch ändert sich die Situation schlagartig.

„1980 beginnt in den USA die große Haftungsfrage und verändert damit die gesamte Gesellschaft“, sagt Burkhalter. „Plötzlich geht es nicht mehr um den sozialen, körperlichen, pädagogischen Wert von Spielorten, sondern darum, ob die Fallhöhe eingehalten ist und sich das Kind den Kopf einklemmen kann oder nicht. Von da an bestimmen jene Firmen den Markt, deren standardisierte Produkte die strengen Normen und Vorschriften erfüllen.“ Der Verlust ist unwiederbringlich. In der zunehmenden Konsum- und Digitalisierungsgesellschaft in der physische Bewegung und soziale Interaktion bedrohte Werte geworden sind, ist der Bedarf nach dem klassischen Spielplatz als drittem Pädagogen größer denn je.

[ Die Ausstellung „The Playground Project“ im DAM in Frankfurt am Main ist noch bis 21. Juni 2020 zu sehen. ]

Der Standard, Sa., 2020.01.18

Sigrid Horn ist Sängerin. Mit dem Bauen hat sie nichts am Hut. Stattdessen beobachtet sie die Zersiedelung und Verhüttelung und versingt das Ganze zum Protestlied „Baun“. Eine Kampfansage und ein Wunschkatalog für 2020.

Standard: Vor einem Jahr haben Sie beim FM4-Protestsongcontest erstmals das Lied „Baun“ gesungen. Wissen Sie, wie oft darin das Wort Baun zu hören ist?

Horn: Keine Ahnung.

Standard: Insgesamt 119-mal.

Horn: Echt jetzt? Oh, mein Gott! Viel zu oft. So sehr zu oft, wie wir zu viel baun.

Standard: Haben Sie schon einmal gebaut?

Horn: Als Kind hab ich gern Sandburgen gebaut, am liebsten mit diesem nassen, batzigen Sand, wo man mit einer Hand runtertröpfelnde Stalagmiten baun konnte, herrlich! Das waren dann die sogenannten Batzlburgen. In den letzten Jahren hab ich immer wieder mal ein Zelt aufgebaut. Das fühlt sich manchmal an, als würd man ein Eigenheim baun. Für manche Menschen ist es das leider auch. Am liebsten aber bau ich Luftschlösser.

Standard: Sie sind im Mostviertel geboren und aufgewachsen. Inwiefern hat Sie Ihre Wohn- und Lebensumgebung geprägt?

Horn: Das Ybbstal ist eine echt wunderschöne Gegend! Aber mittlerweile sind alle Wiesn, wo ich als Kind g’spielt hab, auch die verwunschene Sumpfwiesn mit den Sumpfdotterblumen vorm Wald, Eigenheimsiedlungen geworden. Eh klar, die Leut wollen irgendwo z’haus sein. Stattdessen setzen s’ den Kindergarten zwischen Friedhof und Fernwärme, weil sich niemand was denkt dabei, und die Landschaft wird mehr und mehr verkreisverkehrt und verhüttelt mit Tankstellen, Drogeriemärkten und Fastfoodketten.

Standard: In Ihrem Song kritisieren Sie genau das – die Flächenwidmung, fehlende Raumplanung, die Zersiedelung der Landschaft. Wie erklären Sie sich dieses Phänomen?

Horn: Der Bauer will die Flächen umwidmen, weil der Anbau unrentabel geworden ist und weil er mit seinem Acker mehr Geld verdienen kann, wenn er es als Bauland verkauft. Dann gibt’s den Shoppingcenterbetreiber, der sagt, dass er Arbeitsplätze schaffen will, aber eigentlich nur daran interessiert ist, fette Mieteinnahmen zu haben. Und dann gibt’s den Bürgermeister, der mehr Menschen anlocken will, um seine Steuereinnahmen zu erhöhen, und der immer nur Ja sagt zu allen eing’reichten Häusln, um ja keinen Freund vorn Kopf zu stoßen, um ja die nächste Wahl nicht zu verlieren. Und so hat jeder sein partikulares Eigeninteresse.

Standard: Wie kommen wir aus dieser Spirale wieder raus?

Horn: Das fragen S’ ausgerechnet mich! Jedenfalls ist das ein total brennendes Thema am Land, und es brennt unter den Fingernägeln! Die Leut in den Dörfern haben’s kapiert, und es fuckt sie so richtig an, weil ihnen die Lebensqualität und die Naherholungsräume weggenommen werden. Wie g’sagt: Beim Realisieren seiner eigenen Partikularinteressen denkt keiner an die Folgen. Wie soll er auch? Woher sollen Bürgermeister und Beamte das wissen? Es gibt zwar Leut, die haben Visionen und kennen sich aus, keine Frage, aber die meisten sind mit Stadt- und Raumplanung heillos überfordert. Es braucht ein Gesamtkonzept. Die ganze Organisationsstruktur g’hört dringend umgebaut.

Standard: Wo ansetzen?

Horn: Beim Reden und Zuhören. Für alles auf dieser Welt gibt’s eine Ausbildung. Und für fast alles in Österreich brauchst einen Gewerbeschein. Aber dafür, wie wir mit unserer Natur und gebauten Umwelt umgehen, gibt’s in der Politik keinerlei Training – und leider auch zu wenig Beratung.

Standard: Ein großes Triebmittel für die Verhüttelung ist der Konsum. Wir stehen hier auf einem Kreisverkehr im Gewerbegebiet Stadlau. Wie sehr kann man diesen Reizen heute überhaupt noch widerstehen?

Horn: Gar nicht, fürcht ich. Ein jeder hat seinen Keller, damit er ihn vollräumen kann mit Glumpert, das er net braucht, und es wird vollg’stopft und vollg’stopft und vollg’stopft. Und auch ohne Glumpertsucht entkommst du den Gewerbegebieten und Konsumtempeln kaum, weil die meisten Dörfer am Land schon ausgestorben und die G’schäftln längst weggezogen sind. Und am Ende sperrt dann auch noch die Dorftankstelle zu, die Post, Greißler und Packerlabholstation in einem war.

Standard: Wie haben denn Bürgermeister, Behörden und Fachleute auf Ihren Song reagiert?

Horn: In der Raumplanungscommunity – ja, die gibt es wirklich! – ist das Lied ziemlich eing’schlagen. Es gibt sogar eine Architekturprofessorin, die den Song seitdem immer in ihrer ersten Vorlesung vorspielt. Sie meinte: „Du sprichst uns allen aus der Seele! Das sagen wir schon seit Jahren, aber den Architekten und Raumplanerinnen hört die Politik einfach nicht zu.“

Standard: Gibt es nationale oder internationale Beispiele, wo die öffentliche Hand das Ganze besser im Griff hat?

Horn: Mir sind keine bekannt. Eigentlich furchtbar, oder?

Standard: 2015 hat der deutsche Stadtplaner Daniel Fuhrhop ein Buch unter dem Titel „Verbietet dasBauen“ geschrieben. Die Stadt Velden hat 2016 eine zweijährige Bausperre über das Wörthersee-Ufer verhängt. Und die Niederlande haben vor einigen Jahren eine Gesamtinventur über leerstehende Baudenkmäler im ganzen Land gemacht. Ist das ein möglicher Weg?

Horn: Sehr coole Beispiele! Das macht Hoffnung! Eine Bausperre oder ein Buch mit so einem provokanten Titel sind auf jeden Fall mal der richtige Weg, um den Menschen die Augen zu öffnen. Ich sing im Lied: „Und se baun imma hecha, se widmen imma schnölla. Wo vorher a Wiesn woa, steht auf amoi a Kölla. Planiert is planiert und wird scho betoniert.“ Aber das Problem ist in Wahrheit noch viel größer. Ich persönlich bin ehrlich g’sagt am Verzweifeln, weil ich mich frag: Wann wachen wir endlich auf? Wann reißen wir endlich die Augen auf und werden uns dieses Wahnsinns bewusst, den wir da produzieren!

Standard: Zum Jahresbeginn können Sie sich etwas wünschen.

Horn: Zeit wird’s. Es brennt eh schon.

Standard: Wie lautet Ihr Appell an die Bauwirtschaft?

Horn: Weniger und nachhaltiger bauen!

Standard: Ihr Appell an die Politik?

Horn: Klare Regelungen schaffen und ein Supportsystem für die Entscheidungsträgerinnen am Land einführen!

Standard: Ihr Appell an die Bürgermeister?

Horn: Sich informieren und sich nicht so leicht von persönlichen Anliegen und Partikularinteressen verlocken lassen!

Standard: Ihr Appell an die Raumplanung?

Horn: Offensiver in die Öffentlichkeit hinausgehen und ihr Wissen breiter streuen!

Standard: Appell an die Architektinnen?

Horn: Günstiger werden, weniger g’scheit daherreden, damit sich mehr Leut einen Architekten leisten können und leisten wollen!

Standard: Appell an die Häuslbauer?

Horn: Sich genauer überlegen, wie viel Platz man wirklich braucht, und dringend damit aufhören, die Häusln mit Sondermüll zu dämmen!

Standard: Appell an uns alle?

Horn: Beteiligt euch alle am Diskurs!

Standard: Worum wird’s im neuen Album gehen?

Horn: Klimawandel bleibt ein Thema.

[ Sigrid Horn, Jg. 1990, studierte Musik und Spanisch und ist seit ihrem 16. Lebensjahr als Sängerin tätig. Im März erscheint ihr neues Album „I bleib do“. Liverelease am 29. Februar in der Elbphilharmonie Hamburg sowie am 18. März im Rabenhof-Theater in Wien. ]

Der Standard, Fr., 2020.01.03

Architektur mal anders: In der Nähe von Oberpullendorf verwirklichte sich Franz Schubaschitz, seines Zeichens Bankbeamter, ein Vierteljahrhundert lang seinen Traum von der Antike. Ein Besuch in Steinberg-Dörfl.

Man achte stets, sagte er, auf das richtige Verhältnis von Weißzement und Quarzsand. Man gieße den solcherart angemischten Beton in die selbstgebaute Negativgussform aus Kautschuk. Und dann, der wichtigste Schritt von allen, rüttle man die noch zähflüssige Masse so lange durch, bis alle Luftbläschen für immer entwichen sind. „Mit den Jahren“, so der Tempelbauer, „bin ich zur absoluten Erkenntnis gelangt, dass die Schönheit allein Rechtfertigung und Vorschlag genug ist, schön zu bauen.“

Das Resultat dieses 25 Jahre andauernden Schönheitsprozesses steht nicht auf Korfu, nicht in einem Wald in der Nähe von Thessaloniki, sondern mitten im Burgenland. In Steinberg-Dörfl, um genau zu sein, fünf Autominuten von Oberpullendorf entfernt. Und der Herr mit der gelben Kappe und den kräftigen, von jahrzehntelanger Arbeit gestärkten Unterarmen ist kein Architekt, kein Baumeister, kein Antike-Spezialist, sondern ein Lebensmittelkaufmann und Bankbeamter, Franz Schubaschitz sein Name, oder auch Schubaschitz-Franzl, wie sie alle im Dörfl sagten, der sich an einem helllichten Tage Anfang der Siebzigerjahre in den Kopf gesetzt hatte, einen Tempel zu errichten, und sich von diesem geplanten Wahnsinn bis zu seinem 80. Lebensjahr nicht mehr abbringen ließ.

„Wie viele andere auch habe ich ursprünglich ein Wohnhaus im herkömmlichen Sinne bauen wollen“, sagte Schubaschitz zu Lebzeiten in einem ORF-Dokumentarfilm aus der Reihe Unterwegs inÖsterreich, ausgestrahlt anno 1981. „Über die Zeit hinweg jedoch habe ich einen anderen Begriff von Schönheit erfahren, bin gewissermaßen auf den griechischen Baustil gestoßen und bin jetzt bestrebt, die Anlage mehr oder weniger originalgetreu auszuführen. Es sind ja Vorbilder zu Genüge vorhanden.“

Schubaschitz studierte die Wiener Börse, das Parlament, den Theseustempel im Volksgarten und entwickelte sich nach und nach zum Fan des Klassizismus-Architekten Theophil von Hansen. Noch lange vor Internet, Photoshop und all den heute nicht mehr wegzudenkenden CAD-Programmen stöberte er in Büchern über die griechische Antike und sammelte Zettel für Zettel Vorlagen für seine Friese, Plinthen, Voluten, Eierstäbe, Zahnschnitte, Metopen und Triglyphe zusammen. Die Muster für seine mal ionischen, mal korinthischen Kapitelle wurden im Kopierer so lange vergrößert, bis die richtige Dimension für einen ersten Rohling erreicht war.

„Unser Vater war in seinem Leben kein einziges Mal in Griechenland“, erzählen seine Tochter Eva-Sabine Stieber (57) und sein Sohn Klaus Schubaschitz (54), die in ihrer Kindheit und Jugend beim Mauern und Betonmischen mithalfen. „Und doch hat er sich so viel Sensibilität und Wissen über die Materie angeeignet, dass er in der Lage war, so ein Projekt zu stemmen.“ Dazu zählten auch regelmäßige Besuche des Theseustempels. „Eines Tages“, erinnern sich seine beiden Kinder, „war der Tempel eingerüstet, und der Vater war entsetzt, weil er plötzlich keinen Zugang mehr zu seinem Lieblingsgebäude hatte.“

Begonnen hat das burgenländische Epos mit dem Bau eines Einfamilienhauses an der Oberen Hauptstraße 162. Nachdem Schubaschitz nach 15 Jahren Baustelle durch das Stiegenhausloch zehn Meter in die Tiefe stürzte und fortan an auf den Gehstock angewiesen war, ließ er den halbfertigen Rohbau stehen und wich in den Garten aus. Die nächsten 25 Jahre widmete er dem Bau von mehreren griechischen Tempeln, die heute wie verwunschene Zeitzeugen in einem auch von ihm gepflanzten Nadelwäldchen zwischen moosbewachsenen Felsbrocken herumstehen. Eine Mischung aus Staunen und Entsetzen, aus Gänsehaut und Grinsen.

„Genau aus diesem Grund“, sagt Günter Renner, gebürtiger Steinberg-Dörfler, „habe ich der Familie Schubaschitz vor einigen Jahren das Grundstück abgekauft. Über die Sinnhaftigkeit dieser Anlage kann man denken, wie man will. Aber die Liebe, die Leidenschaft, diese Perfektion zum Detail ist wirklich atemberaubend. Ich wohne ein paar Grundstücke weiter, und der Tempelgarten ist unser Kraftort, an dem wir, aber auch unsere Apartment-Mieter und Seminargäste schöne Frühlings-, Sommer- und Herbsttage im Freien verbringen können.“

Sogar der österreichische Architekt Friedrich Kurrent, anno dazumal Professor an der TU München, attestiert dem Werk des 2015 verstorbenen, vielleicht wahnsinnigen, vielleicht geniehaften Tempelbauers ohne jeden Zweifel baukünstlerische Qualitäten: „Es geht um den Zwang, um ein gewisses Ordnungsgefüge, um die Millimeter-Details im Verhältnis zum großen Ganzen. Und hier kommt Franz Schubaschitz mit allen Fragen in Berührung, die für einen Karl Friedrich Schinkel nicht minder wichtig waren.“

Der Standard, Sa., 2019.12.21

In den Medien trat er als Zeichner „Ironimus“ auf, in seinem Hauptberuf prägte er die österreichische Baukultur des 20. Jahrhunderts wie kaum ein anderer. Am Sonntag ist der Architekt des kleinen Maßstabs in Wien gestorben.

I ch bin eine Art Pausenclown, und immer wenn ich den Mund aufmache, steht das sofort irgendwo in der Zeitung“, sagte Gustav Peichl einmal in einem Interview mit dem STANDARD. „Tatsächlich ist Ironie ein wichtiger Bestandteil der Architektur. Ironie ist mein Hang und Drang. Und am meisten taugt es mir, wenn meine Häuser Nicknames verpasst bekommen. Ich freue mich über jeden Spitznamen.“ Am Sonntag ist der Pausenclown, leidenschaftliche Karikaturist („Ironimus“) und Erbauer der Fledermaus-Schule, des Messe-Chamäleons und der vielen Peichl- und Bacher-Torten im Alter von 91 Jahren im Kreise seiner Familie in seinem Erstlingswerk in Wien-Grinzing verstorben.

Peichl, der am 18. März 1928 in Wien geboren wurde, die Bundesgewerbeschule in Wien-Mödling besuchte und zu Beginn als technischer Zeichner im Stadtbauamt in Mährisch-Trübau (heute Moravská Třebová) arbeitete, prägte die Architektur der Sechziger- und Siebzigerjahre auf eine Art und Weise wie kein anderer. Während seine Lehrer und Wegbegleiter wie etwa Clemens Holzmeister, Roland Rainer, Hans Hollein, Wilhelm Holzbauer und der Künstler Walter Pichler dem Großen, dem Futuristischen, dem Megalomanischen frönten, interessierte sich Peichl stets für den kleinen Maßstab, scheute sich nicht davor zurück, klein zu sein und winzige Türen und Fenster in seine Bauten zu setzen.

„Heutzutage ist alles viel zu groß und viel zu unproportioniert. Ich kann mit diesen großen Sachen nichts anfangen. Ich will für den Menschen bauen und nicht für irgendwelche technokratischen Machenschaften“, so Peichl. Die von ihm geplanten ORF-Studios in Eisenstadt, Graz, Linz, Salzburg, Innsbruck und Dornbirn (1969–1982), die aufgrund der runden Form oft auch als Torten für den ehemaligen ORF-Generalintendanten Gerd Bacher bezeichnet wurden, wirken heute immer noch ansprechend und modern. Kurze Wege, Wohlbefinden und Funktionalität bis zum letzten Millimeter waren die Prämissen seiner Arbeit.

Während eine kleine Volksschule auf dem Wienerberg aufgrund ihrer ungewöhnlichen Hauptfassade von den Schülern den Spitznamen „Fledermausschule“ verpasst bekam, lag dem Grundriss des neuen Messegebäudes im Wiener Prater ein langgestrecktes Chamäleon zugrunde. Der niedrige, gedrungene Turm mit Zipfelmütze daneben ist jedem Wiener ein Begriff. Es folgten der Zubau zum Frankfurter Städelmuseum (1991), die Bundeskunsthalle in Bonn (1992), der Wiener Millennium-Tower (1999, in Kooperation mit Boris Podrecca und Rudolf Weber), das Probengebäude der Münchner Kammerspiele (2001), das Karikaturmuseum Krems (2001) sowie ein paar wenige Wohn- und Bürobauten in Wien und Berlin, die jedoch längst nicht mehr die hohe Qualität von Peichls Frühwerk erreichten.

Mehr als auf die Architektur, scheint es, konzentrierte sich Peichl, dessen Büro direkt neben der Staatsoper lag, zuweilen auf das Zeichnen, auf das karikierende Kommentieren der Landes- und Bundespolitik. Als „Ironimus“ fertigte er viele Jahrzehnte lang Karikaturen für Die Presse und die Süddeutsche Zeitung an – oft täglich. „Er hat uns Innenpolitikjournalisten eigentlich überflüssig gemacht“, sagte Presse-Chefredakteur Rainer Nowak einmal in einer Laudatio. „Wenn man seine gezeichneten Bilder betrachtet, versteht man die Geschichte dazu.“ Unvergessen seine Karikaturen über Sinowatz, Waldheim und Kirchschläger, Schüssel, Klima oder Vranitzky, die er mit Liebe auf die Schaufel nahm.

Hobby als Zweitberuf

„Ich bin ein zeichnender Journalist. Bei mir kommt alles direkt vom Hirn über die Hand in die Zeichnung“, so Peichl, der bis zuletzt die Arbeit am Computer verweigerte und der sich selbst als Doppelgänger zwischen Bauen und Zeichnen bezeichnete. „Die Karikaturen waren ein Hobby, und erst im Laufe der Zeit ist das Hobby zum Zweitberuf geworden. Und der Peichl zum Ironimus.“

Das liebste Utensil war ihm immer der Bleistift, der mit der Zeit immer zittriger gezogen wurde. „Eine Zeichnung gibt Anregung, wie der Entwurf weitergehen soll. Das kann ein Computerbild gar nicht. Heute zeichnet ja niemand mehr. Die sind alle per Mausklick unterwegs.“ Als Schutz der Zeichnung führte die Akademie der bildenden Künste 2014 den Gustav-Peichl-Preis für Architekturzeichnung ein. „Wissen Sie, eitel wie ich bin, gefällt mir das meiste, was ich bisher fabriziert habe, im Großen und Ganzen sehr gut“, erzähle Gustav Peichl an seinem 85. Geburtstag im Gespräch. „Aber wirklich zufrieden bin ich nie. Ich wünsche mir, dass der Architektur generell mehr Respekt entgegengebracht wird, als das heute der Fall ist.“ Der Wunsch hat über seinen Tod hinaus Gültigkeit.

Der Standard, Di., 2019.11.19

Vergangene Woche wurde nach 15 Jahren Pause der erste neue Wiener Gemeindebau fertiggestellt. Wie viel hat der Barbara-Prammer-Hof in Oberlaa mit der einstigen Idee des Roten Wien zu tun? Ein Besuch vor Ort.

Eine Wohnung im zweiten Stock, durch das Küchenfenster am Laubengang dringen Licht und Bohrmaschinengeräusche nach außen. „Ein Reporter also? Das heißt, ich komme in die Zeitung? Na dann kommen Sie herein und machen Sie es sich bequem!“ Željka Mašin, gebürtige Kroatin, ist vor einer Woche eingezogen. Ihr Handwerker, ein Kollege ihres Sohnes, montiert gerade die Oberschränke in der Küche. „Das Haus gefällt mir super“, sagt die 63-jährige Reinigungskraft, „es ist ruhig und so hellblau angemalt, da kann man schlafen wie ein Baby. Vor allem aber ist die Miete billig. Ich zahle 265 Euro für 35 Quadratmeter. Das ist echt okay.“

Mašin ist eine der ersten Bewohnerinnen, die nach 15 Jahren kommunaler Bautätigkeitspause in Wien letzte Woche wieder einen Schlüssel in eine neu errichtete Gemeindewohnung in die Hand gedrückt bekommen hat. Ihre Adresse: Fontanastraße 3, ein paar Gehminuten von der U1-Endstation Oberlaa entfernt. Wie bei den meisten Gemeindebauten des Roten Wien handelt es sich auch hier nicht bloß um ein Wohnhaus, sondern um einen Hof, der nach einer österreichischen Persönlichkeit benannt ist, in diesem Fall nach der 2014 verstorbenen Nationalratspräsidentin Barbara Prammer. Und wie schon damals prangen große rote Lettern über dem Eingang.

Der erste Gemeindebau in der Geschichte Wiens, der Metzleinstaler Hof in Margareten, wurde kurz nach dem Ersten Weltkrieg 1923 von Robert Kalesa und Hubert Gessner fertiggestellt. Der letzte Gemeindebau wurde 2004 in Liesing an seine Mieter übergeben. Von da an deckte die Stadt Wien ihren Bedarf an leistbaren Wohnungen für die breite Masse über die gemeinnützigen Bauträger ab. 2015 kündigte der damalige Bürgermeister Michael Häupl an, den Gemeindebau wieder zum Leben erwecken zu wollen. Die Gemeindewohnungen sind als Ergänzung zu den geförderten Bauträgerwohnungen gedacht – mit dem Unterschied jedoch, dass die Wohnungen im Eigentum der Stadt verbleiben und dass sich die Mieter dadurch den Eigenmittelanteil sparen, der bei manchen Bauträgerprojekten je nach Lage und Wohnungsgröße mitunter auf bis zu 40.000 Euro hochklettern kann.

„So viel? Ich glaube, das hätten wir uns nicht leisten können“, sagt eine Frau, die mit Mann und Tochter im dritten Stock wohnt und aus beruflichen Gründen anonym bleiben möchte. „Wir haben uns schon vor langer Zeit bei Wiener Wohnen um eine geförderte Wohnung beworben. Aufgrund unseres Haushaltseinkommens haben wir ganz gut ins Schema für den Gemeindebau gepasst. Wir zahlen knapp 620 Euro für 83 Quadratmeter. Die Wohnung ist extrem hell, und wir haben sogar eine Loggia und Terrasse.“ Aus ihrem Wohnzimmer blickt man in einen der drei Innenhöfe, um die herum die Anlage mit ihren insgesamt 120 Wohnungen gruppiert ist.

Wie viel Gemeinde im Bau?

„Mit circa 1350 Euro Baukosten pro Quadratmeter haben wir hier am denkbar untersten Budgetlimit gebaut“, sagt Saša Bradiæ, Partner im Wiener Büro NMPB Architekten. „Mehr als eine konventionelle Bauweise mit Stahlbeton, Wärmedämmung und Putzfassade ist da nicht drin. Das architektonische Spiel beschränkt sich auf das Himmelblau und auf ein paar Gestaltungsmittel wie etwa Fensterfaschen und schlossermäßige Balkongeländer.“ Nichts von alledem ist von umwerfender architektonischer Raffinesse, aber es zeugt von einer sozialen Sensibilität, dass NMPB die Energie nicht in technische Leitdetails hineinbutterte, sondern auf ein paar schöne Ideen wie etwa das gläserne Foyer und die drei Innenhöfe mit Parkbänken und Hochbeeten konzentrierte.

Für zwei Kunst-am-Bau-Projekte hat das Geld noch gereicht. Ingeborg Kumpfmüller steuerte eine baulich billige, aber visuell wirksame Arbeit bei, indem sie die Eingangsbereiche verflieste und mit Wortfragmenten aus dem Bereich der sozialen Nachhaltigkeit aufwertete: Erlebnis, Begegnung, Kommunikation, Gemeinschaft und Nachbarschaft. Und der italienische Keramikkünstler Elio Macoritto, ein Wunschkandidat der Stadt Wien, klatschte im Foyer eine feuerrote Hymne an Barbara Prammer von so unterirdischer Qualität an die Wand, dass man anfangen möchte, dem echten Roten Wien nachzuweinen.

Spätestens an dieser Stelle fragt man sich, während man an den Karl-Marx-Hof, an den Reumannhof, an den Sandleitenhof und an all die anderen expressionistischen Glanzlichter der Zwanziger- und Dreißigerjahre denkt, wie viel Gemeindebau im neuen Gemeindebau wirklich drinsteckt. „Ich sehe im Gemeindebau neu einen weiteren Mosaikstein am Wohnungsmarkt, der sich nicht maßgeblich vom bisherigen geförderten Wohnbau unterscheidet, dafür aber an eine spezielle Klientel gerichtet ist – und zwar unbefristet, kautionsfrei, komplett ohne Eigenmittel, und das alles um monatlich 7,50 brutto pro m2“, sagt Ewald Kirschner, Vorstandsdirektor der Gesiba und Geschäftsführer der neu gegründeten Wigeba, einer 100-prozentigen Tochter von Wiener Wohnen und Wien Holding.

Fazit: Mit der einzigartigen Gemeindebaukultur des vorigen Jahrhunderts teilt der neue Gemeindebau bestenfalls seinen Namen. Und seine roten Buchstaben über dem Portal. Ein Bekenntnis zum sozialen Gesamtkunstwerk wie anno dazumal wird man vergeblich suchen. Doch in Zeiten exorbitant steigender Wohnkosten, in denen sich die Einkommensschwächeren nicht einmal mehr den klassischen geförderten Wohnbau leisten können, ist der Gemeindebau neu immerhin ein Bekenntnis zum wirklich billigen Bauen – ganz okay und ohne jeden themenprogrammatischen Firlefanz. Die jungen Bewohner des Barbara-Prammer-Hofs wissen dieses Angebot zu schätzen. Mehr braucht es auch nicht.

Der Standard, Sa., 2019.11.16

Gestern, Freitag, wurde der Österreichische Bauherrenpreis 2019 vergeben. Gewürdigt wurden dabei der Mut und die Bestellqualität der Auftraggeber. Einer der Preise ging an einen Wagyu-Stall im Hausruck.

Pegasus, freches G’schau, sechs Monate alt, jüngster Überflieger in der Kolonie, spaziert gemütlich durch die matschige Wiese, die Hügelkuppe ist seit den frühen Morgenstunden in eine feuchte Nebelsuppe getaucht, ändert nach ein paar Schritten seine Richtung, steuert schließlich schnurstracks auf seinen Bauern zu, auf den Reindl-Hubert, wie alle im Ort sagen, und auf den Journalisten, der mit Diktiergerät gewappnet direkt neben ihm steht, um dann, plötzlich, wie einen dritten Flügel seine neugierige Zunge durchs Gatter zu strecken und genüsslich das technische Gerät abzuschlecken. Wagyu-Rinder, erste Lektion an diesem Morgen, haben eine ewig lange, anthrazitgraue Zunge.

„Das ist eine der Besonderheiten dieser Rasse“, sagt Hubert Huemer. „Denn Wagyu-Rinder sind eine sehr alte Rasse, die in Japan über viele Jahrhunderte hinweg kaum gekreuzt wurden. Aus diesem Grund konnten sich einige physische Eigenschaften wie der schlanke Körperbau und das schwarze, flauschig glatte Fell erhalten.“ Vor allem aber ist das Japanische Schwarzrind, so der offizielle Name dieser Unterrasse, für sein fettes, reichlich marmoriertes Fleisch bekannt. In Japan werden die Filetsteaks der Kobe-Luxusrinder um bis zu 600 Euro pro Kilo gehandelt.

„Davon sind wir weit entfernt“, sagt der Nebenerwerbsbauer, der den Hof gemeinsam mit seiner Frau Diana und seinen sieben Kindern bewirtschaftet, „aber mit einem Kilogrammpreis von 229 Euro ab Hof ist das Filet auch bei uns kein Schnäppchen. Jedenfalls, wenn wir schon so ein hochwertiges Produkt halten und verkaufen, dann muss auch das Drumherum stimmen – und zwar nicht nur für die Kunden, die uns hier in Atzbach besuchen, sondern auch für uns selbst und nicht zuletzt für die Kühe.“ Eine goldrichtige Entscheidung. Gestern, Freitag, wurde der außergewöhnliche Stall als eines von insgesamt sechs Projekten im Architekturhaus Kärnten, Klagenfurt, mit dem Österreichischen Bauherrenpreis 2019 ausgezeichnet.

2010 kam mit Josephine, heute zehn Jahre alt, die erste Wagyu-Kuh auf den Hof. In der Zwischenzeit ist die japanische Rindertruppe auf gut 40 Stück angewachsen. Für genau diese Anzahl entwarf der Wiener Architekt Herbert Schrattenecker, eine Empfehlung von Freunden aus dem Hausruck-Kreis, letztes Jahr einen Stall, der dem noblen Vieh alle Ehre erweisen sollte. Schratteneckers Antwort auf die Bauaufgabe ist ein rund 25 mal 15 Meter großes und acht Meter hohes Stabwerk aus massiver Fichte, das in seiner außergewöhnlichen Konstruktionsweise die Charakteristika von japanischem Holzbau und historischen Dachstühlen aus dem Sakralbau, wie sie in Oberösterreich immer wieder zu finden sind, in sich vereint.

„Ich habe schon einige historische Kirchen in der Gegend saniert und habe mittlerweile eine große Expertise in dieser Holzbauweise“, sagt der Architekt. „Außerdem war mir wichtig, in Anlehnung an die Herkunft der Tiere, die japanische Holzbautradition in das Gebäude einfließen zu lassen.“ Aus diesem Grund besteht das Erdgeschoß wie in Japan aus vertikalen Stützen mit horizontalen Zangen ohne aussteifende Diagonalbalken, während die Heu- und Strohbühne im Obergeschoß in Dreiecke und aufgeklappte Vordächer aufgelöst ist und somit die europäische Holzbaukultur abbildet.

„Im Gegensatz zu den meisten Holzkonstruktionen, die heute aus industriellen Leimbindern gefertigt werden, haben wir hier bis zu neun Meter lange Vollholzbalken verwendet“, so Schrattenecker. Bis auf wenige ingenieurmäßige Knoten, wo besonders große Kräfte zusammenkommen, handelt es sich bei den meisten Verbindungen um zimmermannsmäßige Zapfen, Zangen, Stirn- und Fersenversatze und klassische Falzüberblattungen. Rundherum ist die offene Konstruktion, an der man sich nicht sattsehen kann, mit Schiebeläden verkleidet, die im Hochsommer zur Querlüftung komplett zur Seite geschoben werden können.

„Für den heurigen Bauherrenpreis wurden etliche Holzbauten nominiert“, erklärt Albert Kirchengast, Vorsitzender der Bauherrenpreis-Jury. „Bei diesem Projekt jedoch gehen Baustoff, Handwerk und die Liebe zum Tier eine besondere Symbiose ein. Das ist eine archaische Wohlfühlarchitektur, in der die hohe Bestellqualität der Bauherrenfamilie deutlich zu spüren ist.“ Der Bauherrenpreis wurde 1967 von der Zentralvereinigung der ArchitektInnen Österreichs (ZV) ins Leben gerufen und wird seitdem jährlich vergeben.

Der Standard, Sa., 2019.11.09

Endstation oder Baustelle? Thomas Windisch hat verlassene und gottverlassene Orte aufgespürt und diese mit der Kamera festgehalten. Der Verfall der Materie fasziniert aber nicht nur Fotografen, sondern auch Architekten.

A bgeblätterte Seidentapeten, durchgekrachte Parketts und Plafonds, Jahrhunderte in Schutt und Asche. „Mich zieht die Ästhetik dieser Orte magisch an, ich fühle mich darin auf eine gewisse Weise zu Hause“, sagt der steirische Fotograf Thomas Windisch. „Einerseits ist eine Ruine ein verlorener Ort, weil er vom Menschen aufgegeben, seiner Funktionen beraubt und von der Natur zurückerobert wurde. Andererseits aber wird die Ruine durch die Transformation zu etwas ganz Neuem – zu einem Zeitzeugen, zu einem Mahnmal, vielleicht sogar zu einer Vorwegnahme dessen, wie die Welt in hundert Jahren aussehen wird, wenn wir uns weiterhin so deppert anstellen und uns von diesem Planeten eigenhändig ausradieren.“

Windisch ist Autodidakt, fotografiert erst seit ein paar Jahren, seit er sich, wie er im ΔTANDARD-Gespräch erzählt, zu seinem 30. Geburtstag mit einer professionellen Spiegelreflexkamera beschenkt hat. Schon bald entdeckte er seine Leidenschaft für verlassene Villen, tote Krankenhäuser, niedergewirtschaftete Industrieareale. Was als romantischer Spaziergang durch die Zeit begann, entwickelte sich bald zu einer Abenteuersafari, die nicht nur durch Rost und Spinnennetze führt, sondern dem Fotografen mitunter körperliche Beherrschung und logistische Reiseplanung abverlangt.

„Eine Villa oder ein leerstehendes Fabrikgebäude ist relativ leicht zu fotografieren“, sagt der 36-Jährige, der schon mal drei Wochen in Tschernobyl und Prypjat verbrachte. „Schwieriger wird es bei Ruinen, die man sich erst mühsam erkämpfen muss.“ In einer aufgelassenen Mine in England stieß Windisch 2015 auf einen illegalen Schrottplatz, in dem alte Autowracks einfach in die Tiefe gestoßen wurden. Mit Lampen, Kletterausrüstung und aufblasbarem Schlauchboot gewappnet stieg er in die Tiefe hinab und hielt das atemberaubende Foto mitsamt hellblauem Range Rover für die Ewigkeit fest. Gänsehaut. Seite 50 in seiner soeben erschienenen, 200-seitigen Augenreise zu verlassenen Orten.

Nicht nur in der Fotografie, auch in der Architektur sind verlorene Orte ein bewährtes Fundament für lustvolle Spiele an der Schnittstelle von Schöpfung und Zerstörung. Schon in der Antike wurden Ruinen überbaut und Bausteine davon als sogenannte Spolien in anderen Bauwerken wiederverwendet. In der jüngsten Geschichte spielt der spanische Architekt Ricardo Bofill eine wichtige Rolle. 1973 kaufte er in Sant Just Desvern eine alte Zementfabrik aus dem Ersten Weltkrieg und baute diese zu „La Fábrica“ mit Wohn- und Atelierräumen um. In den letzten fünf Jahren erlebt die Revitalisierung von verrotteten Ruinen einen regelrechten Hype – und produziert Räume mit Demut vor der Zeit.

[ Thomas Windisch, „Wer hat hier gelebt? Augenreise zu verlassenen Orten“. Mit Texten von Thomas Macho und Ilija Trojanow. € 45,– / 216 S. Brandstätter, Wien. Präsentation am 30. September in der Buchhandlung Lia Wolf, Sonnenfelsgasse 3, 1010 Wien ]

Der Standard, Sa., 2019.09.21

Architekt und Denkmalschützer Manfred Wehdorn wohnt überraschenderweise in einem Neubau am Rande des Wienerwalds. Die Wildschweine, sagt er, haben zum Glück schon andere Lieblingsgrundstücke gefunden.

Offenbar habe ich mich in all den Jahrzehnten zu viel mit der Denkmalpflege beschäftigt, sodass ich es bei meinem eigenen Wohnhaus bevorzugt habe, mich einem Neubauprojekt zu widmen. Der Wehdorn baut für sich neu! Kann man das glauben? Gewiss, ich bin zwar bekannter für die Sanierung denkmalgeschützter Objekte, aber wenn man nach Jahrzehnten merkt, dass die eigene Wohnhülle immer noch passt, obwohl sich die familiären Verhältnisse verändert haben, dann weiß man, dass man damals, Ende der Achtziger-, Anfang der Neunzigerjahre, wohl gar nicht so schlechte Arbeit geleistet hat.

Ich wohne hier mit meiner Frau Margaretha, in Hütteldorf, am Rande des Wienerwaldes. Das Schönste ist: Wir gehen durch die Haustür und sehen sofort in den Wienerwald hinein. Wenn wir durch das Hintertürl hinten rausgehen würden, wenn das die grüne Wildnis zuließe, dann könnten wir bis nach Mauerbach wandern.

Wir leben hier mit der Natur: Im Winter kommen immer noch Rehe und Füchse bis vors Haus. Die Wildschweine haben zum Glück schon andere Lieblingsecken gefunden. Als wir das Grundstück gekauft haben, stand hier übrigens eine einfache Siedlungshütte aus den Vierzigerjahren, und mein Wunsch war, dass das neue Haus sich diesem atmosphärischen Bild beugt. Daher haben wir unsere neu geschaffene Siedlungshütte vom ersten Tag an mit Kletterpflanzen, mit Glyzinien, überwuchern lassen. Modern war das damals nicht! Meine Kollegen haben sich gewundert.

Das Haus ist ein klassischer, zweischaliger Ziegelbau mit tragenden Holzdecken und hat auf diese Weise genügend speicherfähige Masse, was im Sommer für ein angenehm kühles, im Winter für ein warmes Raumklima sorgt. Außerdem habe ich ins Kupferdach wasserführende Leitungen integriert, sodass eine elegante, versteckte Solaranlage entstand, mit deren Hilfe wir im Sommer unseren Warmwasserbedarf decken können. Eigentlich lauter Selbstverständlichkeiten, würde man meinen. Heute sagt man dazu Nachhaltigkeit und biologisches Bauen im Einklang mit der Natur.

Ich gebe zu: Das Haus hat einen leichten Postmoderne-Stempel, und das ruft in meiner Seele ein gewisses Lächeln hervor, denn ich hätte mir nie gedacht, dass ich als Denkmalpfleger und Freund der Zeitlosigkeit jemals der Mode einer Stilfrage anheimfallen würde. Doch ich tat es – wiewohl aus wohlüberlegten Gründen, denn die postmodern anmutende, geschwungene Form des Wintergartens in Form eines Klaviers hat einzig und allein damit zu tun, dass ich die hundert Jahre alte Linde auf dem Grundstück erhalten wollte und daher mit dem Haus ausgewichen bin. 30 Jahre später kämpft man gegen den Nimbus der Postmoderne an. Soll sein.

Viele Häuser haben zu einer Scheidung geführt. Bei uns hat das Bauprojekt eigentlich gut funktioniert. Der eine hat etwas vorgeschlagen, der andere hat einen Gegenvorschlag gemacht, und dann gibt es halt einen Kompromiss, der beide ziemlich glücklich macht und beiden halt vielleicht auch ein bissl wehtut. Das bezieht sich auch auf die Einrichtung des Hauses. Und so kommt es, dass wir im Wohnzimmer einen runden Tisch mit originalen Plastikschalendrehstühlen aus den Sechzigerjahren haben, die auch im Museum of Modern Art in New York ausgestellt sind. Die beigen Ledersofas haben wir aus der Knödelhütte mitgenommen, einem Ausflugsrestaurant im Wienerwald, wo wir auch einige Jahre gewohnt haben. Hinzu kommen Souvenirs und Mitbringsel wie etwa Teppiche, Trommeln, Vasen und keramische Köderenten aus Kalifornien, Äthiopien, Aserbaidschan.

Alles in allem, würde ich sagen, ist unser Wohnen durch und durch wohnbar – also inkonsequent gemischt, jedoch geprägt von vielen persönlichen Erinnerungen, auf die wir nicht verzichten wollen. Das alles ist Teil des Lebens.

[ Manfred Wehdorn, geb. 1942 in Wien, studierte Architektur und Violine, er arbeitet heute als Architekt und Denkmalpfleger. Bis 2012 war er Vorstand des Instituts für Kunstgeschichte und Denkmalpflege an der TU Wien. Zu seinen bekanntesten Revitalisierungen zählen die Redoutensäle (1997), die Wiener Gasometer (2001) sowie das Stadtpalais Liechtenstein (2013). Demnächst wird er das denkmalgeschützte Gartenbaukino sanieren. Seine Frau Margaretha, geb. 1939 in Wien, ist Handelsfachfrau und arbeitete lange Zeit in seinem Büro mit. ]

Der Standard, Sa., 2019.09.21

Die pakistanische Architektin Yasmeen Lari hat bislang mehr als 100.000 Hütten für die Ärmsten der Armen gebaut. Ihr Büro schlägt sie überall dort auf, wo die Natur gewütet hat.

STANDARD: Wann auch immer man einen Text über Sie findet, heißt es jedes Mal: „Yasmeen Lari ist die erste Architektin Pakistans.“ Wie geht es Ihnen mit diesem Stigma?

Lari: Pakistan befindet sich gerade in einem Umbruch und in einem Prozess der Öffnung. Wir leben in einer Zeit der ersten Ärztinnen, der ersten Pilotinnen, der ersten Bergsteigerinnen. Ich bin halt die angeblich erste Architektin. Es ist Fluch und Segen zugleich.

STANDARD: Warum?

Lari: Segen, weil man zu Vorträgen in aller Welt eingeladen wird. Fluch, weil es so viele Vorträge sind, dass ich kaum noch mit meiner Arbeit nachkomme. Jetzt habe ich gelernt, Nein zu sagen.

STANDARD: Wozu sagen Sie Nein?

Lari: Zu Ruhm und Ehre. Da war ich schon einmal. Das brauche ich heute nicht mehr.

STANDARD: Sie haben viele Jahre für die Schönen und Reichen gebaut und gelten alsdie wichtigste Vertreterin der Moderne und des Brutalismus in Pakistan.

Lari: Oh ja! Die Sechziger- und Siebzigerjahre! Eine tolle Zeit! Le Corbusier war unser aller Guru. Er hat mich und uns alle massiv beeinflusst. Ich habe damals einige wunderschöne Projekte wie etwa Einfamilienhäuser, Luxusvillen und diverse Konzern-Headquarter geplant. Viele meiner Projekte wurden publiziert und gelten bis heute als Maßstab für den Brutalismus in unserem Land.

STANDARD: Vermissen Sie die Zeit?

Lari: Nein. Ich habe damals für das eine oberste Prozent Pakistans gebaut. Da wird das Ego schon ziemlich groß. Es gab eine Zeit, da fühlte ich mich, als wäre ich die Nachbarin Gottes. Ich wusste: So kann das nicht weitergehen. Also bin ich wieder herabgestiegen.

STANDARD: Wo sind Sie heute?

Lari: Am Boden. Ich fühle mich wohl und geerdet. Im Rahmen der Heritage Foundation of Pakistan, die ich gemeinsam mit meinem Mann Suhail Zaheer Lari gegründet habe, praktiziere ich das, was ich gerne als „Barefoot Architecture“ bezeichne.

STANDARD: Das heißt?

Lari: Es gibt viele Menschen, die sich tatsächlich keine Schuhe leisten können, geschweige denn ein einfaches Dach über dem Kopf. Diesen Menschen widme ich meine Arbeit, indem ich sehr einfache Hütten baue, die von Nachbarn und Freunden leicht kopiert werden können: Das Material ist billig und überall vorhanden, die Arbeitsweise simpel, die Bauweise robust. Und das Wichtigste: Meine Projekte kommen zu 100 Prozent ohne Beton aus, denn sobald Zement mit im Spiel ist, ist man auf die Großindustrie angewiesen und in einer Preisspirale gefangen.

STANDARD: Fundamente ohne Zement?

Lari: Ja. Die drei konstruktiven Baustoffe, die ich verwende, sind Lehm, Kalk und Bambus. In manchen Regionen kommen auch Stroh und Kuhdung zum Einsatz. Im richtigen Mischverhältnis schaffen sie ein robustes Fundament und Mauerwerk, das in Hochwasserregionen einer mittelgroßen Flut standhält. Die Langzeiterfahrung mit unseren Konstruktionen zeigt, dass sie sogar Erdbeben aushalten.

STANDARD: Wie ist das möglich?

Lari: Wir mischen Lehm und Kalk in einem speziellen Verhältnis und verwenden vorgefertigte, geschnürte Bambusmatten, die wir ins Mauerwerk setzen, als Bewehrung. Erdbebentests haben ergeben, dass unsere Häuser Erdbeben der Stärke 7 und 8 auf der Richterskala unbeschadet überstehen.

STANDARD: Ihr Büro wandert mit den alljährlichen Naturkatastrophen mit. Wo wohnen und leben Sie denn derzeit?

Lari: Mein Lebensmittelpunkt ist und bleibt Karatschi. Aber es stimmt, ich bin eine Nomadin. 2005: großes Erdbeben in Pakistan. 2010: Überschwemmungen im ganzen Land. 2011, 2012 und 2013: Flut in Sindh. 2013: Erdbeben in Belutschistan. 2014: Hochwasser in Punjab. 2015: Hochwasser und Erdbeben in Khyber Pakhtunkhwa. Erst kürzlich stand Sindh unter Wasser. Mich ziehen die Katastrophen an. Ich habe schon in jedem Desaster gearbeitet.

STANDARD: Wie können wir uns Ihre Arbeit vor Ort vorstellen?

Lari: Als ich 2005 erstmals in die betroffenen Erdbebenregionen aufgebrochen bin, hatte ich 500.000 Pakistanische Rupien in der Tasche, damals nicht einmal 10.000 Euro. Ich wusste: Das muss reichen, um den Menschen zu helfen. Ich entwickle mit den Leuten vor Ort einfache Behausungssysteme, die billig und schnell zu errichten, zugleich aber schöne, hochwertige Bauwerke sind. Das Problem ist nämlich: Architekten bilden sich immer ein, großartige Bauwerke erfinden und errichten zu müssen. Doch sobald sie für arme, bedürftige Menschen planen, degradieren sie ihre Architektur häufig zu etwas Kleinem und Hässlichem. Das macht mich wütend! Die armen 99 Prozent verdienen genauso schöne Häuser wie die wirtschaftliche Elite.

STANDARD: Wie finanziert man Schönheit, wenn die Mittel fast null sind?

Lari: Einspruch bei dieser Frage! Wenn eine internationale Hilfsorganisation in Pakistan ein einfaches Wohnhaus errichtet, dann gibt sie in der Regel 600 bis 800 Euro pro Gebäude aus. Im Durchschnitt werden dabei rund 5000 gebrannte Ziegel verbaut. Das ist teuer, geht am Bedarf der Menschen vorbei und respektiert in der Regel keinerlei lokale Ästhetik. Die Ein-Raum-Hütten, die ich mit lokalen Materialien baue, kosten zwischen 120 und 170 Euro pro Stück. Schönheit hat nichts mit Geld zu tun.

STANDARD: Sie haben letzte Woche einen Vortrag im Rahmen der Vienna Biennale for Change gehalten. Was muss sich ändern?

Lari: Wir müssen endlich anfangen, Barefoot Architecture als gleichberechtigte Disziplin zu verstehen. Das muss sich in der Schule, im Architekturstudium und nicht zuletzt auch in der Politik und Wirtschaft niederschlagen.

STANDARD: Wünsche für die Zukunft?

Lari: Ich bin eine permanent Lernende. Leider weiß ich bis heute nicht, wie man meine Arbeit so weit multiplizieren kann, dass wir damit all die Millionen Menschen erreichen, die keine Toilette, keine Küche, kein Dach über dem Kopf haben. Das muss ich noch lernen.

Der Standard, Sa., 2019.09.14

Morgen, Sonntag, wird nach medialen Kontroversen die Kunstinstallation „For Forest“ im Klagenfurter Wörthersee-Stadion eröffnet. Was will uns die Architektur aus 299 Bäumen sagen?

D ie ersten Vögel haben sich schon niedergelassen. Es zwitschert ganz leise aus dem Wald heraus. „Denn natürlich“, sagt Klaus Littmann, „ist das nicht nur ein Kunstprojekt, sondern auch ein temporärer Lebensraum für Fauna und Flora.“ Dass die Kunstinstallation For Forest derzeit ausgerechnet dem Menschen, insbesondere der dem Leder hinterherlaufenden Spezies, versperrt bleibt, ist angesichts des Wunders von Wolfsberg, da der Verein WAC im Mai mehr als überraschend in die Qualifikationsrunde der UEFA Europa League aufgestiegen ist und nun nicht einmal ein Heimstadion hat, in dem er seine Spiele austragen kann, sondern bis November ins Grazer Exil ausweichen muss, umso skurriler. „Fußballfeindliches Projekt!“, mokieren sich die Gegner.

Littmann, Schweizer Künstler seines Zeichens, geht mit der Idee, ein Stadion zu bewalden, schon seit fast 30 Jahren schwanger. Damals, 1990 war das, stieß er in einer Ausstellung in Wien auf eine Bleistiftzeichnung des Wiener Künstlers Max Peintner. Die ungebrochene Anziehungskraft der Natur, so der Titel des 1970 erstellten und in die USA verkauften Werks, das derzeit in der Stadtgalerie Klagenfurt gastiert, wirft einen verstörenden, dystopischen Blick in die Zukunft.

In eine vielleicht gar nicht so ferne Zeit, wie sich auf geopolitischer Ebene zeigt, in der der Wald zum raren Spektakel geworden ist, das man nur noch im geschützten Rahmen im Stadion bewundern kann. Selbiges ist in Max Peintners Zeichnung, die hier Pate stand, im Gegensatz zum Klagenfurter Jörg-Haider-Vermächtnis, das seit der UEFA EM 2008 etwas karg dahinvegetiert, zum Bersten gefüllt, bis auf den letzten Sitzplatz ausverkauft. In den nächsten sieben Wochen bis 27. Oktober, so der Plan, soll es auch hier wieder etwas voller werden, im 33.000-Besucher-Stadion der 100.000-Einwohner-Landeshauptstadt.

„Ich habe jahrelang nach einem Stadion gesucht“, erinnert sich Littmann, „aber wenn ein Fußballclub einigermaßen erfolgreich spielt, ist so viel Geld involviert, dass es eigentlich unmöglich ist, sich für ein paar Monate mit einem Kunstprojekt einzumieten.“ Und dann kamen Klagenfurt und der österreichische Fußball. Dass das von ihm initiierte Megaprojekt derartige landesfürstliche Wunden aufreißen und zum Politikum werden würde, sagt er, hätte er nicht geahnt. Einige Wuchtelfans drohen damit, den Bäumen mit der Kettensäge an den Stamm zu gehen. Die Kunstszene ätzt indes, ob die ganze Angelegenheit überhaupt den Aufwand wert sei – und das obwohl nach Auskunft der Klagenfurter Bürgermeisterin Marie-Luise Mathiaschitz (SPÖ), wie sie betonet, „kein Euro Steuergeld von öffentlicher Hand in dieses Projekt geflossen ist“. Die kolportierten Investitionskosten, die zur Gänze aus privaten Sponsoren- und Mäzenengeldern stammen, belaufen sich auf vier Millionen Euro.

Was die CO2-Bilanz betrifft

Die Sonnenstrahlen arbeiten sich durch das Blätter- und Nadelwerk durch. Zwischen Pappeln und Platanen flattert ein verirrtes Täubchen umher. Insgesamt 299 große, ausgewachsene Bäume mit acht bis 16 Meter Höhe bis zu den Wipfeln wurden in den letzten Wochen ins Stadion verfrachtet. Ursprünglich wollte man die Bäume allesamt aus österreichischen Baumschulen ankaufen, doch daraus wurde nichts. Die Mischung aus 18 verschiedenen Baumspezies, mit der man den Kärntner Mischwald nachahmen will, sei in österreichischen Schulen in dieser Menge nicht verfügbar, hieß es. Und so musste man nach Italien, Belgien und Norddeutschland ausweichen. „Aus Sicht der Konzeptkunst war das schon ein ziemlicher emotionaler Knick“, sagt Enzo Enea. „Für mich als Landschaftsarchitekt aber ist der Transport von Bäumen quer durch Europa mein tägliches Geschäft. Bäume sind nie dort, wo man sie braucht. Was die CO2-Bilanz betrifft, so kann ich insofern beruhigen, als Bäume in diesem Alter und in dieser Wuchsgröße durchaus gute Kompensationsarbeit leisten. Ein solcher Baum produziert rund drei Millionen Liter Sauerstoff pro Jahr.“

Enea, der am Zürichsee sitzt, ein eigenes Baummuseum betreibt und von dort Privatgärten in der ganzen Welt konzipiert, errichtet und mit seinem insgesamt 220-köpfigen Team auch kontinuierlich betreut, ist derjenige, der das temporäre Projekt technisch überhaupt erst möglich machte. Seit vielen Jahren schon ist der Gärtner darauf spezialisiert, bedrohte Bäume zu retten, die Investoren, Verkehrsplanern und Stadtentwicklern im Weg stehen, ihre Wurzelballen zu beschneiden und die Bäume in das von ihm gegründete Museum nach Rapperswil zu transportieren, wo sie schließlich ein Leben nach dem Scheintod fristen.

„Genauso“, sagt Enea, „sind wir auch in Klagenfurt vorgegangen. Wir haben geschulte Bäume mit kleinen, kompakten Wurzelballen aufgekauft, denn aufgrund der bestehenden Rasenheizung im Klagenfurter Stadion, die wir keinesfalls beschädigen dürfen, mussten wir uns in der Höhe auf ein Minimum beschränken.“ Die kompakten Wurzelballen stehen auf einer simplen Unterkonstruktion aus Holzbalken und massiven Aluminiumplatten, an die sie aus Stabilitätsgründen mittels Zuggurten festgezurrt wurden. Am Ende wurde der 7000 Quadratmeter große Wald auf Zeit, der im Unterholz noch mit 6000 Gräsern und Gebüschen nachverdichtet wurde, mit Hackschnitzeln und Rindenmulch aufgeschüttet.

Es piepst und zwitschert im Gehölz. Und da ein Schmetterling! Am Ende der Installation, die in Klagenfurt in ein üppiges Rahmenprogramm und allerhand Merchandising-Produkte eingebettet ist, wird das Kunstwerk um einen Kilometer nach Westen übersiedeln. Auf dem Lakeside-Campus der Alpen-Adria-Universität Klagenfurt sollen die 299 Bäume in der gleichen Konstellation dauerhaft eingepflanzt werden. Herzog & de Meuron werden einen kleinen Pavillon errichten, in dem das Projekt dokumentiert werden soll.

Temporäres Kunstwerk? Mega-Mahnmal? Aufgebauschtes Medienspektakel in der Klagenfurter Ikone für Korruption und sportliche Machenschaften? Die Frage stellt sich nicht. Zumindest nicht jetzt. Ein brasilianischer Psychopath fackelt den Amazonas ab. Und Max Peintner, Klaus Littmann und Enzo Enea liefern nach Jahrzehnten Vorarbeit eine so punktgenaue und realitätsnahe Glosse, dass einem bang wird.

Der Standard, Sa., 2019.09.07

Das Wiener Architekturbüro Einszueins hat sich auf die Planung von Partizipationsprojekten spezialisiert. Das neueste Wohnhaus im Baugruppenportfolio wurde vor wenigen Wochen an seine Bewohner übergeben. Die Umzugskartons stehen noch herum. Ein Besuch.

Eigentlich“, sagt Julia, „wollte ich einfach nur eine schöne Wohnung mit Balkon. Das war mein ursprünglicher und vielleicht wichtigster Wunsch vor vier Jahren. Doch das, was wir heute haben, ist mehr, als ich je zu träumen gewagt hätte. Wir haben’s geschafft, aus dem Haus mehr zu machen als nur die Summe der Quadratmeter.“ Julia Hainz, mitten in der Karenz, den fünfmonatigen Maximilian im Arm, wohnt mit ihrem Mann und ihren beiden Kids auf Top 31, vierter Stock, 88 Quadratmeter. Den Balkon, den hat sie. Und ein ganzes Paket an Hausfreunden und nachbarschaftlichem Miteinander noch dazu.

Die 35-Jährige ist eine von insgesamt 22 Gründerinnen, die sich zwischen Winter 2014 und Frühjahr 2015 für die Baugruppe Gleis 21 im Wiener Sonnwendviertel starkgemacht haben. Wochen- und monatelang trafen sich die 22 künftigen Bewohnerinnen und Bewohner, um sich über ihre Werte, Wünsche, Wohnvorstellungen auszutauschen. Am Ende jedes Workshops, der von Mal zu Mal größer und umfangreicher wurde, ehe die Baugruppe schließlich auf 46 Erwachsene und 20 Kinder anwuchs, wurde diskutiert, debattiert und mit soziokratischen Widerstandspunkten abgestimmt.

Offen leben

„So ein Wohnprojekt in der Gemeinschaft hat nicht nur mit Architektur zu tun, sondern vor allem auch mit der eigenen Persönlichkeitsentwicklung“, sagt Julia. „Heute weiß ich, dass der Balkon ein nettes Feature ist. Aber es gibt wichtigere Dinge im Leben.“ Auch Kati Hellwagner und Sebastian Schublach, Top 25, dritter Stock, 104 Quadratmeter, sie wohnen aus dem Karton, die Küche ist noch immer nicht geliefert, auf dem Tisch steht ein Plastikkorb mit Äpfeln, Zwetschken, Bananen, sehen im Wohnen mehr als bloß die Hardware: „Die Wohnung ist wichtig, keine Frage, aber irgendwann checkt man, dass da mehr dahintersteckt, dass es um gelebte Nachbarschaft, dass es um eine ganz neue Form des alltäglichen Zusammenlebens geht.“

Es ist heiß heute, die Sonne knallt erbarmungslos vom Himmel. Die meisten Fenster zum Laubengang sind gekippt, manche komplett geöffnet, um Querlüftung zu ermöglichen, sogar die eine oder andere Wohnungstür, Top 13, erster Stock, Patrick Herold, ein 34-jähriger Architekt, steht mancherorts sperrangelweit offen und lässt Einblicke ins Wohnen zu. Auf der Bühne des täglichen Lebens wird gekocht, gespielt und telefoniert. „Man lebt hier offen und miteinander“, sagt Patrick, „und wenn man einmal von der nachbarschaftlichen Nähe die Nase voll hat, dann macht man halt die Türen und Fenster zu und ist allein. Das System funktioniert und wird von allen respektiert.“

Gleis 21 mit insgesamt 34 Wohnungen, ein paar Flex-Apartments für Gäste und Flüchtlinge, einer Gemeinschaftsküche auf dem Dach, einer Bibliothek, einem Saunahaus, einer Werkstatt, einem Fitnessraum, einer großzügig verglasten Waschküche, einem leider noch schlummernden Restaurant, einer privaten Musikschule und sogar einem öffentlich nutzbaren Veranstaltungssaal im Erdgeschoß, der unter anderem vom Stadtkino und vom Burgtheater bespielt wird, ist eines der radikalsten Wohnprojekte auf den neu bebauten Gründen des ehemaligen Südbahnhofs, vielleicht sogar in ganz Wien. Und es ist kein Einzelfall. Das planende Büro hinter diesem ungewöhnlichen Ding, Einszueins Architektur, hat sich den partizipativen Wahnsinn nicht zum ersten Mal angetan.

„Von Antun kann keine Rede sein“, sagt Projektleiterin Annegret Haider. „Partizipatives Planen macht die eigene Arbeit schöner. Die Zusammenarbeit mit den Menschen und die Zufriedenheit derer, für die man plant, sind eine der schönsten Befriedigungen, die man als Architektin erleben kann. So ein Prozess ist anstrengend und langwierig, aber am Ende kriegt jeder Einzelne mehr Energie zurück, als er investiert hat.“ Zu den bislang realisierten Baugruppenprojekten zählen das Wohnprojekt Wien (2013), der Seestern Aspern (2015) und das Wohnprojekt Hasendorf (2018). Fünf weitere partizipative Baugruppenhäuser in Wien und Niederösterreich, die „vom Städtebau bis zur Steckdose“ (O-Ton Einszueins) mit den Bewohnerinnen kooperativ geplant werden, sind bereits in Entwicklung.

Wohnen als Lebenskultur

„Wir arbeiten mit Menschen, die Wohnen nicht nur als Ware, sondern in erster Linie als Lebenskultur verstehen“, sagt Architekt Markus Zilker, „und das steht in einem großen Widerspruch dazu, wie Wohnraum heutzutage meist produziert wird.“ Gleis 21, ein Hybridbau aus Holz und Beton, ist mit Sicherheit nicht die günstigste Bauweise, die man auf die grüne Wiese stellen kann. Aber es ist die für diese Bewohnergruppe ethisch passendste. So manches konstruktive Detail würde eher den Weg in die Fibel der Herzen als ins Bauhandbuch für Ingenieure finden.

Entwickelt wurde das 4000 Quadratmeter große Haus mit dem Bauträger Schwarzatal, der es kurz nach Fertigstellung an den Verein Gleis 21 verkaufte, errichtet wurde es vom Kärntner Holzbauunternehmen Weissenseer. Finanziert wurde das Projekt über 20 Prozent Eigenmittel, 20 Prozent Wohnbauförderung und 60 Prozent Kredit. Die Bewohner selbst mieten sich über ein hochkomplexes, kooperativ designtes Entgeltsystem in die Immobilie ein. Nachdem für den Verkauf des Gesamtobjekts eine Vier-Fünftel-Mehrheit des Vereins nötig wäre, ist das Haus für die nächsten Generationen de facto dem spekulativen Immobilienmarkt entzogen.

Dieses Haus wird nicht allen gefallen. Genauso wenig wird die dahintersteckende Partizipationshacke jeden Geschmack treffen. Ist auch nicht nötig. In einem mehr und mehr von Mittelmaß und Belanglosigkeit geprägten Wohnungsmarkt aber stellt Gleis 21 die allerbesten Weichen in eine alternative, selbstwirksame Zukunft mit Zugkraft.

Der Standard, Sa., 2019.08.24

An der südnorwegischen Küste wurde eine Betonröhre in die Nordsee gesenkt, um die Gäste eines gehobenen Restaurants mit einem Unterwasser-Erlebnis zu verwöhnen. Die ansprechend gestalteten Innenräume sind auf eine 25 cm dicke Acrylglasscheibe hin ausgerichtet, die den Gastraum von der offenen See trennt, und stellen gängige Vorstellungen von physischer Abgeschlossenheit und gefühlter Offenheit auf den Prüfstand.

Früher leitete der heute 32-jährige Chefkoch Nicolai Ellitsgaard den Gourmettempel Måltid im 70 km entfernten Kristiansand – bis ihn vor etwa zwei Jahren der Hotelbesitzer und Investor Stig Ubostad anrief, um ihm ein abgrundtief unmoralisches Angebot zu unterbreiten. »Als ich die Pläne und die ersten Visualisierungen gesehen habe, ist mir die Spucke weggeblieben. Alles, was ich herausbrachte, war: Wo muss ich unterschreiben?«

Seit wenigen Monaten ist die surreal wirkende, sich nach außen hermetisch abschottende Skulptur nun Wirklichkeit. Im Innern der betonierten Röhre, die wie eine umgekippte Stele im Fjord liegt, befindet sich das erste Unterwasser-Restaurant Europas und das größte seiner Art weltweit. Mit Superlativen hält man sich hier, am Fjord von Båly, rund 90 Autominuten vom nächsten Flughafen entfernt, keineswegs zurück: Der Name »Under« ist mit größter Programmatik und Medienwirksamkeit gewählt und bezieht sich nicht nur auf die hier zur Marke erhobene Lage unter der Wasseroberfläche, sondern ist zugleich auch das norwegische Wort für Wunder.

»Und an diesem Wunder haben wir wirklich intensiv gearbeitet«, erzählt Bauherr Stig Ubostad, der hier vor einigen Jahren ein mehr schlecht als recht funktionierendes Hotel mit 98 Zimmern geerbt hat. Das wunderbare Restaurant, so der Plan, sollte seine Herberge endlich aus den roten Zahlen hinauskatapultieren. »Wissen Sie, diese Region lockt nur einige norwegische Naturliebhaber an und ist international kaum bekannt. Daher habe ich beschlossen, in den Fjord eine Landmarke zu setzen. Ein architektonisches Bauwerk, das weltweit einzigartig ist. Mit wem realisiert man so ein Projekt – wenn nicht mit dem besten Architekturbüro Norwegens!«

Die Architekten von Snøhetta, die sich mit der Bibliothek von Alexandria und der Oper von Oslo bereits international einen Namen machen konnten, entwarfen ein Gebäude, das nicht nur den Faktor Standort neu denken lässt, ­sondern das auch neue Sichtweisen auf Land und Wasser, auf oben und unten, auf innen und außen, auf hell und dunkel, auf offen und geschlossen provoziert. Oder, wie Kjetil Trædal Thorsen, Gründungsvater und Partner von Snøhetta meint: »Dieses Bauwerk ist in jeder Hinsicht ein Hybrid, der mit scheinbar diametralen Positionen spielt und experimentiert. Doch dann merkt man plötzlich, dass dieses hybride Objekt weniger spaltet als vielmehr die vermeintlichen Kontraste und Differenzen in einer neuen, überraschenden Synthese vereint.«

Während der Zugang zur rund 35 m langen, unter 20 Grad versenkten Betonröhre über eine stählerne Gangway erfolgt und die kleine Terrasse vor dem Eingang noch ein wenig an eine mit hochglanzlackierten Eichenbohlen ausgelegte Luxusyacht erinnert, schließt sich die an einer Ecke wie mit einem feinen Skalpell amorph aufgeschabte Skulptur bald zu einem kastenförmigen XXL-Profil und verschwindet mit archaischer Wucht in den mal spiegelglatt ruhigen, mal wütend tosenden Tiefen des Meeres. Auffällig ist die leichte, konvexe Bauchung der Oberfläche, die sich nicht mit nackter, mathematischer Geometrie zufriedenzugeben scheint, sondern in ihrer Anspannung fast schon etwas männlich Muskulöses hat.

»Wir sind an einem besonderen Ort und müssen mit den Kräften der Natur arbeiten, die uns hier auf Schritt und Tritt begegnen und die das Projekt ­maßgeblich mitgeformt haben«, sagt Thorsen. »Die aquadynamische Bauchung haben wir in Simulationen errechnet. Sie garantiert, dass selbst bei stärksten Stürmen das Gebäude niemals wie eine Barriere wirkt. Die großen Wellen werden den Beton weich umspülen und über den Eingangsbereich schwappen.« Schade nur, dass an genau jener Stelle, an der die Gebäudeunterseite die Wasseroberfläche durchsticht, die Illusion der schräg lehnenden Betonröhre massiv gestört wird. Denn rund 30 cm über dem Wasser knickt die Gebäudekontur ab und setzt sich senkrecht nach unten fort. Der morphologische Kompromiss ist verhängnisvoll. »Der Knick war unter der Wasseroberfläche geplant, dann wäre er nicht mehr sichtbar gewesen. Wir haben lange gegen die Statik gekämpft. Schließlich mussten wir uns geschlagen geben.«

Betoniert wurde das Gebäude übrigens auf einem schwimmenden Ponton, der in der Nachbarbucht in 100 m Entfernung vor Anker lag. In einer eintägigen Reise wurde das 1600 t schwere Ungetüm nach monatelanger Aushärtungszeit im Juni 2018 mit Seilen und luftgefüllten Tarierballons an Ort und Stelle gezogen. Dort wurde der massive, doppelwandig betonierte und mit einer innenliegenden Wärmedämmung versehene Hohlkörper, der zu diesem Zeitpunkt bereits verglast und wasserdicht gemacht worden war, mit Gewichten belastet, z. T. mit Wasser geflutet und schließlich mit acht riesigen Ankerbolzen in 5 m Tiefe ans Fundament geschraubt.

5 000 Millimeter unter dem Meer

Auf der obersten Etage der Röhre befinden sich der Empfang mit Garderobe und Zugang zum Lift. Der Fußweg führt Stufe für Stufe in immer dumpfer, immer blauer werdende, sehnsüchtig in die Tiefe saugenden Gefilde hinab. Auf der nächst unteren Etage wartet die Bar mit dem sich elegant an die Fas­sade schmiegenden Lounge-Bereich. Das hier eingeschnittene Acrylglas­fenster, ein vertikaler, schmaler, bis ins 2. UG reichender Schlitz, offenbart die Lage direkt am Übergang zwischen Über- und Unterwasser; die Wellen tanzen an der Glasscheibe, oben fliegen Vögel, unten schwimmt ein Zwergseeskorpion durch das bläulich leuchtende Nass.

Mit dem Fensterschlitz offenbart sich bereits das lang gehütete Geheimnis der Offenheit und Verschlossenheit dieses Gebäudes, denn zu keiner Sekunde wirkt das Under eng oder gar klaustrophobisch, wie man an Land gemeinhin noch vermuten mag. Der Innenraum wirkt luftig und hell und im besten des Wortes in eine nordische Mystik getaucht. Erstaunlicherweise gibt nicht die Lichtmenge, sondern allein die Farbtemperatur Aufschluss über die Unterwasserlage: In den ersten 5 m unter der Wasseroberfläche werden nach und nach die Rotschwingungen aus dem Spektrum herausgefiltert, und je ­tiefer man hinabsteigt, umso bläulicher wird das Rundherum. Kleine LED-Spots im Plafond korrigieren die Wellenlänge und sorgen dafür, dass einem das Date vis-à-vis nicht wie eine blaulippige Wasserleiche erscheint.

Weitere perfekt bis zum letzten Millimeter verarbeitete Holztreppen führen schließlich hinab in die blauesten Tiefen. An der Decke und an den Wänden wird der Raum von sisal-artigen, mit bunten und naturfarbenen Fäden gewebten Paneelen gesäumt. Die akustisch wirksamen Platten sind eine Sonderanfertigung des dänischen Stoffproduzenten Kvadrat. Mittels eines Algorithmus wurde die Produktion der aus nicht brennbarem Trevira-Garn gewebten Matten so programmiert, dass sich mit jedem Tiefenmeter die Fadenfarbe verändert, dass sie von Rot zu Grün und Blau wechselt, dass sie über den gesamten Innenraum betrachtet ein lebendig changierendes Bild erzeugt. Die akustische Maßnahme ist bitter nötig, denn die Geräusche der selbst entworfenen Holzstühle auf dem mit einer Fußbodenheizung ausgestatteten Terrazzo wären ohne die hübschen Paneele wohl noch durchdringender.

Unten angekommen darf man für rund 225 Euro das 18-gängige Menü ge­nießen, das erklärtermaßen die Ressourcen vor Ort nutzt, das Meer und die Wiesen und Wälder rundherum.

Und plötzlich schwimmt wieder ein Zwergseeskorpion vorbei – die gesamte Gastgesellschaft lässt den zweiten Gang links liegen und strömt zum Fenster. Die 11 m breite und 3 m hohe Acrylglasscheibe musste wegen des hohen Wasserdrucks massiv und 25 cm dick (!) dimensioniert werden. Auf dem künst­lichen Riff davor haben sich in den letzten Monaten, zwischen den olivgrünen Kelpblättern Schutz suchend, Venusmuscheln und Seeigel angesiedelt. Am Abend wird es künstlich beleuchtet, worauf sich das Fenster vor den bis zu 40 speisenden Gästen in einen 33 m² großen Lampenschirm verwandelt.

»Das Wasser zu beleuchten klingt nach einem dramatischen Eingriff in die Natur«, erklären die beiden Meeresbiologen Trond Rafoss und Kim Halvorsen, die das Projekt von Anfang an begleitet haben und im Under nicht nur ein Restaurant, sondern auch eine maritime Beobachtungsstation sehen. »Aber die permanente Lichtverschmutzung in den Dörfern und Städten hat weitaus größere Auswirkungen als die sieben Scheinwerfer, die in den Abendstunden die paar Kubikmeter des Meeres ausleuchten. Viele Fische fühlen sich vom Licht angezogen. Und die anderen, die das Licht scheuen, ohnehin fernbleiben.« Ob sich das karge Bild mit dem irgendwie distanziert wirkenden Blick in die maritime Fauna und Flora dann inten­sivieren wird, darf man anzweifeln; die Nordsee ist nicht der Indische Ozean.

Mit rund 7,2 Mio. Euro, die in Forschung, Entwicklung und Errichtung flossen, soll das Unterwasser-Restaurant nicht zuletzt den internationalen Tourismus, der die norwegische Südküste auf dem Weg nach Stavanger, Bergen und auf die Hurtigruten bisher übersprungen hat, ankurbeln. Das Konzept könnte aufgehen – am 2. April wurde das Lokal, das nordischen Matadoren wie Noma (Kopenhagen) und Maaemo (Oslo) Konkurrenz machen soll, eröffnet. Die Tische sind bis November ausgebucht.

db, Mo., 2019.08.12

Die Architektur der Siebzigerjahre wird oft unterschätzt. Das hat nun ein Ende. Der Wiener Architekturfotograf Stefan Oláh hat eine Liebeserklärung abgegeben – in Form eines bunten, brutalen, bisweilen berührenden Bildbands.

Es riecht nach Leder, Cognac und Club 2. Der ganze Saal ist mit edel furnierten, an den Enden leicht abgerundeten Holzplatten verkleidet. Über dem Eingangsbereich hängen Leuchtkästen für die sechs offiziellen Uno-Sprachen Englisch, Französisch, Spanisch, Russisch, Chinesisch und Arabisch. Und in den Armlehnen der gesteppten Ledersessel befinden sich Steckdose, Lichtschalter und Lautstärkeregler. Sogar ein kleines Fach für die Kopfhörer ist geschickt in die Geometrie des an Komfort unüberbietbaren Sitzmöbels integriert. Man möchte sofort daran drehen und drücken und ein paar Minuten lang Sekretär spielen.

„Obwohl das Gebäude seit 40 Jahren in Verwendung ist, halten sich die Abnutzungsspuren im Rahmen. Vor allem aber fasziniert mich, dass die gesamte Architektur so konzipiert ist, dass sie bis heute die neuesten Licht- und Tontechniken aufnehmen kann, ohne etwas von ihrer Einzigartigkeit einzubüßen.“ Anneliese Heber ist Mitarbeiterin im Informationsdienst der Vereinten Nationen, und das seit dem allerersten Tag, als das Vienna International Centre, umgangssprachlich besser bekannt als Uno-City, am 23. August 1979 seinen Betrieb aufnahm.

Insgesamt hatten sich 183 Architekturbüros am 1970 ausgeschriebenen Wettbewerb beteiligt. Auf den ersten drei Plätzen rangierten Cesar Pelli (Los Angeles), BDP Building Design Partnership (London) sowie das deutsche Architekturbüro Novotny & Mähner. Nachdem sich die Vereinten Nationen jedoch nicht über das auszuführende Siegerprojekt einigen konnten, entschied sich der damalige Bundeskanzler Bruno Kreisky kurzerhand und sehr zum Leidwesen der ÖVP-Opposition und des Nationalrats, der sogar einen Untersuchungsausschuss einberief, dem Viertplatziertem den Zuschlag zu geben. Es sollte das größte und wichtigste Projekt des österreichischen Architekten Johann Staber (1928–2005) werden.

„Die Uno-City ist ein ikonografisches Gebäude auf exterritorialem Boden mit einer eigenen Postleitzahl“, so Heber. „Und obwohl die meisten das Bauwerk nur aus der Entfernung kennen, ist es dennoch jedem Wiener ein Begriff. Die wuchtigen Betonscheiben, die fast schwerelos dazwischen hängenden Geschoße und die beiden Farben Silber und Orange, mit denen sich der Architekt an den Silberpfeil-Wagons der Wiener U-Bahn orientierte, sind zutiefst einprägsam. Von den Mitarbeiterinnen und Mitarbeitern jedenfalls wird die Atmosphäre dieses Hauses sehr geschätzt.“

Oder, wie Friedrich Achleitner in seinem Österreichischen Architekturführer anmerkt: „Dem Staber’schen Entwurf mit seinen sechs Y-förmigen Türmen wurde unter anderem ein dekorativer Städtebau mit einer für das Umfeld provokanten Maßstabslosigkeit vorgeworfen, andererseits konnte man der bizarren Konzeption gegenüber den anderen Projekten eine gewisse Zeichenhaftigkeit, Merkbarkeit und auch einen konstruktiven Elan nicht absprechen.“

Genau dieser Elan hat es dem Wiener Architekturfotografen Stefan Oláh angetan. Nachdem er sich in sehr schönen und zum Teil längst vergriffenen Büchern den Wiener Tankstellen, den Wiener Würstelständen, den Wiener Stadtbahnbögen und der österreichischen Architektur der Fünfzigerjahre gewidmet hatte, nahm Oláh diesmal die Architektur von Wickie, Slime und Paiper unter die Lupe. Sein Bildband Bunt, sozial, brutal ist eine Ode an die Aufbruchstimmung und die oft kompromisslose bauliche Manifestation dessen, wie man sich damals Zukunft vorstellte.

„In den 1970er-Jahren wurde viel Neues, teils auch Widersprüchliches ausprobiert“, sagt Oláh. „Es war eine Zeit voller technischer Innovationen und poppig-bunter Träume, aber auch eine Dekade mit Ölkrise, Konsumskepsis und einigen politischen Dämpfern. Das alles spiegelt sich auch in der Architektur wider.“ Allein die orange lackierten Liftkabinen und Stiegenhäuser in der Uno-City bezeichnet der Fotograf als einen Optimismus, den man heute kaum noch irgendwo vorfindet. „Ein Repräsentationsgebäude der Vereinten Nationen mit diesen Farben und einer Formensprache wie in Raumstationen und U-Booten … das muss man sich einmal vorstellen!“

Oláhs Bildsprache ist so reduziert und archaisch, dass nichts vom fotografierten Motiv ablenkt. Sein Werkzeug ist die Linhof Technika, eine klappbare Laufbodenkamera, bei der der Fotograf, damit er die Mattscheibe besser sehen kann, unter einem schwarzen Tuch verschwindet. „Ich behübsche nichts, ich retuschiere nichts weg, ich zeige jedes Objekt im Originalzustand mit all seinen Gebrauchsspuren.“ Im Zeitalter der Instagram-Bildinflation ist das fast schon eine Kampfansage.

„Mein Appell ist an die Wahrnehmung gerichtet“, sagt Oláh, der in seinem Bildband rund 30 Bauwerke aus ganz Österreich einfängt: Kirchen, Schulen, Villen, Wohnbauten, Konzerthäuser, Bürogebäude und Infrastrukturbauten in den entlegensten alpinen Regionen. Die Liebe zum Detail und zum Genius Loci ist bisweilen berührend. „Mein Ziel ist, die Wahrnehmung für das visuelle Bild zu schärfen, aber auch jene für den Wert des Gebauten. Die Architektur der Siebzigerjahre verdient es, liebevoll und wohlwollend betrachtet zu werden.“ Dieses Buch hilft dabei.

Der Standard, Sa., 2019.08.10

Was haben eine alte Zugfabrik, eine stillgelegte Autobahn und ein Algengarten aus dem 3D-Drucker gemeinsam? Sie alle sind Zeugen einer lust- und genussvollen Zukunft – und sind derzeit in einer Ausstellung im Wiener Mak zu sehen.

Die alten Farb- und Lackschichten haften an den genieteten Stahlsäulen, mal rot, mal grün, mal magenta, und in der Luft, ist man fast geneigt zu glauben, liegt noch der Duft von Ruß und schwerem Maschinenöl, gerade so, als sei die letzte Lok vor wenigen Minuten erst aus der Halle geschoben worden. Aber das, sagt er Architekt, sei pure Absicht gewesen, denn wenn man schon die Möglichkeit habe, mit so einem Raum zu arbeiten, dann müsse man auch den Mut aufbringen, seinen unverwechselbaren Charakter, so gut es eben geht, zu bewahren.

„Die Lokomotivhalle wurde 1932 errichtet, und wahrscheinlich gibt es in ganz Tilburg keinen einzigen Einwohner, der nicht irgendjemanden kennt, der nicht irgendwann einmal hier gearbeitet oder sich zumindest mal nachts in die Werkstatt der Nederlandse Spoorwegen hineingeschlichen hat“, sagt Gert Kwekkeboom, Partner im holländischen Büro Civic Architects, das das Projekt gemeinsam mit Braaksma & Roos, Petra Blaisse, Mecanoo und Donkergroen auf Schiene gebracht hat. „Diese Halle ist ein emotionales Denkmal, das im kollektiven Gedächtnis dieser Stadt fest verankert ist. Schön, dass sich die Stadtregierung dazu entschieden hat, das Bauwerk zu erhalten und hier die neue Stadtbibliothek anzusiedeln.“

Wo einst Loks geflickt, geschweißt, geschraubt wurden, befindet sich nun eine Werkstatt des Netzwerkens und der Wissensvermittlung. Die vor wenigen Monaten eröffnete LocHal, so der offizielle Titel, beherbergt nämlich nicht nur die städtische Bücherei, sondern auch Café, Coworking-Spaces und anmietbare Event- und Konferenzräume. Im Zuge der Revitalisierungsmaßnahmen wurden die einst 5000 Quadratmeter mittels eingezogener Podeste, umlaufender Galerien und dramatischer Stiegenlandschaften zum Gehen, Sitzen, Lümmeln auf 11.000 Quadratmeter mehr als verdoppelt. „Es war ein sehr lustvolles Projekt, in dem wir intensiv mit Restauratoren und mit der Denkmalschutzbehörde zusammengearbeitet haben“, erinnert sich Kwekkeboom. „Die größte Herausforderung bei alledem war zweifelsohne die Haustechnik, denn so ein einst industriell genutztes Baudenkmal erlaubt es nicht, mit Wärmedämmung, Dreischeibenverglasung und gewohnten Klimakomfortvorstellungen zu agieren – zumindest nicht, wenn man den Genius loci nicht komplett umbringen will.“

Die Lösung: Der Großteil der Halle wurde als witterungsgeschützter Außenraum gedacht, in dem man im Sommer mitunter ins Schwitzen kommt, während einem der Kellner im Stadscafé im Winter bei Bedarf eine Wolldecke serviert. Temporäre Aufenthaltszonen wie etwa Lesebereiche, Bühne und Auditorium können mit riesigen, vom Stahlfachwerk herabhängenden Vorhängen abgetrennt und lokal beheizt oder gekühlt werden. Lediglich ständige Arbeitsbereiche wie etwa Coworking-Büros, Konferenzräume und der gesamte Verwaltungsapparat befinden sich in thermisch abgetrennten Haus-in-Haus-Zonen, die mit gewohntem Innenraumklima aufwarten. Kwekkeboom, lapidar: „Wer die Seele schützen will, muss Kompromisse eingehen.“

Das 18 Millionen Euro teure Bauwerk, das im Mai vom niederländischen Publikum zum „Besten Gebäude des Jahres“ gekürt wurde, ist eines von insgesamt 23 Projekten, die derzeit im Museum für angewandte Kunst (Mak) in der Ausstellung Space and Experience zu sehen sind. Ausgewählt wurden Architekturprojekte und Raumideen, die auf technische, ökologische oder auch soziale Weise innovativ sind und einen gewissen Mehrwert in die aktuelle Architekturdiskussion einzahlen.

„Das gute Leben umfasst leistbares Wohnen, einen anständigen Job und eine funktionierende Infrastruktur“, sagt die Kuratorin und Kulturwissenschafterin Nicole Stoecklmayr. „Aber was zeichnet ein besseres Leben aus? Die Antwort, die diese Ausstellung gibt, beinhaltet einen gewissen Lustfaktor und Abenteuerwert, der sich sowohl in der räumlichen Erfahrung als auch in der Forschung und Entwicklung von Architektur niederschlägt.“ Also eigentlich alles von Alpha bis Omega.

So gesehen ist es auch legitim, dass die Ausstellung mehr in die Breite als in die Tiefe geht. Gezeigt werden 3D-gedruckte Gartenskulpturen, die mit grünem Algengetier für ein besseres Raumklima sorgen sollen (H.O.R.T.U.S. XL Astaxanthin.g, ecoLogicStudio, Claudia Pasquero und Marco Poletto), stillgelegte Autobahnen, die das postfossile Zeitalter einläuten, indem sie zu grünen Parks umfunktioniert werden (Seoul Skygarden, MVRDV) sowie Gartenlandschaften, die von Robotern für Roboter geplant und gebaut werden (Robot Garden, University of Michigan, Ann Arbor, SPAN Architects). Die Zukunft kann und will und soll kommen. Eine abenteuerliche Reise.

[ Die Ausstellung „Space and Experience. Architektur für ein besseres Leben“ im Rahmen der Vienna Biennale im Mak ist noch bis 6. Oktober zu sehen. ]

Der Standard, Sa., 2019.07.06

Der Architekt prägte die 1970er- und 1980er-Jahre als wichtiger Visionär – von der Wiener U-Bahn bis zum Bankgebäude

Wir waren arme Schlucker, finanziell ist es uns am Anfang wirklich schlecht gegangen“, sagte er einmal über seine ersten Jahre als Architekt. „Doch jeder, der irgendwann einmal mit Architektur zu tun hat, weiß, dass am allerwichtigsten in diesem Job das Geldverdienen ist.“ Am Samstag ist Wilhelm Holzbauer, der sich selbst stets als Dienstleister und Geschäftsmann bezeichnet hat, im Alter von 88 Jahren in Wien gestorben.

Holzbauer wurde 1930 in Salzburg geboren. Er studierte Architektur an der Akademie der bildenden Künste in Wien sowie am Massachusetts Institute of Technology (MIT) in Boston. Seine ersten Berufsjahre waren von Visionen und Tatendrang geprägt. In der „arbeitsgruppe 4“ forschte er an Weltraumschulen und anderen utopischen Projekten und realisierte bald einige– vor allem sakrale – Bauten wie etwa die Pfarrkirche in Salzburg-Parsch oder das Seelsorgezentrum Steyr-Ennsleiten. Die rund 120 Projektentwürfe der arbeitsgruppe 4 gelten bis heute als Meilensteine der österreichischen Architekturgeschichte.

1964 gründete Holzbauer sein eigenes Architekturbüro. In den Jahren 1970 bis 1973 entwickelte er im Rahmen der Architektengruppe U-Bahn das Design und das bis heute aktuelle Architekturleitbild für die Wiener U-Bahnen, das so konsequent und ikonisch war, dass es zehn Jahre später von der kanadischen Stadt Vancouver übernommen wurde.

Er plante die Fußgängerzone in der Kärntner Straße, das Landhaus Bregenz sowie das Rathaus und die Oper von Amsterdam. Von 1987 bis 1991 war Holzbauer Rektor der Hochschule für angewandte Kunst in Wien. Auf dem positiven Höhepunkt seines Schaffens leistete sich der Hedonist sogar ein eigenes Restaurant. Das von 1979 bis 1989 bestehende Mattes in der Schönlaterngasse im ersten Wiener Gemeindebezirk mit Reinhard Gerer am Herd war das erste Haubenrestaurant Wiens.

In den 1990er-Jahren entwarf Holzbauer lukrative Projekte wie etwa die Ringstraßengalerien, den Andromeda-Tower auf der Donauplatte sowie etliche Bankgebäude entlang der Lassallestraße – und wechselte schließlich von der hellen auf die dunkle Seite der Macht. Bei einigen Wettbewerben wie etwa dem für das Konzerthaus in Konstanz oder das 2006 eröffnete „Haus für Mozart“ in Salzburg entpuppte er sich als schlechter Verlierer. Mit List, Kalkül und politischer Verbandelung gelang es ihm immer wieder, die erstplatzierten Sieger vom Sockel zu stoßen und als Nachrückender entgegen der Juryentscheidung den einen oder anderen Auftrag an Land zu ziehen. „Man muss sich eben wehren können“, sagte er ungeniert in einem STANDARD-Interview. „Das ist ja alles ein abgekartetes Spiel. Ich baue auch dann, wenn ich nicht gewinne. Aber dieses Freispiel hat es immer schon gegeben.“

Im Jahr 2000 wurde er mit dem Großen Österreichischen Staatspreis ausgezeichnet. Er füllte in seinem Leben das gesamte Spektrum des Bauens aus – von konstruktiven Visionen zu Beginn seiner Karriere bis hin zu destruktiven Machenschaften in den letzten Jahrzehnten. „Das ist kein Beruf, in dem Freundschaften geboren werden“, sagte er. „Und ich habe mir ziemlich viele Feinde gemacht.“ Wilhelm Holzbauer war der prägende kontroversielle Kopf einer Epoche, die sich langsam dem Ende zuneigt. Er wurde 88 Jahre alt.

Der Standard, Mo., 2019.06.17

Die Wiener Weltraumarchitektin Sandra Häuplik-Meusburger arbeitet mit ihren Studenten an Projekten für den Mond. Ihre Mission: neu denken. Denn das Bauland auf dem Erdtrabanten unterliegt anderen Rahmenbedingungen als hier unten auf der Erde.

D er Rover hat soeben den Mooncampus verlassen. In einer Stunde werden die Geologen den Rand des Shackleton-Kraters erreicht haben, wo sie Regolith-Staub einsammeln und zur chemischen Auswertung mitnehmen werden. Während der gesamten Mission werden sie in regelmäßiger Sprechverbindung mit der Mission-Control stehen. Diese befindet sich direkt unter der Kuppelschale, die im 3D-Druckverfahren aus Mondgestein hergestellt wurde und die die Kommandozentrale vor Weltraumstrahlung schützen soll.

Doch der eigentliche Mooncampus, erklären Baris Dogan und Iuliia Oblitcova, die das fiktive, aber detailliert durchdachte Projekt im Rahmen eines Mondsemesters an der TU Wien entworfen haben, befindet sich unterirdisch und umfasst auf insgesamt vier Ebenen Labore, Werkstätten und Wohnräume für bis zu 20 Wissenschafter. Hier sollen die Astronauten mehrwöchige Trainings und Auffrischungskurse über sich ergehen lassen und sich auf diese Weise nach und nach an die neuen Gegebenheiten auf dem Erdtrabanten gewöhnen.

„Wenn sich die Studierenden entschließen, ihr Projekt unter der Oberfläche des Mondes anzusiedeln“, sagt Sandra Häuplik-Meusburger, „können wir dann wirklich noch von unterirdischen Systemen sprechen? Oder müssten wir diese Form der Behausung nicht viel eher als untermondische Architektur bezeichnen?“ Am Mond ist eben alles ein bisschen anders. Und das bezieht sich nicht nur auf physikalische Aspekte wie etwa die deutlich geringere Schwerkraft und die starke, ungeschützt einwirkende Strahlung, sondern auch auf technische, materielle und vor allem logistische Fragen: Wie können wir auf dem Mond Häuser bauen?

Häuplik-Meusburger ist passionierte Weltraumarchitektin. 2011 interviewte sie neun Raumfahrer und analysierte insgesamt sechs Stationen – Apollo, Saljut, Skylab, Spaceshuttle, MIR und ISS – in Bezug auf die Lebensbedingungen außerhalb der Erdatmosphäre. Ihre Forschungsergebnisse sammelte sie in einem 300-seitigen Buch unter dem Titel Architecture for Astronauts. Heute arbeitet sie als Dozentin an der TU Wien und vermittelt Architekturwissen unter einem etwas anderen Blickwinkel. Die von ihr betreuten Mondprojekte sind nicht nur eine Reaktion auf das 50-Jahre-Jubiläum der Mondlandung, sondern beziehen sich auch auf eine dezidierte Vision der Europäischen Weltraumorganisation ESA.

„Alle sprechen von der Reise zum Mars, und das ist definitiv der nächste große Schritt“, sagt ESA-Generaldirektor Jan Wörner. „Doch wir müssen erst wieder zum Mond, um zu lernen und bessere Technologien zu entwickeln. Kein Mensch hat je die Rückseite des Mondes besucht. Und noch nie ist irgendwer in seine Polargebiete vorgedrungen, wo unbemannte Sonden vor einigen Jahren Wassereis im Boden entdeckt haben. All das gilt es zu erforschen. Erst danach können wir weiter zum Mars.“

2016 formulierte Wörner erstmals die Idee, ein Moon Village zu errichten. Dieses könnte nicht nur als Forschungsstation dienen, sondern auch als Zwischenstation für spätere Reisen zum Mars. „Unter Moon Village stelle ich mir aber keine Häuser, Straßen oder Kirchen vor“, so Wörner. „Ich denke dabei eher an das Grundgerüst eines Dorfs, in dem Menschen zusammen leben und arbeiten.“ Im internationalen und interglobalen Moon Village, so der Plan, sollen Know-how und Kompetenzen verschiedener Weltraumnationen wie etwa China, Russland, Indien, USA und ESA bewusst gebündelt werden. Zudem könnten die Protagonisten auf dieser permanenten Mondbasis in ganz unterschiedlichen Feldern aktiv sein – in Wissenschaft und Grundlagenforschung, aber auch im kommerziellen Bereich, etwa im Weltraumtourismus und in der Gewinnung von Rohstoffen.

Ein wichtiges Thema auf dem Mond ist die Grundversorgung mit Energie und Nahrungsmitteln. Alexander Garber und Katharina Lehr-Splawinksi (Foto links u.) haben ein Food Research Lab entworfen, in dem der Anbau von Nahrungsmitteln erforscht und praktiziert werden soll. Die ringförmige Konstruktion, die aus addierbaren Faltmodulen sowie aus aufblasbaren Unterkünften, sogenannten Inflatables, besteht, ist zugleich die Antwort auf eines der größten Probleme der Mondarchitektur – des Transports. Im komprimierten Zustand sollen die einzelnen Elemente in einen Raketenkopf passen.

Günes Aydar, Emirhan Veyseloglu und Gözde Yilmaz hingegen haben sich mit solarer Energiegewinnung beschäftigt und analysiert, welche Teile des Mondes am häufigsten und stärksten von der Sonne beschienen werden. Ihr mobiles Forschungsmodul Sundial Habitat (Foto rechts u.) ist so konzipiert, dass es in konzentrischen Bewegungen dem Sonnenverlauf über Stein und Geröll folgen und sich autark mit Energie versorgen soll.

„Natürlich ist das alles Zukunftsmusik, aber diese Zukunft wird nicht erst übermorgen eintreten“, meint Sandra Häuplik-Meusburger. „Daher müssen wir schon heute das Selbstverständliche unserer Erde verlassen und lernen, uns auf neue, ungewohnte Rahmenbedingungen einzulassen. Bevor wir den Mond besiedeln, müssen wir Fragen der Wasser- und Energieversorgung, des Materialtransports und vor allem des außerirdischen Bauens beantworten. Das sind die ersten Schritte dazu.“

Die Space-Architektin zögert ein wenig. Und spricht am Ende über Kindermärchen und Kunstgeschichte. „Fakt ist: Mit den ersten Moon Villages wird die Dunkelheit des Mondes für immer verschwunden sein. Dann werden wir auch bei Neumond leuchtende Städte und Dörfer im Himmel sehen. Wollen wir das?“

Der Standard, Sa., 2019.06.15

Im Grazer Nobelviertel Rosenhain errichtete die Siedlungsgenossenschaft Ennstal einen Holzbau für vor allem einkommensschwächere Familien. Das gemütliche Atrium im Inneren soll die Bewohner zusammenführen.

Große Villen, üppig begrünte Grundstücke, ein Wäldchen mit kleinen Fischteichen: Rosenhain im Grazer Bezirk Geidorf zählt zu den nobelsten und teuersten Adressen der steirischen Landeshauptstadt. Kein Wunder, dass das Grazer Immobilienunternehmen Immo Circle in Zusammenarbeit mit dem Fertighaushersteller Griffner genau hier sieben luxuriöse Nobelvillen entwickelt, die um rund 6200 Euro pro Quadratmeter am Markt stehen. Geplante Fertigstellung: Sommer 2020.

„Rosenhain ist eine Wohngegend, in der üblicherweise gewerblicher Wohnbau mit Profitmaximierung entsteht“, sagt der Grazer Architekt Stefan Nussmüller. „Niemand hätte erwartet, dass sich die Stadt Graz entschließt, genau hier einen Übertragungswohnbau für sozial schwache Einkommensschichten zu errichten. Das Bekenntnis zur sozialen Durchmischung in dieser Konsequenz ist ein echter Glücksfall.“

Das Projekt, auf das der Architekt anspielt, befindet sich in der Max-Mell-Allee 6, ein paar Schritte nur vom Uni-Sportzentrum entfernt, und umfasst nach seinen Plänen insgesamt 38 kompakt geschnittene Wohnungen, die in ihrer cleveren Winzigkeit sogar die Wiener Smart-Wohnungen überbieten. Das Spektrum reicht von kleinen Garçonnièren bis hin zu Fünf-Zimmer-Wohnungen auf gerade mal 85 Quadratmetern Nutzfläche. Das Angebot richtet sich an einkommensschwächere, auch kinderreiche Familien, denen die Anzahl der getrennten Schlafzimmer finanziell bedingt wichtiger ist als ein komfortabel dimensioniertes Wohnzimmer. In manchen Wohnungen misst die Wohnküche kaum 20 Quadratmeter.

„Der Bedarf an solchen kompakten Wohnungen ist groß“, sagt Birgit Schauer, Projektleiterin in der gemeinnützigen Siedlungsgenossenschaft Ennstal, die das Projekt im Rahmen eines Bauträgerwettbewerbs mit nachgeschaltetem Architekturwettbewerb entwickelt hat. „Wir verwalten die Anlage nur. Sowohl das Grundstück als auch das Einweisungsrecht liegen nach wie vor in den Händen der Stadt Graz.“ Durch das Baurecht sowie durch behördliche Anreize wie etwa den Entfall der sogenannten Bauabgabe sei es möglich gewesen, die Mietkosten auf 7,85 Euro pro Quadratmeter zu reduzieren – inklusive Umsatzsteuer, Betriebskosten und eingebauter Küchenzeile.

Nicht alltäglich ist auch die Bauweise: Nachdem in der Steiermark 25 Prozent aller geförderten Wohnbauten in Holz errichtet werden müssen, fiel die Entscheidung für das Baumaterial nicht schwer. Die Wahl fiel auf massives Brettschichtholz für die Decken und Innenwände sowie auf eine Riegelkonstruktion mit innenliegender Wärmedämmung für die Außenwände. Durch den platzsparenden Wandaufbau konnten gegenüber einer klassischen massiven Außenwandkonstruktion bei gleichbleibendem Außenvolumen zusätzlich 50 verwertbare Quadratmeter gewonnen werden.

Das Holz kam nicht nur konstruktiv zum Einsatz, sondern prägt das Haus, das im Grundriss wie ein überdimensionales Plektron daherkommt, auch optisch: Jeder Wohnung ist eine breite Balkon- und Loggienschicht vorgelagert, die an der Fassade mit zueinander versetzten Lärchenholzrosten verkleidet ist. Die hölzernen, über zwei Geschoße reichenden Schattenspender dienen zugleich als Sichtschutz und Rankgerüst für Pflanzen. Die Freiräume sind bewusst groß dimensioniert und sollen die oft knappen Wohnflächen kompensieren.

Doch die wahre Besonderheit des Hauses liegt im Innenhof verborgen: Nachdem sämtliche Wohnungen von hier aus – entweder direkt über den Hof oder über einen Laubengang – erschlossen werden, entschied sich Architekt Nussmüller, diesen Flächen eine Zweitfunktion zu geben: „Es ist in Österreich brandschutzrechtlich verboten, brennbare Gegenstände auf den Gang zu stellen. Aber unsere Gänge sind so breit, dass für kleinere Sachen dennoch Platz ist. Wenn man heute durch die Anlage spaziert, sieht man bereits Schuhe, Kräutertöpfe, Sitzbankerln, und ich gehe davon aus, dass diese lebendige Bespielung in den kommenden Jahren noch deutlich zunehmen wird. Hier findet das soziale Leben statt.“

Trotz aller Qualitäten war das Objekt (Baukosten 4,4 Millionen Euro) schwieriger zu verwerten als vergleichbare Häuser in anderen Lagen: „Für einige Familien mit Migrationshintergrund war Rosenhain alles andere als eine begehrte Wohnlage im Grünen“, sagt Schauer, „vielmehr lediglich ein Bezirk mit zu wenig Infrastruktur und zu großer Entfernung zur Innenstadt und zu den vielen kleinen Geschäften in Gries und Lend.“

Und auch der Gemeinschaftsraum muss hier, damit er tatsächlich genutzt wird, von außen programmiert werden: Regelmäßig organisiert die SG Ennstal, die sogar eine eigene Mediationsabteilung hat, Frühstücke, Spielenachmittage und Nachhilfestunden für Kinder und Jugendliche.

Der Standard, Do., 2019.06.13

Der Vorarlberger Architekt Lukas Böckle hat ein Herz für leerstehende Häuser. Seit letztem Sommer wohnt er in der Villa Müller in Feldkirch – und betreibt das Haus als Thinktank und öffentliche Kulturplattform.

Ich liege auf dem alten Samtsofa, in gefühlt 2,80 Metern Höhe über dem Fußboden. Unter mir befindet sich ein Sammelsurium an Möbeln. Und wie ich so nach unten durchs Fenster blicke und am Fuße des Berges die Altstadt von Feldkirch entdecke, denke ich mir: super Blickwinkel! Früher habe ich in Wien gewohnt und wollte nie wieder nach Vorarlberg zurückkehren. Trotzdem bin ich seit Sommer 2018 wieder da, in einer Mission wohlgemerkt, und bewohne vorübergehend eine 750 Quadratmeter große Villa mit einem Wohnzimmer, das so groß ist, dass hier meine ganze ehemalige Wiener Wohnung hineinpassen würde. Die Japaner würden es sogar schaffen, zwei oder drei Wohnungen in diesen Salon hineinzustopfen.

Wie es zu diesem Möbelberg gekommen ist? Letztes Jahr, kurz nachdem ich hierhergezogen bin, habe ich die Vorarlberger Künstlerin Nadine Hirschauer kennengelernt. Sie war gerade dabei, ein Projekt zum Thema Heimat zu planen, und war auf der Suche nach einer geeigneten Location dafür. Ich habe ihr die Villa Müller angeboten, denn genau für solche Aktionen ist dieser Ort konzipiert. Die Villa Müller ist ein Thinktank, ein Seminarort der Extraklasse, eine temporäre Wohn- und Arbeitslocation für Artists in Residence sowie eine Kunst- und Kulturplattform für Musik, Literatur und bildende Kunst.

Anfang des Jahres hat Nadine also begonnen, das Mobiliar im Wohnzimmer Stück für Stück zu inventarisieren und jedes einzelne Möbelstück minutiös aufzulisten – mit der Schreibmaschine, so wie damals. Sobald ein Objekt in die Inventarliste aufgenommen wurde, landete es in diesem Eck des Salons. Und so begab es sich, dass ich eines Tages nach Hause gekommen bin und diesen Möbelberg hier vorgefunden habe. Ich bin von dieser Installation sehr angetan, denn sie veranschaulicht die höchstmögliche Konzentration des Wohnens.

Zu vielen Möbeln gibt es keinen Zugang mehr, der Weg zu den eigenen Sachen ist versperrt, und so ist man plötzlich mit der Frage des Überflusses konfrontiert: Was brauche ich wirklich zum Wohnen? Wie viele Sessel? Wie viele Tische? Wie viele Stehlampen? Immerhin: Die Bar steht ganz vorne griffbereit! Ich selbst bewohne ein kleines Schlafzimmer mit 14 Quadratmetern Fläche und einem eigenen Bad mit grünen Oma-Fliesen an der Wand. Die Villa Müller wurde 1960 von Architekt Walter Bosshart errichtet, und zwar für die Familie Müller-Degerdon, die in Bludesch eine große Textilfärberei betrieb. Das Haus war für ein Ehepaar mit drei Kindern und Personal bemessen.

Vier Jahre lang stand die Villa nun leer. Seit letztem Jahr nutzen wir sie als Kulturlocation und Seminarhotel – und sammeln nebenbei auf empirische Weise Erfahrungen, um festzustellen, wie dieser Leerstand langfristig am besten nachzunutzen wäre. Bis Jahresende wollen wir eine Entscheidung getroffen und mit der Eigentümerfamilie – die uns übrigens mehr als positiv aufgenommen hat – die Zukunft besprochen haben. Ich bezeichne diesen Prozess als alternative Projektentwicklung.

Für mich ist dieser Ort mit all seinen eigenartigen, oft surrealen Momenten ein Zeitzeuge der Sechzigerjahre – und eine Erinnerung daran, mit unseren Ressourcen intelligent und nachhaltig umzugehen. Und nicht sofort alles wegzureißen, nur weil es nicht mehr schön oder funktional ist. Ich bin sehr glücklich hier und erkenne meine Heimat im Gastgeben, Netzwerken und Verknüpfen. Die Villa Müller ist mein ganz persönlicher temporärer Zustand. Der Rest wird sich weisen.

Der Standard, Sa., 2019.05.18

Gestern, Freitag, wurde in Frankfurt der Preis für Europäische Architekturfotografie vergeben. Trotz des fröhlichen Generalmottos „Joyful Architecture“ ist einem nicht immer zu lachen zumute.

Ein Kletterseil ist empfehlenswert, ein Helm aufgrund des sich mitunter lösenden Gerölls absolute Pflicht, und dann kommt er, der sogenannte Stopselzieher, der kleine, schmale Felstunnel, durch den man durchkraxeln muss und der einem schließlich die letzte Passage auf die steil zulaufende Zugspitze offenbart. „Nach fünf bis sechs Stunden Fußmarsch ist man durchgeschwitzt und ausgepumpt“, sagt der Münchner Architekt Dirk Härle, „und dann steht man plötzlich vor dem diesem befremdlich anmutenden Objekt, bei dem man weder weiß, was es ist, noch, wann es errichtet wurde. Am liebsten möchte man anklopfen und sofort eintreten.“

Die Höhenstrahlungsstation in 2962 Meter Seehöhe wurde 1966 für das Fraunhofer-Institut errichtet und besteht aus massiven Aluminiumplatten. Dank der ungewöhnlichen Materialwahl können im Inneren der Station präzise, unverfälschte Messwerte gewonnen werden. Die an eine Mondkapsel erinnernde Form wiederum hat mit der Witterung zu tun und sorgt dafür, dass die enormen Schneemassen an den glatten Flächen spurlos abgleiten können. Die dreieckige Gaupe scheint ein schelmisch zwinkerndes Zitat an das Bauen im alpinen Raum zu sein.

Humorvolle Momente

„Ich habe, egal wohin ich gehe, immer eine klein Fuji-Kamera dabei und notiere damit all das, was ich witzig oder in irgendeiner Art und Weise im Kontext spannend finde“, so Härle. „Ob das nun ein Heimspiel meines Lieblingsvereins 1860 im Grünwalder Stadion in Giesing ist, eine überdimensionale Kupferkrone über der Garage eines Spenglereibetriebs in der Münchner Innenstadt oder eine alte Plastiksitzschale aus dem alten 1860er-Stadion, die sich plötzlich mitten im winterlichen Wald wiederfindet, und das sogar in Sichtweite zur neuen Allianz-Arena.“

Genau diese eigentümlichen, deplatzierten, ganz tief drinnen humorvollen Momente, die nicht unbedingt mit visueller Ästhetik als vielmehr mit der Wahl des Motivs zu tun haben, haben dem 47-jährigen Architekten gestern, Freitag, den Sieg beim Europäischen Architekturfotografie-Preis beschert.

Der biennal vergebene Preis, der vom deutschen Verein Architekturbild e. V. in Zusammenarbeit mit der Bundesstiftung Baukultur und dem Deutschen Architekturmuseum (DAM) in Frankfurt am Main ausgelobt wird und der heuer unter dem Motto „Joyful Architecture“ stand, hat die Aufgabe, das oft sperrige, oft menschenlose, oft schablonenhafte Medium der Architekturfotografie vor den Vorhang zu holen – und zu zeigen, dass es auch anders geht.

„Uns interessiert nicht die klassische Gebäudedokumentation, sondern die künstlerische Auseinandersetzung mit dem Thema Architektur“, erklärt die Vereinsvorsitzende Christina Gräwe. „Architektur wird oft sehr ernst und seriös betrachtet. Daher haben wir uns diesmal ganz bewusst dafür entschieden, uns auf die fröhliche, genussvolle Komponente des Bauens zu konzentrieren.“ Zwar gebe es unter den insgesamt 105 eingereichten Fotoserien etliche Spielplätze und lustige Schnappschüsse aus der Welt des Bauens, doch die Mehrheit der Arbeiten, so Gräwe, offenbare hinter der oberflächlichen Fröhlichkeit eine durchaus kritische Tiefenschärfe.

Hässlichkeiten Österreichs

So auch die mit einer Auszeichnung prämierte Serie Bewegtbilder des Tullner Fotografen Rainer Friedl. Hinter den vier bunten, angenehm kolorierten und hübsch anzuschauenden Tableaus verbirgt sich eine der größten Hässlichkeiten Österreichs. „Die Lärmschutzwände entlang der Autobahnen sind eine ziemliche optische Herausforderung. Und je schöner man sie zu tarnen, kaschieren und behübschen versucht, umso schlimmer stemmen sich die hunderte Kilometer langen Trennwände gegen die Landschaft.“

Vor allem aber machen die Lärmschutzwände, die Friedl in den letzten Monaten auf der A1, A2 und A21 aus dem fahrenden Auto heraus fotografiert hat, anschaulich, wie wir in diesem Land mit Mobilität, Wohnraum und Baulandwidmung umgehen: „Wir rasen möglichst schnell irgendwohin, um Ruhe zu haben. Und auf dem Weg dorthin belästigen wir all jene, die sich ihren Traum im Grünen verwirklichen wollten, letztendlich aber der österreichischen Raumplanung und Zersiedelungspolitik zum Opfer gefallen sind, für die wir wiederum mit Steuergeldern akustische Schutzmaßnahmen errichten müssen.“ Ein verschwommenes Foto kann tausend Worte sagen.

[ Die Ausstellung „Joyful Architecture“ im Deutschen Architekturmuseum (DAM) in Frankfurt am Main ist bis 1. September 2019 zu sehen. ]

Der Standard, Sa., 2019.05.04

Die Erde ist in einer Krise, und die Menschen und die Baubranche tragen Mitschuld daran. Wie man aus dieser globalen Misere wieder herauskommt, zeigt die Ausstellung „Critical Care“ in Wien.

Öffnungszeiten 9.00 bis 20.30 Uhr. Sonntags und feiertags ist das Freibad bis 17.30 Uhr geöffnet. 20 Real kostet der reguläre Eintritt, Mitglieder zahlen die Hälfte. Für die umgerechnet zwei bis vier Euro gibt es nicht nur eine nasse Abkühlung unter freiem Himmel, sondern auch einen ungetrübten Blick auf die Skyline von São Paulo. Und auf Wunsch sogar eine dermatologische Untersuchung. Die wahre Besonderheit des 25 mal 25 Meter großen Schwimmbeckens jedoch ist die Lage, denn die Piscina SESC 24 de Maio befindet sich nicht etwa in irgendeinem beschaulichen Wohnviertel am Stadtrand, sondern mitten im Zentrum, rund hundert Meter Luftlinie vom Stadttheater São Paulo entfernt, im 14. Stock eines ehemaligen, heruntergewirtschafteten Sechzigerjahre-Kaufhauses.

„Üblicherweise ist das Freibad auf dem Dach ein Systembild des globalen Reichtums und bedient das eine oberste Prozent der Menschen“, sagt die Wiener Stadtforscherin Elke Krasny, die das außergewöhnliche Projekt letztes Jahr besucht hat. „Doch in diesem Fall richtet sich der Swimmingpool mit Sonnenterrasse in der Tat an die 99 Prozent der städtischen Bevölkerung, die sich genau solche Einrichtungen üblicherweise nicht leisten können.“

Nachdem das Mesbla-Einkaufszentrum jahrelang leer gestanden war, wurde das Gebäude vom Serviço Social do Comércio (SESC) aufgekauft und komplett umgebaut. Die 1946 gegründete Non-Profit-Organisation, die in ganz Brasilien tätig ist und am ehesten mit einem Kammerfonds oder Wohlfahrtstopf zu vergleichen ist, versteht sich als Bildungs-, Kultur- und Freizeitnetzwerk für Arbeiter und Angehörige des handelnden Gewerbes. Allein in São Paulo betreibt die SESC rund 40 Einrichtungen dieser Art.

Das SESC-Zentrum an der Ecke Rua 24 de Maio und Rua Dom José de Barros, das seit zwei Jahren in Betrieb ist, zählt wahrscheinlich zu den schönsten und spektakulärsten und umfasst neben dem Outdoorpool auf dem Dach eine Zahnklinik für die SESC-Mitglieder sowie Theater, Bibliothek, Café, Restaurant, Tanzstudio, Fitnesscenter, Ausstellungsflächen und temporär anmietbare Wohn- und Arbeitsflächen. Verbunden wird die vertikale Ministadt von unzähligen Rampen, auf denen man Meter für Meter in die Höhe wandern kann. Die Planung dafür stammt vom brasilianischen Architekten und Pritzker-Preis-Träger Paulo Mendes da Rocha.

Allen Grund zur Sorge

Das SESC-Schwimmbad im Herzen des brasilianischen Megamolochs ist eines von insgesamt 21 Projekten, die in der neuen Ausstellung im Architekturzentrum Wien (AzW) zu sehen sind. Critical Care. Architektur für einen Planeten in der Krise, so der offizielle Titel, wirft einen Blick auf innovative, intelligente und vor allem prototypische Impulse, die als architektonische und stadtplanerische Bedienungsanleitung für den leicht maroden Erdball zu verstehen sind. Kein Wunder also, dass in der englischen Übersetzung nicht bloß von „Krise“, sondern bereits von „broken planet“ die Rede ist. Der Hut brennt.

„Das Wetter wird immer radikaler, die ökologischen Werte geben allen Grund zur Sorge, und die Erderwärmung spüren wir mittlerweile am eigenen Leib“, sagt Angelika Fitz, Direktorin des AzW. Sie hat die Ausstellung gemeinsam mit der schwimmenden Elke Krasny kuratiert und in den letzten drei Jahren aus aller Welt zusammenrecherchiert. „Die Erde ist in der Notaufnahme. Der menschengemachte Klimawandel droht den Planeten unbewohnbar zu machen. Und diese Ausstellung ist – um im medizinischen Diskurs zu bleiben – eine Intensivstation, in der wir einige Medikationen präsentieren, wie mit dieser Situation umzugehen ist, denn Architektur und Urbanismus sind in diese Krise massiv verstrickt.“

Was tun? Die Reise, auf die man subtil-didaktisch entführt wird (diesmal nicht mit der üblichen Architekturbrille, sondern mit einem ganz anderen, differenzierten Blick voller Aha- und Oje-Momente), umspannt fast alle Kontinente und zeigt Best-Practice-Beispiele im sozialen, ökologischen und wirtschaftspolitischen Kontext. Manche Projekte sind bekannt und werden in der Fachwelt längst schon als heilig hin- und hergereicht. Andere sind neu und machen Gänsehaut.

Das Friendship Centre in Gaibandha, Bangladesch, ist ein Ausbildungszentrum mitten im Überschwemmungsgebiet des Brahmaputra. Während die meisten Bauten in der Region mit viel Erdmaterial teuer und ressourcenintensiv aufgeschüttet werden, um sie vor dem regelmäßigen Hochwasser zu schützen, wurde das Friendship Centre lediglich mit einem Wall umgeben. Mit dem Fluss ist die Anlage aus der Feder von Kashef Mahboob Chowdhury über kommunizierende Gefäße verbunden, die das Gebäude mit Nutzwasser für Toilettenspülung, Fischteiche und natürliche Ventilation versorgen.

In der Sindh-Region entwickelte die pakistanische Architektin Yasmeen Lari ein Lehmhaus, das dank massiv gemauerten Sockels ebenfalls hochwasserresistent ist und dessen Pläne und konstruktive Detaillösungen nun als Open Source zur Verfügung stehen. Das Projekt ist nicht zuletzt als nachhaltige Gegenposition zu den vielen Zelten und Containern internationaler NGOs zu verstehen. Im Gegensatz zu den importierten temporären Fremdbehausungen bleibt die Wertschöpfungskette in der Region. Rund 40.000 Häuser konnten auf diese Weise bereits errichtet werden.

Hinzu kommen großflächige Verkehrsberuhigungen in Barcelona, in dessen Zuge die Straßenblocks zu autofreien, dicht begrünten Superblocks zusammengefasst werden. In San Juan, Puerto Rico, wiederum wurde ein Community Land Trust eingerichtet, um die informellen Favela-Siedlungen am Rande des Financial Districts und somit auch seine Bewohner vor dem total Ausverkauf zu schützen. Und in Frankreich zeigen die Pariser Architekten Lacaton & Vassal schon seit vielen Jahren vor, wie sozial und ökonomisch clever man mit unliebsamen Wohnbauten aus den Sechziger- und Siebzigerjahren umgehen kann.

Einen der schrägsten und zugleich aber sinnvollsten und logischsten Beiträge in der Ausstellung Critical Care liefert die deutsch-indische Architektin Anupama Kundoo. In Pondicherry, Südindien, baute sie ein Kinderheim aus Lehmziegeln, das wie ein Cluster aus gemauerten Iglus um einen großen Innenhof herum gruppiert ist. Um die Festigkeit der Bauten zu erhöhen, wurden die Häuser nach Fertigstellung im wahrsten Sinne des Wortes angezündet und mutierten auf diese Weise vier Tage lang zu gebrannten Ziegelbauten. Zuvor wurden die „Brennöfen“ noch mit Ziegeln und allerlei Keramik- und Töpferware gefüllt.

„Sowohl Architektur als auch die Produktion von Keramik sind sehr energie- und ressourcenintensiv“, sagen die beiden Kuratorinnen Angelika Fitz und Elke Krasny. „Hier werden mit einem ungewöhnlichen Blick auf die Dinge Synergieeffekte geschaffen.“ Architektur ist nicht nur Schöpfung, als die sie von Medien und (männlichen) Stararchitekten immer wieder gepriesen wird, sondern mitunter auch schöpferische Reparatur an unserem Planeten. Pathos hin oder her: Wollen wir die Erde jemals wieder aus dem Emergency-Room hinausrollen, muss diese Erkenntnis milliardenfach zu den Stakeholdern und Entscheidungsträgern gelangen. Jetzt.

„Critical Care. Architektur für einen Planeten in der Krise“, Architekturzentrum Wien, bis 9. September 2019

Der Standard, Sa., 2019.04.27

Matúš Vallo ist Architekt. Doch da er mit seiner Stadt unzufrieden war, beschloss er, in die Politik zu gehen. Seit drei Monaten ist er nun Bürgermeister von Bratislava. Ein Gespräch.

Standard: Wann haben Sie Ihr letztes Haus geplant?

Vallo: Das Timing war ziemlich perfekt, denn an meinem letzten Projekt Nádvorie in Trnava, für das wir schon mit etlichen Preisen ausgezeichnet wurden, habe ich insgesamt sieben Jahre lang gearbeitet. Im Sommer 2018 war das Projekt zu Ende. Zu diesem Zeitpunkt ist der Wahlkampf in die heiße Phase gekommen.

Standard: Fehlt Ihnen Ihr Job als Architekt?

Vallo: Und wie! Ein Architekt ist ein Mensch, der der gebauten Welt kraft seiner Gestaltungsgabe eine Form gibt. Ich bin gerade dabei, mich damit abzufinden, dass ich als Bürgermeister nichts anderes tue. Ich gestalte die Welt. Nur sind meine Werkzeuge jetzt nicht mehr Ziegel und Beton, sondern Dialog, Stadtverfassung und politische Macht, die es sinnvoll einzusetzen gilt.

Standard: Im Büro Vallo Sadovský Architects taucht Ihr Name nach wie vor auf.

Vallo: Operativ habe ich mich bereits zurückgezogen. Nächstes Jahr wird sich dann auch der Büroname ändern. Wir arbeiten gerade am Ausstiegsszenario. Ich habe eine Träne im Auge.

Standard: Wie kommt man als Architekt auf die Idee, Politiker zu werden?

Vallo: Veränderungen sind etwas Schönes! Rem Koolhaas war ursprünglich Journalist und Filmemacher! In meinem Fall habe ich eines Tages erkannt, dass ich als Architekt nur bis zu einem gewissen Grad in der Lage bin, die Stadt zu planen und ihr Schönheit und Funktionalität zu verleihen. Dort, wo man die Politik und Wirtschaft berührt, stößt man an seine Grenzen. Mir persönlich haben diese Grenzen nie gefallen, denn sie haben verhindert, dass sich die Stadt Bratislava, in der ich aufgewachsen bin und die ich sehr liebe, so entfalten konnte, wie es ihr zusteht.

Standard: Das klingt schon fast nach Politikerjargon.

Vallo: Mag sein. Es ist die Wahrheit. Bratislava ist eine großartige Stadt mit vielen Problemen. Ich wünsche mir, dass sie eine großartige Stadt ohne viele Probleme wird. Und ich werde mir den Arsch aufreißen, damit das gelingt.

Standard: Im November 2018 wurden Sie mit einer deutlichen Mehrheit zum neuen Bürgermeister von Bratislava gewählt. Wie ist Ihnen das gelungen?

Vallo: Als der Wahlkampf ein Jahr zuvor anfing, war ich in Bratislava außerhalb der Architekturszene kaum bekannt. Ich hatte einen Bekanntheitsgrad von nicht einmal acht Prozent. Ich wusste: Damit würde ich nichts reißen. Also habe ich beschlossen, Plán Bratislava zu schreiben, darin meine Visionen für diese Stadt zu schildern und das Buch in der Bevölkerung bekannt zu machen. Am Ende habe ich 36,5 Prozent der Wählerstimmen bekommen. Plán Bratislava war, wenn Sie so wollen, mein Werkzeug zum Erfolg.

Standard: Das ist das Wie. Was ist das Was?

Vallo: Bratislava hat viel zu wenige Gemeindewohnungen, nämlich gerade einmal 900 Wohneinheiten. Damit beträgt die Wartezeit auf eine kommunal geförderte Wohnung sieben bis acht Jahre. Das ist zum Schämen. Hinzu kommt, dass Bratislava eine Stadt ist, die als unsicher empfunden wird und die in vielen Teilen in der Tat eine hohe Kriminalität aufweist. Einige besonders traurige Vorfälle haben in den letzten Jahren Schlagzeilen gemacht. Und nicht zuletzt lässt der öffentliche Nahverkehr zu wünschen übrig. Die Busse sind alt und dreckig, sie fahren zu selten und zu unregelmäßig, und es gibt keinen digitalen Echtzeitfahrplan. Mein Was beinhaltet im Wesentlichen die Optimierung dieser drei Bereiche.

Standard: Das klingt nach viel Geld.

Vallo: Es wird nicht von heute auf morgen gehen. Wir werden das Geld gezielt und intelligent einsetzen müssen. Beim Wohnbau werden wir Partnerschaften mit privaten Wohnbauträgern eingehen müssen. Und was den öffentlichen Verkehr betrifft: Wir wollen Park-and-ride-Anlagen errichten und eigene Busspuren schaffen, sodass die Busse an den Staus ungehindert vorbeifahren können.

Standard: Welche Rolle spielt der Fußgänger- und Radverkehr?

Vallo: Danke für diese Frage! Die Gehsteige sind ein Trauerspiel und gehören dringend renoviert. Und das Radwegnetz ist viel zu dünn. In den nächsten vier Jahren wollen wir daher rund 40 Kilometer Radwege bauen. Aber wissen Sie, was das größte Problem ist?

Standard: Was denn?

Vallo: Haben Sie auf dem Weg ins Rathaus alte Leute gesehen?

Standard: Wenige. Es gibt vor allem junge Leute auf der Straße.

Vallo: So ist es! Das Durchschnittsalter in Bratislava liegt bei 39 Jahren. Das ist nur minimal geringer als beispielsweise in Wien. Aber dennoch sind die alten Menschen in Bratislava kaum im Straßenbild präsent. Und wissen Sie, woran das liegt? An den fehlenden Parkbänken! Es gibt in Bratislava viel zu wenige Sitzgelegenheiten. Ein alter Mann, eine alte Frau braucht alle 300 Meter eine Möglichkeit, sich hinzusetzen und sich auszuruhen, ohne dabei gleich ein Cola bestellen zu müssen. Aus Untersuchungen wissen wir, dass viele alte Menschen aus diesem Grund nur selten ihre Wohnung verlassen.

Standard: Was werden Sie tun?

Vallo: In meiner Amtszeit werde ich 10.000 Bäume pflanzen und rund 1000 Parkbänke errichten. Wir werden demnächst einen Ideenwettbewerb starten und das Copyright des Siegerentwurfs ankaufen, sodass wir das Modell beliebig oft zur Ausführung in Auftrag geben können.

Standard: Angenommen, der Bürgermeister Matúš Vallo könnte dem Architekten Matúš Vallo einen Direktauftrag geben: Was für ein Projekt müsste das sein?

Vallo: Ein neues Kulturzentrum. Und tausende leistbare Wohnungen für all jene, die heute Wohnungsnot erleben. Aber das wird es nicht spielen, denn ich bevorzuge die Transparenz.

Standard: Das heißt?

Vallo: Mein Motto lautet: Triff niemals einen Investor oder einen Immobilienentwickler unter vier Augen! Sondern immer in einer größeren Gruppe mit Zeugen. Außerdem haben wir auf der Rathaus-Website eine eigene Rubrik eingerichtet, in der wir die Inhalte und Resultate jedes einzelnen Investorengesprächs protokollieren und öffentlich zugänglich machen.

Standard: Davon höre ich zum ersten Mal.

Vallo: Das ist das, was ich unter Politik verstehe. Ich hoffe aus ganzem Herzen, dass ich mir diese Offenheit und Freigeistigkeit bewahren kann und nicht nach ein paar Jahren zu einem Durchschnittspolitiker verkomme. Ich will den Menschen in Bratislava auch nach vier Jahren noch tief in die Augen schauen können.

Standard: In Wien sprechen die Politiker seit Jahren von der Twin-City Wien und Bratislava. Was halten Sie von diesem Konzept?

Vallo: Bullshit. Das ist ein rein politisches Gedankenkonstrukt. Seit 2006 gibt es den Twin-City-Liner, und das ist eine tolle Verkehrsverbindung auf der Donau. Doch abgesehen davon sind diese 45 bis 60 Kilometer dazwischen so trennend, wie sie nur trennend sein können. Ja, ich würde mir eine Twin-City wünschen. Aber das geht nicht, indem man einfach nur behauptet, dass es so ist. Das bedarf einer intensiven kulturellen, politischen, wirtschaftlichen und infrastrukturellen Zusammenarbeit. Das ist Zukunftsmusik.

Standard: Ein Architekt wird Bürgermeister. Und erst kürzlich wurde die liberale Juristin und Umweltaktivistin Zuzana Čaputová zur neuen Staatspräsidentin gewählt. Ist das ein neuer politischer Wind in der Slowakei?

Vallo: Wir sind leise Vorboten. Ob in diesem Land wirklich ein neuer Wind weht? Bei den Parlamentswahlen 2020 wird sich die Wahrheit über die Slowakei zeigen.

Standard: Haben Sie einen persönlichen, egoistischen Wunsch für die Zukunft?

Vallo: Derzeit arbeite ich 18 Stunden pro Tag. Ich wünsche mir, dass mir auch in Zukunft noch etwas Freizeit bleibt, um mit meiner Band Para auf Tour zu gehen. Denn ich bin nicht nur Architekt und Bürgermeister, sondern auch leidenschaftlicher Gitarrist.

Der Standard, Sa., 2019.04.13

Karl Schwanzer hat es verstanden, Visionen mit Ziegel und Beton zu bauen. Zwei neue Bücher würdigen den Architekten auf ungewöhnliche Weise. Einmal als Comic, einmal als Sammlung heimlicher Blicke.

Seilergasse 16. Am Straßenrand parkt ein roter VW Bulli, die Gewista wirbt gerade mit Bruno Kreisky, im Hintergrund ist noch das alte Haas-Haus, Baujahr 1951, zu sehen. Drei Bilder später steht man bereits in seinem Büro mit grünen Wänden, orangem Teppichboden und Blick auf den Stephansdom. Der Architekt sitzt im Drehstuhl und lässt sich von der Sekretärin zu seiner Gattin durchstellen. „Hilde, ich werd’ am Wochenende ins Büro müssen. Es ist einfach so viel zu tun.“ Und dann wird der Telefonhörer aufgelegt. „Clic!“

Vielreisender, Workaholic, leidenschaftlicher Visionär: Karl Schwanzer, der Herr mit Anzug, Krawatte und gegeltem Seitenscheitel, zählt ohne jeden Zweifel zu den wichtigsten und innovativsten Architekten des 20. Jahrhunderts. Unter den 300 realisierten Projekten finden sich so weltberühmte, teils unter Denkmalschutz gestellte Ikonen wie das Philips-Haus an der Triester Straße, das 20er Haus im Schweizergarten, der Ziegelzubau zur Universität für angewandte Kunst, die österreichische Botschaft in Brasília sowie der markante Vierzylinder-Turm der BMW-Zentrale in München, dessen kreisrunde Büroetagen auf Zugseilen von oben herabhängen. Allem hochwertigen Schaffen zum Trotz ist der Name Schwanzers außerhalb der Architektur- und Kulturszene jedoch nur wenigen geläufig.

Das dürfte sich nun ändern. Der Wiener Trickfilmer und Illustrator Benjamin Swiczinsky verewigte den Umtriebigen, der seine Disziplin stets als Gesamtkunstwerk betrachtete und sogar Sessel, Barhocker und Türklinken entwarf, in einer Graphic Novel mit 600 Illustrationen. „Wir haben gründlich recherchiert und weltweit gerade mal drei Comics über Architekten gefunden, und zwar über Alvar Aalto, Le Corbusier und Adolf Loos“, sagt der 36-jährige Zeichner. „Hinzu kommen Rem Koolhaas und Frank O. Gehry, die mal einen Gastauftritt bei den Simpsons hatten. Das war’s.“

Ziel dieses so lebhaften wie anekdotenreichen Comicbuchs, das nicht nur durch Schwanzers Berufsleben führt und seine Bauten und Projekte vorstellt, sondern auch Einblick in die einmal manische, einmal depressive Privatperson gewährt, ist die unmittelbare, niederschwellige Begegnung mit einem der einflussreichsten Architekten der Nachkriegszeit. „Ich wollte Schwanzer greifbar machen“, sagt Swiczinsky. „Und das geht nicht mit einem klassischen Architekturbuch mit menschenlosen Architekturfotos und viel zu theoretischen Architekturtexten. Das geht nur, indem man die Erwartungen bricht. Beispielsweise mit einem Comic.“

Initiator hinter dem ungewöhnlichen Projekt ist Karl Schwanzers Sohn, Martin Schwanzer, seines Zeichens Architekt und Immobilienentwickler. „Ursprünglich wollte ich einen Zeichentrickfilm über meinen Vater machen“, so Schwanzer, „aber das hätte Millionen gekostet. Das Comic, das man immerhin als eine Art Storyboard für den bislang nicht realisierten Film auffassen kann, war ein guter, wirtschaftlich machbarer Kompromiss.“ Erst im Mai letzten Jahres, zum 100. Geburtstag seines Vaters, richtete Martin Schwanzer einen Instagram-Account ein, auf dem ein Teil des Schwanzer-Archivs – Hochglanzfotos, Baustellendokumentationen und flüchtige Reiseschnappschüsse aus drei Jahrzehnten – nun öffentlich zugänglich ist.

Ein Perfektionist

„Mein Vater war ein Perfektionist und hat detailgenaue Bestandspläne anfertigen und jedes einzelne seiner Projekte professionell fotografieren lassen“, erinnert sich Martin Schwanzer. „Auf diese Weise hat er uns ein perfektes, fast lückenloses Archiv hinterlassen. Daher gelang es, das Comic sehr nah an der Realität anzusiedeln.“ Die Wahrheitstreue bezieht sich auf die Darstellung der Häuser und Protagonisten, aber auch auf so manch intimen Moment zwischen Einsamkeit und Wutausbruch. Das Comic beschönigt keinen Moment lang. „Mit der Lösung eines Problems ist man verkettet bis zur Selbstaufgabe. Man vergisst alles um sich herum, vergisst zu essen, zu schlafen, zu lieben.“ (Karl Schwanzer, Seite 80.)

Fast zeitgleich zur Graphic Novel erschien ein ebenso berührender, im Blick überraschender Bildband zu Schwanzers in Würde gealterten Bauten. Die Spurensuche des Wiener Fotografen Stefan Oláh macht die im Comic skizzierte Welt in realen Bildern noch greifbarer. Viele der Fotografien erzeugen neue, unentdeckte Sichtweisen auf sein Werk. Sie bestätigen Schwanzers Qualitätsanspruch, der heute mehr denn je als Notruf zu verstehen ist: „Architektur darf sich nicht davon entfernen, künstlerisches Werk zu bleiben. Wenn man sich entschlossen hat, Architekt zu sein, muss man den Mut aufbringen, Visionen erfüllen zu wollen.“

Benjamin Swiczinsky, „Schwanzer. Architekt aus Leidenschaft“. € 29,95 / 96 Seiten. Birkhäuser 2018

Ulrike Matzer und Stefan Oláh, „Karl Schwanzer. Spuren. Eine Bestandsaufnahme“. € 49,95 / 128 Seiten. Birkhäuser 2018

Der Standard, Sa., 2019.04.06

An der Südküste von Norwegen liegt ein schräg am Felsen lehnender Betonprügel auf Grund. Im Inneren des archaischen Bauwerks schufen die Architekten von Snøhetta das größte Unterwasser-Restaurant der Welt. „Under“ macht Appetit.

Da pickt eine Nacktschnecke auf der Glaswand, vielleicht drei oder vier Zentimeter groß, lässt ihre an den Spitzen rot eingefärbten Kiemen im Rhythmus der Wellen hin und her wiegen. Auf dem künstlichen Riff vor dem Fenster haben sich in den letzten Monaten indes, zwischen den fetten, olivgrünen Kelpblättern Schutz suchend, Venusmuscheln und Seeigel angesiedelt. Und plötzlich schwimmt ein kleiner Zwergseeskorpion herbei – die gesamte Gastschaft lässt den zweiten Gang, Fischkopftatar mit Rogen und irgendwelchen cremigen Emulsionen, links liegen und strömt zum Fenster – und beschließt, ihre abendlichen Spazierrunden just vor versammeltem Gourmetpublikum zu drehen.

„Damit sind die drei wichtigsten Zutaten unseres Unterwasser-Restaurants offengelegt“, sagt Nicolai Ellitsgaard Pedersen mit einem breiten Lächeln im Gesicht. „Gutes Essen, spektakuläre Architektur und ein kleiner Einblick in die Weiten der Unterwasserwelt.“ Der 32-jährige Chefkoch, seine Jugend funkelt noch unschuldig in den Augen, leitete früher den Gourmettempel Måltid in Kristiansand, irgendwo an der südlichsten Spitze des fjordzerklüfteten Norwegen, ehe ihn der Hotelbesitzer und Investor Stig Ubostad anrief, um ihm ein abgrundtief unmoralisches Angebot zu unterbreiten. „Als ich die Pläne und die ersten Visualisierungen gesehen habe, ist mir die Spucke weggeblieben. Alles, was ich rausbrachte, war: Wo muss ich unterschreiben?“

Wie ein umgekippter, an den schroffen Felsen lehnender Betonprügel liegt das Gebäude im Wasser, verbindet die eine mit der anderen, die nasse mit der trockenen Welt und stemmt sich den Wogen und Witterungen mit trotzendem Gewicht in den Weg. Während der Zugang zur rund 35 Meter langen, unter 20 Grad versenkten Betonröhre über eine stählerne Gangway erfolgt, während das Portal und die kleine Terrasse vor dem Eingang noch ein wenig an eine mit hochglanzlackierten Eichenbohlen verlegte Luxusjacht erinnern, taucht man, sobald man das Foyer und die Garderobe hinter sich gelegt hat, Stufe für Stufe in immer dumpfer, immer blauer werdende, sehnsüchtig in die Tiefe saugenden Gefilde ab.

Der Name des ungewöhnlichen Restaurants, das wie ein Fisch- und Meeresfrüchtefernseher in den Fjord von Båly hineinragt, 90 Autominuten vom nächsten Flughafen entfernt, ist Programm: Under bezieht sich nicht nur auf die hier zur Marke erhobene Lage unter der Wasseroberfläche, sondern ist zugleich auch das norwegische Wort für Wunder: Es das erste Unterwasser-Restaurant Europas. Und es ist das größte seiner Art weltweit. Alles andere als verwunderlich also sind die optischen Assoziationen auf der Restaurant-Website, die trotz der geringen Tiefe von nur fünf Metern unter dem Meeresspiegel so stürmisch, so abenteuerlich, so aggregatzuständlich befremdlich anmuten, als würde man beim 18-gängigen Dinner Jules Vernes höchstpersönlich gegenübersitzen.

Ungewöhnliche Kräfte

„Die Planung und Errichtung dieses Bauwerks war für uns in der Tat ein kühnes Experiment, denn wir haben es hier mit Kräften zu tun, die in der Architektur nicht ganz alltäglich sind“, sagt Kjetil Trædal Thorsen. Der 60-Jährige ist Gründer und Partner im norwegischen Architekturbüro Snøhetta, das Ateliers in Oslo, Innsbruck, Paris, New York und San Francisco betreibt und schon so atemberaubende Projekte wie die Bibliothek von Alexandria, die Oper von Oslo und das wie funkelnde Blutsteine in den Wüstenhimmel ragende King Abdulaziz Center in Dhahran, Saudi-Arabien, realisierte. Erst vor wenigen Monaten wurde in Wattens, Tirol, die Swarovski-Manufaktur in Betrieb genommen.

„Und mit neuen, ungewöhnlichen Kräften meine ich nicht nur die Macht des Wassers, die uns hier auf Schritt und Tritt begegnet und das Projekt maßgeblich geformt hat, sondern auch statische und konstruktive Lösungen, bei denen wir komplett umdenken mussten.“ Betoniert wurde das Gebäude, dessen Oberfläche aus aquadynamischen Gründen leicht gebaucht ist, auf einem schwimmenden Ponton, der in der Nachbarbucht in gerade mal 100 Meter Entfernung vor Anker lag. In einer eintägigen Reise wurde das 1600 Tonnen schwere Ungetüm nach monatelanger Aushärtungszeit im Juni 2018 mit Seilen und luftgefüllten Tarierballons an Ort und Stelle gezogen.

„Normalerweise sind Fundamente auf Druck beansprucht, weil auf ihnen eine schwere Baukonstruktion lastet“, sagt Thorsen, „doch in diesem Fall war es umgekehrt. Nachdem sich das Restaurant aufgrund seiner inneren Leere wie ein Schiff verhält und ohne Verankerung sofort an die Wasseroberfläche aufschwimmen würde, mussten wir das Fundament auf Zug konstruieren.“ Acht oberarmdicke Schraubbolzen, die von Tauchern festgezogen wurden, sorgen dafür, dass das Restaurant dort bleibt, wo es seinem Namen alle Ehre zu erweisen imstande ist.

Über eine elf Meter breite und drei Meter hohe Acrylglasscheibe, die aufgrund des umgebenden Wasserdrucks massiv in 25 Zentimeter Materialdicke (!) dimensioniert werden musste, gelangt das natürliche Licht, das sich durch das nasse Medium den Weg nach unten kämpft, in den Innenraum. Am Abend wird das dem Restaurant vorgelagerte Riff künstlich beleuchtet, worauf sich das Fenster vor den bis zu 40 speisenden Gästen in einen 33 Quadratmeter großen Lampenschirm verwandelt. Kleine LED-Spots im Plafond korrigieren die Wellenlänge und bereichern das bläulich-grünliche Licht des Wassers um die nötigen Rotschwingungen, die in fünf Metern verlorengegangen sind. Eine ästhetisch überaus wichtige Maßnahme, denn sie sorgt dafür, dass einem das Date vis-à-vis nicht wie eine blaulippige Wasserleiche erscheint.

Bis Oktober ausgebucht

„Das Wasser zu beleuchten klingt nach einem dramatischen Eingriff in die Natur“, erklären die beiden Meeresbiologen Trond Rafoss und Kim Halvorsen, die das Projekt von Anfang an begleitet haben und im Under nicht nur ein Restaurant, sondern auch eine maritime Beobachtungsstation sehen. „Aber die permanente Lichtverschmutzung in den Dörfern und Städten hat weitaus größere Auswirkungen als die sieben Scheinwerfer, die in den Abendstunden die paar Kubikmeter des Meeres ausleuchten. Viele Fische fühlen sich vom Licht angezogen. Und die anderen, die das Licht scheuen, werden uns eh fernbleiben.“

Mit rund 70 Millionen norwegischen Kronen (7,2 Millionen Euro), die in Forschung, Entwicklung und Errichtung flossen, soll das Unterwasser-Restaurant nicht zuletzt den internationalen Tourismus, der die norwegische Südküste auf dem Weg nach Stavanger, Bergen und auf die Hurtigruten bisher übersprungen hat, etwas ankurbeln. Das Konzept könnte aufgehen. Am 2. April wird das Lokal, das nordischen Matadoren wie Noma (Kopenhagen) und Maaemo (Oslo) Konkurrenz machen soll, offiziell eröffnet. Trotz eines Menüpreises von 2250 Kronen (230 Euro) sind die Tische bis Oktober ausgebucht.

Der Standard, Sa., 2019.03.23

Das slowakische Architekturbüro Gutgut sagt mit seinen Projekten klassischen Immobilieninvestoren und Developern den Kampf an. Das revitalisierte Zementwerk Mlynica in Bratislava wird heute bei einem Vortrag in Wien vorgestellt.

An den eckigen Pfeilern haftet noch die Patina der letzten Jahrzehnte: Kratzer, Löcher, Markierungen in Weiß und Neonpink. Die dicke Rippendecke erzählt Geschichten von schweren Lasten und rüttelnden Maschinen. Und die Kabeltrassen an den Wänden sind geführt, als wäre mitten im Betrieb das Geld ausgegangen. Schauplatz ist die sogenannte Mlynica, eine aufgelassene Zementfabrik in der Turbinová am nordöstlichen Stadtrand von Bratislava.

„Die Fabrik wurde Anfang der Siebzigerjahre in Betrieb genommen, als der Kommunismus in seiner Blüte war und der Wohnbedarf in der ČSSR traditionsgemäß mit Plattenbauten gedeckt wurde“, erzählt Architekt Štefan Polakovič. „In der Mlynica wurden Stein und Zement gemahlen. Die daraus gegossenen Betonplatten prägen bis heute das Stadtbild in vielen osteuropäischen Städten.“ Mit dem Fall des Eisernen Vorhangs wurde das staatlich geführte Werk mangels privater Investitionen geschlossen. Seit damals stand die Anlage leer. „Der Zustand, als wir uns das Werk vor ein paar Jahren angesehen haben, war erbärmlich. Doch dann kamen wir ins Spiel.“

Postkommunistische Zeitgeschichte

Im Auftrag des slowakischen Developers ISE, der offenbar keine Angst vor Abgefucktheit hatte, sollte die ehemalige Mlynica in eine Eventlocation mit vermietbaren Büroflächen und stylishen, rough belassenen Lofts umgebaut werden. „In der Regel werden solche Gebäude so lange renoviert, bis von der alten Atmosphäre fast nichts mehr übrig ist“, erzählt Polakovič. „Doch das ist langweilig. Das interessiert uns nicht. Wir wollten das Gebäude in seinem ursprünglichen Charakter erhalten und nur dort reparieren, konstruktiv verstärken und mit neuen architektonischen Implantaten befüllen, wo dies für die Funktion notwendig war. Ansonsten ist das Gebäude unverändert. Nicht einmal die Wände haben wir ausgemalt.“ Kurze Pause. „Ach ja, den Schmutz haben wir natürlich mit dem Kärcher abgewaschen.“

Das Resultat dieses ungewöhnlichen Ansatzes ist eine dreidimensionale Collage aus Stahl, Beton, Ziegel, Bauholz und Profilitglas, die mitten im Industrieviertel, umgeben von Baumärkten, Chemiewerken und dem zentralen Bratislavaer Heizkraftwerk, eine Art lesbare, nonverbal konsumierbare Lektüre postindustrieller, postkommunistischer Zeitgeschichte formiert. Zugleich ist das Projekt, das man in seiner Unverfrorenheit in Berlin, London, New York, gewiss aber nicht in der Slowakei erwarten würde, eine Kampfansage an Privatisierung und an die Unkultur gewerblicher Investoren und Developer, die das Stadtbild von Bratislava seit 1989 massiv verändert haben.

Heute, Samstag, hält Štefan Polakovič gemeinsam mit seinem Kollegen Tomaš Vrtek einen Vortrag im Rahmen des Architekturfestivals Turn on. Ziel des Kongresses, der zum 17. Mal im großen Sendesaal im ORF-Radiokulturhaus ausgerichtet wird, ist die Vernetzung von Architektur, Politik und Bauindustrie. „Architektur ist eine ästhetische Qualität, die sich auf unterschiedliche Weise manifestieren kann“, sagt die Initiatorin und Organisatorin Margit Ulama. „Das Festival präsentiert vielfältigste thematische Facetten, wie die gebaute Umwelt das Leben auf positive Weise beeinflussen kann.“ Zum Beispiel auch so.

„Historische Identität tut jeder Stadt gut“, sagt Polakovič, der mit seinem Partner Lukáš Kordík das Architekturbüro Gutgut in einem stillen Wohnviertel am Rande der Innenstadt leitet. „Aber im Fall von Bratislava, die zu den am schnellsten wachsenden und sich am stärksten verändernden Hauptstädten Europas zählt, sind Rettung und Erhalt der Geschichte anhand der von ihr produzierten Gebäude nicht nur eine Kür, sondern eine Pflicht. Das Immobilienspiel, das die Investoren und Projektentwickler hier spielen, ohne sich für räumliche und historische Qualität zu interessieren, ist ein rasantes und ein brutales. Dem müssen wir dringend etwas entgegensetzen. Das ist unsere Aufgabe als Architekten.“

Mehr als nur gut

Polakovič, der mit seinem Auftritt und seinem offenen, einsichtigen Arbeitsatelier in der Auslage eine neue, nonchalante Lockerheit verkörpert, tunkt sein Supermarktsemmerl in den Mayonnaisesalat und macht ein paar Bissen lang Pause. Die Architektur wird nicht wegrennen. Zumindest nicht in den nächsten paar Minuten. „Wir sind ein kleiner Fisch. Ein kleines Büro, das Projekte bis zu 5000 Quadratmetern Nutzfläche abwickelt. Aber immerhin, wir leisten unseren Beitrag.“ Warum das Büro Gutgut heißt? „Früher hießen wir Gelb, dann Rot, dann Blau. Aber dann haben wir gemerkt, dass wir auch Farbe bekennen können, ohne bunt zu sein. Und ganz ehrlich? Wir sind mehr als nur gut. Wir sind echt gutgut.“

Wie können Qualität und Innovation in der Architektur unser Leben verbessern? Das ist die Grundfrage des Architekturfestivals Turn on, das heuer zum 17. Mal stattfindet. Auf dem Programm stehen die Themen Wohnbau, Hotels, Kulturbauten, Gesundheitsimmobilien und Quartiersentwicklung. Einleitende Worte von Christian Kühn (Architekturstiftung Österreich) und der Wiener Frauen- und Wohnbaustadträtin Kathrin Gaál. Mit Vorträgen von Feld72, Einszueins Architektur, Baumschlager Hutter, Alison Brooks Architects, Robertneun, Hermann Czech, Königlarch, Werner Neuwirth, Pool Architektur, Bevk Perović Arhitekti, Fasch & Fuchs, Franz & Sue, Dietger Wissounig, Erich Strolz, Dietrich Untertrifaller, Walter Angonese und dem slowakischen Büro Gutgut. Ergänzt wird der Vortragsnachmittag von einer Podiumsdiskussion mit der Wiener Architektin Bettina Götz (Artec), Bernhard Steger, Abteilungsleiter der MA 21A, sowie dem ehemaligen Direktor des Amtes für Städtebau der Stadt Zürich, Patrick Gmür.

Der Standard, Sa., 2019.03.09

Der mit 100.000 US-Dollar dotierte „Nobelpreis der Architektur“ geht zum achten Mal nach Japan

Es gibt den Raum, und es gibt die Zeit“, sagt der japanische Architekt Arata Isozaki. „Aber noch viel wichtiger als Raum und Zeit in der Architektur sind der Zwischenraum und die Zwischenzeit, also die Dinge zwischen den Elementen. So wie auch Japan nicht nur aus Inseln, sondern auch aus dem Wasser rundherum besteht.“

Das von ihm seit Jahrzehnten propagierte Konzept des Dazwischen hat im Japanischen sogar einen eigenen Namen: Ma. Für genau diese Liebe zum Zwischenraum wird der 87-Jährige, wie am Dienstagnachmittag bekannt wurde, mit dem renommierten Pritzker-Preis 2019 ausgezeichnet.

„Auf der anderen Seite der Bucht wurde die Atombombe auf Hiroshima fallen gelassen“, erinnert sich Isozaki im Gespräch. „Ich bin mitten in diesem Ground Zero aufgewachsen. Die Stadt war eine einzige Ruine. Es gab keine Architektur, keine Gebäude, nur Baracken und Verschläge. Mein erstes Verständnis von Architektur, damals als 14-Jähriger, war also jenes des leeren Zwischenraums. Und so habe ich mir Gedanken darüber gemacht, wie neue Häuser und neue Städte aussehen könnten.“

In vielen seiner Bauwerke, heißt es im Pritzker-Juryprotokoll, sei genau diese Faszination für die Leere zu spüren. Gebäude und Leere fänden dabei stets in einem Gleichgewicht zueinander. Schon einer seiner ersten, allerdings unrealisierten Entwürfe, die sogenannte City in the Air im Jahr 1962, ist ein Vorschlag, eine neue, scheinbar schwebende Stadt über der Stadt zu errichten. Damit greift Isozaki die zu dieser Zeit hoch im Kurs stehende Idee des Metabolismus auf, demnach Architektur und Städtebau einem kontinuierlichen Wachstum und energetischen Austausch mit der Außenwelt unterworfen seien.

Es folgen realisierte Bauten wie etwa die Bibliothek in Oita, die Expo 1970 in Osaka sowie mehrere Museen im ganzen Land. „Als einer der ersten Japaner hat Isozaki auch außerhalb Japans gebaut“, sagt Tom Pritzker, Vorsitzender der Hyatt Foundation, die den Preis seit 1979 jährlich auslobt. „Und das in einer Zeit, in der westliche Gesellschaften eher den Osten beeinflussten als umgekehrt.“

Es folgen Bauten in Los Angeles (Museum of Contemporary Art, 1986), Barcelona (Sporthalle Palau Sant Jordi, 1990), Turin (Eishockey-Stadion, 2005), auf dem Potsdamer Platz in Berlin sowie immer wieder auch in China und im arabischen Raum.

Eines der jüngsten Projekte des Architekten und Universitätsprofessors, der weltweit bereits mehr als hundert Bauten realisiert hat, ist der 202 Meter hohe, 50-geschoßige Allianz-Tower in Mailand. Damit krönt er den sogenannten Citylife-Bezirk, der anstelle des alten Messegeländes rund um einen öffentlichen Park angelegt wurde.

Während seine beiden Kollegen Daniel Libeskind und Zaha Hadid, die 2004 ebenfalls mit dem Pritzker-Preis ausgezeichnet wurde, eher laut gestikulierend um sich schlagen, frönt Isozaki mit seinem schlichten Turm einer japanischen, formalen Strenge.

Nur eine Frau bisher

Mit dem Namen Hadid ist auch der mittlerweile kritischste Aspekt des Pritzker-Preises angesprochen. Unter den berühmten Preisträgern seit 1979 – darunter Rem Koolhaas, Norman Foster, Frank O. Gehry, I. M. Pei, Robert Venturi, Oscar Niemeyer sowie der Österreicher Hans Hollein – finden sich bis auf Zaha Hadid ausschließlich Männer beziehungsweise selten auch gemischtgeschlechtliche Teams. Von Jahr zu Jahr steigt die Verwunderung über die einseitige Sichtweise auf die Kunst des räumlichen Gestaltens. Damit droht der als „Nobelpreis der Architektur“ bekannte Preis à la longue seinen außergewöhnlichen Ruf einzubüßen. Das wäre wohl nicht im Sinne seiner Gründer Jay und Cindy Pritzker.

Die mit 100.000 US-Dollar (88.000 Euro) dotierte Auszeichnung nimmt Arata Isozaki im Mai im Schloss Versailles entgegen.

Der Standard, Mi., 2019.03.06

In Wien-Breitenlee entstehen Wohnungen, die um einen modernen, horizontal und vertikal begrünten Anger gruppiert sind – mit nachhaltigem Energie- und Mobilitätskonzept

Bis 1900 war Breitenlee landwirtschaftlich geprägt. Sogar das Grundstück in der Oleandergasse, auf dem die gemeinnützige Wohnbauvereinigung für Privatangestellte (WBV-GPA) 133 Wohnungen errichtete, die am Freitag an ihre Mieter übergeben werden, wurde bis vor kurzem noch als Weizenacker genutzt. Diese geschichtliche Identität des Ortes schwingt auf eine gewisse Weise mit. Denn als Vorbild für die ungewöhnliche Wohnhausanlage, deren Wohnungen um einen schmalen, langen Dorfplatz gruppiert sind, dient ein klassischer Siedlungstypus aus längst vergangenen Tagen.

Inspiriert vom Anger

„Die Dörfer im Weinviertel waren früher oft als längliche Plätze, als sogenannte Anger konzipiert“, erklärt Robert Haranza, Projektleiter bei Querkraft Architekten, die das Projekt in Zusammenarbeit mit Architekt Thomas Moosmann realisiert haben. „Wir haben uns davon inspirieren lassen. Die Wohnungen liegen nun rund um einen langgestreckten Innenhof, den wir in der Fläche mit Sträuchern und Beeten begrünt und in dem wir sogar 37 Bäume gepflanzt haben.“ Die Planung dafür stammt vom Wiener Landschaftsarchitekten Joachim Kräftner.

Doch während das Grünkonzept in den meisten Wohnhausanlagen auf die horizontale Ebene beschränkt ist, wird sich die Natur in ein paar Jahren schon an den in Erd- und Lehmfarben gestalteten Fassaden hocharbeiten. Der Clou dabei: Die um den Innenhof gruppierten Putzflächen sind mit insgesamt 2100 Quadratmeter Stahlgitter verkleidet, die den schon in der Bauphase gesäten Kletterpflanzen – darunter auch wilder Wein – als Rankgerüst dienen. Im begrünten Zustand soll die lebende Fassade nicht nur ein Eyecatcher sein, sondern auch zum Mikroklima innerhalb des Quartiers beitragen. Per Mietvertrag verpflichtet sich jeder Mieter, sich um die Bewässerung der vom Balkon oder von der Terrasse aus zugänglichen Flora zu kümmern. Schnitt und Unkrautentfernung übernimmt der Bauträger.

Wie ein Dorf

Um den dörflichen Charakter im „Wohnen am grünen Anger“ zu wahren, wurden die Wohnungen mal dichter, mal lockerer gruppiert. „Wir haben insgesamt sieben verschiedene Wohnungstypen zwischen 47 und 126 Quadratmetern, die wir nach dem Lego-Prinzip übereinandergestapelt und ineinander verschachtelt haben“, so Haranza. Die sägezahnartige Burgzinnen-Silhouette, hinter der sich ein-, zwei- und dreigeschoßige Wohnungen verbergen, ist schon von weitem sichtbar. „Manche der Wohneinheiten haben fast schon Einfamilien- oder Reihenhauscharakter.“ Die monatliche Miete liegt bei 5,99 Euro pro Quadratmeter (einmaliger Finanzierungsbeitrag 405 Euro pro m2) sowie bei 7,50 Euro (Finanzierungsbeitrag 60 Euro) im Falle der Smart-Wohnungen.

Grün ist aber nicht nur das äußere Erscheinungsbild des Angerprojekts, das ursprünglich als Holzhaus konzipiert war, ehe die Variante der günstigeren Stahlbetonoption gewichen ist, sondern auch das Energie- und Mobilitätskonzept. „30 Prozent der benötigten Energie können wir direkt vor Ort erzeugen“, sagt Michael Gehbauer, Geschäftsführer der Wohnbauvereinigung. „Die Dachlandschaft ist mit Fotovoltaik bestückt, hinzu kommen Luftwärmepumpen, die auf Niedrigenergiebasis die Fußbodenheizung in den Wohnungen zuspeisen.“ Die WBV-GPA ist im Gespräch mit Wien Energie, um für die Verteilung des PV-Stroms („Bewohnerstrom“) den Abrechnungsschlüssel festzulegen.

Auf eine unterirdische Garage wurde aus Kostengründen verzichtet. Stattdessen sind die knapp über 100 Stellplätze auf Straßenniveau angesiedelt. Jeder Stellplatz weist eine Leerverrohrung auf und kann von den Mietern mit einer E-Ladestation nachgerüstet werden. Ergänzt wird das Angebot durch ein E-Car, zwei E-Bikes und zwei E-Roller.

Der Standard, Mi., 2019.03.06

Marte.Marte Architekten haben in Krems einen Würfel zum Tanzen gebracht. An diesem Wochenende ist die neue Landesgalerie Niederösterreich, die sich so sehnsuchtsvoll zur Donau neigt, erstmals öffentlich zugänglich.

Die Egon Schieles, Oskar Kokoschkas und die zeitgenössischen niederösterreichischen Malerinnen müssen sich bis Ende Mai gedulden. Bis dahin nämlich ist die Zeit der Bernhards. So heißen die 30 mal 30 mal 30 Zentimeter großen Kartonmodelle, 2000 Stück an der Zahl, die in Kooperation mit Kindern, Jugendlichen und der lokalen Bevölkerung in den letzten Monaten im Rahmen von#MyMuseum gebaut wurden und die nun in der neuen Landesgalerie sowie diversen Kremser Ämtern, Schulen und Museen zu sehen sind.

„Die Bernhards, die wir nach dem Architekten dieses Hauses benannt haben und die die unterschiedlichen Interpretationen und persönlichen Wünsche an dieses Museum darstellen, sind ein ganz wichtiger Bestandteil dieses Projekts“, sagt Christian Bauer, künstlerischer Direktor der Landesgalerie Niederösterreich, die an diesem Wochenende nach zweieinhalbjähriger Bauzeit ihr langersehntes und medial trommelbewirbeltes Pre-Opening über sich ergehen lässt.

„Denn die Funktion einer Landesgalerie ist zwar ohne jeden Zweifel eine überregionale und internationale, aber ohne die intensive Einbindung der lokalen Bevölkerung wird so eine Galerie niemals erfolgreich sein. Wir legen viel Wert darauf, dass dieses Haus die Herzen der Menschen erreicht.“ Und der Direktor meint es ernst mit dem, was er sagt: Rund 300 öffentliche und partizipative Veranstaltungen aller Art, die in Zusammenhang mit dem Neubau stehen, gingen in den vergangenen Jahren über die Bühne.

Tänzerin im Paillettenkleid

Jetzt ist er also fertig, der Bernhard. Oder der gedrehte Zinkwürfel. Oder die Tänzerin im Paillettenkleid. Namen für dieses Gebäude gibt es schon viele. „Während der Bauzeit“, erinnert sich Bauer, „war der massiv wirkende Rohbau sehr vordergründig, und viele Kremser haben sich damals gefragt, wie dieser Betonbunker, wie sie meinten, denn eines Tages aussehen würde. Doch dieses Bild ist gewichen, und zwar zugunsten einer Skulptur, eines leichtfüßigen Objekts, das die Kremser Kunstmeile mit einem dynamischen Schlussstein markiert.“

Genau dieser Clou war ausschlaggebend dafür, dass sich das Vorarlberger Architekturbüro Marte.Marte unter der Führung der Brüder Stefan und Bernhard Marte 2015 gegen 78 Kandidaten im EU-weiten, zweistufigen Wettbewerb (Juryvorsitz Elke Delugan-Meissl) einstimmig durchsetzen konnte. Von Anfang an habe die Drehung des 22 Meter hohen Würfels, der sich nach oben hin dreht und verjüngt und sich auch sehnsuchtsvoll nach dem Donauwasser reckt, die Jury überzeugt.

„Es war eine ganz bewusste Entscheidung, das Gebäude so auszurichten, dass es sich stark zur Donau orientiert und die dort ankommenden Besucher mit einer großzügigen Geste empfängt“, sagt Bernhard Marte. „Es ist fantastisch zu sehen, wie die Drehung des Baukörpers die malerischen Altstädte von Krems und Stein mit der umliegenden Naturlandschaft verbindet.“ Als Vorbild für diese waghalsige Drehung, die das Haus an der Südseite meterweit ins Nichts hinaustanzen lässt, diente die „Figura serpentinata“ von Giambologna, jenes manieristische Gestaltungsmotiv also, das ein Objekt von jedem Standpunkt aus unterschiedlich erscheinen lässt.

Von manchen Perspektiven wirkt der Marte-Würfel bedächtig ruhig und schwer, aus anderen erscheint das Ding wie eine sich um ihre eigene Achse drehende Tangotänzerin, eingehüllt in ein Kleid aus 7200 Pailletten in Form von diagonal verlegten Titanzinkschindeln, die kurz davor ist, jede Schwerkraft zu überwinden. Dazu passt auch die eingeschnittene Aussichtsterrasse im dritten Obergeschoß, von der aus man eine perfekte Sicht auf das Stift Göttweig jenseits des Flusses hat.

„Der Rohbau war in konstruktiver Hinsicht eine Herausforderung, denn aufgrund der sphärischen Krümmung und der sich weit hinauslehnenden Außenmauern musste die Schalung sonderangefertigt werden“, erklärt Alexandra Grups, Projektleiterin bei Marte.Marte. „Hier ist jeder Quadratzentimeter anders.“ Sogar die 91 Glasscheiben innerhalb der großen, erdgeschoßigen Bogenfenster folgen der komplexen, verdrehten Geometrie des Gebäudes: Jede Einzelne ist ein 3D-berechnetes Einzelstück, durch das so manches Mal die beinharte Realität Kremser Reihenhäuslichkeit ins Innere des Museums dringt. Eine radikale, wiewohl reizvolle Geste.

Während das Erdgeschoß und das dritte Obergeschoß mit Tageslicht durchflutet sind, bleiben das erste und zweite Obergeschoß sowie das 850 Quadratmeter große Untergeschoß in der Dunkelheit musealer Triple-A-Anforderungen. Damit, meint Chefkurator Günther Oberhollenzer, sei man in der Lage, heikle, lichtempfindliche Kunstwerke und auch wertvolle Leihgaben aus großen internationalen Häusern auszustellen.

„Die Architektur dieses Gebäudes ist eine Freude – und Herausforderung“, so Oberhollenzer, der damit nicht nur auf die schiefen, geneigten Wände, sondern auch auf die räumliche Anordnung der Ausstellungssäle anspielt. „Durch die vier unterschiedlichen Erschließungspunkte aus zwei Liften und zwei Stiegenhäusern sind wir nicht in der Lage, einen klassischen, chronologischen Weg durch die Ausstellung zu planen. Aus Kuratorensicht müssen wir in diesem Haus komplett umdenken. Ich bin neugierig, wie gut uns das gelingen wird.“

Der 35 Millionen Euro teure Bau, dessen Bildhaftigkeit und zugleich bildhafte Sprache unweigerlich an Dave Brubecks Unsquare Dance denken lässt, fasst nun erstmals die niederösterreichische Kunstsammlung an einem Ort zusammen und entlastet damit auch Hans Holleins Mehrspartenmuseum im Regierungsbezirk St. Pölten. Das erste Exponat, die Landesgalerie als kunstfertige Hülle ihrer selbst, zeigt sich ab diesem Wochenende erstmals der Öffentlichkeit. Die Tanzkür ist schön anzusehen. Über die Pflicht der vielgelobten Tänzerin wird man sich ein Urteil bilden können, wenn das Museum Ende Mai offiziell eröffnet wird.

Der Standard, Sa., 2019.03.02

Wie wollen wir in Zukunft mit dem Weltkulturerbe umgehen? Wie lassen sich die Anforderungen der Unesco mit denen einer modernen Stadt in Einklang bringen? Letzte Woche fand dazu eine Konferenz in Wien statt. Resultat: die „Vienna Declaration“.

Zehn Uhr. Die Kirchenglocken haben es gerade klanghaft gemacht. Im süditalienischen Stundensystem ist dies die turbulenteste Zeit des Tages. Kinder rennen über die Piazza, Donne gehen über den Markt und machen Besorgungen fürs Abendmahl, ältere Signori stehen am Straßenrand und unterhalten sich über den neuesten Tratsch, den sie in der Gazzetta dello Sport gelesen haben. Das Klischeebild, das in vielen Städten in Apulien, Kalabrien und in der Basilicata noch den Alltag prägt, gehört in Matera, Kulturhauptstadt Europas 2019 und eine der ältesten Städte der Welt, jedoch der Vergangenheit an. Es ist still und menschenleer.

In einem der beängstigend ausgestorbenen Corti im Sasso Barisano, im Unesco-geschützten Felsenbezirk, befindet sich eine kleine Baustelle. Ein Hinterhof in der Via Sette Dolori, das Echo hallt durch die steinernen Gassen, ein Bauarbeiter, Jogginghose und Arbeitshandschuhe, saniert eines der uralten Felsenhäuser, das mit einiger Verspätung zum Kulturhauptstadtjahr fertig werden soll. In einem Monat werden die Menschenmassen erwartet, für die man die historische Innenstadt herausgeputzt und eigens Airbnb-Apartments, Wellnesstempel und echte türkische Bäder geschaffen hat.

„Das Problem von Matera ist leider kein Einzelfall“, sagt Denis Ricard, Generalsekretär der Organisation of World Heritage Cities (OWHC) mit Sitz in Québec, Kanada. „Wir kennen viele Städte, in denen es nicht gelingt, die Kür des Unesco-Weltkulturerbes mit den Anforderungen an eine wachsende, dynamische Stadt miteinander zu vereinbaren. Die Folge ist, dass viele Menschen aus den denkmalgeschützten Innenzonen abwandern und sich am Stadtrand niederlassen, während das Zentrum mehr und mehr zu einem touristischen Open-Air-Museum verkommt.“ In Matera, das seit 1993 als Unesco-Weltkulturerbe firmiert, ist dieser Prozess besonders fortgeschritten. Die mehrgeschoßigen Wohnhausanlagen in der Peripherie sind längst Teil der Skyline. Auf den Fotos sind die Betonklötze nie zu sehen.

1092 Welterbestätten

„Es ist ein Unterschied, ob die Unesco ein singuläres Bauwerk, ein kleines Gebäudeensemble oder eine zusammenhängende Innenstadt unter Schutz stellt“, so Ricard. „Daher setzen wir uns dafür ein, diese Unterschiede anzuerkennen und das Weltkulturerbe entsprechend differenziert handzuhaben.“ Das Interesse scheint groß zu sein: Unter den weltweit 1092 Unesco-Welterbestätten gibt es mehr als 300 städtische Gemeinden, die sich der OWHC angeschlossen haben, weil sie sich mit dem Weltkulturerbe nicht nur Glanz und Glorie eingekauft haben, sondern auch so manch operative, logistische, infrastrukturelle Pein.

Die vielleicht prominenteste OWHC-Mitgliedsstadt in der Unesco-Kartei ist Wien. Seit Juli 2017 befindet sich die Wiener Innenstadt, eines der größten Unesco-Schutzgebiete der Welt, auf der Roten Liste. Ausschlaggebend dafür seien der laxe Umgang mit Investoren, der fehlende, wiewohl verpflichtende Managementplan sowie die allzu weit auseinanderklaffenden Systemfehler zwischen Denkmalschutz (singuläre Bauwerke), Wiener Schutzzonen (Straßenzüge und Ensembles) und Unesco-Kern- und Pufferzone (zusammenhängendes Gebiet). Am aktuellen Heumarkt-Projekt verdichten sich die seit dem Unesco-Beitritt 2001 akkumulierten und bislang kaum gelösten Stadtplanungsprobleme zum scheinbar kulturpolitischen Super-GAU.

„Wien ist eine wachsende Stadt, in der viele Dinge im Spannungsfeld zwischen dem historischen Erbe und den Anforderungen an eine moderne Smart City sehr gut gelöst sind“, erklärt Erst Woller, Erster Wiener Landtagspräsident (SPÖ), auf Anfrage des STANDARD. „Es kann doch nicht sein, dass in einem so großen Schutzgebiet ein einziges Projekt imstande ist, das Unesco-Weltkulturerbe zu gefährden. Das steht in überhaupt keiner Relation! Viele Großstädte in aller Welt haben mit ähnlichen Schwierigkeiten zu kämpfen. Unser politisches Ziel ist es, diese Herausforderungen transparent zu machen und uns anzuschauen, wie wir voneinander lernen können.“

Als Zeichen für dieses schrittweise Aufeinander-Zugehen lud die Stadt Wien in Zusammenarbeit mit der OWHC letzte Woche zu einem Workshop und einer Konferenz ins Wiener Rathaus. Unter dem Titel „Preservation, Development and Management of World Heritage in Dynamic Cities“ diskutierten Experten und Bürgermeisterinnen aus rund 25 Städten aus aller Welt: Prag, Brügge, Dubrovnik, Sankt Petersburg, Baku, Istanbul, Tel Aviv, Puebla, Suzhou und viele mehr. Am Ende der Konferenz wurde die „Vienna Declaration“ präsentiert, ein miteinander ausgearbeitetes Rahmenwerk, in dem die nötige Balance zwischen Erhalt und Entwicklung in 18 Punkten festgehalten ist.

„Weltkulturerbestätten sind lebende Organismen, deren Existenz nur dann erhalten werden kann, wenn man ihnen die Möglichkeit kontinuierlicher Veränderung und einer Ausgewogenheit zwischen Erhalt, Entwicklung und Management einräumt“, heißt es gleich zu Beginn des Papers. „Es gibt dringenden Bedarf an Weiterentwicklung. Die nötigen Stadtplanungsstrategien sollten daher berücksichtigt und mit der historischen Stadtlandschaft in Einklang gebracht werden.“ Im März, so der Plan, will die Organisation of World Heritage Cities die Deklaration in Québec vorstellen und auf institutioneller Ebene zu einer weltweit gültigen OWHC Declaration ausbauen.

Fraglich bleibt, wie die Unesco darauf reagieren wird. Entweder versteht sie die Deklaration als Kommunikationsangebot, um in Kooperation mit Icomos, OWHC und den betroffenen Welterbestädten zukunftsfähige Konzepte auszuarbeiten – oder aber als Kampfansage und Kritik an der bestehenden Unesco-Politik. „Ich habe vorerst noch ein großes Fragezeichen, was nach der Deklaration anders sein soll als davor“, erklärt Mechtild Rössler, Direktorin des Unesco-Welterbezentrums in Paris. „Fakt ist: Wir können die Konvention nicht aufweichen und zwischen Städten und Nichtstädten ein Zwei-Klassen-System einführen. Aber meine Tür steht offen. Ich bin bereit zum Gespräch.“

Die Türen in Matera sind längst zugefallen. Die Einheimischen sind ausgezogen und haben den Kern einer der ältesten Städte der Welt hinter sich gelassen. Die Kulturhauptstadt Europas 2019 wirft wichtige Fragen auf. Und eine Erkenntnis: Die Welt darf nicht Matera werden.

Der Standard, Sa., 2019.02.23

In Tokio soll bis 2041 das höchste Holzhaus der Welt entstehen. Mit 350 Meter Höhe wird das japanische Architekturbüro Nikken Sekkei damit auf lange Zeit alle Rekorde brechen.

Eine grüne Blumenwiese, ein kleiner Nutzgarten mit Obst und Gemüse, ein wild in sich verdrehtes, verschraubtes Bäumchen, das mit seinen knorrigen Ästen skulpturengleich von der draußen liegenden Natur in den Innenraum hineinragt. Doch was in den ersten Sekunden den Anschein erweckt, als säße man in einem schintoistischen Schrein, in einem hölzernen Tempel vielleicht, mit krabbelnden Insekten und zwitschernden Flügelkreaturen rundherum, entpuppt sich bei näherem Hinsehen, sobald man die Augen geöffnet hat, als mitten ins Hochhaus hineingerissenes Atrium, das Lüftchen pfeift einem um die Ohren, irgendwo zwischen der 60. und 70. Etage.

Was heute noch Zukunftsmusik ist, wird sich in den nächsten 22 Jahren, geht es nach dem japanischen Forstunternehmen Sumitomo Forestry, als überaus reale Gegenwart präsentieren. Zu seinem 350-Jahr-Jubiläum nämlich möchte sich das 1691 gegründete Imperium, das sich seit damals um die Bewirtschaftung der japanischen Waldflächen kümmert, mit einer neuen Unternehmenszentrale belohnen. Im Tokioter Bezirk Marunouchi soll ein 350 Meter hohes Holzhochhaus entstehen, das auf den Namen W350 hört. Ein Höhenmeter für jedes bestehende Firmenjahr. Kolportierte Baukosten: 600 Milliarden Yen, rund 4,8 Milliarden Euro. Geplante Fertigstellung: 2041.

„Holz spielt in der japanischen Architektur seit geraumer Zeit eine unverzichtbare Rolle“, sagt Akira Ichikawa, Präsident der Sumitomo Forestry Co. Ltd. „Holzhäuser schaffen eine einzigartige Atmosphäre für den Menschen und eine angenehme Umgebung für Pflanzen und Organismen. Indem wir uns darauf spezialisiert haben, die Materialforschung und die technologischen Entwicklungen und Fertigungstechniken auf diesem Gebiet voranzutreiben, wollen wir das Holz als zukunftsfähigen Baustoff vorantreiben.“

Laut OECD weist Japan – hinter Finnland – den weltweit zweithöchsten Waldanteil auf. 68,5 Prozent der japanischen Landfläche sind von Wald bedeckt. Rund ein Drittel davon wurde im Laufe der letzten Jahrzehnte und Jahrhunderte künstlich angelegt, wobei sich die Pflanzungen nach dem Zweiten Weltkrieg vor allem auf die beiden für die japanische Bauwirtschaft wichtigsten Baumarten konzentrieren – auf Zedern und Zypressen. „Dieses Holz ist nun in großen Mengen ausgewachsen und bereit zur Ernte“, so Ichikawa. „Mit dem Projekt W350 wollen wir ein Exempel statuieren.“

90 Prozent Massivholz

Errichtet wird das 70-stöckige Mammutprojekt auf einer Grundfläche von 70 mal 70 Metern, wobei das Haus wie eine innen hohle Röhre, wie eine Art Cannellone, in den Himmel ragen wird. Der Innenhof, der durch große, in die Fassade integrierte Atrien mit der Außenwelt verbunden sein wird, dient nicht nur der Belichtung, sondern auch der Erschließung in Form von Liften und quer durchs Nichts führenden Treppenläufen. 90 Prozent des Wolkenkratzers werden in Massivholz errichtet: Säulen, Pfeiler, Balken, Decken, Böden, Wände, Innenausbau. Ergänzt wird die Konstruktion von einem stählernen, außen liegenden Traggerüst, das dem Haus die nötige Elastizität und Erdbebensicherheit verleihen soll.

„Ein Holzhaus mit 350 Metern Höhe klingt nach Zukunftsmusik“, sagt Architekt Tadao Kamei, CEO und Präsident von Nikken Sekkei. „Aber tatsächlich könnten wir mit dem Bau, wenn der Auftraggeber nicht bis 2041 warten wollen würde, schon heute beginnen.“ Mit 2600 Mitarbeitern zählt das 1900 gegründete Büro zu den größten und ältesten Architekturbüros der Welt.

In seiner 120-jährigen Geschichte realisierte Nikken Sekkei, das heute Dependancen in Asien, in Europa und im Nahen Osten betreibt, bereits mehr als 25.000 Bauwerke. Derzeit widmet ihm die Architekturgalerie München eine Soloausstellung, die die Themen Ethik, Respekt und Nachhaltigkeit in diesem gigantischen Betrieb beleuchtet.

„Japanische Architektur ohne Holz ist nicht denkbar, aber mit dem starken Wachstum der Städte nach 1950 ist das Material fast zur Gänze aus dem Stadtbild verschwunden“, so Kamei. „Wir wollen diese Lücke schließen und Holz auch als urbanen Konstruktionswerkstoff wieder sichtbar machen.“

In dieser Maßstäblichkeit ist der Einsatz jedenfalls einzigartig: Allein die vertikalen Leimbinderpfeiler des Gebäudes werden im Fundamentbereich eine Dimension von 2,30 mal 2,30 Metern aufweisen. Wichtiges Detail am Rande: Schon jetzt, obwohl sich das Projekt noch in der Konzeptionsphase befindet, arbeitet Nikken Sekkei intensiv mit Handwerkern und Zimmermännern zusammen.

Das derzeit höchste Holzhochhaus mit insgesamt 18 Stockwerken befindet sich in Vancouver, Kanada. Schon bald wird den Rekord das 24-geschoßige Hoho in der Seestadt Aspern brechen. „Rohstoff für Holzhäuser gibt es jedenfalls zur Genüge“, sagt Georg Binder, Geschäftsführer von Proholz Austria. „Allein in den österreichischen Wäldern wächst alle 40 Sekunden ein ganzes Einfamilienhaus nach. Bedenkt man, dass der Holzbauanteil in der österreichischen Bauwirtschaft derzeit rund 22 Prozent beträgt, ist das Potenzial noch lange nicht ausgeschöpft.“

Die Ausstellung „Nikken Sekkei. Experience, integrated“ in der Architekturgalerie München ist noch bis zum 1. März 2019 zu sehen.

Der Standard, Sa., 2019.02.09

Seit 1919 dürfen Frauen in Österreich Architektur studieren. Wir nehmen das 100-Jahr-Jubiläum zum Anlass, über Frauen im Bauen nachzudenken. Ein Gespräch mit der Wiener Architekturforscherin Sabina Riss.

STANDARD: Wir befinden uns hier im Roten Salon des Hotel Altstadt Vienna.

Riss: Der Raum wirkt schön, warm, gemütlich.

STANDARD: Er wurde von der Kärntner Innenarchitektin Thesi Treichl gestaltet. Oft wird die Frage gestellt, ob Frauen anders planen und entwerfen als Männer. Nervt Sie diese Frage?

Riss: Diese Frage wird immer wieder gestellt, denn die Menschen interessieren sich dafür, ob Frauen anders denken, anders gestalten, Prozesse anders leiten oder vielleicht subtiler und differenzierter an eine Bauaufgabe herangehen als Männer.

STANDARD: Und? Haben Sie eine Antwort darauf?

Riss: Frauen sind in ihrer Gruppe genauso heterogen wie Männer. Ich denke, dass jede Kategorisierung sofort Gefahr läuft, zu einem Klischee zu werden. Aber ich muss sagen: Aus dem Bauch heraus hätte ich die Gestaltung dieses Raumes einer Frau zugeschrieben.

STANDARD: Sie selbst beschäftigen sich schwerpunktmäßig mit Feminismus und Frauen im Berufsfeld. Ihre Doktorarbeit 2017 befasst sich mit der Impulsgebung von Frauen im Wohn- und Städtebau des 20. Jahrhunderts. Gibt es denn so etwas wie einen weiblichen Impuls in der Planung?

Riss: Beginnen wir mit dem männlichen Impuls! Der österreichische Wohnbau der Nachkriegszeit wurde über viele Jahrzehnte schematisch und oberflächlich abgehandelt. Bedürfnisse und Zusammenhänge zwischen Raum, Wohnung, Gebäude und Wohnumfeld haben kaum Beachtung gefunden. Frauen haben sich dieser Bauaufgabe etwas differenzierter, etwas tiefgreifender gewidmet und haben in ihren Projekten – das kann man wissenschaftlich belegen – die Wohnbedürfnisse der Gesellschaft besser und umfassender abgedeckt.

STANDARD: Wir sind schon mitten im Thema. Wie erklären Sie sich die seit Jahrzehnten thematisierte Dualität und Konkurrenz von Mann und Frau in der Architektur?

Riss: Gute Frage! Ich denke, das liegt an der Tatsache, dass der Prototyp des Architekten immer schon männlich war. Ab dem 19. Jahrhundert wurden Ziviltechniker in ihrer Beurkundungsautorität Staatsorganen gleichgestellt. Otto Wagner, Adolf Loos, Le Corbusier, das Bauhaus und auch die Darstellung des Architekten in den Hollywoodfilmen ... all das stärkt das männliche Architektenbild. Der Allwissende als Schöpfer. Dem gegenüber steht die Architektin, die Anfang des 20. Jahrhunderts plötzlich in die Männerdomäne eindringt.

STANDARD: Österreich feiert heuer ein 100-Jahr-Jubiläum. Kommt das früh oder spät?

Riss: 1919 hat die Technische Hochschule Wiens zum allerersten Mal ordentliche Hörerinnen aufgenommen. Das ist die Geburtsstunde der Architekturausbildung für Frauen in Österreich. Aber in gewisser Weise kommt dieses Jubiläum auch reichlich spät, denn in England, den Niederlanden und Deutschland konnten Frauen schon ab 1900 studieren.

STANDARD: Worauf ist die späte Öffnung in Österreich zurückzuführen?

Riss: Ich sehe die Gründe dafür in der kulturellen, religiösen und gesellschaftspolitischen Verfasstheit der Monarchie und der damit verbundenen Rolle von Frauen. Ganz im Gegensatz zu osteuropäischen Ländern, in denen die Frau im Berufsleben von jeher eine selbstverständlichere Position hatte.

STANDARD: Wie war denn der Start für Architektinnen in diesem Land? Können Sie uns ein kurzes Stimmungsbild dieser Zeit skizzieren?

Riss: Die männliche Domäne dürfte die ersten Architektinnen wie etwa Liane Zimbler, Helene Roth, Ella Briggs-Baumfeld, Friedl Dicker-Brandeis und Margarete Schütte-Lihotzky als große Gefahr wahrgenommen haben. Es war eine Zeit voller Ressentiments. Man hat sehr darauf geachtet, die Frauen in assistierenden Positionen einzusetzen und ihnen kleinere, dekorative und gestalterische Arbeiten zuzuteilen. Hochbau und die direkte Auseinandersetzung mit dem Bauherrn blieb dem Mann vorbehalten.

STANDARD: Gab es Unterstützung von den Interessenvertretungen?

Riss: Ganz im Gegenteil! Lange Zeit wurde auf offizieller Seite gegen den kulturellen Umbruch angekämpft. In der Monatszeitschrift der Zentralvereinigung der Architekten Österreichs ist 1933 zu lesen: „Um als Architekt guter Berater und Anwalt des Bauherrn zu werden, ist Originalität, Aggression, Strenge und Brutalität notwendig. Frauen sollen sich auf schöpferische und hauswirtschaftliche Inhalte beschränken.“ Ich denke, das sagt alles.

STANDARD: Wie hat sich die öffentliche Hand dazu positioniert?

Riss: Das lässt sich ganz gut in Zahlen fassen: Im Roten Wien wurden 379 Gemeindebauten mit insgesamt 60.000 Wohnungen errichtet. Unter den Planern gab es mehr als 190 Architekten – aber nur zwei Architektinnen, nämlich Ella Briggs-Baumfeld und Margarete Schütte-Lihotzky.

STANDARD: Wann hat sich die Situation gebessert?

Riss: Es ist ein Prozess. Und er ist bis heute nicht abgeschlossen.

STANDARD: 80 Prozent aller befugten und registrierten Architekturschaffenden in Österreich sind heute Männer. Mit lediglich 20 Prozent Frauenquote ist Österreich europäisches Schlusslicht.

Riss: Eine dramatische Zahl, oder? Und das, obwohl wir wissen, dass mehr als 50 Prozent aller Architekturabsolventen Frauen sind! Das Phänomen ist leider nicht nur ein österreichisches, sondern ein internationales. In den USA gibt es die Forschungs- und Vermittlungsinitiative „The Missing 32%: Where Are the Women Architects?“.

STANDARD: Und? Wo sind diese 32 Prozent geblieben?

Riss: Gemeinsam mit Silvia Forlati und Anne Isopp habe ich vor vier Jahren eine Studie unter dem Titel „Vereinbarkeit von Architekturberuf und Familie“ gemacht. Dabei hat sich gezeigt, dass die Rahmenbedingungen wie Prekariat, lange Arbeitszeiten, schlechte Bezahlung und geringe Karriereperspektiven nicht sehr attraktiv sind. Tatsache ist: Selbstständig tätige Frauen haben vergleichsweise kleinere Büros, die mit kleineren Aufträgen und Einkommen einhergehen.

STANDARD: Dem gegenüber stehen Länder wie etwa Litauen, Kroatien und Bulgarien, in denen der Frauenanteil unter den Selbstständigen 50 bis sogar 65 Prozent beträgt.

Riss: Da spielt sicher die kommunistische Vergangenheit mit. Wir wissen, dass in den Ostblockländern Frauen in der Gesellschaft eine selbstverständliche Rolle als Arbeitskraft einnahmen. Frauen wurden mit großen Projekten betraut und waren in leitenden, öffentlichen Funktionen tätig. Diese Arbeitskultur wirkt bis heute nach.

STANDARD: Was müsste passieren, um das österreichische Ungleichgewicht auszugleichen?

Riss: Es ist ein sehr komplexes System. Auf politischer, wirtschaftlicher und gesellschaftlicher Ebene müsste man an vielen kleinen Schräubchen drehen.

STANDARD: Sie sind nicht nur Wissenschafterin, sondern arbeiten selbst auch als Architektin. Kommen da nie Emotionen hoch?

Riss: Manchmal. Meist gelingt es mir, eine gesunde Distanz zu wahren und die Energie zu bündeln. Mit meinen Studierenden an der TU Wien widme ich mich der Frage, welchen Beitrag wir alle leisten können, um eines Tages Gender-Equality zu erreichen. Mein Wissen ist eine Verantwortung, damit konstruktiv umzugehen.

Der Standard, Sa., 2019.02.02

Die deutsche Architekturhistorikerin Turit Fröbe hat sich an den Schwammerl- und Schmetterlingsbüchern ein Beispiel genommen und nun ein Bestimmungsbuch für moderne Architektur geschrieben. „Alles nur Fassade?“ ist eine Einladung, einen liebevollen Blick auf das Alltägliche zu werfen. Ein Gespräch.

STANDARD: Sie haben sich sehr intensiv mit Fassaden aus mehr als einem Jahrhundert beschäftigt. Haben Sie eine Lieblingsepoche?

Fröbe: Ich habe schon seit langer Zeit ein Faible für die Fünfzigerjahre mit ihren Mosaiken, Buntglassteinen und fröhlichen, filigranen Formen. Aber das schlägt sich im Buch in keinster Weise nieder. Ich habe sehr darauf geachtet, allen Epochen mit der gleichen Wertschätzung zu begegnen.

STANDARD: Gibt es eine Nichtlieblingsepoche?

Fröbe: Ich habe gewisse Schwierigkeiten mit den Neunzigern. Das ist die einzige Dekade, in der ich keine materiellen und formalen Vorlieben erkenne. Wenn man den Dekonstruktivismus ausklammert, bleibt von den Neunzigern nicht viel übrig.

STANDARD: In Ihrem Buch „Alles nur Fassade?“ nehmen Sie den Leser an der Hand und geben ihm Werkzeuge mit auf den Weg, mit denen er das Entstehungsdatum eines Gebäudes bestimmen kann. Was sind denn die wichtigsten Elemente?

Fröbe: Den ersten und vielleicht auch besten Anhaltspunkt liefern die Fenster. Weitere Anhaltspunkte für die Bestimmung eines Gebäudes sind Form, Materialgebung und Siedlungsbau. Alles schön knapp und kompakt auf einer Doppelseite abgehandelt.

STANDARD: Warum ausgerechnet Fenster?

Fröbe: Üblicherweise betrachtet man in der Architekturgeschichte als Allererstes den Dekor und den Fassadenstuck. Doch das ist im 20. Jahrhundert schwierig, denn mit der Moderne haben die Architekten begonnen, auf den Dekor zu verzichten. In dem Moment sind die Fenster zu einem eigenständigen Gestaltungsmittel geworden, mit dem man die Errichtung eines Gebäudes sehr genau datieren kann. Jedes Jahrzehnt hat seine eigene Besonderheit und seine eigenen technischen Innovationen.

STANDARD: Können Sie uns ein Beispiel nennen?

Fröbe: Anhand der Scheibengröße kann man sehr gut auf die Fertigungstechnik und somit auch auf die Entstehungszeit schließen. Das trifft etwa auf Schaufenster zu. Ein weiteres schönes Beispiel ist der Einsatz von quadratischen Fenstern. Zwar wurden auch in den 1920er-Jahren bereits quadratische Fenster eingebaut, aber so richtig in Mode kamen die dann in den Fifties – entweder als Einscheibenfenster oder als mehrteilige Fenster mit einer symmetrischen oder asymmetrischen Teilung.

STANDARD: Quadratische Fenster gab es doch auch in den Achtzigerjahren.

Fröbe: Das stimmt. Aber in den Achtzigern wurden vor allem Mittelkreuzstock-Fenster geplant, also quadratische Fenster mit quadratischen Sprossen. So etwas würde man in den Fünfzigerjahren nie finden!

STANDARD: Kann man das denn immer so genau sagen?

Fröbe: Ausnahmen bestimmen immer die Regel, denn Architekten waren und sind individuelle, künstlerische Wesen. Und die Launen der Bauherren spielen natürlich auch eine Rolle! Aber diese Ausreißer sind in der Tat sehr selten.

STANDARD: Sie sprechen unter anderem von gelutschten Ecken, Badewannenbalkonen und Fenstersprossen in Aspik. Warum diese einfache, fast naive Sprache?

Fröbe: Ich setze auf einen schnellen Lerneffekt. Dazu ist eine eingängige Sprache mit verbalem und visuellem Wiedererkennungswert sehr hilfreich. Das Ziel ist: Wenn man einmal ein Gebäude mit diesem Buch durchdekliniert hat, dann weiß man das für immer, dann erkennt man das nächste Gebäude aus dieser Zeit auch ohne Buch.

STANDARD: Das Buch erinnert sehr stark an ein Bestimmungsbuch, wie man das von Schwammerln und Schmetterlingen kennt. Warum eigentlich?

Fröbe: Weil man mit dem hochgehobenen, pädagogischen Zeigefinger nichts erreicht. Indem das Buch wie eine klassische Bestimmungsfibel aufgebaut ist, erschließt sich die Materie auch einem Fachfremden. Meine Blüten, Pilzformen und Schmetterlingsflügel sind halt die Fenster.

STANDARD: An wen richtet sich das Buch?

Fröbe: An Laien, die sich zuvor noch nie ernsthaft mit Architektur beschäftigt haben.

STANDARD: Und warum sollten sie das jetzt tun?

Fröbe: Weil sie es zu Weihnachten geschenkt bekommen. Ich wünsche mir, dass das Buch in ganz viele Laienhände gerät.

STANDARD: Was ist der Sinn und Zweck der Lektüre?

Fröbe: Architektur führt ein Schattendasein in unserem Bewusstsein. Sie ist das Letzte, was wir im Stadtraum beachten, weil sie immer in Konkurrenz zu den unendlich vielen bewegten, leuchtenden, riechenden, klingenden und haptischen Reizen der Stadt steht. Daher nehmen wir die Architektur meistens nur aus dem Augenwinkel wahr. Aufmerksam werden wir eigentlich nur, wenn Architektur richtig expressiv ist, zum Beispiel bei besonders auffälligen Bausünden, was uns wiederum darin bestätigt, dass das alles einfach nur eine grässliche Grütze ist. Diesen Kreislauf möchte ich unterbrechen, möchte zeigen, dass sich Architektur allein durch das Hinsehen verändert. Deshalb diese kleine Sehschule: Je mehr man weiß, umso mehr sieht man, und je mehr man sieht, umso schöner wird die Umgebung.

STANDARD: Sie veranstalten auch Fassadenführungen durch die Stadt. Wie kann man sich so etwas vorstellen?

Fröbe: Genau so! Ich gehe mit den Leuten spazieren und lasse sie bestimmen, was wir uns ansehen. Dann denken wir laut nach und ordnen gemeinsam die Architektur ein. Es ist ein tolles Format – so habe ich auch die Buchpräsentationen zu Alles nur Fassade? gemacht. Die Leute waren regelrecht euphorisch, weil sie zum ersten Mal erlebt haben, wie interessant es ist, sich in eine Fassade zu vertiefen, und was man dabei alles ablesen kann.

STANDARD: Wann werden Sie Ihre Arbeit als Erfolg bezeichnen?

Fröbe: Wenn die Baukultur im Herzen der Gesellschaft angekommen ist. Dann werde ich arbeitslos sein.

STANDARD: Werden wir das noch erleben?

Fröbe: Das kann schneller gehen, als man denkt! In Finnland ist es innerhalb von 20 Jahren gelungen, Architektur zu einem Herzensanliegen der Gesellschaft zu machen, indem man die Materie in den schulischen Lehrplan aufgenommen hat, indem man gezielt Erwachsenenbildung zu Stadt und Architektur angeboten hat und indem man sogar das Recht auf eine ansprechend gestaltete Lebensumgebung in die Verfassung aufgenommen hat. In Mitteleuropa sind wir davon noch meilenweit entfernt. Aber es geht. Mit dem Buch vielleicht ein bisschen schneller.

Der Standard, Fr., 2018.12.07

Sie hat Las Vegas studiert, Hässliches zum Schönen erkoren und neue Blicke auf das 20. Jahrhundert geworfen. Nun ist ihr architektonisches und stadtplanerisches Werk in einer Ausstellung zu begehen: Denise Scott Brown.

Ob ich diese Stadt schön finde? Natürlich finde ich sie schön! Und wie ich sie schön finde!“ Denise Scott Brown, weiße Haare, weiße Brille, eine kleine Ente als Brosche, die sich in ihrer Wollweste versteckt hat, sitzt in ihrem Büro in Philadelphia und erinnert sich an die 1960er und 1970er, als sie sich mit ihrem Mann Robert Venturi und ihren Studierenden der Yale University nach Las Vegas aufmachte, um die damals wie heute vielleicht eigenartigste Stadt der Welt zu studieren.

„Las Vegas ist eine der kommunikativsten Städte, die ich kenne, weil sie sich ihrem Betrachter inhaltlich mitteilt“, sagt Scott Brown. „In Europa, wo die Stadt zwischen alten Stadtmauern und auf den Fundamenten der Vergangenheit errichtet wird und stets in einen Kontext eingebettet ist, braucht es das nicht. Aber in der Neuen Welt sind die Schriften, Schilder und Leuchtreklamen ein wichtiges Verbindungsmittel zwischen Mensch und Architektur. Man hasst sie, oder man liebt sie. Ich aber liebe sie.“

So sehr sogar, dass sie ihrer Faszination für die Kasinometropole 1972 das (wie sich herausstellen sollte) millionenfach zitierte Buch Learning from Las Vegas widmete. „Man kann von jeder Stadt etwas lernen“, meint Scott Brown, „von den guten und den schlechten, von den schönen und den hässlichen, von den vertrauten und den befremdlichen. Und wenn man offen, interessiert und unvoreingenommen hinschaut, dann wird man auch im Hässlichen etwas Schönes finden. Oh yes! Keep your eyes fresh and horrify yourself! That makes life more joyful!“

Der heute 87-jährigen Liebhaberin des positiv genießerischen Schocks widmet das Architekturzentrum Wien (AzW) in seiner großen Ziegelhalle die weltweit erste umfassende Personale. Downtown Denise Scott Brown, so der Titel der Ausstellung, wirft einen sehr genauen und auch ziemlich humorigen Blick auf das architektonische, stadtplanerische und theoretische Schaffen jener Frau, die sich selbst als „Großmutter der Architektur“ bezeichnet und die der Zeitleiste der Architekturgeschichte des 20. Jahrhunderts einen ordentlichen Knick verpasste.

Manche behaupten sogar, sie und ihr erst im September verstorbener Partner Robert Venturi, mit dem sie 50 Jahre lang ein Architekturbüro leitete, hätten die Postmoderne aus der Taufe gehoben. Ein lächelnder Seufzer. „Da kommt er wieder, der Postmoderne-Eintopf! Ich bin eine durchaus postmoderne Frau, was die Literatur, Soziologie und Philosophie der 1960er-Jahre betrifft. Aber in Bezug auf die Architektur würde ich bestenfalls sagen, dass es mit der Postmoderne zwar Berührungspunkte gegeben hat, aber Postmodernisten … Nein, das waren wir nie!“

Die Ausstellung im AzW vermittelt anderes. Während in der Mitte des Raumes ein stilisierter Stadtbrunnen steht, der sich in Anlehnung an Learning from Las Vegas gleich selbst zum Denkmal erklärt (I am a monument), ist die rundherum aufgebaute Indoor-Piazza an den Seiten von zitierten Wiener Geschäftsportalen gesäumt. Jedes Portal – ob nun Buchhandlung, Kaffeehaus oder Ein-Euro-Shop – vermittelt nicht nur sich selbst, sondern auch die in der Auslage passend zusammengeballte Architektur- und Stadtplanungsphilosophie.

So wie sich die Postmoderne an der Architekturgeschichte bediente, so arbeitet man sich in Downtown Denise durch Versatzstücke aus Wien, Las Vegas, Philadelphia. Zu lesen gibt es eine Menge. Lustiges, Wissenschaftliches, Architekturgeschichtliches. Es grenzt an kuratorischen und archivarischen Wahnsinn, dass es sich bei den in der gesamten Ausstellung zu lesenden Texten (inklusive der auf den Tischen liegenden Zeitungen) um eine aus vielen Jahrzehnten zusammengetragene Collage aus O-Ton-Fragmenten der hier porträtierten Architektin handelt.

„Denise Scott Brown lehrt uns, in der Architektur und Stadtplanung niemals Tabula rasa zu machen, sondern immer auf das Vorhandene zurückzugreifen und damit zu arbeiten, was schon da ist“, erklärt AzW-Direktorin Angelika Fitz, die die Ausstellung gemeinsam mit Katharina Ritter und Scott Browns engstem Mitarbeiter Jeremy Tenenbaum kuratiert hat. „Sie ermutigt uns, die Stadt als einen oft hässlichen, komplexen und konfliktbeladenen Ort zu akzeptieren und all das in die Planung miteinzubeziehen.“

Viele zeitgenössische Stadtplanungskonzepte wie Partizipation, Placemaking und sanfte Stadterneuerung basieren auf dieser vor Jahrzehnten vorweggenommenen Doktrin. Auch die Kultur des kollektiven Planens, das lieber auf die Qualität des Heterogenen als auf den Nimbus des Heroischen setzt, lässt sich auf die frühe Denkschule Scott Browns zurückführen. „In einer Zeit, in der jeder heroisch ist, ist es originell, gewöhnlich zu sein“, ist im AzW mit Farbe an die Wand gepinselt.

Es ist eine Ironie des Schicksals, dass just ihr diese praktizierte Teamkultur 1991 selbst zum Verhängnis wurde. Trotz gleichberechtigter Kooperation in Forschung und Praxis ging der renommierte, von jeher chauvinistisch angehauchte Pritzker-Preis an den Alleinlaureaten Robert Venturi. Denise Scott Brown ging leer aus. Trotz massiven Drucks aus der Szene – mehr als 20.000 Menschen haben die Petition Change.org unterzeichnet – hat die Pritzker-Stiftung diesen Fehler nie behoben. Stattdessen bietet sich nun eine Reise nach Downtown Denise an, wo eine der außergewöhnlichsten Architektinnen und Stadtplanerinnen der Gegenwart vor den Vorhang geholt wird.

[ Bis 18. März 2019. Katalog „Your Guide to Downtown Denise Scott Brown“, 176 Seiten / € 36,–, Park Books ]

Der Standard, Sa., 2018.11.24

Jahr für Jahr werden weltweit rund 600 Wolkenkratzer aus dem Boden gestampft. Der Internationale Hochhauspreis 2018 würdigt die besten aller Türme. Sieger ist ein ungewöhnlicher Büroturm in Mexiko-Stadt.

Auf den ersten Blick wirkt der Tower abweisend und verschlossen. Wie ein betonierter Schutzschild stemmen sich die beiden Fassadenseiten im Norden und Osten gegen die Stadt. Die wenigen, pixelartigen Perforationen in der massiven Wand erinnern an das aufgerollte, pergamentartige Lochpapier einer historischen Leierorgel.

Erst die Südwestfassade des dreieckigen Turms, sich zum immergrünen Chapultepec-Park öffnend, offenbart Luftigkeit und Transparenz und eine ungebrochene Aussicht auf die Skyline der rapide wachsenden Metropole Mexiko-Stadt.

Letzte Woche wurde der 246 Meter hohe, 2016 errichtete Torre Reforma des mexikanischen Architekten Benjamín Romano im Deutschen Architekturmuseum (DAM) in Frankfurt am Main mit dem Internationalen Hochhauspreis ausgezeichnet. Der biennal vergebene Preis würdigt gleichermaßen architektonisch ästhetische, städtebaulich intelligente wie auch technisch innovative Hochhäuser in aller Welt und hat sich zur Aufgabe gemacht, die in einer Zeit zunehmender Stadtverdichtung immer wichtiger werdende Bauform gesellschaftlich zu thematisieren und die Entwicklungen und Errungenschaften auf diesem Sektor vor den Vorhang zu holen.

Massive Konstruktion

„Der Torre Reforma ist ein sehr außergewöhnliches Projekt, das seine Besonderheiten allerdings erst auf den zweiten und dritten Blick offenbart“, sagt DAM-Direktor Peter Cachola Schmal, der der Jury als Mitglied beiwohnte. „Denn während die meisten Hochhäuser in Erdbebenregionen als flexibles, elastisches Stahlskelett errichtet werden, entschied sich der Architekt diesmal für eine massive Konstruktion, die wie ein aufgeklapptes Betonbuch auf dem Grundstück steht und 60 Meter tief in den Sumpf- und Felsboden hineingerammt wurde.“ Der erste Test ist überstanden: Im September letzten Jahres hat der Turm ohne jeglichen Schaden ein Erdbeben der Stärke 7,1 auf der Richterskala überstanden.

Die ungewöhnliche Bauweise ist kein Zufall. Erstens konnte das denkmalgeschützte Gebäude an der Ecke des Paseo de la Reforma mit der Calle Río Elba, das während der Bauzeit um 18 Meter verschoben und anschließend wieder zurückgerückt werden musste, erhalten bleiben. Andererseits konnten die 57 Geschoßplatten des Turms mitsamt ihren diagonalen Ausfachungen wie ein dreidimensionales Fachwerk zwischen die beiden Betonschenkel eingehängt werden.

Dank der über die gesamte Breite gespannten Zugkonstruktion kommt der Turm ohne eine einzige Stütze im Innenraum aus. Auf diese Weise war es möglich, im 22. Stock ein riesiges Auditorium mit dramatischer Sicht auf das Stadtpanorama unterzubringen.

„In den letzten zwei Jahren wurden weltweit rund 1200 Hochhäuser über 100 Meter Bauhöhe fertiggestellt“, so Schmal. „Die interessantesten und aufregendsten Projekte entstehen wie auch schon in der Vergangenheit immer noch in Singapur und New York City. Doch die Hälfte aller Wolkenkratzer wird mittlerweile in China errichtet.“ Umso überraschender sei die Tatsache, dass 18 der insgesamt 36 heuer nominierten Projekte von europäischen Architekten geplant wurden.

Hängende Gärten

So zum Beispiel auch die sogenannten Beirut Terraces von Herzog & de Meuron. Das Schweizer Architekturbüro, das seit jeher für ungewöhnliche Baulösungen bekannt ist, setzte ans Ufer des Yachthafens einen wunderschönen, 26-stöckigen Wohnturm mit verglasten Wänden und unterschiedlich weit hinauskragenden Terrassenflächen. Unweigerlich denkt man an eine Neuinterpretation der Hängenden Gärten der Semiramis. „Gestapelt, versetzt und verschoben schaffen die Wohnebenen einen grenzenlosen Übergang von innen nach außen, schützen vor direkter Sonne und bieten Aufenthaltsqualität sowie Ausblicke“, heißt es im Juryprotokoll. „Das ist Wohnen im Hochhaus at its best.“

Zu den weiteren Finalisten zählen der gepixelte und rundum angeknabberte Mahanakhon Tower in Bangkok (Ole Scheeren), das Chaoyang Park Plaza in Peking (MAD Architects) sowie das Oasia Hotel Downtown in Singapur (WOHA Architects).

Das Studium der Projekte lohnt, denn aufgrund der steigenden Urbanisation ist die Hochhauswelle längst auch schon auf Europa übergeschwappt. Auf der letzten Expo Real in München wurden so viele Wolkenkratzerprojekte präsentiert wie nie zuvor.

Die Ausstellung „Best Highrises“ ist noch bis 3. März 2019 im Deutschen Architekturmuseum in Frankfurt/Main zu sehen.

Der Büroturm Torre Reforma (im Vordergrund) in Mexiko-Stadt wirkt auf den ersten Blick abweisend. Er steht in einer Erdbebenregion. Darauf muss die Architektur Rücksicht nehmen.

Der Standard, Sa., 2018.11.10

Der bolivianische Architekt Freddy Mamani hat einen Plan: Er will seine Heimatstadt El Alto bunter machen. Nun sind seine Bauten und Herangehensweisen in einer Ausstellung zu bewundern.

Lego? Playmobil? Barbiepuppenhaus? Mit Kreisen, Dreiecken und wilden Zickzacklinien? Mit pastosen Farben, glühenden Neonstreifen und kräftig koloriertem Fensterglas? Doch was sich da am staubigen Straßenrand abzeichnet, ist weder Spielzeug noch visualisiertes Computerspiel, sondern gebaute Realität, die von den einen, wohlgemerkt, verteufelt und belächelt wird, während ihr die anderen Zeitungsberichte, Forschungsarbeiten und zeitgenössische Kunstausstellungen widmen – so wie derzeit in der Fondation Cartier in Paris.

„Auf der Hochebene rund um La Paz gibt es einerseits die karge, felsige Landschaft und andererseits die bunten, kräftig gewobenen Textilien der Aymara-Kultur, die hier oben seit Jahrhunderten gepflegt wird“, sagt Freddy Mamani. Und so ähnlich, meint der 47-jährige Architekt, verhalte es sich auch mit El Alto, der mit rund 800.000 Einwohnern zweitgrößten Stadt Boliviens. „Auch hier ist das Stadtbild von grauen, sandigen, ziegelfarbenen Tönen dominiert. Mit meinen Bauten jedoch will ich etwas Farbe in diese Eintönigkeit bringen, will ich die so schöne Textilkultur der Aymara auf den großen Maßstab der Architektur ausdehnen.“

Bislang hat der ausgebildete Zivilingenieur, der von vielen Architekturexperten in Bolivien aufgrund seines eigenwilligen Stils und seines nicht abgeschlossenen Architekturstudiums immer wieder missgünstig ins Visier genommen wird, in seiner Wahlheimat El Alto mehr als 60 sogenannte Cholets realisiert – hybride, stockweise gestapelte Funktionsgebilde mit Wohnungen, Büroflächen, Geschäftslokalen, Indoorsporthallen und reichlich dekorierten Festsälen. Wer seiner Architektur gesichtig wird, der sollte weder chromophob sein noch irgendeine Furcht vor allzu wütendem Geometriewahnsinn verspüren.

„Die Arquitectura Andina hat immer schon eine gewisse Vorliebe für Texturen und Strukturen gehabt“, erklärt Mamani. „Doch das war mir zu wenig, denn in der traditionellen Andenarchitektur vermisse ich einen gewissen baulichen Niederschlag der ausgelassenen Feierlaune und Zeremonienkultur, die für unsere Gesellschaft so typisch ist.“ Kurze Pause. In seiner Stimme schwingen Freude und Leidenschaft mit, aber auch eine gewisse Gereiztheit angesichts der ihm sooft entgegengebrachten Kritik. „Ich kann gar nicht anders. Ich will mit meinen Farben die Menschen glücklich machen.“

Bei Mamani ist alles bunt: Wände, Fenster, Stuck, Putzflächen, Gesimskanten, Fensterfaschen, Fliesen, Kacheln, Keramikleisten, Dachziegel, Teppichböden, sogar die Glasscheiben sind durchgefärbt, und dank längst schon leistbarer LED-Technologie wird sogar das Licht in die abenteuerlichsten Farbfamilien eingetaucht. Manche Experten bezeichnen Mamanis Stil als Kitsch und psychedelischen Barock. Der Architekt selbst spricht lieber von einer nun Einzug haltenden bolivianischen Postmoderne sowie von einer Neuinterpretation der regionalen Baukunst: Arquitectura Neo-Andina. Nicht zu Unrecht. Denn während Gaston Gallardo, Dekan der Universidad Mayor de San Andrés, in einem Filminterview erklärt, dass sich die architektonische Anstrengung dieser Bauten eher in Grenzen halte und dass Mamanis Häuser vielmehr mit Dekoration als mit Baukunst gleichzusetzen seien, widmen die bolivianischen Studentinnen und Studenten dem bunten Autodidakten bereits Forschungsarbeiten. Und in La Paz und El Alto tauchen sogar schon die ersten Kopien und Mamani-Plagiate auf.

Umso erfreulicher also, dass die Fondation Cartier in Paris dem in Europa fast unbekannten Architekten eine prominente Bühne bietet. Géométries Sud, du Mexique à la Terre de Feu, so der offizielle Titel der Ausstellung, versammelt 70 Künstler aus zwölf Ländern und geht der Frage nach, ob hinter den insgesamt 250 zusammengetragenen Exponaten so etwas wie eine gemeinsame lateinamerikanische DNA zu finden ist. Freddy Mamani bildet mit seinen Projekten sowie einer raumgreifenden, ballsaalartigen Installation einen deutlichen Schwerpunkt dieser schönen, intensiven und behutsam kuratierten Schau.

„Die Geometrie ist seit vielen Jahrhunderten ein identitätsstiftendes Element lateinamerikanischer Kunst“, sagt Kuratorin Marie Perennes. „Wir wollten die Grenzen zwischen den einzelnen Kunstgattungen bewusst sprengen und herausfinden, wie weit diese Kultur zurückreicht. Und wir waren erstaunt, was für ein weiches, zusammenhängendes Bild sich ergibt, wenn man solchermaßen einen Blick auf diesen Kontinent wirft.“ Das gezeigte Spektrum reicht von der rituellen Körperbemalung der brasilianischen Kadiwéu- und Kayapó-Stämme über Keramikkunst, Kunsthandwerk und naive Alltagsarchitektur bis hin zur südamerikanischen Moderne, zu zeitgenössischen Kunstpositionen sowie zu den filigranen Drahtskulpturen und hängenden Drahtsystemen der deutschen, nach Venezuela ausgewanderten Künstlerin Gego, die sich mit jedem Lufthauch tanzend im Raum bewegen. Zu den ältesten Exponaten der Ausstellung zählen Vasen aus der Zeit 200 vor Christus sowie eine 500 Jahre alte, schachbrettgemusterte Tunika der Inka.

Géométries Sud beweist, dass Freddy Mamani nicht allein ist. Sein mutiger und kompromissloser Psychobarock, den er bis zur Perfektion entwickelt hat, ist eingebettet in eine Kultur, die nun unter einem neuen Blickwinkel betrachtet wird und dem Besucher entsprechende Wow-Momente und Aha-Erlebnisse beschert. Sehr lustvoll.

[ „Géométries Sud, du Mexique à la Terre de Feu“, Fondation Cartier, Paris, bis 24. 2. 2019 ]

Der Standard, Sa., 2018.11.10

Meder Rettete mehrere bedeutende Baudenkmäler der Wiener Moderne vor dem Abriss

Sie war eine der wichtigsten und tatkräftigsten Initiatorinnen bei der Rettung bedeutender Baudenkmäler der Wiener Moderne. Ihrem Kampf ist es zu verdanken, dass das von Erich Boltenstern geplante, 1935 errichtete Kahlenberg-Restaurant nicht abgerissen, sondern unter Denkmalschutz gestellt wurde. Nun ist Iris Meder nach schwerer Krankheit am 5. November gestorben. Meder, 1965 in Pforzheim geboren, studierte Kunstgeschichte und Literaturwissenschaft und zog Anfang der 1990er-Jahre nach Wien, wo sie sich der Wiener Architekturgeschichte widmete. Zu ihren Themen zählten Josef Frank, Oskar Strnad, Otto Wagner, das Hochhaus in der Herrengasse sowie die europäische Badekultur, der sie ein Buch widmete. Meder war Mitglied des Kunstkollektivs H.A.P.P.Y. und Vorstandsmitglied der Österreichischen Gesellschaft für Architektur und kuratierte Ausstellungen für das Wien-Museum sowie für das Jüdische Museum Wien.

Der Standard, Di., 2018.11.06

Vor einer Woche wurde der Österreichische Bauherrenpreis 2018 vergeben. Eines der sechs ausgezeichneten Projekte ist der Schulcampus in der Seestadt Aspern, der so viel Wohlbefinden aus einem herauskitzelt wie schon lange keine Schule mehr.

In der Aula rennen die Kids hin und her. Manche hocken mit der Jause auf den Treppen. Andere flanieren auf den Galerien, als würden sie über einen Catwalk schreiten, und blicken in die Tiefe des schulischen Pausengeschehens. Eine der gläsernen Türen steht sperrangelweit offen. „Eigentlich immer“, meint Schuldirektorin Silvia Böck am Schreibtisch sitzend, lächelt wie ein Sonnenschein, verkörpert die Atmosphäre dieses Hauses mit allen ihr zur Verfügung stehenden Gesichtsmuskeln. „Wenn man einmal hier ist, will man nie wieder weg. Das ist die schönste Schule Wiens. Sie hat etwas Skandinavisches. Kommen Sie! Ich beweise es Ihnen.“

Der Bildungscampus in der Seestadt Aspern ist Resultat eines offenen Wettbewerbs, der Anfang 2013 entschieden wurde. Das pädagogische Raumkonzept, das umgesetzt wurde, war Teil der bewusst offen und experimentell gestalteten Ausschreibung und sollte die teilnehmenden Architekten dazu anspornen, einen noch nie dagewesenen Schultypus zu entwickeln. Im Sommer letzten Jahres wurde die Schule, die im Endausbau 1100 Kinder aufnehmen wird können, fertiggestellt und in Betrieb genommen.

„Wir haben ganz schön große Augen gemacht, als wir die Ausschreibung gelesen haben“, sagt Hemma Fasch. Sie leitet mit ihren beiden Partnern Jakob Fuchs und Fred Hofbauer das Wiener Architekturbüro Fasch & Fuchs und konnte sich im Wettbewerb gegen ihre Mitstreiter durchsetzen. „Das hat nach einem richtig großen Schritt in der pädagogischen Entwicklung geklungen. Das hat uns natürlich angespornt. Im Rückblick, denke ich, haben wir gute Arbeit geleistet, denn das Projekt wurde ohne große Abstriche genauso umgesetzt, wie wir es geplant hatten.“

Die Klassen der Unterstufe sind in sogenannte Cluster unterteilt. Jeder Cluster besteht aus vier über Schiebetüren erweiterbaren Schulklassen und einem zentralen Pausenraum, dem sogenannten Marktplatz. Der Vorteil an diesem Konzept ist, dass die Kinder nicht nur in den Pausen, sondern auch im Unterricht leichter in Kontakt treten und miteinander projektbezogen arbeiten können.

Ein absolutes Novum ist die Organisation der Oberstufe: Jede Schulstufe verfügt im zweiten Obergeschoß über eine Homebase, eine Art Riesen-WG für 70, 80 Kinder gleichen Alters – mit Tischen, Stühlen, Regalen, Schränken, gemütlichen Sofas und Leselampen an der Wand. Der Unterricht findet in sogenannten Departments statt. Ähnlich wie an einer Universität ist jeder Fachgruppe (Sprachen, Naturwissenschaften, Wirtschaft und Informatik) ein eigener Lernbereich, ein eigener Studiensaal zugeordnet.

Die Schülerinnen und Schüler der Oberstufe haben somit keine Stammklassen mehr, sondern wandern je nach Unterrichtsfach von einem Teil des Gebäudes zum anderen. Damit zwingt das System jene zur Bewegung, die in der Vergangenheit oft einen halben Tag lang auf 63 Quadratmetern zusammengepfercht wurden. Zugleich ist es wirtschaftlich und effizient und bietet den Lehrkräften, die an Bücher, Computer und allerlei Unterrichtsmittel gebunden sind, den Komfort, stationär arbeiten zu können.

So gut die Architektur ist, so noch viel wunderbarer ist das räumliche Experiment, das die Bundesimmobiliengesellschaft (BIG) mit diesem Bau gewagt hat. Kein Wunder also, dass der Bildungscampus in der Seestadt Aspern vor einer Woche mit dem Österreichischen Bauherrenpreis 2018 ausgezeichnet wurde. Er ist eines von insgesamt sechs Projekten, die heuer vor den Vorhang geholt wurden, um nicht wie sonst üblich die Architektinnen und Gestalter zu prämieren, sondern die hinter den Kulissen agierenden Bauherren und Auftraggeberinnen – für ihren Mut, für ihre Bestellqualität, für ihre Wahrnehmung einer gesamtgesellschaftlichen Verantwortung.

„Der Bauherrenpreis hat es sich zum Ziel gemacht, diejenigen zu würdigen, die Architektur und Baukultur überhaupt erst ermöglichen, indem sie die Initiative ergreifen und die Gestaltung unserer gebauten Umwelt finanzieren“, sagt Maria Auböck, Präsidentin der Zentralvereinigung der ArchitektInnen Österreichs (ZV), die den Bauherrenpreis seit 1967 jährlich vergibt. „Unter den 106 Einreichungen aus allen Bundesländern hat sich gezeigt, dass die beiden gesellschaftlichen Kernthemen Schulbau und Wohnbau dominieren und dass in diesen beiden Kategorien besonders überraschende, innovative Konzepte zu finden waren.“

Der Österreichische Bauherrenpreis, der auf eine Initiative von Hans Hollein zurückgeht, ist in seiner Art ein weltweites Unikum. In Deutschland, Schweiz und Slowenien wird derzeit an ähnlichen Formaten gearbeitet. „Aber wir“, so Auböck, „sind bereits seit 51 Jahren auf Flughöhe.“ Am 10. Dezember 2018 ist der Landeanflug geplant. Dann werden die siegreichen Projekte im Wiener Ringturm zu sehen sein.

Der Standard, Sa., 2018.10.27

Es gibt Kaffee, ein paar Porträtfotos und 30 Minuten Interview. Doch wie ist das so, wenn man die ganze Zeit fremde Wohnungen betritt und mit den Leuten übers Wohnen spricht? Einige Gedanken zum Wohngespräch.

I ch habe drei Hobbys, ohne die ich nicht leben kann“, hat die österreichische Schauspielerin und Drehbuchautorin Konstanze Breitebner damals gesagt. „Yoga, Laufen und Arbeiten im Weingarten. Bei allen drei Tätigkeiten schaffe ich es, den Kopf abzuschalten und den rasenden Gedanken, die sich da oben den ganzen Tag abspielen, endlich mal zu entkommen.“

Damals, das war vor genau fünf Jahren, als sich der Autor dieser Zeilen gemeinsam mit der Wiener Fotografin Lisi Specht ins Südburgenland aufmachte und nach zwei Umleitungen und einer halben Stunde Verspätung an Breitebners Haustor anläutete, um eines der im Standard so erfolgreichen, bis heute gern gelesenen Wohngespräche zu führen.

Kaum wurde nach einer Tasse Tee das Diktiergerät eingeschaltet, wurde das soeben Gesagte in körperliche, überaus fotogene Positur gebracht. Und dann hat’s klick gemacht. Das Foto blieb bis dato unveröffentlicht.

Bisher 522 Wohngespräche

„Wie ist das so, wenn man die ganze Zeit fremde Wohnungen betritt und mit den Leuten über ihr eigenes Wohnen spricht?“, wird der Wohngespräch-Interviewer immer wieder von Freunden und Kolleginnen gefragt. Das 30-Jahr-Jubiläum des standard ist, nachdem bisher sage und schreibe 522 Wohngespräche mit Chris Lohner, Dagmar Koller, Erika Pluhar, Elfriede Ott, Ute Bock, Jazz Gitti, Maria Vassilakou, Katharina Stemberger, Christine Nöstlinger, Thomas Brezina, Richard Lugner, Hermann Nitsch, Tex Rubinowitz, Ostbahn-Kurti, Hubert von Goisern, Dompfarrer Toni Faber und vielen, vielen anderen erschienen sind, eine gute Gelegenheit, sich dieser Frage zu widmen.

Lassen wir sie zunächst einmal von der Wiener Künstlerin Barbara Vörös beantworten, die im April 2016 im Interview meinte: „Ich dachte mir schon seit längerer Zeit, wie gern ich meine Wohnung zur Verfügung stellen würde, denn das Wohngespräch ist eine schöne Gelegenheit, über sich selbst und das eigene Wohnen und Leben zu reflektieren.“

Und tatsächlich: Je öfter die Wohngespräche erscheinen, je mehr sie sich nach mittlerweile neun Jahren als immer noch unerschöpflich schreibens- und lesenswert erweisen, desto deutlicher stellt sich mit der Zeit heraus, dass das Wohngespräch nichts anderes ist als ein über die Bande gedachtes Menschenporträt. Die Wohnung und das Haus sind lediglich Vehikel, um die Gedanken leichter in Fahrt zu bringen.

Düringer vor Phettberg

Die top drei Menschen, die bei unseren Leserinnen und Lesern in den letzten Jahren die mit Abstand größte Aufmerksamkeit erregt und somit die meisten Klicks und die längste Onlineverweildauer erwirkt haben, sind Roland Düringer, Hermes Phettberg und die Grande Dame aller Bälle, Lotte Tobisch, die im Übrigen ganz offen eingestanden und damit auch den Titel für die am drittmeisten gelesene Geschichte an dieser Stelle geliefert hat: „Diese Wohnung strotzt nur so vor Scheußlichkeiten.“

Der Grund dafür, so Tobisch, sei ihre Bestechlichkeit. Schon seit Opernballzeiten werde sie regelmäßig „mit Liebe und Freundschaft beschenkt, die die Menschen aber meist in ein Kitschtrumm einpacken. So etwas kann man nicht wegwerfen! Ab und zu jedoch tritt ein Glücksfall ein, und dann fällt das eine oder andere Ding zu Boden und ist kaputt. Meine Haushaltshilfe und ich hatten in letzter Zeit viel Glück.“ Und wir hatten Glück, solche Anekdoten hören und teilen zu dürfen.

Wie ist das also, wenn man die ganze Zeit fremde Wohnungen betritt? Zugegeben spannend. Berührend. Verstörend. Und immer wieder voller Überraschungen.

Es ist nicht der voyeuristische Blick hinter die Kulissen, der das Wohngespräch nach all den Jahren zu einem regelmäßigen Highlight dieses Jobs macht, sondern das kurze Eintauchen in das Leben eines in jeder Hinsicht faszinierenden Menschen. Es gibt Kaffee, ein paar Porträtfotos und 30 Minuten mitgeschnittenes Interview. Die Neugier auf die kommenden Begegnungen ist ungebrochen.

Der Standard, Sa., 2018.10.20

Heute, Samstag, wird in Innsbruck das neue Haus der Musik eröffnet. Der (fast) schwarze Würfel zwischen Hofburg und Landestheater spaltet die Gemüter – und fügt sich genau deshalb so wunderbar in die einzigartige Planungskultur dieser Stadt.

Schauen Sie sich nur einmal die alte Säuleneiche an, deren Äste und Blätter fast in den Saal hineinwachsen! Ist das nicht wunderbar? Es ist, als hätte der Baum auf dieses Haus geradezu gewartet.“ Johannes Reitmeier, Intendant des Tiroler Landestheaters, ist ganz außer sich, als er den großen, rundum mit Eichenholz getäfelten Konzertsaal betritt. Vor der riesigen Glasfassade mit ihren sieben Meter hohen Fensterscheiben werden gerade die letzten Handgriffe gemacht, die Bühnenelemente eingepasst, die Nachhallvorhänge in Position gebracht, die Orchesterstühle in den Saal hereingetragen. Heute Abend, eine Woche nach Austragung der Straßenrad-WM, die am provisorisch asphaltierten Vorplatz ihre Zieleinfahrt hatte, wird das Innsbrucker Haus der Musik mit Ausschnitten aus Don Giovanni und Barbier von Sevilla sowie mit einem Saxofonkonzert des französischen Komponisten Jacques Ibert feierlich eröffnet.

Mit dem Haus der Musik, das anstelle der in die Jahre gekommenen und teils desolaten Stadtsäle zwischen Landestheater, Hofburg und Jesuitenkirche auf den Platz gestellt wurde, geht eine lange, kontroversiell diskutierte Entstehungsgeschichte einher. Die einen, wie etwa die lokalen Printmedien, stoßen sich an der dunklen Fassade und bezeichnen den Würfel als „schwarzes Monster“, als „Stein des Anstoßes“, als „Kaba von Innsbruck“. Die anderen, allen voran die Innsbrucker FPÖ, halten sich erst gar nicht mit architektonischen Details auf, sondern stellen ganz generell infrage, ob es denn eines solchen Neubaus überhaupt bedürfe.

Polemische Dauerfrage

Der 2013 ausgeschriebene, zweistufige Wettbewerb, an dem sich 126 Architekten aus ganz Europa beteiligt hatten, beantwortet die polemische Dauerfrage der Konservativen mit einem eindeutigen Ja. Mit der Zusammenführung und Verdichtung von einem knappen Dutzend Institutionen – darunter etwa das Mozarteum, das Landeskonservatorium, das Institut für Musikwissenschaft der Universität Innsbruck, die Festwochen der Alten Musik sowie etliche übergeordnete Vereinsverbände – sollte Innsbruck endlich als Musikstadt wahrnehmbar werden. Hinzu kommt, dass das Tiroler Symphonieorchester mit der Fertigstellung des Neubaus seinen jahrzehntelang ersehnten Probenraum erhält.

„Das richtige Raumprogramm war eine echte Herausforderung“, sagt der Innsbrucker Architekt und Wettbewerbssieger Erich Strolz, der das Projekt gemeinsam mit dem Vorarlberger Büro Dietrich Untertrifaller realisierte. „Es ist nicht nur ein Konzerthaus mit insgesamt vier verschieden großen Konzert- und Kammersälen, sondern vielmehr eine Art kulturelles Infrastrukturgebäude, in dem auch unterrichtet und verwaltet wird.“ Aus einigen Musik- und Seminarräumen der in den oberen Etagen angesiedelten Institute blickt man durch das Glasdach direkt nach unten ins Foyer. Köpfe mit hochgesteckten Frisuren und Abendroben werden bald das Sichtfeld dieser Räume prägen.

Auffälligstes und auch heißestdiskutiertes Element des neuen, knapp 13.000 Quadratmeter großen Musikzentrums sind die dunkel glasierten, melanzanig anmutenden Keramiklamellen, die sich von der Fassade bis ins Foyer, bis an die Saaleingangstüren nach innen ziehen. Es ist genau dieses hybride Spiel zwischen innen und außen, zwischen Haus und Stadt, zwischen Weit-weg-Sein und Angreifen-Können, die den Pausenraum mit seinen flachen Auf- und Abgängen trotz aller farbigen und materiellen Unterkühltheit (weiße Dispersion, hellgrauer Fliesenboden, in seiner ganzen Erscheinung absolut unmusikalischer Edelstahl) dennoch so spannend machen.

Guter und wichtiger Prozess

„Wir haben lange nach einem passenden Material für die Fassade gesucht“, erinnert sich Strolz, der zu Beginn mit hellen Keramikplatten und sogar hölzernen Lamellen experimentiert hat. Doch nachdem sich selbst die Chronikredaktionen der lokalen Medien in die Debatte eingeschaltet und danach getrachtet haben, die Bevölkerung nach und nach zu instrumentalisieren, wurde kurzerhand das Bundesdenkmalamt, der Innsbrucker Stadt- und Ortsbildschutzbeirat, der Innsbrucker Gestaltungsbeirat sowie ein eigens ins Leben gerufener Projektbeirat unter der Leitung von Ernst Beneder und Elke Delugan-Meissl zurate gezogen.

„Das war ein guter und wichtiger Prozess“, meint der Architekt, „weil wir dadurch auf sachlicher Ebene über die unterschiedlichen Vor- und Nachteile diskutieren konnten. Ich jedenfalls bin mit dem Resultat zu 95 Prozent zufrieden.“ Drei verschiedene, eigens für dieses Haus produzierte Strangpressprofile wurden so gegeneinander versetzt verbaut, dass der eingeweihte Profi darin baulich manifestierte Terzen und Quarten zu erkennen glauben sollte. So will es das Konzept. Und die restlichen fünf Prozent? „Die sind nicht unbedingt Unzufriedenheit, sondern einzig und allein die Ungewissheit, wie die Generation nach uns diese zeitgenössische Entscheidung des Bauens im historischen Umfeld auffassen wird“, so Strolz.

Damit fügt sich das jüngste Großprojekt der Tiroler Landeshauptstadt (kolportierte Baukosten 62,7 Millionen Euro) perfekt in die für Österreich so einzigartige Planungskultur. Schon seit den Rathaus-Galerien von Dominique Perrault, seit der Bergiselschanze von Zaha Hadid, seit dem Kaufhaus Tyrol von David Chipperfield wird nicht das realisiert, was dem Mittelmaß und dem größten gemeinsamen Geschmacksnenner der Bevölkerung entspricht, sondern schlichtweg das, was eine Gruppe hochkarätiger Profis für die bestmögliche Lösung hält. Die drei eben genannten Projekte waren bei Planung, Errichtung und Fertigstellung Hassobjekte von Mensch und Medien. Heute sind sie heißgeliebte Sehenswürdigkeiten, die niemand mehr vermissen will. Schlussakkord.

Der Standard, Mo., 2018.10.08

ÖSW baut neben dem Wiener Gasometer 122 freifinanzierte Wohnungen

Ursprünglich hätte neben dem Gasometer und dem Bürokomplex „Adler und Ameise“ ein weiterer Bürokomplex mit dem Namen „Albatros“ errichtet werden sollen. Doch mit dem Grundstückskauf durch das Österreichische Siedlungswerk (ÖSW) mutierte das Büro- zum Wohnprojekt mit Miet- und Eigentumswohnungen. Während das ÖSW 74 freifinanzierte Mietwohnungen unter den Namen „Terragon“ errichtet, baut die ÖSW-Tochter WE gleich daneben ein Haus mit 48 Eigentumswohnungen (Kaufpreis bis zu 3600 Euro pro Quadratmeter). Hinzu kommt ein drittes Wohnhaus des gewerblichen Bauträgers 6B47. Ein gemeinsamer Sockelbau mit Geschäftslokalen, Gastronomie und Kindergarten fasst die drei Punkthäuser von Werner Neuwirth, Fink Thurnher Architekten und des Wiener Büros Silber Soyka Silber zu einer gestalterischen Einheit zusammen.

„Wir überlegen uns bei jedem Projekt aufs Neue, wie wir den Wohnungsschlüssel anlegen“, sagt ÖSW-Vorstand Michael Pech. „In diesem Fall haben wir uns entschieden, die beiden Rechtsformen Miete und Eigentum auf einzelne Punkthäuser aufzudröseln. Das erleichtert die Verwaltung und Verrechnung des gesamten Projekts.“ Auch spätere Sanierungs- und Instandhaltungsarbeiten, so Pech, könne man auf diese Weise besser bewerkstelligen.

Beton und Perlmutter

Während der ÖSW-Bauteil mit sichtbaren Betonfertigteilen errichtet wird, entschieden sich Silber Soyka Silber, das benachbarte Eigentumsobjekt für die WE mit schimmernden Putzen und silbrig glänzenden, perlmuttartig schimmernden Brüstungselementen und Rankgerüsten einzuhüllen. „Natürlich ist es wichtig, die Häuser allein schon im Sinne der Vielfalt unterschiedlich zu gestalten und mit verschiedenen Materialien auszuformulieren“, sagt Architekt Georg Soyka. Dafür gebe es beim Grundriss kaum Unterschiede zwischen den einzelnen Rechtsformen: „Die Wohnungen sind sehr hochwertig geplant. Das Wohnbedürfnis ist ja das gleiche – egal ob ich zur Miete oder im Eigentum wohne.“

Der Standard, Mi., 2018.10.03

Gemeinsam mit ihrer gewerblichen Tochter errichtet die Sozialbau auf den Siemensäckern in Floridsdorf rund 670 Miet- und Eigentumswohnungen. Hinzu kommen 530 Wohnungen anderer Wohnbauträger.

Bereits seit 1897 ist die österreichische Niederlassung des deutschen Siemens-Konzerns in Wien-Floridsdorf beheimatet. Während die Siemensgründe mit der Expansion des Unternehmens sukzessive erweitert wurden, waren die im Südwesten angrenzenden Siemensäcker von jeher unbebautes Grünland. 2015 wurde das 8,2 Hektar große Grundstück an die Sozialbau AG verkauft, um darauf mit rund 1200 Neubauwohnungen das Wiener Wachstum abzufangen.

Im Zuge eines europaweit ausgeschriebenen Europan-Wettbewerbs konnte sich das slowakische Büro SLLA Architects gegen seine Mitbewerber durchsetzen und schlug vor, das Areal im Norden gegen die Siemenswerke mit bis zu elfstöckigen Gebäuden abzuschotten, während es im Süden an die benachbarten Einfamilienhäuser mit locker bebauten Stadtvillen anschließen sollte. Zusammengehalten wird das Ganze von einem 15.000 Quadratmeter großen Park, der um den aktuellen Baumbestand herum geplant wurde.

„Natürlich braucht es bei so einem großen Projekt einen maximal möglichen Mix an unterschiedlichen Wohn- und Rechtsformen“, sagt Sozialbau-Chef Josef Ostermayer. „Doch während wir bei größeren Bauten sowohl Miet- und Eigentumswohnungen als auch geförderte und freifinanzierte Wohnungen innerhalb des Hauses mischen, sind wir in den letzten Jahren dazu übergegangen, bei mehreren kleineren Gebäuden die Rechtsformen hausweise zu trennen.“ Grund dafür sei die leichtere juristische und verwaltungstechnische Handhabe.

„Man darf nicht vergessen, dass in den obersten Geschoßen vieler geförderter Projekte nur deshalb hochpreisige, freifinanzierte Eigentumswohnungen errichtet werden, um im Rahmen der förderbaren Baukosten die hohen Grundstückskosten auszugleichen“, sagt Ostermayer. „Doch bei günstigen Grundstücken wie hier ist das nicht nötig.“ Bei insgesamt elf Bauplätzen auf acht Hektar Fläche, versichert der Sozialbau-Chef, müsse man sich um die soziale Durchmischung keine Sorgen machen. Die Vielfalt in den insgesamt 1200 Wohnungen sei enorm.

Viele Architekten und Träger

Das liegt nicht nur an den unterschiedlichen Architekten, die neben den siegreichen Masterplanern SLLA zum Zug kommen (darunter ss plus, Soyka Silber Soyka, Architektensache sowie das spanische Büro Arenas Basabe Palacios), sondern auch an der Aufteilung auf mehrere Wohnbauträger. Die Sozialbau selbst errichtet hier 580 geförderte Wohnungen, manche davon im Rahmen der preislich gedeckelten Wiener Wohnbauoffensive, die gewerbliche Sozialbau-Tochter Imove steuert 87 freifinanzierte Eigentumswohnungen bei. Der Bezug des neuen Quartiers „Am Park“ ist für das Jahr 2020 vorgesehen.

Der Standard, Mi., 2018.10.03

Direkt neben dem Liesingbach errichtet die Buwog ein durchmischtes Quartier namens „Rivus“. Die infrastrukturelle Qualität ist auch Resultat des ersten städtebaulichen Vertrags, der in Wien je angewendet wurde.

Im Bauträgerfachjargon wird selbst das kleinste Bächlein zum bedeutenden, medial mitreißenden Strom. So geschehen etwa im Falle des beschaulich vor sich hin plätschernden Liesingbachs, über den man mit etwas Anlauf sogar springen könnte und der dem benachbarten Stadtentwicklungsgebiet an der Breitenfurter Straße allen enden wollenden Dimensionen zum Trotz den beeindruckenden Namen „Rivus“ beschert. Obwohl vom aquatischen Flair hundert Flussbreiten von der Liesing entfernt nicht viel zu spüren ist, scheint sich das heterogene Projektgebiet dennoch zu einem gut durchmischten Grätzel zu entwickeln.

Ursprünglich hätte auf den ehemaligen Unilever-Gründen – der Konzern hat den Standort 2002 verlassen – ein Shopping- und Fachmarktzentrum entstehen sollen. Im Zuge diverser Umplanungen und Umwidmungen entschied man sich, das Areal für Wohnen zu nutzen und mit Ganztagsvolksschule, Kindergarten, Supermarkt und gut sortiertem Baumarkt aufzuwerten. Während die einzelnen Wohnhäuser über eine weitläufige Parkfläche verteilt sind, gruppieren sich die punktuellen Gewerbeflächen um eine rund 1500 Quadratmeter große Piazza.

„Das Rivus ist sicherlich eines unser besten Projekte, wenn es um urbane und funktionale Durchmischung geht“, sagt Ingrid Fitzek-Unterberger, Bereichsleiterin Kommunikation der Buwog Group. „Wir durchweben das Areal nicht nur mit städtischer Infrastruktur, die bei einem so großen Areal absolut unverzichtbar ist, sondern kombinieren hier auch unterschiedliche Rechtsformen miteinander.“ 2017 erfolgte der Spatenstich. Während manche Bauteile bereits übergeben sind, ist die Gesamtfertigstellung der Wohnhausanlage für Ende des Jahres vorgesehen.

In Summe errichtet die Buwog 181 Mietwohnungen nach der Wiener Wohnbauinitiative – also niedrige Miethöhen wie in einem geförderten Wohnbau, ohne dass der Mieter dabei auf objektive Förderwürdigkeit angewiesen ist – sowie 130 freifinanzierte Wohnungen mit Quadratmeterpreisen zwischen 2900 und 4500 Euro. Hinzu kommen weitere 154 Wohnungen in Miete, in Eigentum sowie zu günstigen Smart-Konditionen, die der gemeinnützige Bauträger Arwag im östlichsten Zipfel des Grundstücks realisiert. Die Bandbreite umfasst Zwei- bis Vier-Zimmer-Wohnungen zwischen 46 und 124 Quadratmetern.

Wie bei den meisten Kollegen der Branche sind die unterschiedlichen Rechtsformen auch bei der Buwog auf mehrere Gebäude, auf sogenannte „Villen“, aufgeteilt. „Sobald man Miete und Eigentum in einem Bauteil kombiniert, entsteht in der Hausverwaltung ein erheblicher Mehraufwand“, sagt Fitzek-Unterberger. „Daher haben wir uns bei diesem Projekt entschieden, Miete und Eigentum hausweise zu trennen.“ Augenscheinliche Unterschiede werde es in der Ausstattung kaum geben. Vielmehr konzentrieren sich die eigentümlichen Gustostückerln auf versteckte haustechnische Werte wie etwa Fußbodenheizung in den Wohn- und Sanitärräumen.

Hochwertiger Freiraum

„Dass hier eine solch hohe infrastrukturelle Qualität erzielt werden konnte, ist kein Zufall“, erklärt der Architekt Peter Lorenz, der die Anlage gemeinsam mit BEHF Architekten und Hillinger Mayrhofer plante. „Das war der erste städtebauliche Vertrag, der in Wien je zur Anwendung gekommen ist. Zu den geforderten Kriterien gehört nicht nur eine hochwertige Freiraumplanung mit Spielplätzen und luftig gestalteten Garagenaufgängen, sondern auch eine enge Abstimmung des Energiekonzepts mit der Magistratsabteilung 22 (Umweltschutz).“ Teil des Vertrags war auch eine hochwertige Fassadengestaltung zur Breitenfurter Straße, die der Architekt als Lochgitter in unterschiedlichen Lochungen und Lackierungen ausführte.

Was man nicht weiß: Von Rivus nach Mediterranea ist es gar nicht so weit. Als chromatisch gepixeltes Vorbild diente hier nämlich ein Sonnenuntergang in Triest.

Der Standard, Mi., 2018.10.03

Hinterstoder lebt vor, wie Baukultur im ländlichen Raum aussehen kann. Am Freitag wurde das 900-Einwohner-Dörfchen in Oberösterreich mit dem Europäischen Dorferneuerungspreis 2018 ausgezeichnet.

Das ist doch der perfekte Rahmen, um auf den Dachstein zu blicken, oder? Denn eines ist klar“, sagt Robert Oberbichler, während er mit dem Zeigefinger auf das graue Gebirgsmassiv deutet, das sich mit einer ziemlichen Opulenz vor ihm ausbreitet. „Es kann nicht sein, dass nur das gebaut wird, was dem Bürgermeister gefällt.“ Der rote Stahlwürfel, der sich um eine von insgesamt drei Aussichtsplattformen entlang der sogenannten Rundwanderwelt aufspannt, habe damals, 2006, für ziemliche Diskussionen gesorgt. Doch mittlerweile, erzählt der 46-jährige Architekt und Ortsplaner, sei das Objekt kaum aus dem Landschaftspanorama wegzudenken. „Es ist, als wäre der Würfel immer schon da gewesen. Er ist ein essenzieller Teil von Hinterstoder geworden.“

Es gibt nicht viele Gemeinden in Österreich, die sich mit einer derartigen Selbstverständlichkeit an zeitgenössische Architektur heranwagen. Und das nicht nur oben am Berg, sondern auch unten im Dorf, wo in den letzten Jahren etliche Neubauten errichtet und strukturelle Veränderungen vorgenommen worden sind. Um diesen Umstand und unerbittlichen Kampf zu würdigen, wurde die 900-Einwohner-Gemeinde im letzten Eck von Oberösterreich gestern, Freitag, unter 23 Einreichungen aus neun Ländern mit dem Europäischen Dorferneuerungspreis 2018 ausgezeichnet.

20 Jahre harte Arbeit

„20 Jahre harter Arbeit, und jetzt das“, sagt Angelika Diesenreiter. „Ein tolles Gefühl!“ Die 66-Jährige war früher Vizebürgermeisterin und kümmert sich heute als Kulturreferentin um die kulturellen Belange im Dorf – um das Museum, um die regelmäßigen Flohmärkte, um das alljährlich stattfindende Dorffest neben dem Feuerwehrhaus. „Hinterstoder hatte früher weit über tausend Einwohner, und damals noch, in den Achtzigerjahren, stand der Tourismus in seiner Hochblüte. 1986 hat hier das allererste Skiweltcuprennen stattgefunden. Doch in den Neunzigern ging es mit den Bevölkerungs- und Besucherzahlen bergab. Wir hatten keine andere Wahl. Wir mussten einfach handeln.“

In den darauffolgenden Jahren beschloss die Gemeinde, sich zu erneuern. Und zwar von Grund auf. Als erste Maßnahme wurde die Hauptstraße, die durch den Ort führt, auf einer Länge von 300 Metern neu gestaltet. Grund dafür waren die vielen aufbetonierten und aufasphaltierten Schichten, die die Fahrbahn im Lauf der Jahrzehnte immer höher und höher steigen ließen. An manchen Stellen lagen die Hauseingänge bereits 80 Zentimeter unter Straßenniveau. Mit der Nivellierung und der damit verbundenen Verkehrsberuhigung schuf die Gemeinde damals die allererste Begegnungszone Österreichs – mit gleichberechtigten Flächen für Fußgänger, Radfahrer und Autofahrer.

„Die Menschen haben sich mit Händen und Füßen gewehrt“, erinnert sich Diesenreiter. „Unseren Bürgermeister Helmut Wallner hätte das bei der Wahl fast den Kopf gekostet. Wozu das Ganze! So viel Geld! Das braucht doch keiner!“ Der gestrige Groll, so scheint es, ist längst verschwunden. Zwischen Blumenrabatten und im Halbkreis angeordneten Parkbänken steht ein kleines Wandergrüppchen unbesorgt am Straßenrand, ohne dabei gleich vom nächsten Auto überrollt zu werden. Und die größten Gegner der Nivellierung und Verkehrsberuhigung, die Wirte und Geschäftsleute, nutzen die Begegnungszone heute für ihre Gastgärten und machen damit mehr Umsatz als je zuvor.

Unter den Folgeprojekten befinden sich die Hösshalle von Riepl Riepl Architekten, in der Seminare, Theateraufführungen und Pressekonferenzen für den Skiweltcup stattfinden, das in Holz und Glas errichtete Heimatmuseum Alpineum, das sogar für den Europäischen Museumspreis nominiert war, eine umgebaute Feuerwehrstation, ein neu errichtetes Vereinshaus für die Musikkapelle, die sogenannte Hinterstoder-Lounge mit Reise- und Tourismusbüro sowie ein kleines Biomassekraftwerk, das das Ortszentrum mit Nahwärme versorgt. Und dann natürlich die roten Stahlwürfel oben in 2000 Meter Höhe.

Immaterielle Maßnahmen

„Es hat eine richtige Renaissance stattgefunden, langsam und über viele Jahre verteilt, und mit der Zeit ist das architektonische Niveau in Hinterstoder mehr und mehr gestiegen“, meint Ortsplaner Oberbichler, der nicht nur die planerischen Geschicke der Gemeinde leitet, sondern nebenbei Privatbauherren bei ihren Projektideen berät. Jeder Bauwerber erhält bei ihm standardmäßig eine Beratungsstunde – kostenlos, wohlgemerkt. „Doch das Wichtigste“, sagt er, „sind nicht die baulichen Maßnahmen, sondern eigentlich die vielen unsichtbaren, die vielen immateriellen Maßnahmen im Hintergrund.“

Es geht um die richtige Balance aus Bürgerbeteiligung und Führung, aus Geben und Nehmen, aus Zuckerbrot und Peitsche. Viele Projekte, wie etwa die Rundwanderwelt mit insgesamt 13 Wanderwegen in der Region, wurden partizipativ entwickelt. An anderer Stelle wiederum beschloss die Gemeinde, einige Schlüsselbauwerke im Zentrum bewusst im Gemeindeeigentum zu belassen. Ein noch größerer Tabubruch war die Rückwidmung von bereits gewidmeten Baugrundstücken in Grünland. Und nicht zuletzt ist das Parken in der winzigen Innenstadt neuerdings gebührenpflichtig – doch dafür bietet Hinterstoder seinen Einwohnerinnen und Besuchern kostenlosen Zugang zu Taxi, Bus und ÖBB-Shuttle. Wer will, kann sich auch den kleinen Elektroflitzer Renault Twizy schnappen, der etwas einsam und vergessen vor dem Gemeindeamt parkt.

Voll bobo auf dem Land

„Ich bin hier aufgewachsen, aber mit dem damaligen Hinterstoder ist der heutige Ort kaum noch vergleichbar“, sagt Yvonne O’Shannassy. „Die Menschen sind irgendwie offener und moderner geworden. Es lebt sich echt gut hier.“ Vor ein paar Jahren kaufte die weitgereiste Yacht-Stewardess ein etwas in die Jahre gekommenes Haus an der Hauptstraße auf, richtete darin acht Gästewohnungen ein und baute die ehemalige Fleischerei zu einem kleinen Café mit Torten und Eiskaffee um, das immer noch die alten Fleischerhaken an der Wand und immer noch den alten Namen an der Fassade trägt. Wenn’s sein muss, kann auch die Pampa voll bobo sein.

Hinterstoder ist das, was Landleben gemeinhin bieten sollte. Ein hübsches Dörfchen mit einer irgendwie gut funktionierenden Infrastruktur. Nicht mehr und nicht weniger. Doch solange dieses Mindestmaß an kommunaler, baukultureller Qualität in Österreich nicht selbstverständlich ist, ist der biennal vergebene Dorferneuerungspreis ein wichtiger und unverzichtbarer Katalysator für die Entwicklung des ländlichen Raums.

Der Standard, Sa., 2018.09.22

Vorzeigearchitektur oder Millionengrab? Darüber wird bereits vor der Eröffnung diskutiert. Besonders umstritten: die dunklen Keramiklamellen der Fassade

Schwarzes Monster“, „Stein des Anstoßes“ und „Kaaba von Innsbruck“ sind nur einige der Spitznamen, die das Haus schon heute, wenige Wochen vor der Eröffnung von den lokalen Medien und politischen Fraktionen abbekommen hat.

Es ist eine österreichische Spezialität, Großprojekte – und hier vornehmlich jene aus dem Kulturbereich – durch den wirtschaftlichen und vor allem auch architektonischen Fleischwolf zu drehen, doch im Falle des seit zwölf Jahren diskutierten Hauses der Musik fällt die im Stadtblatt , in der Tiroler Tageszeitung und vor allem in den Reihen der FPÖ geführte Diskussion bisweilen besonders unsachlich aus.

„Das wird wieder ein Millionen-Euro-Grab“, sagt der blaue Stadtparteiobmann Rudi Federspiel und bezeichnet die bis Mai 2018 amtierende Bürgermeisterin und nunmehrige Vizechefin Christine Oppitz-Plörer (ÖVP) als „Schuldenbürgermeisterin und Masseverwalterin der Tiroler Landeshauptstadt“, denn sie „zerstört nicht nur baulich die Innenstadt, sondern treibt die Stadt in den Ruin“.

Um das Ausmaß der Diskussion zu verstehen, muss man wissen, dass Innsbruck seit Mitte der Neunzigerjahre eine überaus strenge Wettbewerbskultur pflegt und – abhängig von Lage und Projektgröße – auch private Bauherren zur Durchführung von Gestaltungsausschreibungen zwingt.

Internationale Kapazunder

Rund 220 Architekturwettbewerbe wurden seitdem durchgeführt. 98 Prozent davon seien realisiert worden, rechnet der ehemalige Planungsstadtrat und nunmehrige Gemeinderat Gerhard Fritz (Grüne) vor. „Das ist eine Zahl, die finden Sie nirgendwo sonst in Österreich.“

Diese über mehr als 20 Jahre eingenommene Haltung hat der Tiroler Landeshauptstadt einige außergewöhnliche Bauten und Platzgestaltungen von sowohl regionalen Architekten als auch internationalen Kapazundern wie etwa Zaha Hadid, Dominique Perrault und David Chipperfield beschert.

„Das Niveau der Architektur und der Architekturdiskussion in Innsbruck hat sich seit den Neunzigerjahren konsequent gesteigert und ist heute vorbildlich“, sagt Arno Ritter, Leiter des Ausstellungs- und Vermittlungshauses Architektur und Tirol.

Dieser Kultur füge sich auch der 2014 entschiedene, zweistufige Wettbewerb um den Neubau des Hauses der Musik, an dem sich 126 Architekten aus ganz Europa beteiligt haben und der von einer hochkarätigen Jury beurteilt wurde. Der Sieg ging an den Innsbrucker Architekten Erich Strolz, der das Projekt in Zusammenarbeit mit dem Vorarlberger Büro Dietrich Untertrifaller realisierte.

Zu viel Raum, zu wenig Platz

„Die in den Fünfzigerjahren an dieser Stelle errichteten Stadtsäle waren für unseren Betrieb einfach nicht mehr brauchbar“, blickt Johannes Reitmeier, Intendant des Tiroler Landestheaters, zurück.

„Die Anlage war längst zu klein, es gab akustische Probleme, kaputte Lüftungsanlagen, regelmäßige Wasserschäden und sogar so starke Schimmelbefälle, dass wir zuletzt einige Vorstellungen absagen mussten, um unsere Künstlerinnen und Künstler nicht unnötig gesundheitlichen Problemen auszusetzen. Ein Neubau war dringend nötig. Daher verstehe ich nicht, dass einige Leute seit Jahren die Notwendigkeit dieses Gebäudes und die dafür aufzubringenden Kosten infrage stellen.“

Im Gegensatz zu den Stadtsälen, die die Kammerspiele sowie einen Probenraum für die Symphoniker beherbergten, handelt es sich beim neuen Haus der Musik um einen multifunktionalen Hybrid, in dem ein knappes Dutzend Institutionen Einzug gehalten hat, die bislang über die ganze Stadt verteilt waren.

Darunter etwa die Festwochen der Alten Musik, das Mozarteum, das Institut für Musikwissenschaft der Universität Innsbruck, das Landeskonservatorium mit einer eigenen Jazzabteilung sowie etliche Vereinsverbände für Gesang, Blasmusik und Volksmusik. Hinzu kommen vier Kammer- und Konzertsäle mit 512, 208, 110 und 60 Zuschauerplätzen.

Investition in die Kunst

Während manchen Experten die Funktionsbündelung viel zu dicht erscheint („zu großes Raumprogramm auf zu wenig Platz“, Arno Ritter), wird hausintern gerade diese Dichte geschätzt. „Bislang war Innsbruck als Musikstadt kaum wahrnehmbar“, meint Wolfgang Laubichler, Direktor des Hauses der Musik.

„Mit der Zusammenführung und Verdichtung an einem Ort wird diese Qualität nun endlich sichtbar. Die vielen Institutionen sorgen erstens für Synergieeffekte und zwingen die Nutzerinnen zweitens zur Kommunikation. Davon wird dieses Haus profitieren.“

Musik sei ein Kulturgut und ein österreichischer Exportschlager, so Wolfgang Laubichler. In Salzburg etwa habe man das verstanden, in Innsbruck jedoch werde man dafür zur Rechenschaft gezogen.

Die allgemeine Kritik gilt nicht zuletzt den Kosten und der dunklen Farbe. Wurden die Baukosten zu Beginn noch mit 55 bis 58 Millionen Euro beziffert, so liegen sie aktuell bei kolportierten 62,7 Millionen Euro, das ist eine Kostenüberschreitung von rund zehn Prozent. Die endgültige Abrechnung wird frühestens Ende 2018 vorliegen, sagt Georg Preyer, Projektleiter in der Innsbrucker Immobilien GmbH (IIG), die das Haus errichtete und nun an die Nutzer vermietet. Dies sei eine gute Investition in die Kultur.

Schimmernde Fassade

Und dann das Schwarz. „Das ist kein Schwarz, das ist eine dunkle Farbe, die je nach Tageszeit und je nach Wetter von Rot und Braun bis Aubergine schimmert“, erklärt Architekt Erich Strolz, der diese Entscheidung gemeinsam mit dem Innsbrucker Gestaltungsbeirat gefällt und gegenüber den Ortsbild- und Denkmalschützern verteidigt hat. „Wir haben uns bewusst für eine hochwertige Fassade entschieden, die sich hinter den Bäumen zurücknimmt und die die Farben und Lichtstimmungen der Umgebung reflektiert.“

Konkret handelt es sich dabei um teils fixe, teils bewegliche Keramiklamellen, die eigens für dieses Projekt entwickelt und produziert wurden. „Doch ich respektiere, dass die Fassade nicht jedem gefällt, denn Architektur ist und bleibt Geschmackssache“, so Strolz.

Kein heller Kompromiss

Dass das Haus der Musik kein weißer oder heller Kompromiss geworden ist, wie dies in Österreich gang und gäbe ist (Museum der Moderne in Salzburg, Musiktheater in Linz, wo sich laut internen Quellen und entgegen allen Expertenmeinungen letztendlich der damalige Landeshauptmann Josef Pühringer mit seinem Wunsch nach hellem Travertin durchsetzte), ist auf jeden Fall als Erfolg architektonischer und städtebaulicher Kompetenz zu verbuchen.

Architektur darf und soll polarisieren und zu Diskussionen anregen. Und so ist das Haus der Musik vor allem für jene ein „Stein des Anstoßes“ (Tiroler Tageszei tung), die Freunde österreichischen Mittelmaßes sind. Die Eröffnung findet am 6. Oktober statt.

Der Standard, Di., 2018.09.11

Immer mehr Gründerzeithäuser in Wien werden verschandelt und zerstört. Die Ethik vieler Grundstückseigentümer ist im gesellschaftlichen Keller angekommen. Wie geht es mit der DNA dieser Stadt weiter?

Mariahilfer Straße 166–168: Die Fenster im zweiten Stock wurden rausgerissen. An einigen Fensterachsen haben die Bauarbeiter im noch vermieteten Haus händisch den gründerzeitlichen Stuck abgeschlagen.

Rückertgasse 29: An einer Stelle wurde der Stuck entfernt, um Platz zu machen für Balkonanbauten aus Trapezblech und verzinktem Stahl, die ausschauen wie eine Billigsdorferlösung aus dem Baumarkt.

Unter-Meidlinger Straße 103: In den kommenden Monaten soll das ockerfarbene Eckhaus aufgestockt werden. Auf der vom Makler angeschlagenen Bautafel sieht man, wie der Fassadenschmuck in großen Teilen abgeschlagen werden soll.

Heigerleingasse 20–22: Im Juni wurde innerhalb einer Woche ein ganzes Jugendstilhaus von Architekt Wenzel König abgerissen. Bis zuletzt war das 1906 errichtete Wohnhaus intakt und im Originalzustand erhalten.

Radetzkystraße 24–26: Während noch acht unbefristete Hauptmieter im 170 Jahre alten neugotischen Haus an der Ecke zum Donaukanal wohnen, lässt der Eigentümer das Dach abtragen, die Fenster rausreißen und Teile der Fassade in sich einstürzen. Ein Teil des Hauses steht unter Wasser, die noch verbleibenden Bewohnerinnen haben ihren Möbeln bereits Regenjacken angezogen.

In den vergangenen Monaten hat sich das gründerzeitliche Wien, wie es scheint, zur perfekten Kulisse für ein Sequel des Hollywood-Thrillers Demolition Man gemausert. Die Sylvester Stallones der Immobilienbranche reißen ihre alten Häuser nieder, schlagen Schönheiten ab, picken die Fassaden mit erdölreichem Sondermüll zu, stocken auf, was die Bauordnung gerade noch erlaubt, und schrauben Eisenschrott an die Mauer, um ihre Wohnungen dank privaten Freiraums noch teurer vermieten zu können.

Die wirtschaftlichen Interessen der Grundstückseigentümer und Investoren sind legitim, keine Frage. Die Pflege und Instandhaltung historischer Häuser ist ein Fulltime-Job – und aufgrund des laut Mietrechtsgesetz gedeckelten Richtwert-Mietzinses für Altbauten in vielen Fällen ja nicht einmal ein besonders lukrativer. Doch ist das Grund genug, der Stadt mit Baggerschaufel und Vorschlaghammer Stück für Stück ihre über Jahrzehnte, über Jahrhunderte gewachsene Identität zu rauben? „In der wachsenden Stadt ist die Nachfrage nach Wohnraum massiv gestiegen“, sagt Angelika Fitz, Direktorin des Architekturzentrums Wien (AzW). „Dabei steigt das Spannungsverhältnis zwischen Wohnen als leistbarem Grundrecht und Wohnen als Ware in Form von Anlageprodukten für all jene, die ins Betongold flüchten.“ Grundsätzlich spreche nichts dagegen, das Wien der Gründerzeit oder auch der Nachkriegsmoderne weiterzudenken und zu verändern. Doch wenn man Bestand abreiße, müsse etwas Hochwertigeres nachkommen. „Das ist nicht immer der Fall. Vor allem dort nicht, wo Projekte wie eine gebaute Excel-Tabelle wirken.“

Die gesichtslosen Investorenwohnhäuser, die längst nicht nur auf die Peripherie beschränkt sind, sondern mehr und mehr in die engen Gassen der Innenbezirke vordringen, haben die Stadt schon jetzt massiv verändert. Wurden 2001 in Wien noch 35.000 vor 1919 errichtete Gebäude statistisch erfasst, so betrug die Zahl zehn Jahre später nur noch 32.400 Häuser. In der Kulturgut-Datenbank der Stadt Wien scheinen aktuell nur noch 27.000 Häuser aus dieser Epoche auf. Tendenz weiterhin fallend. Aus den Zahlen lässt sich ein konstantes Abbruchverhalten herauslesen.

300 Abbrüche pro Jahr

„Pro Jahr werden in Wien rund 300 Altbauten abgerissen“, bestätigt Nikola Prajo, Juniorchef im Abbruchunternehmen Prajo’s, auf Anfrage des STANDARD . „Und ja, ich gebe zu, da sind immer wieder wunderschöne Häuser dabei, die in einem so guten Zustand sind, dass einem das Herz zu bluten beginnt.“ In den letzten Wochen vor dem Sommer, erzählt Prajo, habe die Zahl der Anfragen und Abbrüche dramatisch zugenommen. Der Grund: Mit der am 1. Juli 2018 in Kraft getretenen Bauordnungsnovelle benötigen Häuser, die vor 1945 errichtet wurden, ab sofort eine Abbruchbewilligung. Dann entscheiden die Magistratsabteilungen 19 (Stadtgestaltung) und 37 (Baupolizei), ob in Zusammenhang mit dem Gebäude, wie Franz Kobermaier, Leiter der MA 19, formuliert, ein „öffentliches Interesse an der Wirkung auf das örtliche Stadtbild“ besteht oder nicht. Damit ist das Abbrechen von nun an etwas komplizierter als bisher.

„Die Novelle kommt zu spät“, beklagt sich Markus Landerer, Obmann des Vereins Initiative Denkmalschutz, der diese Woche wieder einmal getagt hat, um der Stadt und der Immobilienbranche ein schlechtes, ein sehr schlechtes Zeugnis auszustellen. „Wir fordern schon seit langer Zeit, die Vorschriften zu verschärfen und sensible Stadträume vermehrt als Schutzzonen zu definieren. Zumindest besteht Hoffnung, dass es jetzt besser wird.“

Wird es das wirklich? In der Karolinengasse 13 wurde – kurz bevor die Baupolizei per 1. Juli 2018 einen Abbruchstopp verhängt hat – schnell noch kaputtgemacht, was kaputtzumachen war. Denn je mehr zerstört ist, umso größer die Chance, dass das Haus laut Bauordnungsnovelle keine positive Wirkung mehr auf das örtliche Stadtbild hat. „Hier ist keine Granate eingeschlagen und auch kein Gasherd explodiert“, steht auf einem Zettel, der vor dem halb zerstörten Biedermeierhaus im Wind flattert. „Hier hat sich nur einer ausgetobt, der vom Wohnraummangel profitiert.“

Dem Bundesdenkmalamt seien die Hände gebunden, meint der Wiener Landeskonservator Friedrich Dahm, weil viele Häuser wie etwa jenes neugotische Kleinod in der Radetzkystraße die Kriterien für eine Unterschutzstellung nicht erfüllen. In der Bauordnung wiederum können nur geschlossene Ensembles, nicht aber Einzelobjekte zur Schutzzone erklärt werden. Und die bösartige Zerstörungswut der Eigentümer, die zuletzt so groß war, dass den Wiener Abbruchunternehmen kurzfristig sogar die Bagger ausgegangen sind, lässt für die Zukunft der kulturellen DNA dieser Stadt Schlimmes erahnen.

Tiefer geht’s nimmer

Alles Einzelfälle, keine Frage, und nichts an alledem ist illegal – wiewohl sich im Falle der Radetzkystraße, wo das Haus in bewohntem Zustand angeknabbert wird, wo den letzten verbleibenden Bewohnern in der Nacht die Sicherungen rausgedreht werden, wo Wasserschäden, klatschnasse Tapeten und sich langsam ablösende Wandfarbe bewusst herbeischikaniert werden, das Gegenteil vermuten ließe. Die Ethik und Moral vieler Eigentümer ist im gesellschaftlichen Keller angekommen. Tiefer geht’s nimmer.

Möchte man das Problem lösen, so wird der einzige Weg sein, das längst veraltete Mietrechtsgesetz neu zu schreiben – und den Eigentümern historischer Häuser endlich zu erlauben, angemessene Mieten einzunehmen, um sie auf diese Weise sogleich in die Pflicht zu nehmen, ihre Häuser angemessen zu pflegen und ihrer kulturellen Verantwortung nachzukommen. Jetzt ist die Politik gefragt. Die Rufe der Betroffenen werden immer lauter und lauter. Sollte die Legislative dieser Forderung nicht nachkommen, so ist dies langfristig betrachtet ein Verbrechen an der Stadt.

Der Standard, Sa., 2018.09.08

Vor wenigen Tagen wurde in Helsinki das Amos-Rex-Museum eröffnet. Während unten zeitgenössische Kunst ausgestellt wird, ist oben einer der lustvollsten Stadträume Europas entstanden – ganz ohne Warnhinweis und Absperrzaun.

Niko konzentriert sich, fokussiert das Gebirge am Horizont und stemmt seinen kleinen Körper schließlich mit aller Kraft in die Pedale. Nach wenigen Sekunden schon ist der Biker mit dem roten Hoody oben auf dem Plateau und rast mit vollem Karacho auf den nächsten Hügel zu. Nochmal rauf, nochmal runter, Vollbremsung. „Voll cool hier“, sagt der 13-Jährige, der den Platz vor wenigen Tagen erst entdeckt hat und seitdem mit seinen beiden Kumpels Andreas und Tuomas regelmäßig beradelt. „Es ist nicht leicht. Du musst echt aufpassen, dass du nicht zu sehr nach rechts abkommst, denn dann wird es echt steil, und dann fängst du an abzurutschen. Aber trotzdem, voll cool hier.“

Der voll coole Ort, von dem Niko spricht, ist der neugestaltete Lasipalatsinaukio, der sogenannte Glaspalastplatz, der dem soeben fertiggestellten Amos-Rex-Museums zugleich als Dachlandschaft dient. Vergangenen Montag wurde das 6000 Quadratmeter große, unterirdische Kunstmuseum, das zuvor in der nahegelegenen Yrjönkatu beheimatet war, vor Presse und Publikum feierlich eröffnet. „Ich freue mich, von nun an ein Museum zu leiten, das in jeder Hinsicht Teil der Stadt ist“, sagte Direktor Kai Kartio, gelbe Socken und Nietenschuhe, bei der Eröffnung. „Unten in den Innenräumen wird zeitgenössische Kunst zu sehen sein, und oben im Außenraum werden die Menschen urbane Alltagskultur zu spüren bekommen.“

Der außergewöhnliche Bauplatz im Herzen Helsinkis blickt auf eine wechselhafte Geschichte zurück. Einst stand hier, nur wenige Schritte vom Bahnhof entfernt, die 1918 im Finnischen Bürgerkrieg zerstörte Militärkaserne. 1936 wurde auf dem Areal der sogenannte Glaspalast errichtet – ein Freizeitkomplex mit Café, Eissalon, Geschäften, prächtigem Art-Déco-Kinosaal und sogar einem eigenen Heizkraftwerk samt Schornstein. Das luftig-leichte Gebäude, das von drei jungen Architekturstudenten entworfen wurde, war ursprünglich als Provisorium gedacht und hätte nach den Olympischen Sommerspielen 1940, die wiederum dem Zweiten Weltkrieg zum Opfer fielen, abgetragen werden sollen.

Doch es kam anders. Die Anlage blieb erhalten und wurde von 1945 bis in die frühen Neunzigerjahre als städtischer Busbahnhof genutzt. 2009 erstellte das finnische Architekturbüro JKMM für den inzwischen tot gewordenen Platz eine städtebauliche Studie und untersuchte verschiedene Nutzungen für einen unterirdischen Bau. Die Varianten reichten vom Museum bis zur Stadtbibliothek, die nun neben dem Kiasma-Museum errichtet wird und Ende des Jahres eröffnet werden soll. Heute steht der wunderschöne Lasipalatsi, der mit seinem verspielten Kamin, seinen roten Uhren und seinen geschwungenen Neonschriftzügen an unser aller Kindheitstage erinnert, unter Denkmalschutz.

„Dieser Platz ist einer der wichtigsten öffentlichen Freiräume in ganz Finnland“, sagt Asmo Jaaksi, Partner im zuständigen Architekturbüro JKMM, „und ehrlich gesagt wussten wir auch nicht so recht, ob wir uns mit der unsichtbaren Positionierung unter der Erde begnügen wollen oder nicht. Letztendlich haben wir uns dafür entschieden, das Museum auch oberirdisch spürbar zu machen.“ Daher also die fünf mit Betonsteinen gepflasterten Rüssel, die als organische Skulpturen den Platz durchstoßen und das Licht in die darunterliegenden Museumsräume einsaugen.

Blöd nur, dass ausgerechnet bei der Eröffnungsausstellung, einer imposanten und emotional sehr bewegenden Lichtinstallationsorgie des japanischen Künstlerkollektivs Teamlab, die charakteristischen Nozzles verdunkelt und die Räume in Black Boxes umgewandelt werden mussten. Ob das wohl ein gutes Omen ist? Bei vier der schräg nach oben ragenden Fensterrüssel starren die Menschen, sobald sie die steile Höhe erklommen und sich mit allerletzter Kraft bis zur Glaskante hochgezogen haben, auf eine schwarze Folie. Nur bei einem der Lichtschornsteine, jenem über dem Garderobenfoyer, können sie einen Blick ins Innere erhaschen.

Die Böden und Wände sind in gleißendes Weiß gehüllt. An den geschwungenen Decken scheinen perforierte, mit weißem Textil bespannte Akustikteller zu schweben. Die Ausstellungsräume und Korridore wiederum sind mit schwarzlasierten Kieferleisten und ebenso geschwärzten, hoch belastbaren Hirnhölzern ausgekleidet. Im Frühjahr 2019 soll eine große Ausstellung über René Magritte starten. Spätestens dann wird man wissen, ob die Räumlichkeiten auch als Bühne für klassische Kunstformate taugen. Wie sagte doch Magritte? „Ich bemühe mich, das Vertraute ins Fremdartige zurückzuversetzen.“

Doch der wahre Schatz dieses 50 Millionen Euro teuren Hauses – die Errichtung wurde zur Gänze privat finanziert – liegt ohnehin nicht unten in den Hallen, sondern oben auf dem Dach. Während unten noch Lohivoileipiä, Lachsbrötchen, serviert werden, nehmen oben die Finnen den Platz bereits in Besitz. Die Kids, die Gothics, die Halbstarken, die Vollverliebten und die posierenden Selfie-Bloggerinnen. Sie erklimmen die bis zu fünf Meter hohen Rüssel, die weder abgesperrt noch mit Geboten und Verboten ausgeschildert sind, wie Wanderer die Gipfel stürmen. Der Begriff der Haftung scheint im finnischen Baugesetz keine Rolle zu spielen.

„Finnland ist ein Land mit Wasser, Wald und Millionen von Felsen in der Landschaft“, erklärt Freja Ståhlberg-Aalto, Projektleiterin bei JKMM Architects. „Da finden Sie auch keine Warn- und Hinweisschilder, die einen darauf aufmerksam machen, aufzupassen. Warum also hier in der Stadt? Wir gehen davon aus, dass die Menschen imstande sind, das Risiko einzuschätzen und sich ihrer eigenen körperlichen Fähigkeiten bewusst zu sein. Das ist die Mindestvoraussetzung, um sich durch das Leben zu bewegen.“

Die ungewöhnlich liberale Herangehensweise erfolgte im Einvernehmen zwischen Museum, Architekturbüro und Stadtverwaltung. Und das macht neidisch. Vor allem aus österreichischer und mitteleuropäischer Sicht, wo man jede Form der Eigenverantwortung längst niedergelegt hat und vom zunehmenden Haftungswahnsinn plattgerollt wird. Vielleicht ist das Amos Rex ja ein Anlass, urbane Lebenskultur neu zu definieren. Es ist dringend an der Zeit.

Der Standard, Sa., 2018.09.01

Billiger Wohnraum, stapelbares System, individuelles Einzelstück: Recycelte Schiffscontainer sind populär. Doch ist das Wohnen in der Stahlkiste wirklich eine gute Idee? Zwei Positionen.

Wojciech Czaja: Komm nur rein! Das ist mein Büro. Da schaust, was?“ Ho Kai Pong sitzt an seinem Schreibtisch, umzingelt von Aktenordnern und Gießkannen in allen möglichen Farben und Formen. Pong ist Projektleiter in der Urban Oasis, einer städtischen Biofarm im Norden von Hongkong, in der tausend Mitglieder aus der ganzen Stadt kleine Gemüseparzellen anmieten, auf denen sie Okra, Melanzani und Bittermelonen anbauen. „Ein klassisches Bürohaus kam für uns nicht infrage“, sagt der 33-Jährige. „Nicht hier in der Oase! Daher haben wir uns entschieden, ein paar alte Container anzukaufen. Das passt viel besser zu unserem ökologischen Gedanken, den wir hier pflegen.“

Das grün lackierte Bürohäuschen in der Urban Oasis ist nur ein Beispiel von mittlerweile Hunderten auf der ganzen Welt: ausrangierte Überseecontainer am Ende ihrer Lebenszeit, die, ihrer eigentlichen Funktion beraubt, ein Dasein als häusliche Hülle fristen – sei es zum Wohnen, zum Arbeiten oder für gewerbliche Zwecke. Die Liste an kreativen Lösungen findet kaum ein Ende.

In Zürich haben die Gebrüder Freitag vor vielen Jahren schon ein erstes Exempel statuiert, indem sie 19 alte Container zu einem Turm gestapelt haben, worin sie nun ihren Flagshipstore betreiben. In Johannesburg wurden 64 Container auf ein altes Getreidesilo gehievt und dienen nun als Boarding House. In Berlin besteht das Studentenheim Frankie & Johnny aus insgesamt 420 solcher Kisten. Und in den Pop-up-Dorms in der Seestadt Aspern wird ein alter, weitgereister Überseecontainer als Bar genutzt. Auf der Metallplakette ist noch deutlich die Aufschrift zu lesen: „Approved for transport under customs seal.“

Sexy, schicker Lifestyle-Faktor

In letzter Zeit kommt der Container vor allem bei Budget-Hotels sowie als bauliche Billiglösung für Flüchtlingsheime zum Einsatz. So geschehen in diversen Städten in Deutschland und in der Schweiz. In Leutschenbach errichtete die Asylorganisation Zürich (AOZ) ein Containerdorf für 250 Asylsuchende. Das dreigeschoßige Haus aus beigen, gelben und orangen Containern wirkt zwar billig und funktional, aber keineswegs unangenehm. Etliche Architektur- und Designblogs haben darüber berichtet.

Am Ende fragt man sich: Wozu der ganze Aufwand? Wozu 20 und 40 Fuß lange Kisten umbauen und mit größter Mühe technisch und funktional ertüchtigen? Das ginge doch viel einfacher! Die Antwort: weil der Container ein wichtiger Katalysator ist, um die breite Masse zum Nachdenken anzuregen – darüber, wie wir heute mit unseren materiellen Gütern umgehen und wie wir das in Zukunft zu tun gedenken.

Der Container als sexy, schicker Lifestyle-Faktor und Cradle-to-Cradle-Objekt XXL ist ein erster Schritt in Richtung Ressourcenschonung und Recycling. Denn Hand aufs Herz, davon ist die Baubranche allen Lobpreisungen zum Trotz in Wahrheit noch meilenweit entfernt.

Maik Novotny: Noch steht er da, wie ein Alien aus der Vergangenheit: der Nakagin Capsule Tower in Tokio, ein Stapel aus vorgefertigten Betonkisten mit kreisrunden Fenstern. 1972 von Kisho Kurokawa erbaut, ist er ein Überbleibsel der 60er-Jahre, als die Gruppe der japanischen Metabolisten von Gebäuden und Städten in ständiger Bewegung träumte. Elemente, die wie Container frei kombinierbar sind! Häuser, die sich den Bedürfnissen anpassen und weiterwachsen können! Ein Kosmos der unendlichen Flexibilität.

Es waren großartige und faszinierende Visionen. Dennoch ist der Metabolismus in der Praxis gescheitert. Häuser wachsen selten, und wenn, dann nicht nach vorgegebenem Plan. Der Mensch ist ein sesshaftes Wesen, er will einfach nicht flexibel werden. Trotzdem träumen Architekten heute noch von modularen Bauklotzsystemen, und in den Medien sind zu Wohnraum umgebaute Schiffscontainer präsenter denn je. Was ist an den Blechkisten so faszinierend?

Der Mensch ist keine Ware

Da hat sich die Menschheit über Jahrtausende Kulturtechniken angeeignet, um ihr Zuhause stabil, behaglich, hell, schön, raubtiersicher und wasserfest auszustatten. All dies soll stattgefunden haben, um dann auf ein willkürliches Standardelement aus dem Transportwesen zurückzugreifen, bei dessen Erschaffung diese Qualitäten gar keine Rolle spielten? Eine Box aus Stahl, 6,06 mal 2,44 mal 2,59 Meter groß: Das soll zivilisatorischer Fortschritt in der Architektur sein?

Sie seien halt so einfach und billig, heißt es. Doch wenn Container zu Wohnraum werden, dann nur mit enormem Aufwand. Fenster und Türen müssen hineingeschnitten werden, und damit man nicht friert oder verglüht, muss die Kiste gedämmt werden, wodurch der enge Raum noch enger wird. Am Ende ist das billige Standardprodukt zur teuren Stahlblechcollage geworden, zum aufwendigen Designer-Einzelstück mit einer Garnitur Industrieoptik. Eh nett. Aber Lösungen für den Wohnraummangel sind beim Basteln mit Containern nicht in Sicht.

Warum sollten sie auch? Man könnte auch fragen: Warum soll eigentlich etwas so Elementares wie Wohnen besonders billig sein? Wenn schon Schiffscontainer recyceln, warum nicht für eine Firmenzentrale oder ein Bankgebäude? Dazu würden die austauschbaren Kisten angesichts der Kurzlebigkeit des hyperflexiblen Finanzsektors doch viel besser passen.

Stattdessen wird bei Bankgebäuden kein Aufwand gescheut. Nach dem nächsten Merger oder der nächsten Pleite werden sie mit ebensolchem Aufwand umgebaut oder abgerissen. Währenddessen diskutiert man beim Wohnen über smarte Miniapartments, Tiny Houses und gestapelte Container, als wäre Wohnen etwas, das man am besten im Diskonter kaufen sollte, als wäre Wohnen nicht etwas Wertiges und Würdevolles, in das man alles Können und Wissen investieren sollte, das man hat. Der Mensch ist keine Ware. Deshalb: Lasst die Container dort, wo sie hingehören!

Der Standard, Sa., 2018.08.11

Eine Ausstellung im Wiener Ringturm betrachtet die Architektur als politischen Katalysator und trägt wunderbare historische Details zusammen. Eine Zeigerkunde mit Gessner und Fabiani.

Nach einer Minute macht es klack. „Hier stimmt einfach jedes Detail“, sagt Michaela Maier. „Selbst 108 Jahre nach Fertigstellung weisen die Möbel und Innenräume eine hochwertige, ja außergewöhnliche Qualität auf.“ Noch einmal klack. „In einem so schönen Haus zu arbeiten ist ein Privileg.“ Maier ist Geschäftsführerin des Vereins für Geschichte der ArbeiterInnenbewegung (VGA). Zwei Stockwerke über ihrem Büro, es macht klack, wieder ist eine Minute vergangen, wieder hat sich der Zeiger um ein paar Zentimeter weiterbewegt, befindet sich das riesige Uhrwerk, das in der Nacht die Zeit in die Dunkelheit hinauskommuniziert, flankiert von zwei goldfarbenen Fahnenmasten und zwei stolz über das Wiental blickenden Betonfiguren. Klack.

Das Druck- und Verlagshaus Vorwärts auf der Linken Wienzeile 97 beinhaltet nicht nur eine der ersten elektronischen Uhren Wiens, 1910 in Betrieb genommen, sondern auch eine einzigartige Entstehungsgeschichte, die die demokratische Entwicklung dieser Stadt entscheidend mitgeprägt hat. Das Haus, Resultat eines umfassenden Umbauprojekts des Otto-Wagner-Schülers Hubert Gessner, war Stammsitz der Arbeiter-Zeitung (AZ), die hier geschrieben, gesetzt und gedruckt wurde. Während im straßenseitigen Hauptgebäude die Redaktion untergebracht war, deren denkmalgeschützte Räumlichkeiten bis heute erhalten sind, befand sich im Innenhof die längst zerstörte Druckerei mit ihren Setzereien und Druckstraßen.

„Um 1900 war Wien die viertgrößte Stadt Europas, es gab hier weit über 20 Zeitungen mit einer Gesamtauflage von einer Million Exemplaren“, sagt Adolph Stiller. „Allein schon die Zelebrierung eines Massenmediums wie der Arbeiter-Zeitung in einem solchen Hause ist ein Indiz für die Bewegung von einem feudalen, neoabsolutistischen Österreich hin zu einer freien Demokratie mit allgemeinem Wahlrecht und gleichem Recht für alle.“ Die Zentrale der Vorwärts-Druckerei, so Stiller, sei eines der besten, eines der radikalsten Beispiele für diesen politischen Gesinnungswandel.

Genau diesem Phänomen widmet sich die Ausstellung Fundamente der Demokratie , die derzeit im Wiener Ringturm zu sehen ist. Gemeinsam mit seinem Kollegen Otto Kapfinger recherchierte und analysierte der Architekturwissenschafter und Kurator 105 Einzelprojekte im ganzen Land – darunter Wohnhäuser, Bildungsbauten, Sportstätten, Arbeitsorte und kulturelle Einrichtungen – und überprüfte diese auf ihren gesellschaftspolitischen Beitrag zum 100-Jahr-Jubiläum der Republik.

Neue Qualitäten

„Das Interessanteste“, sagt Stiller, „ist, dass die politische und die architektonische Demokratie zeitlich weit auseinanderklaffen, denn die Demokratisierung im Bauen hat viele Jahre vor dem offiziellen Beginn der Republik stattgefunden.“ Ein Blick auf die Werkstätten der Vorwärts-Druckerei reicht aus, um der neuen Qualitäten für die Arbeiter gewahr zu werden: aufgeräumte Arbeitsorte, große Fensterflächen, umfangreiche Beleuchtung, Lüftungsanlagen in den Maschinenräumen, Einhaltung hygienischer Vorschriften und ein eigenes Zimmer für den Betriebsarzt.

„Ja, wir sind groß geworden, und damit trat an uns auch die Pflicht heran, im eigenen Heim zu erfüllen, was wir immer predigen: die Arbeitsstätten der Menschen weiträumig, luftig, hell zu gestalten, der Staubentwicklung, die jeder Betrieb mit sich bringt, entgegenzuwirken und dem Augen- und Lungenschutz der Arbeitenden, der damit bewirkt wird, auch allen weiteren gesundheitlichen Schutz beizugesellen“, heißt es in der Arbeiter-Zeitung, Sonntag, 24. Juli 1910. „Die Weiträumigkeit und die gute Ventilationsmöglichkeit bringen es zustande, daß auch hier nicht die Arbeit zur Qual werde.“ In einem Brief an Victor Adler schrieb Chefredakteur Friedrich Austerlitz, dessen Schreibtisch bis heute in Verwendung ist, sogar: „Der Organismus des Baus klappt so großartig, als wäre er um das Manuskript gewachsen.“

Auffällig ist, dass es sich bei den in der Ausstellung gezeigten Projekten nicht nur um funktionale, sondern auch um überaus schön gestaltete Bauten handelt. Ganz gleich, ob die Vorwärts-Druckerei, das Arbeiterheim Favoriten, das als „Republik Konge“ bekannt gewordene Kongressbad in Wien-Ottakring oder die von Max Fabiani errichtete Urania als erste manifest gewordene Erwachsenenbildungsstätte Wiens: Die Demokratie in all diesen Einrichtungen äußert sich nicht zuletzt darin, dass sie dem Volk mit ästhetischen Mitteln Respekt erweisen. „Die Architekten haben damals die neuesten Trends und Baustile aufgegriffen“, erklärt Adolph Stiller bei der Führung durch die Ausstellung, vorbei an unzähligen historischen Fotografien, Plänen und Zeichnungen. „Vor allem aber waren die damals errichteten Bauten technische Pioniere, in denen neue Bauweisen und materielle und konstruktive Patente angewandt wurden. Viele davon wurden europaweit in den führenden Architektur- und Konstruktionszeitschriften veröffentlicht.“

Im mittlerweile abgerissenen Festsaal im Arbeiterheim Favoriten, ebenfalls von Hubert Gessner geplant, kam die sogenannte Melan-Bauweise mit gebogenen Stahltraversen, acht Zentimeter Eisenbeton und integrierten Glasbausteinen zum Einsatz. In der Heilig-Geist-Kirche in der Herbststraße 80, einem Frühwerk des slowenischen Architekten Jože Plečnik, konnte der gesamte Kirchenraum aufgrund eines konstruktiven Kniffs stützenfrei ausgeführt werden – ein, so Stiller, „demokratischer Raum ohne jegliche Hierarchie zwischen Haupt- und Seitenschiff“. Und in der Schwarzwald-Mädchenschule in der Herrengasse wurde das ursprünglich geplante Steildach während der Bauarbeiten von Victor Siedek und Adolf Loos kurzerhand zum Flachdach umgeplant. Auf diese Weise hatten die Schülerinnen einen attraktiven Sportplatz mit Blick auf die Wiener Innenstadt.

Die Ausstellung Fundamente der Demokratie verlangt dem Besucher viel Zeit und Engagement ab, um in der Vielzahl der Bauten den gewohnten Blick abzulegen und die uns allen bekannten Häuser auch einmal durch die Brille politischer Evolution zu betrachten. Der Blick lohnt sich. In einer Zeit, in der sich die Zeiger öfter nach rückwärts als nach vorwärts drehen, ist er mindestens genauso wichtig wie vor hundert Jahren.

Der Standard, Sa., 2018.07.21

Vor wenigen Tagen wurde der heimische Brick Award 2018 vergeben. Eines von insgesamt sieben Preisträgerprojekten ist das Terra Cotta Studio für einen vietnamesischen Keramikkünstler.

In der Regenzeit, mitten im Monsun, da kann das Wasser im Thu-Bon-Delta schon einmal bis zum Haus reichen und das Erdgeschoß in schwappenden Wogen überschwemmen. Doch das macht nichts. Denn zum einen kann Le Duc Ha, einer der bekanntesten Keramikkünstler Vietnams, dann eine Pause vom Arbeiten einlegen, und zum anderen braucht er sich um seine getöpferten Artefakte ohnehin keine Sorgen machen. Diese nämlich ruhen, den Fluten enthoben, in eigens dafür gefertigten Bambusregalen in einigen Metern Höhe.

„Früher habe ich neben einem Bambusbusch direkt am Fluss gearbeitet“, erinnert sich Le Duc Ha, eine halbe Stunde Bootsfahrt von der weltberühmten, Unesco-geschützten Provinzhauptstadt Hoi An entfernt. „Ich saß im Schatten, es wehte eine kühle Brise, und das Wasser war zum Greifen nah. Ich habe mir ein Ateliergebäude gewünscht, das alle diese Qualitäten aufrechterhält, in dem ich wie im Freien arbeiten kann, zugleich aber vor Wind und Unwetter geschützt bin.“ Die Antwort auf diesen ungewöhnlichen Wunschkatalog lieferte das in Ho-Chi-Minh-Stadt beheimatete Architekturbüro Tropical Space mit einem sieben mal sieben mal sieben Meter großen Würfel aus handgefertigten Ziegelsteinen. Vor wenigen Tagen wurde das archaisch anmutende Terra Cotta Studio mit dem Wienerberger Brick Award 2018 ausgezeichnet. „Le Duc Ha arbeitet mit Lehm, daher war für uns klar, dass wir diesen Baustoff auch in sein Atelierhaus einfließen lassen“, sagt Architektin Tran Thi Ngu Ngon. „Damit bilden Haus und Kunst eine materielle Einheit.“ Schon auf den ersten Blick fällt die ungewöhnliche, sich immer wieder verändernde Perforation der Fassade auf. Jede Seitenfläche ist in 36, jeweils einen Quadratmeter große Felder unterteilt, die ihrerseits wiederum in verschiedenen Verbänden gemauert sind und auf diese Weise unterschiedlich viel Licht und Luft durchlassen. Die charakteristische Ziegelstruktur, die als Schattenspender und Lüftungsgitter dient, ist ein Zitat der Champa-Tempel, die vor rund 1500 Jahren in dieser Gegend errichtet wurden.

Zarte Stahlkonstruktion

Im Inneren der vierseitigen Ziegelkonstruktion steht – gleich einem Haus im Haus – ein 60 Zentimeter tiefes, bis nach oben reichendes Bambusregal, das auf schmalen Leitern, Treppen und Gerüsten erklommen werden kann. Die hölzerne Matrix, die sich an die rundum verlaufende Ziegelfassade schmiegt, dient als Galerie und Ausstellungsfläche für Le Duc Has Kunstwerke. Über alledem schwebt, um die Vasen, Schüsseln und Tonfiguren vor der Witterung zu schützen, eine zarte Stahlkonstruktion mit Glasdach.

Im Zentrum des mit geringsten finanziellen Mitteln errichteten Gebäudes schließlich befindet sich eine kreisrunde Mulde im Fundament, in der der Künstler an seiner riesigen Töpferscheibe sitzt und auf diese Weise die geometrische wie auch energetische Mitte des Hauses markiert.

„Erstens ist dem Büro Tropical Space hier ein außergewöhnlicher Arbeitsorts gelungen, der in Verbindung mit den hier geschaffenen Werken und Skulpturen steht, und zweitens ist das Terra Cotta Studio ein perfektes Beispiel dafür, wie mit der Planung und dem Bau eines solchen Projekts die Wertschöpfungskette in der Region erhalten werden kann“, sagt Stephan Ferenczy, Architekt im Wiener Büro BEHF und zugleich Mitglied der diesjährigen Brick-Jury. „Gerade in Entwicklungsregionen haben wir heuer einen ungewöhnlichen und innovativen Einsatz von Ziegel beobachtet, der in Industrieländern in dieser Qualität kaum noch anzutreffen ist. Ich finde den hier vorgelebten Umgang mit dem Material nicht nur architektonisch schön, sondern auch emotional berührend.“

Eingereicht wurden fast 600 Projekte aus 44 Ländern. Neben dem Preis für das Terra Cotta Studio in Mittelvietnam gingen sechs weitere Preise nach Belgien, Schweden, Spanien, Argentinien, in die Schweiz und in die Niederlande. In Antwerpen wurden die Westkaai Towers 5 & 6 des Londoner Architekten Tony Fretton ausgezeichnet. Mit den spielerisch vor- und rückspringenden Ziegeln, die durch ihr Relief ein Licht- und Schattenspiel erzeugen, wird die strenge, monumental wirkende Fassade aufgeweicht. In Basel wurde das Kunstmuseum von Christ & Gantenbein prämiert. Die gesamte Fassade besteht aus gebrannten Ziegeln, denen mittels Stickstoff die Rot- und Gelbtöne entzogen wurden. In reliefartigen Rillen integrierte LED-Streifen lassen das Haus erstrahlen und informieren die Passanten über aktuelle Ausstellungen.

In Eindhoven findet sich ein Einfamilienhaus unter den Preisträgern, das im Innen- und Außenraum auf radikale Weise aufzeigt, welche atmosphärischen Qualitäten aus dem Ziegel rauszuholen sind. In Stockholm ging der Preis an ein urbanes Biomassekraftwerk der Värtan Bioenergy CHP, das mit keramischen Fassadenpaneelen verkleidet wurde. In Vilanova de la Barca wurde die Sanierung einer Kirche aus dem 13. Jahrhundert prämiert, die im spanischen Bürgerkrieg zerstört und nun mit Industrieziegeln behutsam ergänzt wurde. Und in La Playosa wurde eine räumlich raffiniert gelöste Kapelle inmitten des argentinischen Flachlands gewürdigt.

„Bei manchen Bauten waren wir wirklich euphorisch“, so Ferenczy, „denn sie sind beispielgebend dafür, wie Architektinnen und Architekten heute mit diesem so alten, archaischen Baustoff umgehen. Ziegel ist der Inbegriff eines menschlichen Materials, weil er ohne große Hilfsmittel und ohne aufregende Technologien verarbeitet werden kann. Und er ist Sinnbild dafür, wie man gestern, heute und morgen mit kleinen Bausteinen Großes erschaffen kann.“

[ Buchtipp: „BRICK 18. Ausgezeichnete Internationale Zieglarchitektur“. Hg. v. Wienerberger AG. € 48,– / 296 Seiten. Park Books, Zürich 2018 ]

Der Standard, Sa., 2018.06.09

Der Architekt und Stadtplaner Yona Friedman wird kommenden Dienstag mit dem Österreichischen Friedrich-Kiesler-Preis ausgezeichnet. Wir haben den Erfinder der „Ville Spatiale“ in seiner Pariser Wohnung besucht.

Standard: Ich habe noch nie so eine Wohnung gesehen. Wo befinden wir uns denn hier gerade?

Friedman: Da sind Sie nicht der Einzige. Ich habe so eine Wohnung auch noch nie gesehen. Wir stehen hier im Wohnzimmer. Zumindest steht das im Plan so drinnen, dass dieser Raum hier ein Wohnzimmer ist. Ich weiß bis heute nicht, was das sein soll. Wohnzimmer …

Standard: Wie würden Sie den Raum denn mit Ihren eigenen Worten beschreiben?

Friedman: Ich glaube nicht an Architektur und Design. Zumindest nicht in dem Sinn, wie die Begriffe heute verstanden werden. Mir ist das alles zu glatt, zu sauber, zu aufgeräumt. Ich brauche den Raum um mich herum als Work in Progress, als eine Werkstatt der freien Gedanken. Und manche dieser Gedanken sind schwebend und schwerelos, wie Sie sehen. Ist das nicht etwas Wunderbares?

Standard: Wie sieht denn so ein freier, schwebender Gedanke aus?

Friedman: Schauen Sie sich doch um! Alles hier! Es sind Raummodelle für Museen, Wohnhäuser und ganze Städte. Manche sagen, das seien Utopien, aber nein! Das sind alles reale Projekte. Manche davon werden realisiert, andere nicht. Erst im Dezember war ich in China, um dort ein Projekt zu realisieren, und zwar eine Ausstellungsarchitektur für ein Museum in Shenzhen. Das Konzept dafür habe ich hier entwickelt, hier in diesem Raum. Sehen Sie das Modell da drüben? Das ist es.

Standard: Sie meinen die Eierkartons mit den Klorollen?

Friedman: Jetzt seien Sie nicht so banal! Etwas mehr Fantasie!

Standard: Wie finden Sie sich in diesem Chaos zurecht?

Friedman: Mein Atelier auf der anderen Seite des Flurs sollten Sie sehen! Dort ist Chaos. Aber das hier, das ist kein Chaos. Hier hat alles seine Ordnung und ist ganz genau durchstrukturiert. Hier die Zeichnungen, da die Fotomontagen und dort die Modelle. In einem Kistchen liegen die Korken, dort die Lämpchen, und schauen Sie hier ... Erst unlängst hat mir jemand diese Plastikverschlüsse geschenkt. Sind das nicht wunderschöne Objekte? Ich denke, das könnte ein Hochhaus werden.

Standard: Woher kommt Ihre Sammelleidenschaft?

Friedman: Ich sammle nicht. Ich kann nur nichts wegschmeißen. Wer weiß, wozu ich das noch brauche! Es sind kleine räumliche Gegenstände, mit denen man große Räume im kleinen Maßstab vergegenständlichen kann.

Standard: Viele Leute sehen in Ihnen weniger einen Architekten als einen Künstler, Philosophen, Utopisten ...

Friedman: Nein, ich bin kein Utopist. Ich bin Realist durch und durch. Ich arbeite seit vielen Jahrzehnten an realen Projekten, die dazu beitragen sollen, reale Probleme dieser Welt zu lösen. Dazu brauche ich keinen Ziegelstein in meiner Hand. Oder haben Sie jemals einen Chefkoch gesehen, der selbst am Herd steht und mit dem Kochlöffel im Topf herumrührt?

Standard: 1958 haben Sie das Konzept einer räumlichen, dreidimensionalen Stadt entwickelt. In welchen Städten ist die Idee dieser „Ville Spatiale“ denn zur Anwendung gekommen?

Friedman: In den Fünfziger- und Sechzigerjahren gab es viele verschiedene Ideen zur Neuerfindung der Stadt. Aber Sie müssen wissen: Le Corbusier, Archigram oder die japanischen Metabolisten hätten die historische Stadt am liebsten abgerissen und komplett neu bebaut. Das wollte ich nicht. Ich habe mit der „Ville Spatiale“ eine Raumstadt entwickelt, die über der bestehenden Stadt hätte errichtet werden können. Schauen Sie sich doch nur mal um! Die Idee der neuen Stadt über der alten finden Sie seit damals schon auf der ganzen Welt realisiert.

Standard: Wo findet man Ihre „Ville Spatiale“ heute?

Friedman: Der Begriff des Raums hat sich grundlegend verändert. Ich würde sagen, die „Ville Spatiale“ ist heute die Cloud, die über der realen, analogen Stadt schwebt. Man arbeitet von zu Hause, man ist örtlich ungebunden, man muss weniger verkehren, und letztendlich brauchen wir heute keine Versammlungspunkte und irgendwann einmal auch kein Stadtzentrum mehr, denn unser Leben verlagert sich mehr und mehr in die Cloud, in die virtuelle Parallelstadt, die über der realen schwebt.

Standard: Das klingt jetzt aber nicht so toll.

Friedman: Eine Frage des Blickwinkels. In den heutigen Stadtzentren sind Sie mit Menschenmassen, zunehmendem Verkehr, steigenden Grundstückskosten, Infrastrukturproblemen, Security-Problemen und auch einem wachsenden Gewaltpotenzial konfrontiert. Wenn man in Zukunft nicht mehr in die Stadt hineinfahren müssen wird, wird ein Teil dieser Schwierigkeiten wegfallen. Ich will den heutigen Wandel nicht beklagen. Ich will mich auf das Positive darin konzentrieren. Machen wir das Beste daraus!

Standard: Wie hat sich diesbezüglich Paris verändert?

Friedman: Durch die wachsende Wolkenstadt über dem analogen Paris beobachte ich eine zunehmend größer werdende Kluft zwischen den alten und den jungen Generationen. Wir entwickeln uns gerade zu einer neuen, gänzlich digital kommunizierenden Spezies.

Standard: 1969 haben Sie vorgeschlagen, eine Maschine zu entwickeln, die selbstständig in der Lage ist, Wohnungsgrundrisse zu entwerfen. Diese Prognose jedenfalls hat sich bewahrheitet.

Friedman: Ja, das ist wohl so. Unglaublich, oder?

Standard: Kommenden Dienstag werden Sie in Wien mit dem Österreichischen Friedrich-Kiesler-Preis ausgezeichnet. Wo sehen Sie die Parallelen zu Kieslers Arbeit?

Friedman: In der Unendlichkeit. Kiesler widmete sein Leben der Idee der unendlichen Räume und des Endless House. Ich habe mein Leben der unendlichen Stadt gewidmet.

Standard: Haben Sie schon eine Idee, was Sie mit den 55.000 Euro Preisgeld machen werden?

Friedman: Ich habe seit Jahrzehnten kein fixes Einkommen. Das Geld gibt mir die Möglichkeit, weiterzuarbeiten und mir bis an mein Lebensende keine finanziellen Sorgen mehr machen zu müssen.

Standard: Wünsche oder Pläne für die Zukunft?

Friedman: Am Dienstag werde ich 95. In meinem Alter besteht die Zukunft aus den kommenden 24 Stunden.

Standard: Was ist Ihr Wunsch für die kommenden 24 Stunden?

Friedman: Mein Wunsch ist, dass ich mir diesen Wunsch noch viele, viele Male weiterwünschen kann.

Yona Friedman, 1923 in Budapest geboren, flüchtete während seines Architekturstudiums nach Israel und zog später nach Paris weiter, wo er bis heute lebt und arbeitet. 1956 präsentierte er auf dem 10. Congrès International d’Architecture Moderne (Ciam) in Dubrovnik sein Konzept einer mobilen Architektur. Er veröffentlichte das Manifest L’Architecture Mobile, gründete die „Groupe d’etude d’architecture mobile“ (Geam) und entwickelte sein Konzept der „Ville Spatiale“. In den Achtzigerjahren hat er die Unesco beraten und Manuals für Stadtentwicklung ausgearbeitet. Kommenden Dienstag wird er mit dem Friedrich-Kiesler-Preis ausgezeichnet. Architekturzentrum Wien (AzW) im Museumsquartier. Ab 13 Uhr.

Der Standard, Sa., 2018.06.02

Paris steht ein enormer Bevölkerungsschub bevor. Die Seine-Metropole wappnet sich für die Zukunft und überbaut ihre Gleisanlagen mit sozialen Wohnbauten.

Als 2007 zehn Architekturteams aus ganz Europa eingeladen wurden, ihre Pläne und Utopien für ein „Grand Paris“ auszuarbeiten, war klar, dass die Stadt der Liebe, die bis 2030 auf bis zu 15 Millionen Einwohner anwachsen soll, wahrlich Großes vorhat. Die daraufhin ausgearbeiteten Projekte von Richard Rogers, Jean Nouvel, Christian de Portzamparc, MVRDV und vielen anderen umfassten innovative Verkehrskonzepte, Leitlinien für ein menschenwürdiges Leben in Kleinstrukturen – aber auch megalomane Wachstumsprognosen, in denen sich Paris bis zum Ärmelkanal ausdehnt.

Die Ideen für „Grand Paris“ waren ein wichtiger Katalysator, um erstmals die große Hürde der bestehenden Bahntrassen und der Ringautobahn Périphérique zu überwinden. Die aktuellen Stadtentwicklungs- und -verdichtungsprojekte, die im sogenannten Plan Local d’Urbanisme (PLU) festgehalten sind, umfassen dreizehn Quartiere entlang wichtiger Straßen- und Schienenachsen und sollen Platz bieten für rund 200.000 Bewohner. Die größten und wichtigsten Areale konzentrieren sich im Norden, Osten und Süden und liegen im Bereich der ehemaligen Stadttore. Um sich ein Bild vom Baufortschritt zu machen, luden die Wohnen-Plus-Akademie und die Zeitschrift Wohnen Plus zu einer Exkursion.

Bevölkerung statt Olympia

Eines der größten und wichtigsten Projekte ist die Auflassung und Überbauung der Gleisanlagen in Clichy-Batignolles. Der ursprüngliche Plan sah vor, hier das Olympische Dorf für die Sommerspiele 2024 zu errichten, doch dann beschloss Bürgermeisterin Anne Hidalgo, das 54 Hektar große Frachtenareal für die Pariser Stadtbevölkerung zu nutzen. Unter einem Teil des Gebiets befindet sich heute eine große Werkstätten- und Waschstraßenhalle der französischen Staatsbahnen.

Herzstück von Clichy-Batignolles ist ein zehn Hektar großer Ökopark mit großen, ausgewachsenen Bäumen, rege genutzten Kleinflächen für Urban-Gardening sowie Auffang- und Sickerbecken für Regenwasser. Um die vielfältig gestaltete Grünfläche (siehe Foto) gruppieren sich rund 3400 Wohnungen unterschiedlicher Rechtsformen – von supergeförderten Kleinst-Garçonnièren bis zu freifinanzierten Eigentumswohnungen – sowie Bürobauten und öffentliche Institutionen mit fast 13.000 Arbeitsplätzen. Der Wohnungsschlüssel beträgt 50 Prozent sozialer Wohnbau, 30 Prozent privater Wohnbau mit Preisgrenze, 20 Prozent freifinanzierter Wohnbau.

Die mit Abstand größte Attraktion ist das neue, 160 Meter hohe Palais de Justice von Renzo Piano, das als PPP-Projekt errichtet wurde und den alten Justizpalast in der Innenstadt seit einigen Monaten ersetzt. „So ein großes Stadtentwicklungsprojekt macht nur Sinn, wenn man es nicht nur als Wohn- und Schlafstadt sieht, sondern sich von Anfang an darum kümmert, öffentliches Leben und Funktionen des täglichen städtischen Bedarfs anzusiedeln“, sagt Architektin Marcia Mendoza, die das Projekt von Anfang an beobachtete und heute hier Führungen anbietet. „Hinzu kommt, dass die vielen hier tätigen Architekturbüros eine Arge gegründet und das Projektgebiet gemeinsam mit den Bauträgern kooperativ entwickelt haben.“ Auch die österreichischen Architekten Querkraft und Baumschlager & Eberle sind mit von der Partie.

Ein Stadtentwicklungsgebiet, das in großen Teilen bereits besiedelt ist, liegt im Südosten der Stadt. Paris Rive Gauche, wo der ehemalige Staatspräsident François Mitterrand 1996 die Bibliothèque Nationale von Dominique Perrault errichtet ließ (die damals noch in der Einöde stand), ist heute ein pulsierender Stadtteil. Das gesamte Areal fasst 130 Hektar. 26 davon liegen im ersten Stock – es ist eine geschickt in die Topografie integrierte Überbauung der bis zu 80 Meter breiten Gleisanlagen, die vom Kopfbahnhof Gare d’Austerlitz ins Umland hinausführen.

Die Entwicklungsgesellschaft Semapa wird hier bis 2025 insgesamt 7500 Wohnungen sowie zwei Millionen Quadratmeter für Büro, Handel und öffentliche Einrichtungen errichtet haben. Da können sich Wiener Totgeburten à la Town Town oder Donauplatte noch was abschauen. Vielleicht dient Rive Gauche ja auch als Inspiration für die städtebauliche Überbauung des Franz-Josefs-Bahnhofs, dessen städtebauliches Konzept demnächst präsentiert werden soll.

Die Reise nach Paris erfolgte auf Einladung der Wohnen-Plus-Akademie.

Der Standard, Sa., 2018.06.02

Erste Arbeitserfahrungen bei Le Corbusier, der ihm zum Mentor und Großvater wurde, eine schaffensreiche Zeit im aufstrebenden Indien und nun, nach 70 Jahren Berufs­leben, der Pritzker-Preis. Ruhestand? Keineswegs. Balkrishna Vithaldas Doshi über die Lehren aus der Zeit in Paris, das Bauen mit geringsten Mitteln und seine Pläne für die Zukunft seines Landes.

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Am Mittwoch wird der indische Architekt Balkrishna Doshi mit dem Pritzker-Preis 2018 ausgezeichnet. Früher arbeitete er für Le Corbusier. Heute will er den Preis dazu nutzen, die indische Regierung zum Umdenken zu bewegen.

Standard: Hätten Sie je gedacht, den Pritzker-Preis zu gewinnen?

Doshi: Ja und nein. Nein, weil man damit einfach nicht rechnet. Es war eine Art positiver Schock mit Genussfaktor. Den Pritzker-Preis zu bekommen ist für einen Architekten wie ein Wunder, das genau einmal im Leben eintritt und dann nie wieder. Und ja, weil ... Ganz ehrlich? Hoffen wir das nicht alle? Letztendlich sind wir doch alle nur Architekten!

Standard: Zum bereits dritten Mal wird ein früheres Mitglied der Pritzker-Jury ausgezeichnet: Shigeru Ban, Fumihiko Maki und nun Sie. Ist das nicht auffällig?

Doshi: Das müssen Sie die Jury fragen! Ich kann nur so viel sagen: Das Jurynetzwerk besteht nach all den Jahren aus mittlerweile sehr, sehr vielen Architekten. Da kommt ein großes Potenzial zusammen.

Standard: In den ersten Berufsjahren haben Sie mit Le Corbusier zusammengearbeitet. Wie kam es dazu?

Doshi: Es war ein Zufall. Ich war 1947 in London und besuchte den CIAM-Kongress in Bridgwater. Dort habe ich Le Corbusier kennengelernt. Darauf dachte ich mir: Jetzt oder nie! Also habe ich den Herrn mit der runden Hornbrille gefragt, ob ich denn für ihn arbeiten könne. Gleich am nächsten Tag habe ich ein handgeschriebenes Bewerbungsschreiben nach Paris geschickt – und wenige Tage später kam die Antwort retour.

Standard: Was war Le Corbusier für ein Typ?

Doshi: Wir konnten uns wirklich gut leiden. Immer wieder nahm er mich an der Hand, hat mich auf die Seite gebeten und das Leben erklärt. „Doshi, komm her!“, hat er dann gesagt. „Da ist dein Sessel! Zeichne!“ Und so ließ er mich wochenlang Menschen, Figuren, Fenster, Parapete, Säulen, Pfeiler und Treppen zeichnen. Er war ein eigenartiger, aber wirklich gutherziger Mensch. Ich habe so unglaublich viel von ihm gelernt. Le Corbusier war mein Guru.

Standard: Nach sechs Jahren haben Sie sich von ihm getrennt.

Doshi: Ja. Von 1950 an arbeitete er an seinem Stadtprojekt Chandigarh im Norden Indiens. Die Idee war, dass ich das Projekt als Projektleiter übernehme. Aber ich war damals krank und schwach. Ich wollte einfach nur nach Ahmedabad zurück und wieder zu Hause ankommen.

Standard: Wie haben Sie die Fünfzigerjahre in Ahmedabad erlebt?

Doshi: Es war eine Zeit des Aufbruchs! Es gab Tausende, ach was, Millionen von Binnenmigranten. Die Menschen kamen aus dem ländlichen Raum und stürmten die Städte in der Hoffnung auf Arbeitsplätze und wirtschaftliche Prosperität. Und sie alle haben plötzlich ein Dach über dem Kopf gebraucht. In diesem Moment war mir klar: Erschaffung von leistbarem Wohnraum ... Das ist der Job, den ich tun muss.

Standard: Die britische Tageszeitung „The Guardian“ hat Sie in einem Artikel als „Architekturcham pion der Armen“ bezeichnet.

Doshi: Ich würde mich nicht als Champion bezeichnen. Das fühlt sich für mich nicht richtig an. Aber ich habe mich von Anfang an tatsächlich für die arme Bevölkerung engagiert und Häuser für ganz wenig Geld errichtet.

Standard: Was waren das für Projekte?

Doshi: Einfache Ziegelbauten für arme, einkommensschwache Menschen, vor allem für Migranten. Zu den bekanntesten Siedlungen dieser Art zählen die Wohnsiedlung für Textilarbeiter in Ahmedabad, die Wohnsiedlung für die Life Insurance Corporation sowie die Aranya-Siedlung in Indore. Das Thema ist über all die Jahre und Jahrzehnte gleich geblieben: Wie schaffe ich es, mit wenig Geld robust, funktional und klimagerecht zu bauen?

Standard: In einem Interview sagten Sie einmal, Low-Cost-Housing brauche mehr als alle anderen Bauaufgaben eine gewisse Würde. Worin zeigt sich diese Würde in Ihren Bauten?

Doshi: In der Schönheit. Im Platzangebot. In einer gewissen räumlichen Würde. Im inszenierten Spiel mit dem Wetter und den Jahreszeiten. Und in der Fähigkeit, zu altern und nach vielen Jahrzehnten immer noch gut in Schuss zu sein – so wie ich. Die wichtigste Würde aber ist, so effizient und intelligent zu bauen, dass die Menschen in der finanziellen Lage sind, sich ihre Wohnung zu leisten, ohne jeden Monat die letzten Rupien zusammenklauben zu müssen. Es gibt kaum etwas Unwürdigeres, als nicht genug Geld zum Wohnen zu haben.

Standard: Was sind die aktuell brennenden Wohnbauthemen in Indien?

Doshi: Durch die ständig wachsende Bevölkerung werden die Städte und Dörfer größer und größer. Was früher eine lokale Kleinstadt war, ist heute mitunter schon eine mittelgroße Wirtschaftsmetropole. Damit verändert sich unser Gesamtverständnis von Stadt und Land. Aktuell merken wir, dass es in den neu entstandenen beziehungsweise gewachsenen Städten noch an sozialer und kultureller Infrastruktur mangelt – und vor allem an Diversität. Das gilt es nachzuholen. Es ist ein enorm riesiger Aufholbedarf, der uns da bevorsteht!

Standard: Was haben Sie vor?

Doshi: Mein Ziel war und ist das Empowerment, also die Befähigung und Bevollmächtigung der Menschen. Das geht nicht mit Ziegel und Beton. Das geht nur mit Bildung, Technologien und einem Umdenken in der Gesellschaft. Und vielleicht mit einem Pritzker-Preis, wer weiß! Sämtliche Leute, sogar Premierminister Narendra Modi, haben mir dazu gratuliert, dass der Preis heuer erstmals nach Indien geht. Das tut etwas mit den Leuten! Dank des Pritzker-Preises habe ich jetzt glücklicherweise eine gewisse kulturelle Macht – und die möchte ich als Werkzeug nutzen und die indische Regierung zum Umdenken bewegen.

Standard: Woran arbeiten Sie im Moment?

Doshi: Die zwei größten Schwerpunkte, die wir haben, sind Sanierungen und Erweiterungen von Townships sowie das Thema energetische Nachhaltigkeit. Ich spreche von Nullenergie. In Indien brauchen wir Häuser, die low-tech und vollkommen autark sind. Andernfalls wird dieses Land früher oder später aus allen Nähten platzen.

Standard: Können Sie uns ein konkretes Beispiel für Nullenergie nennen?

Doshi: Für die Nalanda University in Bihar im Norden Indiens bauen wir als Folge eines internationalen Architekturwettbewerbs einen neuen Campus. Und die Natur hilft uns dabei. Rundherum gibt es etliche Kuhweiden und landwirtschaftliche Betriebe, deren Kuhmist wir für den Betrieb des Campus nutzen werden. Es geht um ein holistisches Zusammenspiel der Kräfte. Kühe gibt es in Indien überall.

Standard: Haben Sie Wünsche für die Zukunft?

Doshi: Mein dringlichster Wunsch lautet: Wie können wir lernen zu teilen? Und zwar nicht nur Wissen, sondern auch Geld und Ressourcen.

Standard: Wissen Sie schon, was Sie mit den 100.000 Dollar machen werden, die Sie nun überreicht bekommen?

Doshi: Ich habe vor 30 Jahren die Vastu Shilpa Foundation gegründet, die sich mit Bildung, Training und Umweltthemen beschäftigt. Um noch mehr Menschen zu erreichen, benötigt die Stiftung dringend eine Geldspritze. Die 100.000 Dollar kommen gerade recht.

Der Standard, Sa., 2018.05.12

Fahrradfahren ist in. Welche Auswirkungen hat das auf die Stadtplanung? Wie verändert sich unsere Wahrnehmung? Eine Befahrung anlässlich zweier Ausstellungen in Frankfurt und Wien.

Der Winter ist schlimm“, sagt Jon Hughes, „dann muss auch ich mich mal geschlagen geben und vom Sattel steigen. Aber jetzt im Frühling, da kommen die Leute in Horden wie noch nie.“

Hughes ist Eigentümer eines Bike-Shops in Ferndale, Detroit, der sich auf den Verkauf von lokal produzierten Fahrrädern spezialisiert hat. Mit Erfolg. Zuerst waren es die Gehaltsgekürzten und Arbeitslosen, die sich ein Auto nicht mehr leisten konnten und gezwungen waren, auf den Drahtesel umzusteigen. Heute ist es eine immer größer werdende Community an vor allem jungen Leuten, die im Radfahren einen neuen Post-Crisis-Lifestyle gefunden hat und damit nun nach und nach die ganze Stadt erobert.

„Im Stadtbild ist die Radkultur heute unübersehbar“, sagt Jon Hughes. „Das wäre früher undenkbar gewesen.“ Auf vielen acht- bis zehnspurigen Avenues, die die einstige, dramatisch verfallende Automobilhauptstadt durchkreuzen, wurden in den letzten Jahren eigene, zum Teil grün markierte Fahrbahnen eingezogen, die ausschließlich von Radfahrern und Skatern benützt werden dürfen.

Die Zahl der Bike-Liker nimmt von Jahr zu Jahr zu. Der 2010 gegründete Verein Wheelhouse bietet sogar Radtouren zu den Themen Architektur, Graffitikunst und Urban Farming an. Detroit ist nur ein Beispiel von vielen. Weltweit erlebt die Fahrradkultur, die 2017 ihr 200-Jahre-Jubiläum feierte, eine Renaissance, die sich nicht nur auf den städtischen Verkehr, sondern letztendlich auch auf das gesamte urbane Erscheinungsbild auswirkt.

Unter den Städten, die in puncto Neuerfindung am kräftigsten in die Pedale treten, finden sich so bekannte Beispiele wie Amsterdam, Kopenhagen und das überaus fahrradfreundlich geplante Münster in Nordrhein-Westfalen, aber auch exotische Exempel wie etwa London, Barcelona, Moskau, Portland und die neuseeländische Großstadt Auckland, in der eine in den 1960er-Jahren errichtete und mittlerweile stillgelegte Autobahnabfahrt als in kräftiges Magenta getauchter Radweg zu neuem Leben erweckt wurde (siehe Foto) .

Höhere Lebensqualität

Der Erfolg der neuralgisch platzierten Verbindung zwischen drei von Autobahnen wild zerschnittenen Stadtvierteln blieb nicht lange aus: Aufgrund des „Te Ara i Whiti“ – so der offizielle Titel der Anlage, an dessen Bau sich hunderte freiwillige Bürgerinnen und Bürger beteiligt hatten – nahm der Radverkehr in den Zubringerstraßen und angrenzenden Quartieren in kürzester Zeit um mehr als 30 Prozent zu. Allein im ersten Jahr nach Fertigstellung konnten in Auckland rund 200.000 zusätzliche Fahrradfahrten gezählt werden.

„In Städten mit einem deutlichen Anteil an Radverkehr beobachten wir eine höhere Lebensqualität mit weniger Lärm, besserer Luftqualität und einem allgemein höheren Lebens- und Gesundheitsstandard in der Bevölkerung“, erklärt Annette Becker, Kuratorin am Deutschen Architekturmuseum in Frankfurt am Main, die die an diesem Samstag angelaufene Ausstellung Fahr Rad! Die Rückeroberung der Stadt mitgestaltete. „Und mit dem steigenden Modal-Split-Anteil von Radfahrern sehen wir, dass plötzlich auch mehr Rollstühle und mehr Rollatoren am Verkehrsgeschehen teilnehmen. Das ist eine, wie ich meine, sehr erfreuliche Nebenerscheinung im Sinne der Inklusion.“

In Portland, Oregon, wurde 2015 die sogenannte Max Orange Line errichtet, die die Downtown auf 11,7 Kilometern Länge mit der umliegenden Metropolregion verbindet (siehe Foto) .

Anders als bei den bisherigen Radwegen, die durch Portland führen, wurde der Stadtraum in diesem Fall bewusst auffallend und identitätsstiftend in ein knalliges Hellgrün getaucht. Besonderes Augenmerk wurde auf die Möblierung entlang des Radwegs sowie auf die Verkehrsanschlüsse an die umliegenden Viertel gelegt.

Mobilitätsdemokratisierung

In New York wird schon seit geraumer Zeit an einer Beruhigung des motorisierten Individualverkehrs gearbeitet. Ein großer Teil der gewonnenen Flächen fällt dem Radverkehr zu. An den großen Avenues sowie an den Uferstraßen in Manhattan, Brooklyn und der Bronx entstand ein zusammenhängendes Geflecht aus pedalritterlichen Wegen. Im Bereich des „Big U“ – so der offizielle Titel der Hochwasser-Prophylaxe an den Ufern Manhattans – übernehmen die neu angelegten Radwege darüber hinaus die Rolle von Dämmen und kontrollierten Überflutungsflächen.

In London gibt es seit einigen Jahren Pläne für den sogenannten SkyCycle. Dabei soll über den bestehenden Gleisanlagen des Grundstückseigentümers Network Rail – ein bislang ungenutzter, aber überaus wertvoller Luftraum – ein 220 Kilometer langes Radnetz mit radialen und konzentrischen Trassen sowie rund 200 Auf- und Abfahrten entstehen. Das neue Verkehrssystem, ein Kooperationsprojekt von Norman Foster und dem auf Landschaftsplanung spezialisierten Büro Exterior Architecture, soll dabei als schnelle und billige Verkehrsalternative dienen und die stetig wachsende Metropole an der Themse entlasten.

Der größte gemeinsame Nenner dieser Projekte ist die Demokratisierung der Mobilität. Mit Rädern und eigens dafür geschaffenen Verkehrsflächen können auch all jene am Verkehrsgeschehen teilnehmen, die es sich bislang nicht oder nur kaum leisten konnten. „Mit dem Siegeszug des Fahrrads hält endlich wieder eine menschliche Dimension in die europäische Großstadt Einzug“, sagt Florian Lorenz, der sich selbst als Urbanist und interdisziplinärer Stadtplaner bezeichnet. Er ist einer der Kuratoren der Ausstellung Bicycles! A Love Story, die kommende Woche in der Wiener Nordbahnhalle eröffnet wird.

„Die Distanzen verändern sich, der Stadtraum wird unmittelbarer spürbar, und mit der allmählichen Verdrängung des Autos an der Spitze der trophischen Kaskade werden die Prinzipien der Großstadt neu gemischt und die Privilegien auf der Straße neu vergeben.“ Anfang dieser Woche hat die Uno den 3. Juni zum World Bicycle Day erklärt.

Der Standard, Sa., 2018.04.21

Man kann Großprojekte in der Tat auch ganz ohne Drama realisieren – ohne Skandale, ohne Kostenexplosionen, ohne jahrelange Bauverzögerungen. Eine Ausstellung zeigt die interessantesten Opern- und Theaterhäusern Europas.

Die Verfolgung seines Kriegsgegners Pompejus treibt Julius Caesar nach Alexandria. Allein bei seiner Ankunft ist das geplante Mordeswerk bereits vollbracht. Zur Begrüßung überreicht ihm der ägyptische König Ptolomäus eine Suppenschüssel, aus der er des Feindes Kopf mit weit aufgerissenen Augen an den Haaren zieht. Pompejus ist tot. Der erste Akt hat soeben erst angefangen.

Als Carl Heinrich Grauns Stück Cleopatra e Cesare am 7. Dezember 1742 uraufgeführt wurde, war das Hofopernhaus, die heutige Staatsoper Unter den Linden, noch nicht einmal fertiggestellt. Der Auftraggeber Friedrich II. hatte es offenbar eilig. Ganze zehn Monate vor der geplanten Fertigstellung drängte der preußische König ohne Rücksicht auf finanzielle und baulogistische Verluste, das von Architekt Georg Wenzeslaus von Knobelsdorff geplante Haus provisorisch zu eröffnen, während die Baustelle hinter den Kulissen, so erzählt man sich, noch lange Zeit im Argen lag.

Mit der Nachhaltigkeit, wie sich noch weisen sollte, nahm man es damals nicht so genau. Nachdem sich das schnell errichtete Opernhaus im Betrieb zum Teil als unpraktisch erwiesen hatte, musste es bereits 1788 zum ersten Mal umgebaut werden. Friedrich Wilhelm II., der Nachfolger Friedrichs II., ließ die Bühne und den Zuschauerraum von Carl Gotthard Langhans, dem Architekten des Brandenburger Tors, rigoros umgestalten. Zum ersten Mal nach 46 Jahren hatten nun auch die Besucher außerhalb des Königshauses die Möglichkeit, Platz zu nehmen und den Vorstellungen sitzend beizuwohnen.

„Opern- und Theaterhäuser waren immer schon spezielle Bauaufgaben, die in der Architektur der Stadt eine besondere Rolle einnahmen“, sagt Andrea Jürges, Kuratorin und stellvertretende Direktorin des Deutschen Architekturmuseums (DAM) in Frankfurt am Main. „Und offenbar sind Kostenüberschreitungen, Bauverzögerungen und Skandale auch damals schon an der Tagesordnung gestanden. Doch es geht auch anders, und daher haben wir uns entschieden, einen Blick auf dieses architektonische Genre zu werfen und unterschiedliche Bauten dieser Art miteinander zu vergleichen.“

Der Staatsoper Unter den Linden in Berlin, die in den vergangenen Jahren generalsaniert und mit einer Anhebung der historischen Saaldecke akustisch ertüchtigt wurde (Foto links), stehen Opernhäuser und Theaterbauten in ganz Europa gegenüber: Gezeigt werden unter anderem der Kulturpalast Dresden, das Düsseldorfer Schauspielhaus, die Elbphilharmonie Hamburg, die Opéra de Lyon, die Philharmonie de Paris, das National Theatre in London, das Shakespeare-Theater in Gdańsk sowie das 2013 nach Plänen des britischen Architekten Terry Pawson sowie der österreichischen Partnerbüros Architektur Consult und Dworschak Mühlbachler Architekten errichtete Musiktheater in Linz (Foto rechts).

„Ein großer Unterschied zwischen damals und heute ist der Kontext zwischen Stadt und fiktiver Welt“, erzählt Jürges. „War es zu Zeiten Wilhelms noch üblich, den Besucher bereits am Haupteingang von der Wirklichkeit abzuschneiden und in eine Fantasiewelt zu entführen, findet der Übergang heute meist erst am Eingang in den Theatersaal statt. Wir beobachten, dass das Foyer und die Pausenräumlichkeiten der neuerrichteten Häuser immer stärker mit dem öffentlichen Raum kommunizieren – manchmal über bewusst gesetzte Stadtfenster, manchmal über großzügig verglaste Fassaden wie etwa im Falle des Linzer Musiktheaters, das selbst schon wie eine Loge in die Stadt wirkt.“

Ein weiterer Wandel liegt im zunehmend größer werdenden Backstagebereich. Früher waren Bühnenraum und Zuschauerbereich meist gleich groß. In den vergangenen Jahrzehnten jedoch wird der für den Besucher unsichtbare Bühnen- und Technikbereich mit Hinter- und Seitenbühnen, die im Betrieb mit wechselndem Repertoire für die Parkierung der Prospekte nötig sind, immer größer und größer. Hinzu kommt, dass ein modernes Opernhaus logistisch reibungslos funktionieren und bereits über diverse Probebühnen und sämtliche Werkstätten verfügen muss.

„Früher, als man Opern- und Theaterstücke noch en suite aufgeführt hat, waren die Theaterwerkstätten meist ausgelagert, oft auch außerhalb der Stadt. So etwas wäre in einem Neubau heute undenkbar. Wer wettbewerbsfähig sein will, der muss den gesamten Betrieb nach Möglichkeit unter einem Dach bündeln.“ Die Berliner Staatsoper beispielsweise wurde im Zuge der Sanierungsarbeiten um eine neue Montage- und Lagerhalle unter dem angrenzenden Bebelplatz erweitert.

Davon kann man sich in der Ausstellung Große Oper, viel Theater? – so der offizielle Titel der kürzlich eröffneten Schau – ein konkretes historisches und zeitgenössisches Bild machen. Anlass für die ungewöhnlich zusammengestellte, lediglich auf Europa fokussierte Ausstellung ist die geplante Neuorganisation der Städtischen Bühnen Frankfurt, die aufgrund ihres teilweise desolaten Zustands hinter den Kulissen in den kommenden Jahren saniert, umgebaut oder auch völlig neu errichtet werden sollen. Über die unterschiedlichen Bauvarianten liegt eine vor wenigen Monaten der Öffentlichkeit präsentierte Machbarkeitsstudie vor, die die Vor- und Nachteile sowie die jeweiligen Bau- und Betriebskosten einander gegenüberstellt.

„Oper, Theater und Bühne sind heute ein viel offenerer und demokratischerer Raum als noch vor zehn oder zwanzig Jahren“, sagt Andrea Jürges. „Es sind öffentliche Gebäude, die den Bürgern der Stadt gehören und auch von ihnen finanziert werden. Daher finde ich die transparente Vorgehensweise der Frankfurter Stadtregierung sehr begrüßenswert. Wir möchten uns an diesem Diskussionsprozess aktiv beteiligen.“ Es ist eine minutiös gestaltete Ausstellung mit Lernpotenzial für Otto Normalverbraucher, aber auch für Auftraggeber und Entscheider.

Nach einigen Termin- und Budgetskandalen rund um deutsche Großprojekte bricht nun eine Zeit der zivilgesellschaftlichen und volkswirtschaftlichen Emanzipation an. So eine bühnenreife Vorgehensweise würde man sich auch für so manch österreichisches Bauvorhaben wünschen.

Der Standard, Sa., 2018.04.07

Mit seinen Wohn-, Kultur- und Bildungsbauten will der 90-jährige Inder nicht zuletzt den Ärmsten in der Gesellschaft dienen

Es war nur eine Frage der Zeit, bis der sogenannte „Nobelpreis der Architektur“, nachdem er 2012 an den chinesischen Architekten Wang Shu vergeben wurde, endlich auch einmal an das zweitbevölkerungsreichste Land der Welt gehen würde. Heuer ist es so weit: Der renommierte, mit 100.000 US-Dollar dotierte Pritzker-Preis 2018 geht an den indischen Architekten Balkrishna Vithaldas Doshi.

Doshi steht seit fast 70 Jahren im Beruf und arbeitete in den 1950er Jahren bereits mit Le Corbusier zusammen. Zahlreiche Fotos aus dieser Zeit – der Schweizer Meister mit Anzug, Hut und Rundbrille, an seiner Seite der noch junge Doshi – zeugen von der intensiven Kooperation. „Ich verdanke diese Auszeichnung nicht zuletzt Le Corbusier, der mich gelehrt hat, Identitäten zu hinterfragen und neue Ansätze für ein ganzheitliches, nachhaltiges Wohnen und Leben zu erarbeiten“, so der Architekt und Stadtplaner, der heute in Ahmedabad lebt.

Doshi ist bekannt für seine an die Moderne angelehnten, oft brutalistischen, in Ziegel und Sichtbeton errichteten öffentlichen Bauten wie Konzerthallen, Universitätsgebäude und Administrationsbauten. Zu seinen wichtigsten Werken zählen das Institut für Indologie (1962, siehe Foto), die Tagore Memorial Hall (1966), die CEPT University (1966), an der er fast 50 Jahre lang weitergebaut hat, die Premabhai Hall (1976), das in grauem Stein errichtete Indian Institute of Management in Bangalore (1977), sein eigenes, 1980 errichtetes Sangath-Studio sowie die unterirdische Kunstgalerie Amdavad Ni Gufa (1994).

Low-Cost-Housing

Gleichzeitig aber, als würden zwei Seelen in seiner Brust schlagen, setzt sich der 90-Jährige, ewig jung Gebliebene schon seit Anbeginn für die Ärmsten in der Gesellschaft ein und entwickelt einfache Konzepte für Low-Cost-Housing – darunter etwa eine Wohnsiedlung für Textilarbeiter in Ahmedabad (1960), eine soziale Wohnhausanlage für die Life Insurance Corporation (1973) sowie die wie ein fröhlicher Punschkrapfen gestrichene Aranya-Siedlung in Indore (1989). „In seinen über 100 realisierten Projekten vereint Doshi die Tradition der indischen Architektur mit lokaler Arbeit, mit Vorfertigung und mit einem Bewusstsein für Geschichte und Kultur“, heißt es im Jury-Statement.

„Meine Arbeit ist eine Art Verlängerung meiner Lebensphilosophie, meines eigenen Körpers, meiner insgeheimen Träume“, sagt Doshi, der von 2005 bis 2007 selbst schon Pritzker-Juror war und den Preis nun vor allem dazu nutzen möchte, die indische Regierung zum Nachdenken anzuregen. „Die Regierung, die Behörden, die Städte und die Entscheidungsträger werden sich nun damit auseinandersetzen müssen, dass es auch so etwas wie gute Architektur gibt.“ Und die, meint der Architekt, der sich selbst 1954 den Eid abgerungen hatte, seine Arbeit nicht nur, aber auch der niedrigsten Einkommensklasse zu widmen, sei essenziell wichtig: „Architektur verwandelt Hütten zu Häusern, Gebäude zu Gesellschaften, und Städte zu Magneten voller Möglichkeiten.“ Der Pritzker-Preis, der bereits seit 1979 jährlich vergeben wird, wird am 16. Mai im Aga Khan Museum in Toronto übergeben.

Der Standard, Do., 2018.03.08

Die Markthalle in Gent ist ein sehr ungewöhnlicher Ort: Unter dem weiten Dach hört man Musik und sagt einander „Hallo“. Der dafür verantwortliche belgische Architekt Paul Robbrecht hält einen Vortrag in Wien.

Am Samstag gibt die Markthalle den Bauern und Verkäuferinnen ein Dach über dem Kopf. Dann füllt sich die 700 Quadratmeter große, gedeckte Fläche neben der Sint-Niklaaskerk mit Verkaufsständen mit Fisch und Fleisch, mit Obst und Gemüse, mit Käse und Schokolade. „Ich mag den Markt sehr, und tatsächlich liegt die Halle, wenn ich am Samstag eine Einkaufsrunde mit dem Rad durch die Stadt mache, genau auf meinem Weg“, sagt Paul Robbrecht, der gemeinsam mit seiner Frau Hilde Daem das belgische Architekturbüro Robbrecht en Daem leitet und das ungewöhnliche Projekt vor ein paar Jahren aus der Taufe gehoben hat.

Bei genauerer Betrachtung jedoch ist die im historischen Zentrum von Gent errichtete Halle weit mehr als nur ein Marktplatz. Die archaische, den umliegenden mittelalterlichen Häusern angepasste Konstruktion mit ihren charakteristischen, auf und ab tanzenden Steildächern dient der Bevölkerung als Treffpunkt, sie dient als Open-Air-Theater, als Bühne für Straßenmusiker und Gaukler, als Live-Übertragungsort für Fußballspiele, als Flohmarkt, als Buchmesse, als Ausstellungsort im Freien. Und sogar einen in den Betonsockel integrierten Kamin gibt es, in dem in der Weihnachtszeit und an besonders kalten Tagen, um den Fußgängern ein warmes Platzerl zu bieten, eingeheizt werden kann.

„Beim flämisch-niederländischen Ministertreffen im November 2016 wurde die Halle einmal als Parkplatz für die schwarzen Audis, BMWs und Mercedes der Regierung genutzt“, erinnert sich Robbrecht. „Mir persönlich ist es aber am liebsten, wenn die Markthalle leer ist und sich einfach nur als Dach über der Stadt, als temporäres Haus für alle präsentiert.“ Ein Phänomen fällt dem Architekten, der das Projekt in Zusammenarbeit mit Marie-José Van Hee Architecten realisierte, besonders auf: „Unter dem Dach passiert es, dass Fremde einander plötzlich grüßen. Und das in einer Großstadt! Ist das nicht wunderbar?“

Paul Robbrecht ist einer der internationalen Gäste beim diesjährigen Architekturfestival Turn On, das kommende Woche am Donnerstag, Freitag und Samstag im ORF-Radiokulturhaus über die Bühne geht. Der heuer bereits zum 16. Mal stattfindende Kongress umfasst mehr als 40 Vorträge und Gesprächsrunden und präsentiert neue Trends und Tendenzen in der Architektur und Stadtplanung – in Österreich, aber auch anderswo. Die Markthalle in Gent steht stellvertretend dafür, wie der öffentliche Raum und das Bauen für die öffentliche Hand im Allgemeinen in den letzten Jahren mehr und mehr an Qualität dazugewonnen haben.

Sensibilität für das Schöne

„In Flandern sind wir in der glücklichen Situation, dass wir auf einem jahrhundertealten Kunst- und Kulturerbe aufbauen können“, sagt Robbrecht. „Wenn man ein Leben lang an Gemälden von Rubens, Bosch, Jan Brueghel, Pieter Bruegel und Jan van Eyck vorbeimarschiert, dann hinterlässt das Spuren, dann entwickelt man notgedrungen eine gewisse Sensibilität für das Schöne – und zwar nicht nur als Architekt, sondern auch als Auftraggeber.“

Bis heute spiele die Kunst in seinem Leben eine große Rolle, meint Robbrecht, der regelmäßig mit nationalen und internationalen Künstlern und Künstlerinnen zusammenarbeitet – etwa mit dem belgischen Maler Benoît van Innis, mit der spanischen Bildhauerin Cristina Iglesias oder mit dem deutschen Maler Gerhard Richter. Eine der schönsten Zusammenarbeiten mit einem Künstler, erinnert sich Robbrecht, war die Planung des Rubensplatzes in der belgischen Nordseestadt Knokke, wo der architektonische Freiraum rund um zwei riesige Lemurenköpfe des Wiener Künstlers Franz West geplant wurde. „Bitte erwähnen Sie dieses Projekt in Ihrem Artikel! Franz West war ein Ausnahmekünstler, und dieser Platz ist von einer inspirierenden, fast überirdischen Schönheit!“

Einer der Gründe für das in Belgien so ausgeprägte Bewusstsein für die Gestaltung der gebauten Umwelt ist nicht zuletzt der sogenannte Vlaams Bouwmeester. Die 1998 eingeführte Instanz – eine Art Staatsarchitekt und fachlicher Bauberater für die öffentliche Hand – kümmert sich um sämtliche mit Steuergeldern finanzierte Bauprojekte und sorgt dafür, dass diese in Form von Wettbewerben nicht nur gesetzes-, sondern auch qualitätskonform realisiert werden. Es liegt in der Verantwortung des Bouwmeesters, für jede Bauaufgabe die jeweils besten und geeignetsten Architekten zu laden und das gesamte Projekt nach bestem Dünken abzuwickeln.

„Die Qualität der öffentlichen Bauten hat in den letzten 20 Jahren dadurch massiv dazugewonnen“, sagt Paul Robbrecht, der die Instanz des Vlaams Bouwmeester mit dem in den Niederlanden eingerichteten Rijksbouwmeester vergleicht. „Aber bei uns sind die Spielregeln noch strenger und die Resultate noch besser. Eigentlich wäre so ein Oberbaumeister in jedem Land wünschenswert. Vielleicht werde ich das beim Turn-On-Festival dazusagen.“ Auch Robbrecht selbst sei schon mal angefragt worden, ob er diese Funktion für ein paar Jahre übernehmen wolle. „Nein, das kommt für mich nicht infrage, denn das wäre ein harter Fulltime-Job. Aber ich … ich will einfach nur bauen.“

Der Standard, Sa., 2018.03.03

Der Pariser Architekturdenker Yona Friedman erhält den österreichischen Friedrich-Kiesler-Preis

In seinem Atelier in der Rue Garibaldi, nur vier Metro-Stationen vom Eiffelturm entfernt, stapeln sich seit Jahrzehnten schon Fotos, Faxe, Zeichnungen, Collagen sowie Draht- und Kartonmodelle utopischer Städte. Es sind Denkmodelle, die dazu beitragen sollen, die Probleme in der oftmals aus allen Nähten platzenden globalen Großstadt in den Griff zu kriegen.

Für die seit 1950 entwickelten Visionen, die in vielen theoretischen Schriften, aber auch in konkreten architektonischen und stadtplanerischen Projekten Niederschlag gefunden haben, wurde der 94-jährige Visionär Yona Friedman mit dem Friedrich-Kiesler-Preis 2018 ausgezeichnet.

„Yona Friedman ist ein Agent auf der Suche nach neuen Lösungen des menschlichen Zusammenlebens im urbanen Raum“, sagt Peter Bogner, Direktor der in Wien beheimateten Friedrich-Kiesler-Stiftung, die den mit 55.000 Euro dotierten Preis biennal vergibt. „Mit seinen Ideen setzt er in unglaublicher Weise in Architektur, Kunst, Soziologie, Ökologie und neuen Medien das fort, womit sich schon Friedrich Kiesler zeit seines Lebens befasste. So wie Kiesler das Endless House in Gedanken errichtete, so baut Friedman seit Ewigkeiten an der endlosen Stadt. Das ist ein enorm essenzieller Beitrag zur Architektur und Stadtplanung in der zweiten Hälfte des 20. Jahrhunderts, und doch hat Friedman nie den Ruhm bekommen, der ihm eigentlich gebührt.“ Das soll sich nun ändern.

Yona Friedman wurde am 5. Juni 1923 in Budapest geboren, wo er an der technischen Hochschule Architektur studierte. Er flüchtete während des Studiums nach Israel, um seine Ausbildung fortzusetzen. 1956 präsentierte er auf dem Congrès International d’Architecture Moderne in Dubrovnik sein Konzept einer mobilen Architektur. 1957 zog er nach Paris, wo er bis heute lebt. Kurz darauf veröffentlichte er das Manifest L’Architecture Mobile und gründete die Groupe d’etude d’architecture mobile. Zu seinen wichtigsten Projekten zählt die Ville Spatiale.

Über den Dächern

Anders als bei seinen Zeitgenossen Le Corbusier, Archigram und den japanischen Metabolisten, die historische Stadt am liebsten abgerissen und neu gebaut hätten, handelte es sich bei der „Räumlichen Stadt“ – so die wörtliche Übersetzung – niemals um einen Ersatz der historisch gewachsenen Metropole, sondern immer nur um eine Ergänzung, um eine dreidimensionale Struktur über den Dächern.

Damit hat Friedman schon früh vorweggenommen, was sich in den Achtziger- und Neunzigerjahren in der europäischen Großstadt in Form von Dachgeschoßausbauten und Aufstockungen als Realität erweisen sollte. „Ich glaube, dass Ideen wichtiger sein können als die Objekte selbst“, sagt Friedman, der an der Harvard University, an der Princeton University sowie am Massachusetts Institute of Technology (MIT) lehrte und bis heute publizistisch tätig ist. „Eine Auffassung, die 2500 Jahre zurückreicht, aber oft vergessen wird.“ Nun wird genau dieser Ansatz gebührend gewürdigt. Der Preis soll am 5. Juni, am 95. Geburtstag Friedmans, in Wien überreicht werden.